saison 16-17
Société des Concerts de Fribourg
103e année
Sous les auspices de la Direction de l’Instruction Publique,
de la Culture et du Sport du Canton de Fribourg
et de la Commission Culturelle de la Ville de Fribourg.
Avec le soutien de l’Agglomération Fribourgeoise
et de la Loterie Romande.
PROGRAMME
DES CONCERTS D’ABONNEMENT
Saison 2016 – 2017
Salle Équilibre
et Aula Magna de l’Université
Fribourg
La Société des Concerts se réserve le droit d’apporter à ce programme
les modifications imposées par les circonstances.
Les programmes détaillés des concerts se trouvent aussi sur Internet :
www.concertsfribourg.ch
PRIX DES ABONNEMENTS
Catégorie I :
Catégorie II :
Catégorie III :
Jeunes jusqu’à 25 ans :
440.– Fr.
380.– Fr.
310.– Fr.
140.– Fr. (prix unique)
Location individuelle pour chaque concert : 10 jours avant la date du concert
PRIX DES BILLETS
Catégorie I :
70.– Fr.
Catégorie II :
60.– Fr.
Catégorie III :
50.– Fr.
Jeunes jusqu’à 25 ans et porteurs de la CarteCulture — KulturLegi de Caritas :
25.– Fr. (prix unique)
Porteurs de la carte de collégien : 15.- Fr. (uniquement à la caisse du soir)
Billet collectif (minimum 7 personnes) à commander auprès de la Société des
Concerts de Fribourg au moins 10 jours avant la date de chaque concert :
Sous réserve des places disponibles ; détails sur demande.
BUREAUX DE LOCATION
Pour les concerts à Équilibre
(réservation et vente) :
Pour les concerts à l’Aula de l’Université
(pas de réservation, uniquement vente) :
Fribourg Tourisme et Région
(au guichet de la billetterie)
Place Jean-Tinguely 1
1701 Fribourg
Ouvert
lundi à vendredi de 9 h. 00 à 18 h. 00,
samedi de 9 h. 00 à 12 h. 30.
Tél. 026 350 11 00
Fax 026 350 11 12
[email protected]
http://www.fribourgtourism.ch
Manor
(service clients au 5e étage)
Rue de Romont 30
1700 Fribourg
Horaire selon ouverture du magasin
Tél. 026 350 66 99
http://www.manor.ch/fr/u/store/FRI
http://www.manor.ch/de/u/store/FRI
SOCIÉTÉ DES CONCERTS DE FRIBOURG
Chemin des Platanes 4
CH-1700 Fribourg
Tél. 026 466 82 31
Courriel : [email protected]
Site Internet : www.concertsfribourg.ch
Compte postal : 17-003505-9
Les concerts de la saison
Date
Lieu
Interprètes
page
Mardi
11.10.2016
Équilibre
Orchestre des Pays de Savoie
Nicolas Chalvin, direction
Jeudi
20.10.2016
Aula *
Orchestre de chambre de Lausanne
Santtu-Matias Rouvali, direction
Louis Schwizgebel, piano
15
Jeudi
27.10.2016
Aula
Camerata de Salzbourg
Kit Armstrong, piano
25
Mercredi
09.11.2016
Équilibre *
Orchestre symphonique de Berne
Philippe Bach, direction
Fazil Say, piano
33
Samedi
07.01.2017
Aula
Concert surprise du Nouvel An
à 17 h. 00
41
Mardi
07.02.2017
Équilibre
Quatuor Sine Nomine
Patrick Genet et François Gottraux, violons
Hans Egidi, alto
Marc Jaermann, violoncelle
43
Jeudi
09.03.2017
Équilibre
Andrew Tyson
1er prix du concours Geza Anda 2015
Récital de piano
51
Vendredi
28.04.2017
Équilibre *
Philharmonie de Moravie
Gudni Emilsson, direction
57
Samedi
13.05.2017
Équilibre * Orchestre de chambre de Bâle
Trevor Pinnock, direction
Rafał Blechacz, piano
concert à 19 h. 00
63
Vendredi
26.05.2017
Aula
Orchestre de la Suisse Romande
Alexander Shelley, direction
Valeriy Sokolov, violon
concert à 19 h. 30
73
*
présentation du concert 1 heure avant le début
à l’Institut de Musicologie ou au 7e étage d’Équilibre
7
Le billet de la Présidente
Du récital aux grands concerts symphoniques et à la musique de chambre, la centtroisième saison musicale de la Société des Concerts de Fribourg emmènera ses
auditeurs, à Équilibre et à l’Aula Magna de l’Université, sur des chemins sonores à
découvrir. D’octobre 2016 à mai 2017, la programmation exceptionnelle de nos dix
concerts accueillera des artistes et des ensembles d’excellence, d’ici et d’ailleurs.
Le répertoire choisi commencera par un concert consacré entièrement au Septième
Art.
Ensemble, le Comité et vous, cher public abonné, nous souhaiterons la bienvenue à Fribourg à Nicolas Chalvin, Santtu-Matias Rouvali, Louis Schwizgebel, Kit
Armstrong, Andrew Tyson, Gudni Emilsson avec la Philharmonie de Moravie, et
Alexander Shelley. Nous saluerons chaleureusement une nouvelle visite à Fribourg
de Philippe Bach, de Fazıl Say, du Quatuor Sine Nomine, de Trevor Pinnock, de
Rafał Blechacz, de Valeriy Sokolov, ainsi que de plusieurs ensembles, l’Orchestre
des Pays de Savoie, l’Orchestre de chambre de Lausanne, la Camerata de Salzbourg,
l’Orchestre symphonique de Berne, l’Orchestre de chambre de Bâle et l’Orchestre
de la Suisse Romande.
Ai-je oublié quelqu’un ? Ah oui, le concert surprise du samedi 7 janvier ! Il se dévoilera comme un cadeau de nouvelle année.
Une nouveauté est programmée pour les écoliers de Fribourg entre 13 et 15 ans :
ce sera une présentation scolaire sur le thème des musiques de film, l’après-midi
précédant notre premier concert de la saison. Il serait heureux de pouvoir refaire
cette expérience, la demande dépassant la capacité d’accueil d’Équilibre, mais nos
moyens actuels ne nous le permettent pas…
La saison passée, cher public, vous avez occupé en tout presque cinq mille places,
soit à Équilibre, soit à l’Aula Magna, pour partager des moments musicaux intenses
lors de nos dix concerts. Une nouvelle fois, pour 2016-2017, par un engagement sans
compter, votre comité espère être digne à la fois de l’héritage de ses prédécesseurs
et de votre fidélité, en vous offrant le meilleur de ces moments privilégiés de partage, d’émotion, de beauté et de joie de vivre, dont la musique détient le message
charmeur.
Belle saison musicale à vous tous !
Barbara Senn Danecka
4
Die Botschaft der Präsidentin
Vom Rezital über Kammermusik bis zu grossen Symphoniekonzerten, die hundertdritte Saison der Musikgesellschaft Freiburg nimmt ihre Zuhörer im Équilibre und
in der Aula Magna der Universität auf Klangpfaden mit, die es zu entdecken gilt.
Von Oktober 2016 bis Mai 2017 treten in unseren zehn Konzerten hervorragende
Künstler und Ensembles aus der Schweiz und dem Ausland auf. Die Programmauswahl beginnt mit einem Konzert, das ganz der Filmmusik gewidmet ist.
Zum ersten Mal in Freiburg begrüssen wir Nicolas Chalvin, Santtu-Matias Rouvali,
Louis Schwizgebel, Kit Armstrong, Andrew Tyson, Gudni Emilsson mit der Mährischen Philharmonie, sowie Alexander Shelley. Und wir freuen uns, dass zahlreiche Künstler wieder zu uns nach Freiburg kommen: Philippe Bach, Fazıl Say, das
Quartett Sine Nomine, Trevor Pinnock, Rafał Blechacz, Valeriy Sokolov und das Orchestre des Pays de Savoie, das Orchestre de chambre de Lausanne, die Camerata
Salzburg, das Berner Symphonieorchester, das Kammerorchester Basel und das
Orchestre de la Suisse Romande.
Habe ich jemanden vergessen? Ja, natürlich: Unser Neujahrsgeschenk, das Konzert
vom 7. Januar, soll eine Überraschung bleiben.
Für die Freiburger Schulkinder zwischen 13 und 15 Jahren gibt es etwas Neues: Ihnen wird das Thema Filmmusik in einer Veranstaltung am Nachmittag vor unserem
ersten Konzert nähergebracht. Wir würden gerne mehrere solche Schulkonzerte
veranstalten, da der Saal des Équilibre nicht gross genug für alle ist, die Interesse
dafür zeigen. Aber leider erlauben das die uns jetzt zur Verfügung stehenden Mittel
nicht.
Zählt man die Zuhörer der Konzerte der vergangenen Saison zusammen, so haben
Sie, liebes Publikum, fast fünftausend Plätze eingenommen, teils im Équilibre, teils
in der Aula Magna, um eindrückliche musikalische Momente in den zehn Konzerten der vergangenen Saison zu geniessen. Auch für die Saison 2016-2017 hoffen
wir, dass der Vorstand sich des Erbes seiner Vorgänger und der Treue des Publikums würdig erweist und Ihnen durch seinen unermüdlichen Einsatz ermöglicht,
an wunderbaren Momente der Ergriffenheit, der Schönheit und der Lebensfreude
teilzuhaben, die uns der Zauber der Musik vermitteln kann.
Ich wünsche Ihnen allen eine schöne Konzertsaison!
Barbara Senn Danecka
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Nos concerts sont réalisés avec le soutien de
Nos vifs remerciements à
Villars Maître Chocolatier SA
pour ses cadeaux gourmands,
et à
hertigfleurs.ch
pour ses charmants bouquets.
Ein besonderer Dank gilt Herrn
Paul Lahme,
der während vieler Jahre unsere Klaviere gestimmt
und hervorragend betreut hat und dies auch in seinem
Ruhestand weiterhin tun wird.
Nous remercions aussi tous les sponsors.
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Mardi 11 octobre 2016
Salle Équilibre à 20 h. 00
L’ORCHESTRE DES PAYS DE SAVOIE
DIRECTION : NICOLAS CHALVIN
MUSIQUE DE FILMS
SAMUEL BARBER
ADAGIO POUR CORDES, OP. 11 (1938)
(1910 – 1981)
BERNARD HERRMANN
PSYCHO – PSYCHOSE, POUR CORDES (1960),
VERSION RECONSTITUÉE PAR JOHN M AUCERI EN 1990
(1911 – 1975)
GEORGES DELERUE
LE MÉPRIS, THÈME DE CAMILLE (1963)
(1925 – 1992)
NINO ROTA
CONCERTO PER ARCHI – CONCERTO POUR CORDES
(1964/65)
(1911 – 1979)
I. Preludio. Allegro ben moderato e cantabile –
II. Scherzo. Allegro comodo –
III. Aria. Andante quasi adagio –
IV. Finale. Allegrissimo
G. F. H ÆNDEL
SUITE N° 4 EN RÉ MINEUR, HWV 437 (1703/06)
Sarabande
(1685 – 1759)
TÔRU TAKEMITSU
THREE FILM SCORES (1995), EXTRAITS
(1930 – 1996)
K ARL JENKINS
PALLADIO (1995) : Allegretto
(*1944)
LOU HARRISON
NEW FIRST SUITE (1960) : Nocturne
(1917 – 2003)
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11. 10. 2016
1er concert
L’Orchestre des Pays de Savoie
Depuis sa fondation en 1984, l’Orchestre des Pays de Savoie a pour vocation de se
produire, non pas dans un lieu de concert unique, mais sur l’ensemble des scènes de
la Région Rhône-Alpes, ainsi que dans les salles de concert les plus prestigieuses.
De Boëge à l’Auditorium de Lyon, de Lanslebourg à la Salle Gaveau à Paris, de la
Grange au Lac à Évian au Victoria Hall de Genève, ou encore à la salle Tchaïkovski
à Moscou, ce sont ainsi des milliers d’auditeurs qui vibrent au rythme de la musique
classique lors de plus de 80 concerts chaque année. Sa disponibilité, son rayonnement et son engagement artistique font également de l’Orchestre des Pays de Savoie
l’invité privilégié de nombreux festivals d’été, tels le Festival Berlioz à la CôteSaint-André, les Rencontres Musicales d’Évian, les Arts Jaillissants à Montsapey,
ou les Estivales du Château de Clermont. Sous l’impulsion de Nicolas Chalvin depuis 2009, l’Orchestre des Pays de Savoie aborde un répertoire varié, de Bach aux
créations les plus contemporaines.
Il joue avec la complicité de solistes et chanteurs internationaux (François-Frédéric Guy, Renaud Capuçon, Tedi Papavrami, Anne Gastinel, ou encore avec Sophie
Karthäuser, Karine Deshayes ou Marianna Pizzolato), n’hésitant pas à étoffer ses
couleurs orchestrales en collaborant avec d’autres ensembles, tels l’Orchestre de
Chambre de Genève, l’Orchestre symphonique de Mulhouse ou les Chœurs et Solistes de Lyon. Tous animés par le désir de transmettre leur passion musicale, les 23
musiciens permanents (19 cordes, 2 hautbois, 2 cors) s’investissent également dans
leur mission pédagogique lors de multiples concerts et actions de sensibilisation,
que ce soit dans les écoles de musique, les maisons de retraite, en milieu scolaire,
carcéral ou hospitalier : précisément, l’après-midi du jour de ce concert, l’Orchestre aura donné une scolaire pour près de 600 élèves fribourgeois. Volontairement
tourné vers l’avenir, l’Orchestre des Pays de Savoie s’illustre par ailleurs au gré
d’événements et de concerts innovants, qui élargissent les frontières du genre, tels
le concert au sommet du Mont-Blanc, les moments musicaux autour de l’œnologie
et de la gastronomie, ou encore sa participation au livre-disque Un jour au concert
avec les Bidochon, qui mêle humour et musique classique. Les liens privilégiés qu’il
crée avec ses spectateurs, ce profond attachement territorial, sa démarche novatrice
permettent à l’Orchestre des Pays de Savoie de fédérer autour de lui les entreprises
de la Région à travers son Club d’entreprises mécènes Amadeus et tous les passionnés de musique, cela grâce à son Cercle des Amis. L’Orchestre des Pays de Savoie
est soutenu par l’Assemblée des Pays de Savoie, le Ministère de la Culture et de la
Communication (DRAC Rhône-Alpes), la Région Rhône-Alpes et son club d’entreprises mécènes Amadeus.
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Nicolas Chalvin, chef d’orchestre
Actuel directeur musical de l’Orchestre des Pays de Savoie, Nicolas Chalvin a mené une brillante
carrière d’instrumentiste, avant
de se consacrer pleinement à la
direction d’orchestre. La carrière
de Nicolas Chalvin commence
au sein de grandes formations
symphoniques, notamment à
l’Orchestre national de Lyon et
à l’Orchestre philharmonique du
Luxembourg. Riche de son expérience de musicien d’orchestre,
sa rencontre avec Armin Jordan
marque un tournant décisif dans
sa carrière musicale, et on le retrouve très vite à la direction musicale de productions
lyriques et chorégraphiques au Grand Théâtre de Genève, à l’Opéra de Lausanne ou
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11. 10. 2016
Das Orchestre des Pays de Savoie wurde 1984 gegründet. Jedes Jahr erfreut es mit
über 80 Konzerten klassischer Musik nicht nur die Zuhörer seiner näheren Heimat,
sondern auch in der gesamten Region Rhône-Alpes und in Paris. Auch seine Auftritte im Ausland beschränken sich nicht auf die nähere Umgebung, wie etwa Genf,
sondern das Orchester hat auch im Moskauer Tschaikowski-Saal und im Théâtre
Mohammed V in Rabat gespielt.
Seit 2009 spielt das Orchester unter der Leitung von Nicolas Chalvin. In seinem
reichhaltigen Repertoire, das vom Barock in die Gegenwart reicht, arbeitet das
Orchester auch mit international renommierten Instrumental- und Gesangssolisten zusammen, wie etwa François-Frédéric Guy, Renaud Capuçon, Tedi Papavrami,
Anne Gastinel, Sophie Karthäuser, Karine Deshayes und Marianna Pizzolato. Auch
gemeinsame Konzerte mit anderen Ensembles wie dem Genfer Kammerorchester,
dem Symphonieorchester Mülhausen und Chören stehen auf dem Programm.
Die 23 permanenten Musiker des Orchesters engagieren sich auch in der musikalischen Bildung der Jugend und bei Konzerten in Heimen, Spitälern und Gefängnissen. Und das Orchester sprengt manchmal den Rahmen des klassischen Konzertbetriebs, etwa mit einem Konzert auf dem Gipfel des Mont-Blanc oder musikalischen Momenten rund um Önologie und Gastronomie. So hat es auch bei der
Realisierung des CD-Buchs Un jour au concert avec les Bidochon mitgewirkt, das
Humor und klassische Musik miteinander verbindet.
Das Orchestre des Pays de Savoie wird nicht nur von der Assemblée des Pays de
Savoie, dem Kultur- und Kommunikationsministerium und der Region Rhône-Alpes
unterstützt, sondern es hat auch seinen eigenen Club von Mäzenen Amadeus.
encore à l’Opernhaus de Zurich. Il est l’invité régulier de phalanges orchestrales en
France et à l’étranger (Orchestre philharmonique de Radio-France, Orchestre São
Carlo de Lisbonne, Orchestre philharmonique de Strasbourg).
Directeur musical de l’Orchestre des Pays de Savoie depuis 2009, Nicolas Chalvin
parcourt avec aisance le répertoire pour orchestre, des premiers classiques aux œuvres les plus récentes, chérissant particulièrement la musique française. Menant
l’Orchestre des Pays de Savoie sur les grandes scènes musicales, sa curiosité et sa
créativité permettent à cet ensemble d’explorer toute la diversité du répertoire pour
orchestre et de s’investir dans des projets musicaux d’envergure (Festival Berlioz
à la Côte-Saint-André, Musique à la Grange au Lac à Évian). Son goût pour la recherche de répertoires oubliés l’a amené à enregistrer plusieurs œuvres avec le label
Timpani, dont Reynaldo Hahn (Orchestre des Pays de Savoie, 2015) et Aucassin et
Nicolette de Paul Le Flem (Orchestre des Pays de Savoie, 2011) ou encore Sophie
Arnould de Gabriel Pierné (Orchestre philharmonique du Luxembourg), opéra salué par la critique et nominé aux BBC Awards en 2008.
Der Dirigent Nicolas Chalvin begann seine musikalische Laufbahn nach dem Studium am Nationalen Konservatorium Lyon als Oboist beim Radiosymphonieorchester Basel, beim Nationalorchester Lyon und beim Philharmonischen Orchester
Luxemburg. Die Begegnung mit Armin Jordan und die Arbeit als dessen Assistent
gab seiner Karriere eine entscheidende Wende: Er dirigierte Opern- und Ballettproduktionen in Lausanne, Genf und Zürich und wurde von mehreren Orchestern
in Frankreich und im Ausland als Gastdirigent eingeladen. Seit 2009 ist er musikalischer Leiter des Orchestre des Pays de Savoie, mit dem er nicht nur bekannte
Werke aufführt, sondern auch ein weniger bekanntes Repertoire dem Publikum
näher bringt. Dieses Ziel verfolgt er auch mit seinen Aufnahmen beim Label Timpani, unter denen sich Werke von Camille Saint-Saëns, André Jolivet, Frank Martin
und Reynaldo Hahn sowie die Opern Sophie Arnould von Gabriel Pierné und Aucassin et Nicolette von Paul le Flem finden.
2015 wurde Nicolas Chalvin zum Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres ernannt.
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Né en Pennsylvanie et mort à New York, élève du Curtis Institute de Philadelphie, titulaire de nombreux prix, dont le Prix Pulitzer et le Prix Guggenheim, Samuel Barber fut l’auteur de deux symphonies, d’un ballet, d’un opéra, de plusieurs
concertos, de pièces de musique de chambre, de cycles de mélodies. Sa musique, au
lyrisme spontané, d’esprit néoromantique, emprunte plus aux traditions européennes qu’à celles de son propre pays. Elle n’est qu’exceptionnellement « américaine »,
comme celle d’un Aaron Copland ou d’un Elliott Carter, par exemple, et fut souvent
jugée académique. L’œuvre de Samuel Barber, malgré de brèves incursions dans un
langage volontiers dissonant, avec des tentatives de polytonalités, voire de dodécaphonisme, aura évité de trop grandes audaces, se cantonnant généralement dans
un juste milieu assez impersonnel et, surtout, faussement actuel. Sa musique n’en
conserve pas moins une dimension fondamentalement classique que l’auteur voulait
au service de l’expression la plus directe.
En décembre 1936, au cours d’un séjour à Rome, Samuel Barber donna, par les
soins du Quatuor ProArte, la première de son Quatuor à cordes n° 1, op. 11 (composé près de Salzbourg), dont il décida peu après de transcrire le mouvement lent
pour grand orchestre à cordes. Cet Adagio fut créé en 1938 par Arturo Toscanini et
l’Orchestre de la NBC qui lui donnèrent la popularité que l’on sait, en même temps
qu’un Essay for Orchestra du même auteur, mais qui n’a pas survécu. C’est un
thème de départ assez austère, qui donne lieu à son amplification par les différents
pupitres de cordes, jusqu’à atteindre l’irrésistible acmé, soit un sommet d’intensité
et un apogée d’expressivité, avant le retour conclusif au silence. C’est une musique
tendue de passion contenue dont l’écriture, certes habile, s’avère toutefois dénuée
d’originalité. (D’après François-René Tranchefort, 1986)
Das Adagio für Streicher von Samuel Barber ist eine Orchesterfassung des langsamen zweiten Satzes seines Streichquartetts Nr. 1, op. 11, das Barber 1936 komponierte, als er sich dank einem Stipendium in Europa aufhielt. Die Orchesterfassung
wurde 1938 vom NBC-Orchester unter der Leitung Arturo Toscaninis uraufgeführt
und ist das bekannteste Werk des amerikanischen Neuromantikers. Aus volltönenden, lange gehaltenen Akkorden erhebt sich allmählich eine Melodie, wird durch
ihre Übernahme durch die verschiedenen Register immer stärker, bis sie ihren Höhepunkt erreicht, um dann wieder leiser und leiser zu werden und schliesslich ganz
zu verklingen. Diese Musik drückt ein tiefes, kaum zu ertragendes Gefühl aus, eine
eigentümliche Mischung aus unsagbarer Trauer und grosser Feierlichkeit.
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11. 10. 2016
L’Adagio pour cordes de Samuel Barber
Le Concerto pour cordes de Nino Rota.
Giovanni ou « Nino » Rota Rinaldi écrivit ses premières partitions pour le cinéma
dès 1933 pour Treno popolare de Raffaelo Matarazzo, puis pour Zazà, 1944, film
réalisé par Renato Castellani. Il travailla aussi pour Edgar G. Ulmer, Alberto Lattuada, Henry Cass, Luigi Comencini, Terence Young et Henri Verneuil. Il fit la
connaissance du réalisateur Federico Fellini, alors que celui-ci travaillait sur son
premier film, Lo Sceicco bianco – Le Cheik blanc (1952). Ce fut le début de nombreuses collaborations entre le réalisateur et le compositeur, comme pour I Vitelloni
– Les Inutiles (1953), La strada (1954), La Dolce vita (1969). La bande sonore du
film Otto e mezzo – Huit et demi (1963) est, par exemple, souvent citée comme un
des éléments les plus marquants du film, qui lui donne une certaine « cohérence ».
Il est aussi l’auteur de la musique du Satyricon (1969), d’Amarcord (1973) et de Il
Casanova di Federico Fellini – Casanova de Fellini (1976). Son dernier travail
avec Fellini est Prova d’orchestra – Répétition d’orchestre (1978), un de ses chefsd’œuvre. La relation Rota–Fellini a été si importante qu’aux funérailles d’État à
Rome auxquelles Fellini a eu droit en novembre 1993, le célèbre trompettiste italien
Mauro Maur joua devant une foule immense l’œuvre L’Improvviso dell’Angelo de
Nino Rota.
Parmi les partitions les plus célèbres de Nino Rota, citons également celles de Godfather – Le Parrain (1972), qui comprend un motif musical proche du thème de La
Force du Destin de Verdi et de Mario Puzo’s The Godfather : Part II – Le Parrain
II, films réalisés par Francis Ford Coppola, et de Romeo e Giulietta – Roméo et Juliette (1968), réalisé par Franco Zeffirelli ou celles de Il Gattopardo – Le Guépard
(1963) ou de Rocco e i suoi fratelli – Rocco et ses frères (1960) de Luchino Visconti.
En dehors de ses travaux pour le septième art, Nino Rota a également composé dix
opéras, cinq ballets et beaucoup d’autres œuvres instrumentales, dont quatre symphonies et une douzaine de concertos, parmi lesquels son Concerto per archi, de
1964/65, révisé en 1977. (D’après Wikipedia)
Das Konzert für Streicher von Nino Rota entstand 1964/65 und ist das Werk eines Komponisten, der hauptsächlich durch seine Filmmusik bekannt geworden ist:
Nach der Musik zum Film Treno popolare von Raffaello Matarazzo (1933) und weiteren Kompositionen zu Filmen von Renato Castellani, Edgar G. Ulmer, Alberto Lattuada, Henry Cass, Luigi Comencini, Terence Young und Henri Verneuil machte er
Bekanntschaft mit Federico Fellini und schrieb die Musik zu dessen erstem Film Der
weisse Scheich (1952). In der Folge komponierte er die Musik zu zahlreichen weiteren Filmen Fellinis, zuletzt zu Orchesterprobe (1978). Auch für Franco Zeffirelli und
Luchino Visconti hat Nino Rota Filmmusik geschrieben. Man findet unter seinen
Kompositionen aber auch zehn Opern, fünf Ballette, Messen und andere geistliche
Chorwerke sowie vier Symphonien und ein Dutzend Instrumentalkonzerte.
12
Barry Lyndon (1975), le film de Stanley Kubrick contient, entre autres pièces musicales, des arrangements tirés de Bach, Vivaldi, Paisiello, Mozart et Schubert. Mais
la musique la plus célèbre du film est un arrangement orchestral de la Sarabande
tirée de la Suite en ré mineur pour clavecin de Haendel, jouée de façon très romantique par un orchestre à cordes, un clavecin et des timbales. La pièce apparaît dans
le début et dans le générique du film, ainsi que dans plusieurs passages associée à
l’action implacable du destin aveugle. (D’après Wikipedia)
Die Sarabande aus der Cembalosuite in d-Moll von Georg Friedrich Händel ist
mehrfach als Filmmusik verwendet worden, unter anderem zu Stanley Kubricks
Film Barry Lyndon, wo sie in mehreren Passagen des Films auftritt. Diese sehr romantische Fassung für Streichorchester, Cembalo und Pauken illustriert den unerbittlichen Lauf des blinden Schicksals.
Chaque musique de film sera commentée directement par le chef d’orchestre.
Jede Filmmusik des Programms wird direkt vom Dirigenten kommentiert.
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11. 10. 2016
La Sarabande tirée de la Suite en ré mineur pour clavecin de Georg Friedrich
Haendel
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2e concert
Jeudi 20 octobre 2016
Aula Magna de l’Université à 20 h. 00
Présentation à 19 h. 00 au Pavillon de l’Institut de Musicologie
20. 10. 2016
L’ORCHESTRE DE CHAMBRE
DE LAUSANNE
DIRECTION : SANTTU-MATIAS ROUVALI
SOLISTE : LOUIS SCHWIZGEBEL, PIANO
S. PROKOFIEV
SYMPHONIE N° 1 EN RÉ MAJEUR, OP. 25,
DITE « SYMPHONIE CLASSIQUE » (1916/17)
(1891 – 1953)
Allegro
Larghetto
Gavotta. Non troppo allegro
Finale. Molto vivace
C. SAINT-SAËNS
CONCERTO POUR PIANO N° 2 EN SOL MINEUR,
OP. 22 (1868)
(1835 – 1921)
Andante sostenuto
Allegro scherzando
Presto
L. V. BEETHOVEN
SYMPHONIE N° 2 EN RÉ MAJEUR, OP. 38 (1801/2)
(1770 – 1827)
Adagio molto – Allegro con brio
Larghetto
Scherzo. Allegro
Finale. Allegro molto
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L’Orchestre de chambre de Lausanne
Formation de renommée internationale, l’Orchestre de chambre de Lausanne (OCL)
donne près de cent concerts chaque saison, à la Salle Métropole de Lausanne, son
lieu de résidence, ainsi qu’en Suisse et à l’étranger. On peut ainsi l’entendre au
Théâtre des Champs-Élysées et à la Salle Pleyel de Paris, à l’Alte Oper de Francfort,
à l’Accademia Nazionale di Santa Cecilia de Rome, au Musikverein de Vienne, au
Théâtre Mariinsky de Saint-Pétersbourg, mais aussi lors de festivals comme les
BBC Proms de Londres, le Festival George Enescu de Bucarest, le Festival Mstislav
Rostropovitch de Moscou ou encore le Festival d’Istanbul.
Fondé en 1942 par Victor Desarzens, l’OCL a travaillé avec de grandes figures du
monde musical : les chefs Ernest Ansermet, Günter Wand, Paul Hindemith, Charles
Dutoit, Neeme Järvi, ou bien encore Jeffrey Tate, ainsi que des solistes, tels que
Isaac Stern, Anne-Sophie Mutter, Radu Lupu ou Martha Argerich. En près de septante-cinq ans d’existence, il n’a connu que six directeurs artistiques : Victor Desarzens (1942-1973), Armin Jordan (1973-1985), Lawrence Foster (1985-1990), Jesús
López Cobos (1990-2000), Christian Zacharias (2000-2013) et Joshua Weilerstein
à partir de la saison 2015-2016. Bertrand de Billy est actuellement le principal chef
invité de l’OCL.
La riche discographie de l’OCL lui attire souvent les éloges de la presse internationale. L’intégrale des Concertos pour piano de Mozart, joués et dirigés par Christian
Zacharias, a été réalisée entre 2000 et 2012 pour le label MDG et a récolté une
quarantaine de distinctions internationales. Plus récemment, une nouvelle collaboration est née avec Outhere Music. Après une intégrale remarquée des Concertos
pour clarinette de Louis Spohr enregistrés sous les doigts et la direction de Paul
Meyer, en 2012, et un CD Schönberg avec Heinz Holliger, paru en 2013, la Symphonie en ré majeur de Luigi Cherubini dirigée par Bertrand de Billy vient d’être
publiée par MDG.
Partenaire de l’Opéra de Lausanne, l’OCL se produit en fosse très régulièrement.
Il développe enfin ses activités en direction de la jeunesse, en proposant divers
concerts scolaires et publics et en collaborant avec différentes Hautes Écoles de
sa ville hôte (Haute École de Musique de Lausanne et Haute École de Théâtre de
Suisse Romande). Subventionné par la Ville de Lausanne et le Canton de Vaud,
l’Orchestre de chambre de Lausanne fait partie de l’Association Suisse des orchestres professionnels. Ses concerts, enregistrés par la chaîne de radio Espace 2, partenaire privilégié depuis ses débuts, sont également mis à la disposition du public en
écoute à la demande sur www.espace2.ch.
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20. 10. 2016
Das Orchestre de chambre de Lausanne, 1942 vom Geiger und Dirigenten Victor
Desarzens gegründet, ist heute ein international renommiertes Ensemble, das mit
seinen etwa vierzig Mitgliedern jedes Jahr fast hundert Konzerte in Lausanne, in
anderen Schweizer Städten und im Ausland gibt. Man kann das OCL im Théâtre des
Champs-Élysées und in der Salle Pleyel in Paris hören, aber auch im Wiener Musikvereinssaal oder in der Alten Oper Frankfurt.
Nach Victor Desarzens, Armin Jordan, Lawrence Foster und Jesús López-Cobos war
von 2000 bis 2013 Christian Zacharias künstlerischer Leiter des Orchesters, seit der
Saison 2015-2016 nimmt der amerikanische Geiger und Dirigent Joshua Weilerstein
diese Stellung ein. Das OCL hat aber seit seiner Gründung auch unter zahlreichen
Gastdirigenten gespielt hat, so zum Beispiel unter Ernest Ansermet, Günter Wand,
Paul Hindemith, Charles Dutoit, Neeme Järvi und Jeffrey Tate. Neben seinen Konzerten spielt das OCL auch regelmässig im Orchestergraben der Lausanner Oper
und arbeitet mit der Haute École de Musique de Lausanne und der Haute École de
Théâtre de Suisse Romande zusammen.
Die zahlreichen CD-Aufnahmen des OCL werden in der internationalen Presse gelobt. So hat die bei MDG erschienene Gesamtausgabe der Klavierkonzerte Mozarts
mit Christian Zacharias als Dirigent und Solist, aufgenommen in den Jahren 2000
bis 2012, über vierzig Auszeichnungen erhalten. Im Rahmen der Zusammenarbeit
mit dem Label Outhere Music erschien 2012 eine vielbeachtete Aufnahme der Klarinettenkonzerte Louis Spohrs mit Paul Meyer als Solist und Dirigent. 2013 wurde
eine CD mit Werken von Arnold Schönberg aufgenommen, wobei Heinz Holliger
das OCL dirigierte. Die jüngste CD ist bei MDG erschienen und enthält Werke von
Beethoven und Cherubini; Dirigent ist Bertrand de Billy, der Hauptgastdirigent des
OCL.
Ein wichtiger Partner des OCL ist Radio Suisse Romande: Die meisten Konzerte des
OCL werden für spätere Sendungen aufgenommen, wenn sie nicht direkt von Espace 2 übertragen werden.
Santtu-Matias Rouvali, chef d’orchestre
Santtu-Matias Rouvali est chef principal de
l’Orchestre philharmonique de Tampere et
principal chef invité de l’Orchestre philharmonique de Copenhague. Il est en outre invité
par de nombreux orchestres du monde entier,
dont le Bamberg Symphoniker, l’Indianapolis Symphony Orchestra, le Philharmonia
Orchestra, l’Orchestre philharmonique de
Radio France, l’Orchestre symphonique de
Tokyo. Il a gravé les Concertos pour guitare
d’Hakola et Hosokawa avec Timo Korhonen
et l’Orchestre symphonique d’Oulu, et les Concertos pour violon de Nielsen et de
Sibelius avec Baiba Skride et l’Orchestre philharmonique de Tampere. À l’Opéra,
Santtu-Matias Rouvali a dirigé Carmen de Bizet, Die Zauberflöte de Mozart et La
forza del destino de Verdi à l’Opéra de Tampere.
Der Dirigent Santtu-Matias Rouvali hat Perkussion an der Sibelius-Akademie in
Helsinki studiert und trat 2007 in die Dirigentenklasse von Leif Segerstam ein. Weitere Studien als Dirigent absolvierte er bei Jorma Panula und Hannu Lintu. Seit
August 2013 ist er musikalischer Leiter des Philharmonischen Orchesters Tampere;
ausserdem ist er Hauptgastdirigent des Philharmonischen Orchesters Kopenhagen
und wird immer wieder von zahlreichen Orchestern in aller Welt als Gastdirigent
eingeladen. Ab der Saison 2017-2018 wird er das Göteborger Symphonieorchester
als Chefdirigent leiten.
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Né à Genève en 1987, le pianiste helvéticochinois Louis Schwizgebel a remporté à
dix-sept ans le Concours international de sa
ville natale et, deux ans plus tard, les Young
Concert Artists International Auditions à
New York. Il a été BBC New Generation
Artist de 2013 à 2015. Il a étudié avec Brigitte Meyer à Lausanne et Pascal Devoyon
à Berlin, puis s’est perfectionné à la Juilliard
School avec Emanuel Ax et Robert McDonald, et à la Royal Academy of Music
de Londres avec Pascal Nemirovski. Louis Schwizgebel joue avec les plus grands
chefs dans les salles les plus prestigieuses. Il a fait ses débuts à la Philharmonie de
Berlin avec le violoniste Benjamin Beilman. On a pu l’entendre au Wigmore Hall
de Londres, à la Klavierfest Ruhr, au Festival Pianissimmes de Paris, et en duo avec
Alina Ibragimova. Il a enregistré pour Aparté les deux premiers Concertos pour
piano de Beethoven avec le London Philharmonic Orchestra dirigé par Thierry
Fischer, un disque en solo, Poems, comportant des œuvres de Ravel, Liszt, Holliger
et Schubert, et les Concertos pour piano n° 2 et n° 5 de Saint-Saëns avec le BBC
Symphony Orchestra dirigé par Fabien Gabel et Martyn Brabbins. Louis Schwizgebel remercie, pour le soutien qu’il a reçu, le Pour-cent culturel de Migros, la Hans
Wilsdorf Foundation, la Mozart Gesellschaft Dortmund et l’Animato Foundation.
Der Pianist Louis Schwizgebel kam 1987 in Genf zur Welt und studierte bei Brigitte Meyer in Lausanne und Pascal Devoyon in Berlin sowie später an der Juillard
School in New York bei Emanuel Ax und Robert McDonald und an der Königlichen
Musikakademie in London bei Pascal Nemirovski. Mit 17 Jahren gewann er den
internationalen Genfer Musikwettbewerb, zwei Jahre darauf die Young Concert
Artists International Auditions in New York. Von 2013 bis 2015 war er BBC New
Generation Artist.
Louis Schwizgebel spielt mit international renommierten Orchestern in den bedeutendsten Konzertsälen und an bekannten Festivals. Sein Debüt in der Berliner Philharmonie gab er zusammen mit dem Geiger Benjamin Beilman.
Für das Label Aparté hat er die ersten beiden Klavierkonzerte von Beethoven mit
dem Londoner Philharmonischen Orchester unter Thierry Fischer aufgenommen,
ausserdem hat er eine CD mit dem Titel Poems, auf der er Werke für Klavier solo
von Ravel, Liszt Holliger und Schubert spielt. Die Klavierkonzerte Nr. 2 und Nr. 5 von
Saint-Saëns hat er mit dem BBC-Symphonieorchester unter der Leitung von Fabien
Gabel bzw. Martyn Brabbins aufgenommen.
Louis Schwizgebel wurde vom Kulturprozent der Migros, von der Hans Wilsdorf-Stiftung, der Mozart-Gesellschaft Dortmund und der Stiftung Animato unterstützt.
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20. 10. 2016
Louis Schwizgebel, pianiste
La Première Symphonie, dite « Classique » de Sergei Prokofiev
Composée en 1917, cette Première Symphonie fut créée le 21 avril 1918 à Petrograd – Saint-Pétersbourg sous la direction du compositeur. Prokofiev quitte ensuite
l’URSS ; il passa quinze années en émigration entre les USA, la France et l’Allemagne. Outre les opéras L’Amour des Trois Oranges et L’Ange de Feu, cette période fut celle de plusieurs ballets écrits pour Diaghilev, des Deuxième, Troisième
et Quatrième Symphonies, et des trois derniers de ses cinq Concertos pour piano.
Mais, dès 1927, Prokofiev renoue des contacts avec l’URSS, où il fit plusieurs séjours avant d’y rentrer définitivement en 1936. Dès 1938, interdit de sortie du pays,
il devint un compositeur officiel, quasiment aux ordres du régime. Tout en étant à
la pointe du modernisme, Prokofiev admirait la rigueur et le sens de la forme des
classiques.
Dans cette œuvre, qui conserve l’effectif instrumental du XVIIIe s. (bois, cors et
trompettes par deux, timbales et cordes), le musicien s’est donné pour but de faire
revivre l’esprit des symphonies de Haydn, à travers la clarté tonale de ré majeur, la
structure des thèmes et le caractère général. Le 3e mouvement, Gavotte, resté le plus
célèbre, avait déjà été composé en 1916 avant le reste de la Symphonie ; il a été repris
par le compositeur dans sa suite Roméo et Juliette. (D’après André Lischké, 1986)
Die Symphonie Nr. 1 von Sergei Prokofjew trägt den Beinamen Klassische Symphonie. Sie entstand 1917 und wurde am 21. April 1918 in Petrograd, wie St. Petersburg von 1914 bis 1924 hiess, unter der Leitung des Komponisten uraufgeführt.
Bald darauf verliess er die Sowjetunion und kam erst 1927 auf einer Konzertreise
wieder in seine Heimat, ehe er sich 1936 endgültig in Moskau niederliess. Ab 1938
durfte er nicht mehr ins Ausland reisen.
Prokofjew selbst hat seinen Stil als Zusammenspiel von vier Grundlinien erklärt.
Die „klassische Linie“ kommt einerseits in seinem Interesse für historisierende Elemente wie alte Tänze, andererseits im Festhalten an traditionellen Formen zum
Ausdruck. Die „moderne Linie“ beinhaltet seine Vorliebe für gewagte Harmonik,
Dissonanzen und ungewohnte Akkordkombinationen. Als drittes nennt Prokofjew
die „motorische Linie“; Viele seiner Werke sind durch bohrende Rhythmik und wilde Motorik gekennzeichnet. Im Gegensatz dazu steht die „lyrische Linie“. (Nach
Wikipedia).
In der klassische Symphonie dominiert von diesen vier kompositorischen Elementen natürlich die klassische Linie. Hier zeigt Prokofjew, dass der Geist der HaydnSymphonien mit ihrer klaren Form auch in einer modernen Komposition wieder
aufleben kann. Prokofjew verwendet auch die im 18. Jahrhundert übliche Orchesterbesetzung mit Holzbläsern, Hörnern und Trompeten zu zweit, Pauken und Streichern. Den dritten Satz, die Gavotte, hatte er schon 1916 komponiert, und er verwendete ihn später ebenfalls in seiner Ballettsuite Romeo und Julia.
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Saint-Saëns aura abordé tous les domaines et tous les genres, profanes ou sacrés.
Son meilleur titre de gloire, Samson et Dalila, encore chanté sur les scènes lyriques
du monde entier, ne peut faire oublier l’auteur d’œuvres de musique de chambre,
dont il fut un pionnier en France, d’un grand nombre de mélodies, de compositions
chorales et religieuses et d’impressionnants ouvrages de musique symphonique et
concertante. Le grand pianiste que fut Saint-Saëns n’a pas laissé d’œuvres marquantes pour le piano seul. C’est en associant l’instrument à l’orchestre qu’il a connu ses
meilleures réussites. Parmi ses œuvres concertantes, les cinq Concertos pour piano
tiennent la première place. Toutefois, on ne négligera pas complètement ses trois
Concertos pour violon, ni ses deux Concertos pour violoncelle. Ses Concertos pour
piano s’échelonnent entre 1858 et 1896. Le Premier Concerto est l’œuvre d’un tout
jeune musicien de vingt-trois ans, pianiste déjà affirmé.
Avec le Deuxième Concerto, quels progrès accomplis ! Il est devenu le plus célèbre de son auteur. Cette réputation n’est nullement usurpée. L’ouvrage fut écrit
en dix-sept jours seulement, au printemps de 1868, en vue d’un concert qu’Anton
Rubinstein (1829-1894) souhaitait diriger à Paris et dont Saint-Saëns lui-même serait le soliste. C’est donc un hommage de l’illustre pianiste russe, lui-même aussi
compositeur (de six symphonies et de cinq concertos pour piano, les premiers du
genre à avoir été écrits en Russie) à un musicien confrère. La première audition eut
lieu le 13 mai 1868 à la salle Pleyel. Seul le second mouvement, Scherzo, obtint un
franc succès. Toutefois, les compliments de Liszt, qui était présent, purent réchauffer le cœur du compositeur sans doute déçu. Après coup, ce Deuxième Concerto
connaîtra une rapide notoriété.
L’organisation formelle de l’œuvre est originale puisqu’il n’y a pas de second mouvement « lent », comme à l’accoutumée. Le premier mouvement débute par un
majestueux préambule du piano, sans orchestre, et se termine par une cadence de
l’instrument soliste. Alfred Cortot propose un rapprochement entre le deuxième
mouvement, Allegro scherzando, et le Scherzo du Songe d’une nuit d’été de Mendelssohn : « L’alerte caprice shakespearien se volatilise bientôt sur un frémissement de timbres, dans la fuite aérienne d’un arpège de piano ». Dans le Presto final,
le compositeur permet au soliste d’afficher une virtuosité éblouissante. (D’après
René-François Tranchefort, 1986)
Das Klavierkonzert Nr. 2 von Camille Saint-Saëns entstand im Frühjahr 1868, zehn
Jahre nach seinem 1. Klavierkonzert, in nur 17 Tagen. Der russische Pianist und Dirigent Anton Rubinstein hatte den Wunsch geäussert, in Paris ein Konzert mit SaintSaëns als Solist zu dirigieren. Die Uraufführung fand am 13. Mai 1868 in der Salle
Pleyel statt, wobei nur der zweite Satz, das Allegro scherzando, wirklich grossen
Anklang beim Publikum fand. Aber die Komplimente Liszts, der bei der Aufführung
anwesend war, hatten mehr Gewicht als die Meinung des Publikums und tröste21
20. 10. 2016
Le Deuxième Concerto pour piano et orchestre de Camille Saint-Saëns
ten den etwas enttäuschten Saint-Saëns. Doch bald wurde dieses Klavierkonzert zu
einem seiner beliebtesten Werke. Es folgt nicht dem üblichen Schema mit einem
langsamen zweiten Satz, sondern dieser ist hier ein Allegro scherzando, das Alfred
Cortot später mit dem Scherzo aus Mendelssohns Musik zu Shakespeares Sommernachtstraum verglich. Im abschliessenden Presto kann der Solist seine ganze
Virtuosität entfalten, und auch im ersten Satz kommt er nicht zu kurz: Die majestätische Einleitung spielt er ohne Orchester, und am Schluss des Satzes spielt er die
Kadenz.
La Deuxième Symphonie de Ludwig van Beethoven
On trouve des esquisses de la Deuxième Symphonie, entremêlées à celles des Sonates pour piano et violon, op. 30, et des deux premières Sonates pour piano, op.
31 ; ce qui porte sa composition à l’année 1802, année de l’aggravation de la surdité de Beethoven, année de crise, celle du « Testament d’Heiligenstadt », Beethoven songeant alors au suicide. Pourtant, la Deuxième Symphonie, achevée pendant
l’été 1802, ne porte pas trace de si funestes événements biographiques. Elle est au
contraire, en maints endroits, d’une joie débordante : serait-ce un masque ? Mais il
est sûr qu’elle marque le point culminant de l’Ancien régime, pré-révolutionnaire,
de Haydn et de Mozart, ce point dont Beethoven va partir vers des régions où personne avant lui n’avait même rêvé de s’aventurer.
Dédiée au prince Karl de Lichnovsky, elle fut créée le 5 avril 1803, en même temps
que le Troisième Concerto pour piano et l’oratorio Le Christ au Mont des Oliviers.
Mais il faudra attendre sa publication à Leipzig en 1804 pour recueillir des critiques
du genre de celle-ci, due à Sapzier : « Un monstre mal dégrossi, un dragon transpercé qui se débat, indomptable, et ne veut pas mourir, même perdant son sang
(dans le Finale), rageant, frappant en vain autour de soi de sa queue agitée » ! On
raconte que, plus tard, Berlioz s’enfuit épouvanté, en se bouchant les oreilles, après
l’audition de certains fragments de cette Symphonie. En France, à la même époque,
seul Méhul, apprécia les premières Symphonies de Beethoven. La première audition
en France de la Deuxième Symphonie fut commentée de la façon suivante le 10 mars
1811 : « Après avoir pénétré l’âme d’une douce mélancolie, Beethoven la déchire
aussitôt par un amas d’accords barbares. Il me semble voir enfermés ensemble des
colombes et des crocodiles » ! (D’après Jean et Brigitte Massin, 1967, et René-François Tranchefort, 1986)
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20. 10. 2016
Ludwig van Beethovens Zweite Sinfonie in D-dur entstand in den Jahren 1801 und
1802 und wurde am 5. April 1803 zum ersten Male in der von Beethoven im Theater
an der Wien veranstalteten Akademie – so nannte man damals häufig ein Konzert
– aufgeführt, zusammen mit dem dritten Klavierkonzert und dem Oratorium
Christus am Ölberg. Wir wissen nicht, wie das Wiener Publikum die Sinfonie
aufnahm, aber eine Leipziger Kritik aus dem Jahre 1804 ist, gelinde gesagt, nicht
sehr schmeichelhaft: „Ein ungeschlachtes Monster, ein durchbohrter Drache, der
unbezwingbar kämpft und nicht sterben will und selbst dann noch, wenn er sein Blut
verliert (im Finale), vergeblich vor Wut mit seinem Schwanze heftig um sich schlägt.“
Aber 1812 verteidigte ein Münchner Rezensent in der Allgemeinen musikalischen
Zeitung Beethovens ungewohnte Tonsprache: „Eine grosse Symphonie aus D von
Beethoven eröffnete das erste, am 9ten December [1811] gegebene Concert. Noch
sind die Werke dieses, in seiner Art einzigen Künstlers hier nicht genug bekannt. Man
ist an Haydns und Mozarts Werke gewöhnt, und darf sich nicht wundern, wenn diese
seltnen Producte Beethovens, die sich so sehr von dem Gewöhnlichen entfernen,
im Allgemeinen nicht immer ihre Wirkung auf den Zuhörer hervorbringen. ... Doch
wenn uns das Humoristische in so manchem unserer Schriftsteller anziehet, warum
wollen wir denn von dem Componisten, der das ganze, so wenig noch erforschte
Gebiet der Tonkunst in Anspruch nimmt, erwarten, dass er nur an hergebrachten
Formen hange; nur immer dem Ohre schmeichle; nie uns erschüttere, und über das
Gewohnte, wenn auch etwas gewaltsam, erhebe?“
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3e concert
Jeudi 27 octobre 2016
Aula magna de l’Université à 20 h. 00
DIE CAMERATA SALZBURG
PREMIER VIOLON : GREGORY AHSS
SOLISTE : K IT ARMSTRONG, PIANO
B. BRITTEN
VARIATIONS ON A THEME OF FRANK BRIDGE, OP. 10,
POUR ORCHESTRE À CORDES (1937)
INTRODUCTION AND THEME. ALLEGRETTO POCO LENTO –
I. ADAGIO – II. MARCH – III. ROMANCE –
IV. ARIA ITALIANA – V. BOURRÉE CLASSIQUE –
VI. WIENER WALTZER – VII. MOTO PERPETUO –
VIII. FUNERAL MARCH – IX. CHANT –
X. FUGUE AND FINALE
W. A. MOZART
CONCERTO POUR PIANO N° 19 EN FA MAJEUR, KV 459
(1784)
(1756 – 1791)
Allegro
Allegretto
Allegro assai
J. HAYDN
SYMPHONIE N° 92 EN SOL MAJEUR, DITE « OXFORD »,
HOB. I:92 (1789)
(1732 – 1809)
Adagio – Allegro spiritoso
Adagio
Menuet & Trio. Allegretto
Presto
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27. 10. 2016
(1913 – 1976)
La Camerata de Salzbourg
Fondée en 1951 par Bernhard Paumgartner (1887-1971), musicologue, chef d’orchestre autrichien et cofondateur du Festival de Salzbourg, la Camerata de Salzbourg
réunit à la fois des élèves et des professeurs de la Hochschule du Mozarteum de
Salzbourg. Composé, selon les nécessités, de vingt à quarante-cinq musiciens, cet
orchestre de chambre a travaillé avec Antonio Janigro, puis près de vingt ans avec
Sándor Végh, qui en a été le directeur musical de 1978 jusqu’à sa mort en janvier
1997 et sous la direction duquel il s’est considérablement développé. Dès 1991, le
poste de premier violon a été tenu par Alexander Janiczek. Se sont succédé ensuite
comme directeur artistique Géza Anda, Sir Roger Norrington et András Schiff. En
2007, c’est le violoniste Leonidas Kavakos qui en a été le premier violon, suivi en
2011 de Louis Langrée et dès 2012 de Gregory Ahss.
Les solistes que la Camerata a accompagnés sont prestigieux : Clara Haskil, Dietrich Fischer-Dieskau, Heinz Holliger, Aurèle Nicolet, Wolfgang Schneiderhan,
Christoph Eschenbach, Philippe Herreweghe, René Jacobs, Franz Welser-Möst,
Pinchas Zukerman, Peter Ruzicka, Anne-Sophie Mutter, Hilary Hahn, Patricia
Kopatschinskaja, Julian Rachlin, Daniel Hope, Benjamin Schmid, Joshua Bell,
Thomas Zehetmair, Augustin Dumay, Veronika Hagen, Mitsuko Ushida, Elisabeth Leonskaja, Claire-Marie Le Guay, Yu Kosuge, Oleg Maisenberg, Murray Perahia, Olli Mustonen, Alexander Lonquich, Till Fellner, Fazıl Say, Stefan Vladar,
Heinrich Schiff, Patrick Demenga, François Leleux, Genia Kühmeier, Vesselina
Kasarova, Christiane Oelze et Elina Garanca.
Si elle continue de consacrer l’essentiel de son énergie aux œuvres de Mozart,
conformément à son objectif primitif, la Camerata a peu à peu élargi son répertoire,
qui va désormais de l’époque baroque aux œuvres du début du XXe siècle (Bartók,
Stravinsky, Schoenberg, Berg), en passant par Haydn, Beethoven, Schubert, Mendelssohn, Brahms, Dvořák ou Tchaïkovski. Hôte régulier du Festival de Salzbourg
et de la Semaine Mozart depuis 1993, la Camerata se produit également à Vienne
au Musikverein, à Cologne, aux Schubertiades de Feldkirch, à Lucerne, Berlin,
Baden-Baden, Bregenz, Aix-en-Provence, Londres, Munich, Florence, Moscou,
Rome, Pékin, ou Tokyo. Plus de 60 disques sont parus dont plusieurs ont été primés,
comme autant de jalons des 65 ans d’existence de la Camerata de Salzbourg.
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27. 10. 2016
Die Camerata Salzburg wurde 1952 von Bernhard Paumgartner, dem Mitbegründer und Präsidenten der Salzburger Festspiele, ins Leben gerufen. Dieses Ensemble
von Lehrern und Studenten des Salzburger Mozarteums avancierte schon bald zu
einem Herzstück der Salzburger Festspiele. Damals wie heute ist die organisatorische und künstlerische Maxime das Musizieren in Eigenverantwortung mit Gemeinschaftssinn.
Nach der Ära Paumgartner leitete der Violoncellist und Dirigent Antonio Janigro
die Camerata. In seiner Wirkungszeit wurde 1974 ein eigener Abonnementzyklus
des Orchesters ins Leben gerufen. Als Geigensolist musizierte mit der Camerata in
jener Zeit Sándor Végh, der 1978 die künstlerische Leitung des Orchesters übernahm und parallel zu seinem Wirken als Pädagoge am Salzburger Mozarteum besonders begabte, junge Musikerinnen und Musiker in den Klangkörper einbezog.
Végh verwirklichte ein Musizier-Ideal des Streichquartetts auf grösser besetzter
Ebene und förderte die individuelle Gestaltungsweise der einzelnen Orchestermitglieder innerhalb und zugunsten des Kollektivs. Bei einer Mozartwochen-Produktion mit Sir Roger Norrington wurde 1997 ein Nachfolger für den verstorbenen Végh
gefunden. Sir Roger verband als Chefdirigent den charakteristischen Ensemblestil
der Camerata mit seinen Erfahrungen im historisch informierten Musizieren. 2007
übernahm Norringtons Stellvertreter, der Geiger Leonidas Kavakos, die künstlerische Leitung. 2011 wurde Louis Langrée zum Chefdirigenten bestellt.
In Salzburg gehört die Camerata als Konzert- und Opernorchester zu den Stammensembles der Salzburger Festspiele und Salzburger Mozartwoche und hat einen
eigenen Abonnementzyklus im Grossen Saal des Mozarteums. Das Orchester konzertiert regelmässig im Wiener Konzerthaus, in der Elbphilharmonie Hamburg, im
Konzerthaus Berlin, Festspielhaus Baden-Baden, Bregenzer Festspielhaus, beim
Carinthischen Sommer, bei den Haydn-Festspielen Eisenstadt, den Festivals von
Aix-en-Provence und Luzern und gastiert auf Konzertreisen in Musik-Metropolen
wie München, London, Florenz, Moskau, St. Petersburg, Peking und Tokio. Seit
2013 gestalten die Musikerinnen und Musiker der Camerata Salzburg das Festival
„Schubert in Gastein“. Mehr als 60 Platten- und CD-Aufnahmen, von denen viele
mit Preisen ausgezeichnet wurden, dokumentieren die Musizierkultur der Camerata aus sechs Jahrzehnten.
Gregory Ahss, violoniste
C’est à l’âge de 5 ans que ce violoniste d’origine israélienne commence sa formation à l’École de musique Gnessin de Moscou. Sa formation se poursuit
à l’Académie de musique de Tel-Aviv, puis au New
England Conservatotry of Music de Boston. Il fonde le Tal Piano Trio avec lequel il gagne plusieurs
prix. Il joue sous la direction de Claudio Abbado
et de Yannick Nézet-Séguin, comme premier violon du Mahler Chamber Orchestra, de l’Orchestra
Mozart de Bologne et enfin de la Camerata de Salzbourg. Comme premier violon, il a été l’hôte du London Symphony Orchestra, du
Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks ou des Bamberger Symphoniker.
Après avoir été à la tête du Mahler Chamber Orchestra de 2005 à 2011, il devient le
premier violon de la Camerata de Salzbourg en 2012.
Der Geiger Gregory Ahss ist seit 2012 erster Konzertmeister der Camerata Salzburg. Geboren wurde er in Moskau, wo er im Alter von fünf Jahren mit dem Geigenunterricht an der Gnessin-Musikschule begann. Während seiner weiteren Ausbildung am israelischen Konservatorium, an der Musikakademie Tel Aviv und am
Neu-England-Konservatorium in Boston gewann er namhafte Wettbewerbe als Solist, aber auch als Kammermusiker mit dem von ihm gegründeten Tal-Klaviertrio.
Als Konzertmeister gastierte er schon in vielen führenden Orchestern - beim London Symphony Orchestra genauso wie beim Symphonieorchester des Bayerischen
Rundfunks oder den Bamberger Symphonikern. Von 2005 bis 2011 leitete Gregory
Ahss zahlreiche Konzerte des Mahler Chamber Orchestra als Konzertmeister.
Kit Armstrong, pianiste
Né à Los Angeles en 1992, il commence à composer
à cinq ans et commence le piano peu de temps après.
Il étudie au Curtis Institute of Music de Philadelphie et à la Royal Academy of Music de Londres. À
partir de sa septième année, il étudie également les
sciences naturelles dans diverses universités, dont
l’Imperial College de Londres. Il obtient son master
en mathématiques pures à l’Université de Paris VI.
Il reçoit le Prix Leonard Bernstein du Festival de
musique du Schleswig-Holstein en 2010 et le Prix de
soliste Wemag au Festival de Mecklenburg-Poméranie en 2014.
À treize ans, il fait la rencontre d’Alfred Brendel qui,
depuis, l’a guidé en tant que professeur et mentor. Ce
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Der Pianist Kit Armstrong wurde 1952 in Los Angeles in einer aus Taiwan stammenden Familie geboren. Mit fünf Jahren begann er zu komponieren, und bald
darauf begann er mit dem Klavierspiel. Mit zehn Jahren hatte er bereits 15 Werke
komponiert, und im Alter von zwölf Jahren studierte er am Curtis-Institut für Musik
in Philadelphia und an der Königlichen Musikakademie sowie am Imperial College
in London. Mit dreizehn machte er Bekanntschaft mit Alfred Brendel, der ihn bei
seinen weiteren Studien als Mentor begleitete. Die Beziehung zwischen Brendel
und Armstrong ist Gegenstand des Films „Set the Piano Stool on Fire“ des englischen Dokumentarfilmers Mark Kidel. Sechsmal erhielt Kit Armstrong den Morton
Gould Young Composer’s Award der ASCAP-Stiftung, und er bekam Kompositionsaufträge vom Leipziger Gewandhaus und anderen Institutionen.
Kit Armstrong ist nicht nur an Musik interessiert: Bereits im Alter von sieben Jahren
besuchte er naturwissenschaftliche Vorlesungen an verschiedenen Universitäten,
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27. 10. 2016
dernier en a fait l’éloge en soulignant « sa compréhension des grandes œuvres du
piano qui marie fraîcheur et subtilité, émotion et intelligence ». La relation unique
qui existe entre Kit Armstrong et Alfred Brendel a été portée à l’écran dans le film
Set the Piano Stool on Fire du réalisateur britannique Mark Kidel. Kit Armstrong
se produit dans les plus grandes salles du monde, dont le Musikverein de Vienne,
le Concertgebouw d’Amsterdam, le Royal Festival Hall et le Wigmore Hall à Londres, la Philharmonie de Berlin, la Laeiszhalle de Hambourg, la Philharmonie de
Cologne, le NHK Hall de Tokyo et le Palais des Beaux-Arts de Bruxelles. Il travaille avec des chefs d’orchestre majeurs, tels que Riccardo Chailly, Christoph von
Dohnányi, Manfred Honeck, Kent Nagano, Jonathan Nott, Esa-Pekka Salonen, ou
Robin Ticcati. Le premier album solo de Kit Armstrong est sorti chez Sony Classical en septembre 2013 ; il comprend des œuvres de Bach, de Ligeti et de lui-même,
illustrant ainsi la singularité de ses goûts. La sélection de Préludes et de Chorals
de Bach fut particulièrement remarquée. Pour Kulturradio (RBB), il s’agit de « l’un
des très rares CD que le monde attendait » ; la radio NDR Kultur l’a décrit comme
« un album de début plein d’émotions ».
Musicien de chambre passionné, Kit Armstrong se produit régulièrement au sein
d’un trio qu’il compose avec le violoniste Andrej Bielow et le violoncelliste Adrian
Brendel. Récemment, il a commencé à travailler avec des chanteurs. Cet artiste
polyvalent s’est déjà fait une renommée en tant que compositeur. Six fois lauréat du
Prix Morton Gould des jeunes compositeurs de la Fondation ASCAP, il remporte
également le Prix Charlotte Bergen de la Fondation du même nom pour sa composition Struwwelpeter : Character Pieces for Viola and Piano. Il reçoit des commandes, entre autres, du Gewandhaus de Leipzig, du Collège de musique de Winterthur et des Frankfurter Bachkonzerte, pour lesquels il compose un Concerto pour
clarinette dont la première est assurée par Paul Meyer à l’Alte Oper de Francfort
avec l’Orchestre de chambre de Zurich. Son Trio pour piano, Stop Laughing, we’re
rehearsing ! est publié par le label Genuin. Les compositions de Kit Armstrong sont
publiées aux éditions Peters.
und an der Universität Paris VI erhielt er einen Master in reiner Mathematik.
2013 erwarb Armstrong die ehemalige Kirche Ste-Thérèse in Hirson (Frankreich)
und nutzt seit 2014 dieses historische Jugendstil-Bauwerk als Konzertsaal und Kulturzentrum.
Les Variations sur un thème de Frank Bridge de Benjamin Britten
L’œuvre fut composée en 1937, en une dizaine de jours et achevée le 12 juillet, à la
suite d’une commande de l’Orchestre à cordes Boyd Neel pour le Festival de Salzbourg, et créée le 27 août ; elle constitua le premier grand succès du musicien. C’est
un hommage de Britten à son maître depuis 1927, Frank Bridge (1879-1941), auquel
il emprunta son thème, puisé dans la seconde des Three Idylls for string quartet, de
1911. Ces Variations, au nombre de dix, dont la fugue finale, sont d’ailleurs écrites
également pour cordes seules. Britten s’est peu soucié d’unifier l’ensemble selon
une progression thématique, mais, modifiant sans cesse l’esprit de chaque variation,
il a conçu sa partition ainsi qu’une suite. D’où les surprises jaillissant tout au long
d’une œuvre, sinon fortement originale, du moins d’une belle clarté de style et de
ton, n’excluant ni les intentions satiriques, ni certaine verve parodique. (D’après
François-René Tranchefort, 1986)
Benjamin Brittens Variationen über ein Thema von Frank Bridge entstanden
1937 im Auftrag des Streichorchesters Boyd Neel und wurden am 27. August an
den Salzburger Festspielen uraufgeführt. Mit dieser Komposition, seinem ersten
grossen Erfolg, erwies Britten seinem Lehrer Frank Bridge (1879-1941) die Ehre,
indem er ein Thema aus dessen zweiter Idylle für Streichquartett aus dem Jahre
1911 verwendete. Die zehn Variationen Brittens bilden die Sätze einer Suite, in der
der Komponist einige Überraschungen bereit hält.
Le Concerto pour piano n° 19 de Wolfgang Amadeus Mozart
Ce Concerto est appelé parfois Premier Concerto du Couronnement parce que le
compositeur le joua à Francfort en 1790, peut-être, a-t-on longtemps cru, à l’occasion du couronnement de Leopold II. Cependant, la prestation de Mozart n’a pas
fait partie des festivités officielles autour du couronnement du nouvel Empereur, le
9 octobre 1790 à la cathédrale de Francfort, au grand dam du compositeur du reste,
mais elle eut lieu une semaine plus tard, le 15 octobre précisément, au Stadttheater
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Das Klavierkonzert Nr. 19 von Wolfgang Amadeus Mozart wird manchmal als
Erstes Krönungskonzert bezeichnet, weil Mozart es 1790 in Frankfurt spielte, zusammen mit anderen Werken, darunter auch dem Klavierkonzert Nr. 26, das als
Krönungskonzert bezeichnet wird. Diese Bezeichnung rührt daher, dass man lange
angenommen hat, Mozart habe an den Krönungsfeierlichkeiten für Kaiser Leopold
II. gespielt. Das stimmt aber nicht ganz, denn das Konzert fand eine Woche später
im Frankfurter Stadttheater statt, wobei Mozart sicherlich noch von der Anwesenheit zahlreicher gekrönter Häupter profitieren konnte.
Die Komposition des Klavierkonzerts Nr. 19 wurde im Dezember 1784 vollendet,
nach dem vierten der sechs Streichquartette, die Mozart Joseph Haydn widmete. Es ist grandioser als die früheren Konzerte Mozarts und stellt einen wichtigen
Meilenstein in seinem Schaffen dar. Bereits im einführenden Allegro mit seinem
Melodienreichtum wird die Bedeutung des Orchesters klar. Um einen zu heftigen
Kontrast zum lebhaften ersten Satz zu vermeiden, wählt Mozart als zweiten Satz
nicht ein Adagio oder Andante, sondern ein Allegretto mit einem anmutigen Thema, das einen Hauch von Melancholie zeigt. Homophonie und Kontrapunkt geben dem letzten Satz, Allegro assai, seinen originellen Charakter; das Thema wird
zunächst vom Klavier vorgestellt. Den fröhlichen Rhythmus des abschliessenden
Ritornells findet man in der Schlussszene der Zauberflöte im Duo zwischen Papagena und Papageno wieder.
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27. 10. 2016
de Francfort, avec, selon l’affiche encore conservée, en première partie, un Concerto (justement celui-ci en fa majeur), deux Arie et une Nouvelle Grande Symphonie,
(peut-être la 41e ?) et en seconde partie, un Concerto (celui, qui sera dit du « Couronnement », en ré majeur, le n° 26, KV 537), un Duo, une Fantaisie improvisée et
encore une Symphonie (peut-être la 40e). Si cette exécution off remporta un succès
au niveau du prestige, selon ce que Mozart écrivit à Constance le même soir, elle fut
néanmoins un échec complet au niveau financier.
Le Concerto pour piano en fa majeur est daté du 11 décembre 1784 et suit le quatrième des six Quatuors dédiés à Haydn. Plus grandiose que les Concertos qui le
précèdent, superbement orchestré, voici encore un jalon important de la création
mozartienne. Dès l’introduction, Allegro, l’importance de l’orchestre est évidente,
de même que la richesse mélodique ; ce premier tutti est en effet l’un des plus variés
qui soient. Soucieux d’éviter un contraste trop violent après l’allégresse du premier
mouvement, Mozart préfère ensuite à un adagio ou un andante un mouvement plus
rapide, noté Allegretto, avec un thème gracieux, voilé d’une mélancolie diffuse.
L’emploi de l’homophonie et du contrepoint donne toute son originalité au dernier
mouvement, Allegro assai, dont le thème est d’abord exposé au piano. Une ritournelle mettra un point final à cette page irrésistible dont on retrouvera le rythme
joyeux dans le duo entre Papagena et Papageno de La Flûte enchantée. (D’après
Michel Parouty, 1986)
La Symphonie n° 92, dite « Oxford » de Joseph Haydn
Cette Symphonie, la dernière écrite par Haydn à Eszterháza en 1789, est aussi la
plus grande. Elle sera ensuite égalée, mais non dépassée par les dernières douze
Symphonies dites « londoniennes », les n° 93 à 104, composées entre 1791 et 1795.
L’orchestre comprend une flûte, deux hautbois, deux bassons, deux cors, deux trompettes, timbales et cordes. C’est avec elle que Haydn inaugura sa première saison
londonienne, le 11 mars 1791. C’est elle aussi qu’on entendit à Oxford le 7 juillet
1791, veille du jour où Haydn fut reçu docteur honoris causa de l’Université de cette
ville, d’où son surnom.
La Symphonie Oxford est à la fois l’une des plus belles de Haydn, et des plus subtilement organisées sur le plan formel. Ses divers mouvements sont unis par des
liens cachés, mais étroits. L’introduction, Adagio, est inoubliable, empreinte d’une
sérénité teintée de mélancolie. Elle s’ouvre par quatre fois la note ré, ce qui annonce
le second thème de l’Allegro spiritoso, tandis qu’apparaît, caché aux seconds violons, le motif descendant de cinq notes, destiné à inaugurer cet Allegro spiritoso qui
frappe par son ampleur et sa grandeur épique. Le sublime deuxième mouvement,
Adagio, est une forme lied. Le Menuet : Allegretto se révèle aussi remarquable avec
son solo syncopé de bassons et de cors, les cordes pizzicato venant combler le vide
du premier temps. Le Finale : Presto offre un thème très agile. L’élan, la puissance
et l’impression d’aventure se maintiennent jusqu’à la fin. (D’après Marc Vignal,
1986)
Die Symphonie Nr. 92 von Joseph Haydn trägt den Beinamen Oxforder Symphonie, denn die Universität Oxford verlieh Haydn am 8. Juli 1791 den Ehrendoktor,
und am Vorabend wurde diese Symphonie gespielt. Entstanden ist sie aber bereits
zwei Jahre vorher, nämlich 1789 in Esterháza, und Haydn führte sie auch zu Beginn
seines ersten Londoner Aufenthalts am 11. März 1791 in London auf, vier Monate
vor der Oxforder Aufführung. Es ist Haydns grösste Symphonie und eine seiner
schönsten.
Zwischen den Sätzen der Symphonie gibt es zahlreiche Beziehungen, die man nicht
immer sofort wahrnimmt. Im einleitenden Adagio mit seiner ruhigen, leicht melancholischen Stimmung erklingt zu Beginn viermal der Ton D, womit das zweite
Thema des Allegro spiritoso angekündigt wird, während die zweiten Geigen ein
absteigendes Motiv aus fünf Noten spielen, das den Beginn des Allegro spiritoso
vorwegnimmt, das den Zuhörer durch seinen Umfang von epischen Ausmassen
überrascht. Der zweite Satz, Adagio, hat die Form eines Liedes. Das Menuett des
dritten Satzes ist wegen der Synkopen im Solo der Fagotte und Hörner bemerkenswert, wobei die Streicher den ersten Schlag mit ihrem Pizzicato füllen. Das Finale
(Presto) mit seinem sehr bewegten Thema behält seinen kraftvollen Schwung bis
zum Ende und erweckt den Eindruck, einem Abenteuer beizuwohnen.
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4e concert
Mercredi 9 novembre 2016
Salle Équilibre à 20 h. 00
Présentation à 19 h. 00 à la salle du 7e étage d’Équilibre
DAS BERNER SYMPHONIEORCHESTER
DIRECTION : PHILIPPE BACH
SOLISTE : FAZIL SAY, PIANO
R. WAGNER
(1812 – 1883)
W. A. MOZART
« DIE MEISTERSINGER VON NÜRNBERG – LES MAÎTRES
CHANTEURS DE NUREMBERG »,
OUVERTURE EN UT MAJEUR (1868)
CONCERTO POUR PIANO N° 23 EN LA MAJEUR, KV 488
(1786)
(1756 – 1791)
M. R EGER
09. 11. 2016
Allegro
Adagio
Allegro assai
VARIATIONS ET FUGUE SUR UN THÈME DE MOZART
EN LA MAJEUR, OP. 132 (1914)
(1873 – 1916)
Thème. Andante grazioso –
Var. I. L’istesso tempo, quasi un poco più lento –
Var. II. Poco agitato –
Var. III. Con moto –
Var. IV. Vivace –
Var. V. Quasi presto –
Var. VI. Sostenuto (quasi Adagietto) –
Var. VII. Andante grazioso –
Var. VIII. Molto sostenuto –
Fugue. Allegretto grazioso – Meno mosso
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L’Orchestre symphonique de Berne
L’Orchestre symphonique de Berne a une grande tradition. Fondé en 1877, il exerce
depuis bientôt 140 ans sa fonction d’orchestre de la Ville fédérale. Cet ensemble
compte une centaine de musiciens provenant de différentes nations. Depuis le début
de la saison 2010-2011, c’est le chef d’orchestre suisse Mario Venzago qui reprend
la succession d’Andrey Boreyko comme chef titulaire. Parmi leurs prédécesseurs,
citons Dmitrij Kitajenko, Charles Dutoit, Fritz Brun, Luc Balmer, Paul Kletzki et
Peter Maag. L’Orchestre a reçu et reçoit des chefs invités de prestige : Bruno Walter,
Erich Kleiber, Wilhelm Furtwängler, Karl Böhm, Herbert von Karajan, Sir John
Barbirolli, Ernest Ansermet, Hans Knappertsbusch, Rafael Kubelik, Armin Jordan, Eliahu Inbal, Günther Herbig, Pietari Inkinen, Ari Rasilainen, Tania Miller et
Jaap van Zweden. L’Orchestre symphonique de Berne est aussi l’orchestre attitré du
Stadttheater Bern.
Das Berner Symphonieorchester wurde 1877 gegründet und ist heute mit rund
100 Musikern eines der grössten Orchester der Schweiz. Neben rund 50 Konzerten
pro Saison spielt das Orchester auch als bei Opern- und Ballettaufführungen des
Stadttheaters Bern.
Mit Beginn der Saison 2010/11 wurde der Schweizer Mario Venzago Chefdirigent
als Nachfolger von Andrey Boreyko. Zu seinen weiteren Vorgängern zählen unter
anderen Dmitrij Kitajenko, Charles Dutoit, Fritz Brun, Luc Balmer, Paul Klecki und
Peter Maag. Berühmte Gäste haben das Orchester ebenfalls dirigiert: Bruno Walter, Erich Kleiber, Wilhelm Furtwängler, Karl Böhm, Herbert von Karajan, Sir John
Barbirolli, Ernest Ansermet, Hans Knappertsbusch, Rafael Kubelik, Armin Jordan
und Eliahu Inbal.
Philippe Bach, chef d’orchestre
Il est né en 1974 à Saanen. Il étudie
le cor à la Haute École de Musique
de Berne et au Conservatoire de
Genève, et la direction à la Haute
École de Musique de Zurich avec
Johannes Schlaefli. En 2005, il obtient une bourse de la prestigieuse
Académie américaine de direction
du Festival d’Aspen. De 2004 à
2006, il est junior fellow en direction au Royal Northern College of
Music de Manchester auprès de Mark Elder. Il suit des cours de maître auprès de
Colin Davis, David Zinman, Vladimir Jurowski, Ralf Weikert et Peter Eötvös. Philippe Bach gagne plusieurs prix : Concours suisse de direction (1996), International
Jesús López Cobos Opera Conducting Competition (2006). En 2006, sélectionné
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Der Dirigent Philippe Bach wurde 1974 in Saanen geboren. Er studierte Horn an der
Musikhochschule Bern und am Genfer Konservatorium und anschliessend Dirigieren an der Musikhochschule Zürich bei Johannes Schlaefli und am Royal Northern
College of Music in Manchester bei Sir Mark Elder. Er besuchte Meisterkurse bei Sir
Colin Davis, David Zinman, Vladimir Jurowski, Ralf Weikert und Peter Eötvös.
Philippe Bach gewann zahlreiche Auszeichnungen, unter anderen Erste Preise am
Schweizerischen Dirigentenwettbewerb (1996) und am „International Jesús López
Cobos Opera Conducting Competition“ (2006). 2006 bis 2008 war er Assistant Conductor am Teatro Real in Madrid und Assistent von Jesús López Cobos. Im Juni 2007
gab er im Teatro Real sein Debüt mit Madama Butterfly. Im Dezember 2008 folgte
sein Debüt an der Hamburgischen Staatoper mit Hänsel und Gretel. Von 2008 bis
2010 war Philippe Bach Erster Kapellmeister und Stellvertretender Generalmusikdirektor am Theater Lübeck. Seit 2011 ist er Generalmusikdirektor der traditionsreichen Meininger Hofkapelle und des Südthüringischen Staatstheaters Meiningen
und seit 2012 Chefdirigent des Berner Kammerorchesters.
Als Gast leitete Philippe Bach zahlreiche Konzerte, unter anderem mit dem Tonhalle-Orchester Zürich, dem London Philharmonic Orchestra, dem BBC Philharmonic
Orchestra, dem Helsinki Philharmonic Orchestra, dem Royal Scottish National Or35
09. 11. 2016
dans le projet de direction d’orchestre de LSO Discovery, il dirige l’Orchestre symphonique de Londres. Il est chef assistant de 2006 à 2008 au Teatro Real de Madrid
auprès de Jesús López Cobos. Il fait ses débuts avec Madama Butterfly au Teatro
Real. Philippe Bach est Kapellmeister et directeur général adjoint de la musique au
Théâtre de Lubeck de 2007 à 2010. Il est l’un des trois chefs choisis pour l’Académie internationale de chefs d’orchestre de la Fondation culturelle Allianz ; il a ainsi
l’occasion de travailler avec l’Orchestre philharmonique de Londres et l’Orchestre
Philharmonia, et avec Vladimir Jurowski et Christoph von Dohnányi.
En décembre 2010, il est nommé directeur général de la musique du Théâtre de
Meiningen, où sa première production est Rienzi de Wagner. En 2010/11, il dirige
Hänsel et Gretel, La Flûte enchantée et La Traviata à la Staatsoper de Hambourg.
Depuis la saison 2012/13, il est chef principal de l’Orchestre de chambre de Berne.
Il se produit comme chef invité avec des formations comme l’Orchestre philharmonique Royal de Liverpool, l’Orchestre de la Tonhalle de Zurich, l’Orchestre de
chambre de Lausanne, le London Philharmonic Orchestra, le BBC Philharmonic
Orchestra, le Helsinki Philharmonic Orchestra, le Royal Scottish National Orchestra, le Basler Sinfonieorchester, le Kammerorchester Basel, le Hallé Orchestra, le
RTE National Symphony Orchestra, l’Orquesta Sinfónica de Madrid, l’Orchestra
della Svizzera Italiana, le Brandenburgischen Staatsorchester, le Bournemouth
Symphony Orchestra, le Kuopio Symphony Orchestra, le Basel Sinfonietta et le
Berner Symphonieorchester.
chestra, dem Orchestre de chambre de Lausanne, dem Basler Sinfonieorchester,
dem Orchestra della Svizzera Italiana, der Basel Sinfonietta und dem Berner Sinfonieorchester.
Für das Freiburger Publikum ist Philippe Bach kein Unbekannter, dirigierte er doch
in den Jahren 2002-2003 die Landwehr und trat 2010 am Festival Murten Classics
auf.
Fazıl Say, pianiste
Né en 1970 à Ankara, Fazıl Say étudie
le piano et la composition au Conservatoire de cette ville, puis travaille pendant
cinq ans à l’Institut Robert-Schumann de
Düsseldorf avec David Levine. Il poursuit ensuite ses études au Conservatoire
de Berlin. En 1994, sa victoire aux Young
Concert Artists International Auditions
marque le début d’une brillante carrière
internationale. Il est régulièrement invité
par de nombreux orchestres dans le monde entier et se produit dans de prestigieux
festivals et dans des salles renommées. Parmi ses partenaires de musique de chambre, citons Yuri Bashmet, Shlomo Mintz, Maxim Vengerov, Akiko Suwanai. Sa
passion pour le jazz et l’improvisation l’a conduit à fonder un Quartett de Worldjazz
avec son compatriote Kudsi Ergüner, virtuose du ney, avec lequel il a remporté de
nombreux succès dans les festivals de jazz. En 2005, on a pu l’entendre à Montreux
avec entre autres Bobby McFerrin.
Fazıl Say est également compositeur. Citons Black Hymns, un Concerto pour piano
et violon, Silk Road pour piano, l’oratorio Nazim (textes du poète turc Nazim Hikmet), un 3e Concerto pour piano, Requiem pour Metin Altiok et un 4e Concerto pour
piano. Il a également réalisé pour piano et orchestre des adaptations d’œuvres comme l’Alla Turca de Mozart ou encore Paganini Jazz. Pour l’année Mozart 2006, la
municipalité de Vienne lui a commandé un ballet. Une œuvre pour piano a été créée
au Festival de Salzbourg. Radio France l’a nommé Artiste en Résidence en 2003
et 2005 ; il a occupé une position analogue au Musikfest de Brême en 2005. Cette
même année, il a composé sa première partition pour le cinéma (Ultima Thule, du
réalisateur suisse Hans-Ulrich Schlumpf). D’autres bandes-son de films turcs et japonais ont suivi en 2006, année qui marque le début pour Fazıl Say d’une résidence
quinquennale au Konzerthaus de Dortmund.
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L’Ouverture « Les Maîtres Chanteurs de Nuremberg » de Richard Wagner
La première ébauche des Maîtres Chanteurs de Nuremberg date de 1845. Seize ans
plus tard, Wagner, après avoir écrit le livret à Paris, compose sa partition à Biberich,
à partir du printemps 1862, un travail qui s’étendra sur cinq années, tout au long
d’une période de sa vie privée particulièrement mouvementée. L’opéra en trois actes
sera créé à Munich, au Théâtre de la Cour, le 21 juin 1868. Majestueux et solennel,
mais aussi tendre et émouvant, le Prélude – ou Ouverture – est construit autour de
quatre thèmes qui alternent, avant que trois d’entre eux ne s’unissent en un savant
contrepoint. Le premier, dans son austérité rigoureuse et sa grande éloquence ostentatoire, caractérise les Maîtres et leur intransigeance. Il est aussitôt suivi d’un
motif léger et gracieux, introduit par la flûte, qui évoque la naissance des sentiments
amoureux entre Eva et Walther von Stolzing. Troisième thème, contrastant avec le
précédent et retrouvant l’atmosphère du premier : la bannière de la corporation des
Maîtres, symbole de leur pouvoir et de leur pompe. Dernier motif, enfin, celui de
l’amour déclaré entre les deux jeunes héros, chaleureusement soutenu par les cordes, et qui servira de base au chant de concours de Walther. Wagner avait redécouvert l’efficacité dramatique du contrepoint alors qu’il composait Tristan. Il s’en sert
ici avec une maestria qui n’exclut pas l’humour, réussissant à faire la synthèse des
principaux éléments de l’ouvrage : le conservatisme des Maîtres et la victoire de la
jeunesse et de l’amour. (D’après Michel Parouty, 1986)
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09. 11. 2016
Der Pianist und Komponist Fazıl Say wurde 1970 in Ankara geboren und kam im
Elternhaus sehr früh mit klassischer Musik in Kontakt: sein Vater war Schriftsteller
und Musikwissenschaftler und besass eine riesige Schallplattensammlung. Die Eltern erkannten die musikalische Begabung des Jungen und liessen ihn am einst von
Paul Hindemith gegründeten Konservatorium in Ankara Klavier und Komposition
studieren. Sein erster Lehrer Mithat Fenmen war ein Schüler Alfred Cortots, und
statt dem Fünfjährigen Noten beizubringen, förderte er sein Talent zur Improvisation, idem er ihm sagte, er solle das spielen, was er an diesem Tage erlebt habe.
Mit acht Jahren begann dann die klassische Klavierschule „... mit Czerny und so
weiter“, wie Fazıl Say selber sagt. Im Alter von fünfzehn Jahren lernte er den Pianisten David Levine und den Komponisten Aribert Reimann kennen. Sie sorgten dafür,
dass er mit einem Stipendium an die Düsseldorfer Robert-Schumann-Hochschule
gehen konnte. Nach dem Klavierstudium hatte er einen Lehrauftrag an der Berliner Hochschule der Künste, und seit er 1994 den Wettbewerb der Young Artist
International Auditions in New York gewann, ist Fazıl Say international bekannt für
sein extravagantes, extrovertiertes und virtuoses Klavierspiel und die Kraft seiner
Kompositionen. In seiner oft ungewöhnlichen Programmgestaltung verbindet er
klassische Musik mit Jazz und der Folklore seiner Heimat.
Für seine Aufnahmen mit Werken von Bach, Mozart, Beethoven, Gershwin und
Strawinsky erhielt er mehrere Preise, unter anderem drei ECHO Klassik Awards.
In der Saison 2015-2016 war Fazıl Say Artist in Residence an der Alten Oper Frankfurt.
Richard Wagners Oper Die Meistersinger von Nürnberg geht auf einen ersten Entwurf aus dem Sommer 1845 zurück, den Wagner nach der Vollendung des Tannhäuser in Marienbad schrieb. Erst sechzehn Jahre später nahm er das Projekt wieder auf und komponierte die Musik in den folgenden fünf Jahren, nachdem er den
Text in Paris verfasst hatte. Die Arbeit an den Meistersingern von Nürnberg fiel in
eine besonders bewegte Zeit seines Privatlebens. Die Uraufführung fand schliesslich am 21. Juni 1868 am Münchner Hoftheater statt.
Das Vorspiel, in festlichem Glanz und klar gegliedertem Aufbau ein Meisterwerk
für sich, führt die wichtigsten Themen der Oper ein. Breit und gewichtig erklingt
das Meistersingermotiv. Ein weiteres Thema kennzeichnet den Ritter Walther von
Stolzing, der rezitativisch frei und ausdrucksvoll in den Kreis der Meistersinger
mit ihren strengen Regeln tritt. Zwischen ihm und der jungen Eva entwickelt sich
eine Liebesgeschichte, was durch ein leichtes und anmutiges Thema dargestellt
wird, das von der Flöte eingeführt wird. Ein weiteres Thema kennzeichnet wieder
die Meistersinger und ihre wichtige Rolle im Nürnberg des 16. Jahrhunderts, und
schliesslich noch ein von den Streichern vorgetragenes Motiv, auf dem Walthers
Lied im Wettstreit der Meistersinger aufbaut. Drei dieser Themen werden im Verlauf des Vorspiels in einem eindrücklichen Kontrapunkt miteinander verwoben.
Le Concerto pour piano n° 23 de Wolfgang Amadeus Mozart
Au cours du premier trimestre de 1786, Mozart termine la composition des Noces
de Figaro. Il écrit également le Directeur de théâtre et remanie Idoménée à l’occasion d’une représentation d’amateurs. Mais ces diverses tâches ne l’empêchent pas
de produire coup sur coup deux Concertos pour piano, l’un achevé le 2 mars, l’autre
le 24 ! Deux pages qui s’opposent à la manière des Concerto n° 20 en ré mineur
(KV 466) et n° 21 en ut majeur (KV 467). Mais le plus gai, le n° 23 en la majeur
(KV 488), précède, cette fois-ci, le plus sombre, le n° 24 en ut mineur (KV 491).
On en retient particulièrement l’Adagio en fa dièse mineur, d’à peine cent mesures.
Ce second mouvement est bercé par le balancement du rythme d’une sicilienne, et
est rendu plus désespéré par la sombre tonalité choisie. (D’après Michel Parouty,
1986)
Das Klavierkonzert Nr. 23 von Wolfgang Amadeus Mozart wurde am 2. März 1786
vollendet, gefolgt vom Klavierkonzert Nr. 24 am 24. März. Aber das sind bei weitem
nicht seine einzigen Kompositionen aus dieser Zeit: In den ersten drei Monaten des
Jahres 1786 wurden Figaros Hochzeit fertiggestellt, Der Schauspieldirektor komponiert und Idomeneo für eine Liebhaberaufführung arrangiert.
Der zweite Satz des Klavierkonzerts Nr. 23 ist besonders eindrücklich, ein Adagio
von knapp hundert Takten im Rhythmus einer Siciliana und in der düsteren Tonart
fis-Moll, die ein Gefühl von Verzweiflung unterstreicht.
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Ce musicien, dont la vie fut relativement brève et obscure, commença ses études
avec l’organiste Adalbert Lindner qui l’instruisit selon les principes sévères de
l’amour des anciens : pour Reger, Jean-Sébastien Bach demeurera toujours « le
commencement et la fin de toute musique ». Son admiration ira vers Brahms également, pour des raisons très identiques et comme son modèle le plus proche. Il sera
nommé professeur de composition à l’Université de Leipzig en 1907 où il eut Hindemith comme élève. Son catalogue est abondant : pièces pour orgue, pour piano,
œuvres chorales, près de trois cents lieder, musique de chambre. Les œuvres pour
orchestre comptent deux pièces maîtresses sous forme de variations. L’écriture en
thème et variations valut à Reger ses meilleures réussites, se référant à la tradition
musicale qu’il chérissait le plus.
L’œuvre jouée ce soir date de 1914. Elle est donc de sept ans postérieure aux Variations et fugue sur un thème joyeux de Hiller (op. 100), données en première
audition à Leipzig en 1907 sous la direction d’Arthur Nikisch. Reger, qui mourra
deux ans plus tard, possède alors la parfaite maîtrise des techniques de composition
traditionnelles : celle de la variation, son moule et son type d’écriture préférés, s’accommode en particulier d’une certaine indigence de l’inspiration mélodique. Reger
puise ses thèmes chez d’autres : dès 1904 chez Bach et Beethoven, ou, l’année même
des présentes Variations, chez Telemann. Le choix, ici, de Mozart s’avère des plus
heureux ; le thème, merveilleusement simple, d’une tendresse infinie, est extrait
de la onzième Sonate pour piano en la majeur, KV 331. Le thème est Andante grazioso : Reger l’énonce intégralement dans une instrumentation de chambre appropriée qu’il partage entre bois et cordes ; suivent huit variations distinctes. Certaines
variations ne transforment en rien le thème, se bornant à l’harmoniser, à l’enrichir
de voix secondaires, à modifier son rythme, à emprunter le mode mineur, avec une
aisance, un naturel qui dénotent la profonde familiarité du genre. L’œuvre, si peu
mozartienne qu’elle devienne, conserve de bout en bout une force, un charme original, à l’occasion des accents de passion tout personnels. Une double fugue magnifie
l’ensemble : Allegretto grazioso, sur lequel se greffe le thème de la huitième variation, sous forme d’expressif adagio. Tout le lyrisme insoupçonné du thème initial se
déploie enfin pour s’épanouir dans la plus franche lumière. (D’après François-René
Tranchefort, 1986)
Die Variationen und Fuge über ein Thema von Mozart von Max Reger sind das
Werk eines Komponisten, der vor allem für seine Orgelkompositionen bekannt
ist. Als Universitätsmusikdirektor und Professor am Königlichen Konservatorium
in Leipzig ermahnte er zwar die Tonschöpfer, für das Neue einzutreten, und versicherte, im Schaffen selber bei den Revolutionären zu stehen. Aber dennoch setzte
er die Tradition fort und komponierte immer wieder in den überlieferten Formen
und verwendete häufig den Kontrapunkt wie sein grosses Vorbild Johann Sebastian Bach. Variationen über Themen von Mozart, Hiller, Bach und Beethoven bilden
den Gipfel seines Schaffens.
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09. 11. 2016
Les Variations et fugue sur un thème de Mozart de Max Reger
Das Thema der hier gespielten Variationen stammt aus Mozarts Klaviersonate
in A-Dur, KV 331, und besticht durch seine sanfte Schlichtheit. Reger stellt es als
Andante grazioso in einer kammermusikalischen Instrumentierung für Holzbläser
und Streicher vor und lässt acht Variationen folgen. Einige lassen das Thema selbst
unverändert und beschränken sich darauf, es anders zu harmonisieren und die Nebenstimmen auszugestalten. Andere verändern den Rhythmus oder verwenden
die Moll-Tonart. Alles klingt ganz natürlich, weil Reger diese Techniken meisterhaft
beherrscht. Auch wenn es nun nicht mehr nach Mozart klingt, behält das Werk
vom Beginn bis zum Schluss seinen Zauber. Eine Doppelfuge bildet den grossartigen Abschluss und bringt die verborgene lyrische Seite des mozartschen Themas
voll zum Vorschein.
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5e concert
Samedi 7 janvier 2017
Aula Magna de l’Université à 17 h. 00
CONCERT « SURPRISE » DU NOUVEL AN
(Les détails en seront révélés le jour du concert…)
07. 01. 2017
Un verre d’amitié sera offert dans le Hall d’honneur de l’Aula
En collaboration avec
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42
Mardi 7 février 2017
Salle Équilibre à 20 h. 00
LE QUATUOR SINE NOMINE
PATRICK GENET, VIOLON
FRANÇOIS GOTTRAUX, VIOLON
HANS EGIDI, ALTO
MARC JAERMANN, VIOLONCELLE
L. V. BEETHOVEN
QUATUOR À CORDES EN SOL MAJEUR, OP. 18 N° 2 (1799)
(1770 – 1827)
Allegro
Adagio cantabile
Scherzo. Allegro
Allegro molto, quasi presto
C. R EGAMEY
QUATUOR À CORDES (1948)
(1907 – 1982)
Allegro impetuoso
Lento molto sostenuto
Allegramente
F. SCHUBERT
QUATUOR À CORDES NO 15 EN SOL MAJEUR, D. 887 (1826)
(1797 – 1828)
Allegro molto moderato
Andante un poco moto
Scherzo. Allegro vivace
Allegro assai
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07. 02. 2017
6e concert
Le Quatuor Sine Nomine
Fondé à Lausanne, le Quatuor Sine Nomine est formé
de Patrick Genet et François
Gottraux, violons, Hans Egidi, alto, et Marc Jaermann,
violoncelle. En 1985, il remporte le Premier Grand Prix
du Concours international
d’Évian, ainsi que le Prix du
Jury de la Presse. En 1987,
il est lauréat du premier
Concours Borciani à Reggio
Emilia. Depuis lors, le Quatuor Sine Nomine se produit
régulièrement dans les principales villes d’Europe et
d’Amérique, notamment au
Wigmore Hall de Londres, au Concertgebouw d’Amsterdam, au Carnegie Hall de
New York ou encore au Mozarteum de Salzbourg.
Le Quatuor Sine Nomine a choisi de s’appeler « sans nom » pour symboliser son
désir de servir tous les compositeurs et toutes les œuvres qu’il interprète. Parmi
les personnalités qui ont marqué les quatre musiciens, il faut citer Rose Dumur
Hemmerling, qui leur a communiqué sa passion et les a sensibilisés à la grande
tradition du quatuor à cordes, le Quatuor Melos, ainsi que Henri Dutilleux, dont la
rencontre, lors de l’enregistrement de son œuvre Ainsi la Nuit chez Erato, a été particulièrement enrichissante. La vie de l’ensemble s’enrichit constamment, grâce à
des collaborations régulières avec d’autres musiciens. Des liens étroits se sont noués
avec quelques quatuors, dont le Quatuor Vogler à Berlin et le Quatuor Carmina à
Zurich.
Le Quatuor Sine Nomine possède un vaste répertoire, de Haydn au XXIe siècle, sans
négliger des œuvres moins jouées, comme l’Octuor d’Enesco. Il a créé plusieurs
œuvres contemporaines qui lui sont dédiées. À part les grands classiques (l’intégrale de Schubert chez Cascavelle et celle de Brahms chez Claves), les Quatuors
d’Arriaga et des œuvres de Turina (aussi chez Claves), sa discographie comprend
également les Quintettes pour piano de Furtwängler (Timpani) et de Goldmark
(CPO). Parallèlement au quatuor, chaque membre développe une intense activité
pédagogique dans les Hautes Écoles Musicales de la Romandie. De plus, le Quatuor assure la direction artistique de l’Orchestre des Jeunes de la Suisse Romande
depuis 2012. Le Quatuor bénéficie du soutien de la Ville de Lausanne et de l’État de
Vaud. Depuis 1994, l’Association des Amis du Quatuor Sine Nomine contribue au
développement de sa carrière, notamment à l’étranger. L’ensemble est fondateur et
directeur artistique du Festival Sine Nomine depuis sa création en 2001.
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Le Deuxième Quatuor à cordes de Ludwig van Beethoven
Les seize Quatuors à cordes constituent, dans l’œuvre de Beethoven un “corpus”
singulier dont le compositeur lui-même reconnut qu’il revêtait une signification quasi « historique » : non seulement pour sa propre évolution créatrice, mais du point de
vue du genre et de son avenir présumé. Car c’est bien en affrontant ce genre et en le
façonnant par approches, par recherches et par solutions successives, que Beethoven a livré sa bataille la plus ouverte et la plus décisive contre les conventions. Il
assuma à la fois l’héritage important de Haydn et de Mozart en ce domaine et sut
réaliser un inventaire des moyens acquis en vue de leur dépassement permanent ; au
point de « révolutionner » complètement l’écriture pour quatre instruments.
Ce Deuxième Quatuor, esquissé en 1799, en même temps que le Septuor, ne fut
achevé qu’en 1800 et publié en 1801. Il semble également que son écriture fut laborieuse. Pourtant, dans le groupe des six premiers Quatuors op. 18, celui-ci paraît,
à première vue, l’un des plus facilement venus, en même temps qu’une référence
à Haydn, maître toujours en vie et admiré. C’est la configuration de son premier
45
07. 02. 2017
Das Quartett Sine Nomine, 1982 in Lausanne gegründet, wurde 1985 am internationalen Wettbewerb von Évian mit dem Ersten Preis ausgezeichnet und war
1987 Preisträger am ersten Borciani-Wettbewerb in Reggio Emilia. Seither tritt das
Quartett regelmässig in Europa und Amerika auf. Die Bezeichnung „Namenlos“ hat
es gewählt, um damit zu betonen, dass es sich nicht speziell einem Komponisten
widmet, sondern allen Komponisten und ihren Werken dienen will.
Namhafte Persönlichkeiten haben die Entwicklung des Quartetts gefördert: nach
Rose Dumur Hemmerling, die ihm ihre Leidenschaft vererbt und ihm das Tor zur
grossen Streichquartetttradition geöffnet hat, ist auch das Melos-Quartett zu erwähnen. Die Begegnung mit Henri Dutilleux anlässlich der Aufnahme seines Werks
Ainsi la Nuit stellte ebenfalls einen Meilenstein dar.
Das Quartett Sine Nomine spielt ein umfangreiches Repertoire, von Haydn bis zum
21. Jahrhundert, einschliesslich selten dargebotener Werke wie das Oktett von
Enescu. Es hat viele zeitgenössische Werke uraufgeführt, von denen einige ihm gewidmet sind. Seine Diskografie ist umfassend: neben den grossen klassischen Werken (u. a. Gesamtaufnahmen von Schubert und Brahms) wurden auch die Quartette von Arriaga und Werke von Turina eingespielt, sowie die Klavierquintette von
Furtwängler und Goldmark.
2001 initiierte das Quartett in Lausanne das Festival Sine Nomine, das seither alle
zwei Jahre erfolgreich stattfindet.
Das Quatuor Sine Nomine wird durch die Stadt Lausanne und den Kanton Waadt
gefördert. Seine Karriere - insbesondere im Ausland - wird ausserdem von der 1994
gegründeten Association des Amis du Quatuor Sine Nomine unterstützt.
thème qui a fourni l’occasion du surnom qu’il a reçu en Autriche : KomplimentierQuartett – Quatuor « des compliments », ou « des révérences », car, s’il faut chercher la présence de Haydn dans l’œuvre du jeune Beethoven, c’est bien ici qu’on la
trouvera. Le dédicataire fut, comme pour l’ensemble de l’opus 18, le prince Franz
Joseph von Lobkowitz (1772-1816), également mécène de Joseph Haydn et grand
admirateur de Beethoven, qui lui dédia également trois de ses Symphonies ainsi que
le Triple Concerto. La création publique eut lieu à Vienne avec le Quatuor Schuppanzigh, à une date indéterminée. Sa publication intervint en juin 1801 chez Mollo
à Vienne. (D’après François-René Tranchefort, 1989)
Das Zweite Streichquartett von Ludwig van Beethoven entstand vermutlich als
drittes der sechs Streichquartette op. 18, die 1801 im Druck erschienen und die
dem Fürsten Franz Joseph Maximilian von Lobkowitz gewidmet sind, einem grosszügigen Mäzen Beethovens – und auch Haydns –, dem der Komponist ausser diesen
Quartetten drei Symphonien, das Tripelkonzert und ein weiteres Streichquartett
widmete. Die Allgemeine Musikalische Zeitung schrieb Folgendes über die Quartette op. 18: „Unter den neuen hier erscheinenden Werken zeichnen sich vortreffliche
Arbeiten von Beethoven aus. Drei Quartette geben einen vollgültigen Beweis für
seine Kunst; doch müssen sie öfters und sehr gut gespielt werden, da sie sehr schwer
auszuführen und keineswegs populär sind.“ In der Tat griff Beethoven mit seinen
insgesamt sechzehn Streichquartetten nicht nur das Erbe Haydns und Mozarts auf,
sondern er überwand die Konventionen und revolutionierte das Streichquartett.
Das Quartett Nr. 2 des op. 18 hält sich noch ziemlich an die Tradition Haydns, der ja
noch lebte und den Beethoven sehr bewunderte. Einige musikalische Phrasen dieses Quartetts erinnern an galante Verbeugungen, was ihm die Bezeichnung „Komplimentierquartett“ eingebracht hat.
Le Quatuor à cordes de Constantin Regamey
Un « … véritable homme de la Renaissance, vivant au XXe s., en qui s’unissent avec
un rare bonheur les qualités d’un musicien, d’un érudit et d’un poète ... », selon
Victor Desarzens. Le compositeur et linguiste Constantin Regamey est né à Kiev
en 1907. Son arrière-grand-père avait émigré de Lausanne en Pologne à Wilno –
Vilnius, puis à Kiev, et c’est depuis ce temps-là que la famille a abandonné l’accent
aigu de son nom ! Dès 1920 sa famille s’installe à Varsovie où Constantin Regamey
fera toutes ses études et la première partie de sa carrière universitaire et musicale.
La famille a gardé la nationalité suisse, perdue un moment, mais qu’il récupère en
1922, ce qui le sauvera avec sa mère en 1944, année où il s’installe en Suisse.
À côté de ses nombreuses compositions, que le public mélomane connaît encore
très mal, il sera interprète, conférencier spécialiste de la musique contemporaine,
journaliste musical, membre de nombreuses sociétés internationales, délégué à
l’UNESCO et au CIM (Conseil international de la musique). Remarquable linguis46
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07. 02. 2017
te, spécialiste des langues orientales, professeur aux Universités de Fribourg et de
Lausanne de 1946 à 1977, Constantin Regamey parlait plus de 20 langues, en un
mot il fut un savant aux multiples talents et peut-être l’un des derniers humanistes.
Son héritage musical comprend une trentaine d’œuvres, dont deux opéras, Don Robott (1959/69, inachevé) et Mio, mein Mio (1973), une Cantate, sur un texte tiré
du Rigvéda, pour ténor et grand orchestre, Alpha (1976, dédiée à l’OSR pour son
50e anniversaire), une Symphonie des Incantations pour grand orchestre, soprano
et baryton (1967), un Double Concerto pour violon, violoncelle et orchestre, Lila
(1976, dédié à Paul Sacher « avec amitié et reconnaissance », Lila désignant l’action
créatrice de Dieu dans l’hindouisme), une Musique pour cordes (1951/53) à la demande de Victor Desarzens, créée par l’OCL en 1953, Autographe pour les mêmes
(première version courte de 1963, deuxième version longue de 1966, œuvre qui fut
jouée à Fribourg dans les concerts d’abonnement le 14 février 1978), Variazioni e
Tema pour orchestre (1948), ainsi que plusieurs œuvres de musique de chambre,
dont une série de Variations sur un thème de Bartók pour violon et violoncelle,
composées en hommage à Paul Sacher pour ses soixante ans (1966), et le Quatuor
à cordes que nous écoutons ce soir.
Selon l’aveu du compositeur, ce Quatuor fut le résultat d’une erreur dans un dictionnaire américain ! Regamey avait bien composé la première page d’un quatuor en
Pologne, mais il avait réalisé combien cette forme était délicate : « tout s’y entend,
on ne peut pas tricher ». Il y renonça, mais découvrit plus tard dans une biographie
que parmi ses œuvres, était cité un quatuor à cordes ! Il décida alors de composer
cette pièce, ce qui lui ouvrit des perspectives tout à fait nouvelles. Terminé en 1948,
le Quatuor fut créé en Pologne, à Cracovie le 7 février 1949 (il y a donc exactement
68 ans aujourd’hui), puis en Suisse, par Alphonse Brun, Hansheinz Schneeberger,
Walter Kägi et Rudolf von Tobel, lors de la fête de l’AMS (Association des musiciens suisses), le 15 mai 1949 à … Fribourg ! C’est sans doute seulement la seconde
fois qu’il est joué ce soir dans cette ville. Le succès fut très grand ; Regamey se
souvient avoir salué jusqu’à seize fois ; ayant de la fièvre ce jour-là, il était persuadé
qu’il s’agissait d’une hallucination ! D’un jour à l’autre il devint célèbre en Suisse.
Ce succès est peut-être dû au fait que, dans son ensemble, ce Quatuor ne rappelle
aucune tradition de la musique de l’époque. Ni germanique, ni français, il représente un monde très particulier, fortement teinté d’orientalisme, pour certains, ou
d’éléments slaves, pour d’autres. Il n’en demeure pas moins que ces pages sont d’une
très grande densité et d’une réelle inspiration, ainsi que le reflet d’une authentique
vie intérieure, « vie tourmentée le plus souvent, mais qui, ainsi qu’il apparaît dans
le très beau mouvement lent, est capable de s’élever à une sorte de gravité, voisine
de la sérénité » (Ed. Müller-Mohr, Tribune de Genève, 16 mai 1949). L’auditeur est
d’emblée saisi par l’indépendance des parties, la liberté du dialogue. Le langage
employé est celui de la « tonalité élargie » et, sans être sériel, Regamey y use de
certains procédés de la dodécaphonie. La forme de ce Quatuor est très simple : le
premier mouvement est construit sur trois thèmes, repris dans le développement
sous forme renversée, puis combinés dans un fugato. La réexposition, très conden-
sée, les fait apparaître simultanément. Le deuxième mouvement est écrit dans le cadre traditionnel du lied. Le thème en est très lyrique et fut considéré par Jean Perrin
(Tribune de Lausanne, 10 novembre 1956) comme « l’une des plus belles mélodies
de Constantin Regamey ». Quant au troisième mouvement, il s’agit d’un rondo varié
d’une grande richesse rythmique.
La création du Quatuor fut très bien accueillie par la critique qui releva : « Ce
qui frappe dans le Quatuor du Vaudois Constantin Regamey, c’est l’extrême originalité de la pensée, le souffle puissant, venu du large, qui l’anime, la sûreté de
la conception, la maîtrise de la forme, sa tranquille audace » (Hermann Lang,
Nouvelle Revue de Lausanne, 17 mai 1949). Cette « tranquille audace » fut parfois
contestée. Ainsi put-on lire dans la presse fribourgeoise (signé H. H. dans La Liberté du 16 mai 1949) : « Nous avons de la peine à nous défaire de l’impression que
Constantin Regamey veut parfois l’effet pour l’effet, le procédé pour le procédé… ».
On entendit ensuite ce Quatuor dans toutes les principales villes de notre pays,
donnée par différents ensembles. Il assura la renommée mondiale de son auteur et
fut joué dans plusieurs villes d’Allemagne et de Pologne, à Vienne, à Helsinki, à
Bruxelles, à New-York, à Tokyo, à Bahia et à Kiev, la ville natale du compositeur.
L’œuvre a résisté à l’usure du temps et se maintient constamment au répertoire de
plusieurs ensembles. Elle est considérée aujourd’hui comme une composition d’une
rare perfection d’écriture, témoignant à la fois d’une « intelligence lucide et d’une
sensibilité raffinée ». (D’après Nicole Loutan-Charbon : Constantin Regamey, compositeur, 1978)
Das Streichquartett von Constantin Regamey ist das Werk eines wenig bekannten
„Renaissance-Menschen des 20. Jahrhunderts“, der nicht nur Musiker war, sondern
auch ein gelehrter Sprachwissenschaftler und Poet. Sein Urgrossvater war von Lausanne zunächst nach Wilna (damals in Polen) und später nach Kiew ausgewandert,
wo Constantin Regamey 1907 zur Welt kam. 1920 zog die Familie nach Warschau,
wo Constantin Regamey studierte und seine musikalische und universitäre Laufbahn begann. Die Familie erlangte 1922 ihre Schweizer Staatsbürgerschaft wieder,
die sie zeitweise verloren hatte. So konnte Constantin Regamey mit seiner Mutter
1944 in die Schweiz übersiedeln.
Neben seiner Tätigkeit als Komponist betätigte sich Constantin Regamey als Dolmetscher, hielt Vorträge über zeitgenössische Musik, war Musikjournalist, Delegierter bei der UNESCO und beim Internationalen Musikrat und Mitglied zahlreicher internationaler Gesellschaften. Als Spezialist für orientalische Sprachen unterrichtete er von 1946 bis 1977 an den Universitäten von Freiburg und Lausanne.
Dieser vielfach begabte Gelehrte sprach über zwanzig Sprachen und war wohl einer der letzten wahren Humanisten.
Sein leider wenig bekanntes musikalisches Erbe umfasst gut dreissig Werke, darunter zwei Opern, eine Kantate für Tenor und grosses Orchester (dem Orchestre de
la Suisse Romande zum fünfzigjährigen Bestehen gewidmet), eine Symphonie der
Beschwörungen für grosses Orchester, Sopran und Bariton, ein Doppelkonzert für
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Le Quinzième Quatuor à cordes de Franz Schubert
C’est le quinzième et dernier des Quatuors de Schubert (mais non son œuvre ultime
de chambre qui sera le Quintette à deux violoncelles, op. 163), écrit en dix jours seulement, du 20 au 30 juin 1826. Seul le premier mouvement sera exécuté du vivant
du compositeur, en l’unique concert viennois de ses œuvres, organisé par lui-même
le 26 mars 1828 avec le Quatuor Schuppanzigh. La première exécution intégrale de
l’œuvre n’aura lieu qu’en 1850 par le Quatuor Hellmesberger, et sa publication sera
faite en 1851 par les soins de Diabelli. C’est sur l’arrière-fond de l’échec public du
précédent Quatuor en ré mineur (« La jeune fille et la Mort ») que celui-là fut composé : affirmation vitale au terme d’une période de doute sur lui-même ; libération
d’une angoisse intérieure sur la reconnaissance de son état de musicien, sur l’urgence d’une organisation matérielle de son existence ; exaspération dans l’attente de
sa réussite dans l’opéra. Tout se mêle sans doute pour créer le sentiment d’inconfort
et d’urgence qui permet la naissance de ce Quatuor.
Le choix de sa tonalité de sol majeur peut représenter une revanche sur le ré mineur
du précédent, une remise en question, une récupération des forces, une nouvelle
aventure. S’il n’élimine pas son climat douloureux, il en approfondit encore l’expression en une intensité sonore qui semble parfois dépasser les limites du genre
pour se tourner vers la symphonie. Sur le plan de la conduite harmonique, une oscillation, un jeu d’échange permanent entre les modes majeur et mineur, très caractéristique du langage schubertien dans sa maturité, déterminent sa structure interne
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07. 02. 2017
Violine, Violoncello und Orchester und eine Musik für Streicher, die im Auftrag von
Victor Desarzens für das Orchestre de chambre de Lausanne entstand. Mehrere
Werke sind Paul Sacher gewidmet.
Constantin Regamey sagte selbst, dass das Quartett, das wir heute Abend hören,
auf Grund eines falschen Eintrags in einem amerikanischen Lexikon entstand: Zwar
hatte er bereits in Polen angefangen, ein Streichquartett zu schreiben, aber schon
nach der ersten Seite aufgegeben, „weil man in dieser Musikgattung alles hört und
nicht mogeln kann“. Und dann entdeckte er Jahre später, dass in seiner Biographie
von einem Streichquartett die Rede war! So entschloss er sich, dieses Quartett
doch noch zu komponieren. Es wurde 1948 fertig und am 7. Februar 1949 (also auf
den Tag genau vor 68 Jahren) in Krakau uraufgeführt. Die Schweizer Erstaufführung
fand dann anlässlich des Fests des Schweizer Tonkünstlervereins am 15. Mai 1949
in Freiburg statt und war ein grosser Erfolg: sechzehn Mal musste Regamey auf
der Bühne erscheinen. Da er an diesem Tag Fieber hatte, war er überzeugt, es sei
nur eine Halluzination, aber in der Tat wurde er auf einen Schlag in der Schweiz
als Komponist bekannt. Auch die Kritik äusserte sich lobend, und das Quartett
wurde schon bald in zahlreichen Schweizer Konzertsälen aufgeführt, aber auch
in Deutschland und Polen, in Wien, Helsinki, Brüssel, New York, Tokio, Bahia und
Kiew, Constantin Regameys Geburtsort. Seither gehört das Werk zum Repertoire
mehrerer Quartette.
et imposent à l’auditeur un sentiment d’instabilité. Il est notable que le musicien
accorde ici une importance particulière au violoncelle. De même, depuis le Quartettsatz de 1820, les trémolos des cordes n’auront jamais démontré chez Schubert
une telle puissance dramatique. Enfin, à travers la diversité, parfois la violence des
idées, la recherche d’unité, déjà manifeste dans le Quatuor en ré mineur, peut être
tenue comme une caractéristique de ce nouveau Quatuor, en dépit de la rapidité de
sa conception. Dès le début s’esquisse un combat symbolique entre ombre et lumière, entre mineur et majeur qui traversera tout l’ouvrage jusqu’à la coda résumant, en
un ultime murmure des cordes, le climat à la fois envoûtant et angoissé de l’œuvre.
(D’après François-René Tranchefort, 1989)
Das Streichquartett Nr. 15 von Franz Schubert entstand in der kurzen Zeitspanne
vom 20. bis 30. Juni 1826 und ist sein letztes Streichquartett. Nur der erste Satz
wurde zu Schuberts Lebzeiten öffentlich gespielt, und zwar vom SchuppanzighQuartett im einzigen von Schubert selbst organisierten Wiener Konzert am 26.
März 1828. Erst 1850 erklang das vollständige Werk in einer Aufführung durch das
Hellmesberger-Quartett. Diabelli sorgte 1851 für die Publikation.
Sein vorheriges Quartett Der Tod und das Mädchen war ein Misserfolg gewesen,
und auch im Bereich der Oper wollte sich der Erfolg nicht einstellen. Hinzu kam für
Schubert noch die Notwendigkeit, seine Existenz irgendwie materiell zu sichern.
Das waren nicht die besten Voraussetzungen für die Komposition des neuen Quartetts. Die Wahl der Tonart G-Dur deutet vielleicht darauf hin, dass Schubert gewillt
war, diesen ungünstigen Umständen zu trotzen. Ein anderer Hinweis auf die Energie, die Schubert in diese Komposition steckte, ist die Intensität einiger Passagen,
die den Hörer eher an eine Symphonie denken lassen.
Das Werk ist durchzogen von einem ständigen Wechsel zwischen Dur und Moll,
einem Kampf zwischen Licht und Dunkelheit. Die Stimmung des Werks schwankt
zwischen Betörung und Beängstigung, bis zum Flüstern der Instrumente in der
Coda des letzten Satzes.
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7e concert
Jeudi 9 mars 2017
Salle Équilibre à 20 h. 00
ANDREW TYSON
PREMIER PRIX DU CONCOURS GEZA ANDA ZURICH 2015
J. P. SWEELINCK
SIX VARIATIONS SUR « MEIN JUNGES LEBEN HAT EIN END »
EN LA MINEUR, SwWV 324
(1562 – 1621)
M. RAVEL
MIROIRS (1904/05)
(1875 – 1937)
Noctuelles – Oiseaux tristes – Une barque sur l’océan –
Alborada del gracioso – La vallée des cloches
F. CHOPIN
LES 24 PRÉLUDES, OP. 28 (1835/39)
(1810 – 1849)
I. Agitato (ut majeur) – II. Lento (la mineur) –
III. Vivace (sol majeur) – IV. Largo (mi mineur) –
V. Molto allegro (ré majeur) – VI. Lento assai (si mineur) –
VII. Andantino (la majeur) – VIII. Molto agitato (fa dièse mineur) –
IX. Largo (mi majeur) – X. Molto allegro (ut dièse mineur) –
XI. Vivace (si majeur) – XII. Presto (sol dièse mineur) –
XIII. Lento (fa dièse majeur) – XIV. Allegro (mi bémol mineur) –
XV. Sostenuto (ré bémol majeur) – XVI. Presto con fuoco (si bémol mineur) –
XVII. Allegretto (la bémol majeur) – XVIII. Molto allegro (fa mineur) –
XIX. Vivace (mi bémol majeur) – XX. Largo (ut mineur) –
XXI. Cantabile (si bémol majeur) – XXII. Molto agitato (sol mineur) –
XXIII. Moderato (fa majeur) – XXIV. Allegro appassionato (ré mineur)
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09. 03. 2017
RÉCITAL DE PIANO
Andrew Tyson, pianiste
Né en 1986 à Durham (Caroline du Nord), Andrew
Tyson a étudié successivement au Curtis Institute
de Philadelphie, avec Claude Frank, et à la Juilliard
School de New York avec Robert McDonald. Il
remporte le Prix Young Concert Artists en 2011,
le Prix Hallé Orchestra du Concours international
de Leeds et le Prix Gina Bachauer de la Juilliard
School en 2012, un Prix Avery Fisher Career et le
Sixième Prix du Concours international Reine Élisabeth de Bruxelles en 2013, les Prix Brownville
Concert Series, Lied Center of Kansas, Bronder
pour piano du Saint Vincent College. Il est l’invité régulier du Falany Performing Arts Center, du
Rhoda Walker Teagle Concert au Merkin Hall de New York, de l’Isabella Stewart
Gardner Museum de Boston, de la Library of Congress de Washington, de la Fondation nationale Chopin de Miami et des Festivals de Caramoor, Chopin à El Paso,
Brevard, Filharmonia Narodowa en Pologne, Sintra au Portugal, Cultural de Mayo
de Guadalajara. Il s’est produit en tant que soliste avec les Orchestres symphoniques de Raleigh, de Kansas City, du Colorado, de Hilton Head et de Durham, l’Orchestre de chambre du Triangle, l’Orchestre royal de chambre de Wallonie, sous la
direction notamment de Marin Alsop.
On aura rarement vu des résultats aussi tranchés qu’en 2015, au Concours Géza
Anda : après dix jours et quatre séries d’épreuves où vingt-sept jeunes pianistes
étaient en lice, l’un d’entre eux, l’Américain Andrew Tyson, a fini par tout rafler :
il s’est vu décerner non seulement le Premier Prix, mais aussi le Prix du Jury et
le Prix Mozart. Ce n’était pour lui que la suite d’une longue série de succès, après
son triomphe aux Young Concert Artists Auditions de New York, son Prix Arthur
Rubinstein et son Avery Fisher Career Grant. S’il s’est d’ores et déjà produit avec
plusieurs orchestres de premier plan dans son pays, c’est maintenant au tour de
l’Europe : il a eu droit à un triomphe à Zurich, a débuté cette année avec l’Orchestre
de Bamberg, les Virtuoses de Moscou, et l’Orchestre de la Radio de Stuttgart, ainsi
qu’au Festival de Lucerne.
Der Pianist Andrew Tyson wurde 1985 in den USA geboren und studierte bei Thomas Otten an der Universität von North Carolina sowie bei Claude Frank am CurtisMusikinstitut in Philadelphia. Seinen Master und das Solistendiplom holte er sich
an der Juilliard School bei Robert McDonald.
Er gewann zahlreiche Preise, unter anderen beim Gina Bachauer-Wettbewerb, beim
Arthur Rubinstein-Wettbewerb, beim Leeds-Wettbewerb und beim Concours Reine Elisabeth in Brüssel. Seine vielgerühmten Debuts in New York und im Kennedy
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Les Six variations sur « Mein junges Leben hat ein End » de Jan Pieterszoon
Sweelinck
Né à Deventer en 1562 et mort à Amsterdam en 1621, Sweelinck est issu d’une
famille d’organistes hollandais. Il semble avoir toujours vécu à Amsterdam, d’où le
titre qui lui est donné d’« Orphée d’Amsterdam » ! Il y occupa toute sa vie le poste
d’organiste à la Oude Kerk, l’église où se trouve son tombeau. Professeur remarquable, il était un virtuose et improvisateur, aussi bien au clavecin qu’à l’orgue. Mis à
part un catalogue important de musique vocale, la musique instrumentale de Sweelinck est exclusivement consacrée au clavier. Son œuvre de clavecin se compose
de Fantaisies, de Toccatas et de Variations. Dans ces pièces se mêlent l’influence
des Virginalistes anglais, avec lesquels il eut d’étroits contacts (Peter Philips, John
Bull, Pieter Cornet, qui on tous vécu aux Pays-Bas), et l’influence des compositeurs
italiens dont la musique circulait à l’époque dans toute l’Europe.
La série de Variations composées par Sweelinck est l’exemple le plus frappant de
ce qu’il retira de ses contacts avec les Virginalistes anglais. Ces variations, essentiellement mélodiques, doivent en effet presque tout à l’Angleterre. Le thème y
est en général présenté sur une simple harmonie, tandis que les épisodes suivants,
de plus en plus virtuoses, font appel à des procédés purement instrumentaux, tels
que répétitions de notes, motifs rythmiques variés, sauts d’octaves, accords brisés,
batteries, gammes en tierces, etc. Ses variations sont écrites d’après des chansons
célèbres ou des thèmes de chorals, ou sur des pages de contemporains. (D’après
Adélaïde de Place, 1987)
Jan Pieterszoon Sweelinck, 1562 in Deventer geboren, stammte aus einer holländischen Organistenfamilie. 1564 wurde sein Vater Organist an der Oude Kerk
zu Amsterdam. Der Vater starb 1573, und 1577 wurde Jan Pieterszoon Sweelinck
Organist an der Oude Kerk, in der sich auch sein Grabmal befindet. Man nennt
Sweelinck auch den „Amsterdamer Orpheus“. Er war als Virtuose und Pädagoge
international geschätzt und hatte einen grossen Einfluss auf die Norddeutsche Orgelschule. Seine Kompositionen sind im Wesentlichen von zwei Seiten beeinflusst:
von der italienischen Musik, die damals in ganz Europa bekannt war, und von der
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09. 03. 2017
Center im Jahr 2013 verdankt er der Auszeichnung bei den Young Artists International Auditions 2011. Der Terence Judd-Preis im Rahmen des Leeds-Wettbewerbs
wurde ihm durch das Hallé-Orchester und Sir Mark Elder verliehen.
Seit Jahren ist Andrew Tyson in Klavierabenden und an Festivals in Nord- und Mittelamerika sowie in zahlreichen Ländern Europas zu hören, zum Beispiel im Palais
des Beaux-Arts in Brüssel, im Zentrum Paul Klee in Bern, am Sintra Festival oder
am Art November in Moskau. Seit er im Sommer 2015 den Ersten Preis beim Géza
Anda-Wettbewerb in Zürich erhalten hat, haben die Einladungen zu Konzerten und
an Festivals sprunghaft zugenommen. Als Duo-Partner tritt er mit der koreanischen
Cellistin Jeong-Hyoun Lee und dem amerikanischen Geiger Benjamin Beilman auf.
Musik der englischen Virginalisten, von denen mehrere in Amsterdam lebten und
mit denen er selber engen Kontakt hatte.
Dieser Einfluss der englischen Virginalisten wird in seinen Variationen besonders
deutlich. Das Thema wird im Allgemeinen in einer einfachen Harmonisierung vorgestellt, während die folgenden Variationen die Technik der verwendeten Instrumente immer virtuoser einsetzen: So werden zum Beispiel Noten in rascher Folge
wiederholt, der Rhythmus wird variiert, es gibt Oktavsprünge, gebrochene Akkorde und in Terzen gespielte Tonleitern.
« Miroirs » de Maurice Ravel
En dépit de sa volonté d’assurer à sa musique pour piano une survie orchestrale,
qui connut souvent une plus grande célébrité que la version originale, Ravel fut,
en fait, un compositeur de musique pour piano bien avant d’acquérir son art extraordinaire de l’orchestration. L’Esquisse biographique, que Ravel dicta à son ami
Roland Manuel en 1928, date d’une époque à laquelle le musicien se montrait prêt
à considérer ses œuvres de jeunesse avec un certain degré de clémence. Il y émet
un avis définitif sur le moment décisif que représente Miroirs, nous rappelant, dans
le même temps, que ce fut Ravel qui précéda Debussy vers l’innovation pianistique
et non l’inverse.
En effet, dans le domaine de la musique pour piano, l’histoire de la fécondation
croisée entre les deux compositeurs se révèle passablement complexe. Lorsque Ravel écrivit ses Jeux d’eau, Debussy n’avait produit que Pour le piano et encore
rien d’aussi iconoclaste, du point de vue pianistique, que ses Estampes ultérieures,
elles-mêmes surgies dans le reflet de la gloire des pièces libres et expérimentales
de Ravel, inspirées par les mouvements de l’eau. La mesure de l’influence des Estampes de Debussy sur Miroirs de Ravel n’est pas facile à déterminer. Il est, en
revanche, certain que Ricardo Viñes (pianiste espagnol, ami et ancien condisciple
de Ravel dans la classe de piano de Charles de Bériot au Conservatoire de Paris) fit
part à Ravel de l’objectif que s’était fixé Debussy de créer une musique ayant l’apparence d’une improvisation contrôlée, aussi spontanée que les feuilles d’un cahier
d’esquisses.
C’est exactement ce que réussit Ravel dans ses Miroirs de 1905 qu’il décrivit ainsi :
« Les Miroirs forment un recueil de pièces pour le piano qui marquent dans mon
évolution harmonique un changement assez considérable pour avoir décontenancé
les musiciens les plus accoutumés jusqu’alors à ma manière. Le premier en date de
ces morceaux – et le plus typique de tous – est, à mon sens, le second du recueil :
les Oiseaux tristes. J’y évoque des oiseaux perdus dans la torpeur d’une forêt très
sombre aux heures les plus chaudes de l’été … ». Les amis proches – connus sous le
nom de « Les Apaches », groupe artistique formé vers 1900, dont les cinq premiers
membres sont dédicataires de chacune des pièces de Miroirs –, devant lesquels Ravel joua l’œuvre pour la première fois, furent déroutés par cette lamentation libre.
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„Miroirs“ von Maurice Ravel ist eine Sammlung von fünf Klavierstücken, über die
Ravel selbst sagt, dass sie eine beträchtliche Wandlung in seiner Behandlung der
Harmonie markieren, haben sie doch selbst die Musiker aus der Fassung gebracht,
die bisher mit Ravels Stil am vertrautesten waren: Ravel gehörte der um 1900 gegründeten Künstlergruppe „Les Appaches“ an, und den ersten fünf Mitgliedern
dieser Gruppe widmete Ravel je ein Stück der Miroirs. Als er sie ihnen vorspielte,
waren sie zunächst verwirrt.
Das zuerst entstandene dieser Stücke – und nach Meinung von Ravel das typischste von allen – ist das zweite Stück der Sammlung: die Oseaux tristes. Ravel erweckt
damit die Vorstellung von Vögeln, die in den heissesten Stunden des Sommers
in einem dunklen Wald verloren sind. Mit den Noctuelles (Nachtfalter) und Une
barque sur l’océan schlägt Ravel mutig neue Wege ein. So wird an einer Stelle im
letztgenannten Stück vom Interpreten verlangt, mit der rechten Hand pianissimo
ohne Nuancen zu spielen und mit der linken piano, ausdrucksvoll. Arpeggio-Akkorde imitieren das Rauschen des Meeres. Das bekannteste Stück der Miroirs ist die
Alborada del gracioso, das Morgenständchen eines Spassmachers, das häufig in
der später von Ravel selbst verfassten Orchesterversion gespielt wird. Hier kommt
Ravels Hang zur spanischen Musik zum Zuge. La vallée des cloches erinnert mit
seinen gedämpften Perkussionseffekten an javanische Gamelanmusik, die Ravel an
der Weltausstellung 1889 kennen gelernt hatte.
55
09. 03. 2017
Ces bribes désolées de chants d’oiseau dominant des formules lugubres et variées,
associées à une progression impressionniste et une approche singulièrement « non
pianistique », en font peut-être la pièce la plus riche de prolongements de l’ensemble
– et pas seulement parce que son sujet aurait été cher à Messiaen ! Les papillons de
nuit éperdus de la première pièce, Noctuelles, menant le transcendantalisme de haut
niveau de Liszt sur une voie différente de celle empruntée par Scriabine, et le paysage changeant d’Une barque sur l’océan – dans lequel Ravel, à un moment donné,
souligne l’abîme séparant l’élément naturel et l’observateur humain, en indiquant, à
la main droite, pp sans nuances, et, à la main gauche, p expressif –, sont également
résolument tournés vers l’avenir. Par ses arpèges imitant la houle sur la mer, Une
barque sur l’océan est, à l’évidence, la pièce la plus pianistique du recueil. Ravel en
a, néanmoins, réalisé une orchestration limpide, alors qu’il a laissé de côté Oiseaux
tristes et Noctuelles. La meilleure candidate à une instrumentation virtuose est sans
doute Alborada del gracioso (« Chanson de l’aube du bouffon »), bien que la transformation du piano en guitare gigantesque par Ravel se perde dans l’éclat de l’orchestre. Miroirs s’achève sur le rêve à demi oublié de La vallée des cloches où les
effets de percussion assourdie suggèrent un ensemble de gamelan javanais que Ravel avait découvert à l’Exposition universelle de 1889. (D’après David Nice, 1992)
Les 24 Préludes op. 18 de Frédéric Chopin
La première édition des 24 Préludes, op. 28, parut en même temps à Leipzig et à
Paris, en 1839. Il est difficile de les dater avec certitude. On a coutume de dire que
Chopin les composa lors de son séjour à Majorque avec George Sand, durant l’hiver
1838-39. Mais un certain nombre d’entre eux avaient déjà été écrits à Paris avant
son départ, et d’autres avaient été seulement esquissés. En réalité, il semble plutôt
que Chopin les révisa et les corrigea à Palma en vue de leur publication. Chopin
organise ses 24 Préludes selon les 24 tons de l’ordre normal de la gamme : chaque
ton majeur est suivi de son relatif mineur. N’est-ce pas là le tribut payé à Bach et
au Clavecin bien tempéré dont Chopin faisait son pain quotidien ? Au siècle précédent, le Prélude était un genre musical de forme libre et de caractère improvisé, qui
introduisait une fugue ou servait d’ouverture à la suite de danses, suite de luth, de
clavecin ou d’orchestre.
Chopin semble conserver l’idée d’un morceau dont la structure n’est pas définie.
Son Prélude est une pièce indépendante qui n’introduit rien et dont la construction
n’est pas fixe. Chopin détache le prélude de la fugue et en fait une œuvre relativement courte qui ne procède d’aucun programme établi : cette forme lui a permis de
développer une musique à l’état pur, qui échappe à toute classification. Une partie
de ces Préludes ayant été terminée lors du sombre séjour à Majorque, certains ont
absolument voulu leur donner une explication imagée. Sans tomber dans l’excès des
banalités écrites sur le voyage de Chopin et de Sand aux Baléares, on ne peut nier
que l’atmosphère fiévreuse, et attirante à la fois, de la Chartreuse de Valdemosa ait
eu une influence sur la sensibilité exacerbée du musicien. Ces Préludes sont cependant pleins d’allusions, de souvenirs et de réminiscences ; mais plus qu’un commentaire ou qu’une image, c’est la pensée intime de leur auteur, ses états d’âme, ou ses
aspirations, qu’il faut essayer d’y saisir. Pour Liszt, ces morceaux sont « admirables
par leur diversité, le travail et le savoir qui s’y trouvent… Ils ont la libre et grande
allure qui caractérisent les œuvres de génie ». (D’après Adélaïde de Place, 1987)
Die 24 Préludes sur tous les tons von Frédéric Chopin erschienen 1839 gleichzeitig in Paris und Leipzig. Chopin hat sie vermutlich im Winter 1838/39 komponiert, während seines Aufenthalts auf Mallorca mit George Sand, aber einige sind
sicher bereits vorher in Paris entstanden, zumindest in Skizzen. Angeordnet sind
sie gemäss der Folge der Tonarten im Quintenzirkel, wobei jeder Dur-Tonart die
mit ihr verwandte Moll-Tonart folgt, also C-Dur, a-Moll, G-dur, e-Moll, D-Dur, hMoll usw. Dabei hat sicherlich Bachs Wohltemperiertes Klavier Pate gestanden, in
dem die Stücke in gleicher Weise angeordnet sind. Aber während bei Bach jedes
Präludium ein echtes Vorspiel ist, das eine Fuge einleitet, interpretiert Chopin den
Term Prélude, wie im 19. Jahrhundert üblich, als ein einer Improvisation ähnliches
Musikstück in freier Form. Für Franz Liszt trugen Chopins Préludes „die Züge, die
die Werke eines Genies kennzeichnen“.
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8e concert
Vendredi 28 avril 2017
Salle Équilibre à 20 h. 00
Présentation à 19 h. 00 à la salle du 7e étage d’Équilibre
LA PHILHARMONIE DE MORAVIE
G. MAHLER
SYMPHONIE N° 7, EN SI MINEUR, DITE « LIED DER NACHT –
LE CHANT DE LA NUIT », (1904/05)
(1860 – 1911)
I. Langsam (Adagio). Nicht schleppen –
Allegro risoluto, ma non troppo
II. Nachtmusik. Allegro moderato
III. Scherzo. Schattenhaft – Trio
IV. Nachtmusik. Andante amoroso
V. Finale. Rondo. Tempo I (Allegro ordinario) –
Tempo II (Allegro moderato ma energico)
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28. 04. 2017
DIRECTION : GUDNI EMILSSON
La Philharmonie de Moravie
La Philharmonie de Moravie est créée en 1945 et compte au nombre des plus anciens orchestre de la République Tchèque. Elle réside dans la ville historique morave
d’Olomouc. Cette ancienne ville universitaire est un important centre de formation
et de culture pour toute la Moravie. Cet Orchestre a été dirigé par d’importantes
personnalités, telles que Lord Yehudi Menuhin, Václav Neumann, Libor Pešek,
Vladimír Válek. Des solistes de renom ont joué avec lui, par exemple, S. Richter,
I. Oïstrakh, G. Kremer, S. Ishikawa, P. Fournier, J. Suk, V. Hudeček, E. Indjic, J.
Carreras, A. Baltsa, J. Cura. Son répertoire couvre la musique tchèque ainsi que
la musique européenne des XIXe et XXe siècles. Il promeut activement la musique
contemporaine, qu’elle soit tchèque ou internationale ; ce qui l’a conduit à être la
source d’une centaine de créations d’œuvres de compositeurs contemporains. Plus
récemment, l’Orchestre s’est fait une spécialité d’enregistrer ses créations. L’Orchestre joue dans toute l’Europe et prend part à de multiples festivals, en République Tchèque et ailleurs, par exemple, le Festival du printemps Litomysl Smetana à
Prague, le Festival d’été de Reims, le Thurn und Taxis Festspiele à Regensburg. Il
a aussi été l’hôte de l’Alte Oper de Francfort, de la Philharmonie de Munich, de la
Vereinsaal de Vienne, de la Salle Pleyel de Paris, de la Tonhalle de Zurich et des
Palaus de la Música de Barcelona et de Valencia. La Philharmonie de Moravie joue
une rôle très actif dans la vie culturelle de la ville d’Olomouc, entre autres comme
promoteur du Festival Dvořák et du Festival international de musique d’orgue.
Die Mährische Philharmonie gehört zu den vornehmsten und ältesten symphonischen Orchestern in der Tschechischen Republik. Ihr Sitz ist in Olmütz, der historischen Hauptstadt Mährens, die als Universitätsstadt ein bedeutendes Zentrum der
Bildung, Kultur und Kunst ist.
An der Spitze der Mährischen Philharmonie standen bedeutende Persönlichkeiten der böhmischen Musikkultur, am Dirigentenpult wechselten sich international
bekannte Dirigenten ab, darunter O. Klemperer, A. Janson, Lord Yehudí Menuhin,
V. Neumann, L. Pešek. Als Gäste traten bedeutende Solisten auf, zum Beispiel S.
Richter, I. Oistrach. G. Kremer, S. Ishikawa, P. Fournier, D. Šafrán, A. Navarra, J, Suk,
V. Hudeček, J. Carreras, A. Baltsa und viele andere.
Während der über 50 Jahre währenden Tätigkeit baute die Mährische Philharmonie ein ausserordentlich reiches und mannigfaltiges Repertoire auf. Das Orchester widmet seine Aufmerksamkeit grossen Autoren der Weltmusik des 19. und 20.
Jahrhunderts. Es ist darüberhinaus selbstverständlich, dass die Mährische Philharmonie auch zu den authentischen Interpreten der Klassiker der tschechischen Musikkultur gehört – A. Dvořák, B. Smetana, L. Janáček und B. Martinů.
Die Mährische Philharmonie setzt sich intensiv für die Verbreitung der zeitgenössischen Musik ein, insbesondere der tschechischen, wovon die Tatsache zeugt, dass
mehr als 250 Neukompositionen als Premieren uraufgeführt wurden. In der letzten
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Gudni Emilsson, chef d’orchestre
C’est à l’âge de quatre ans qu’il reçoit ses premières leçons de musique de la part de son
père. Comme boursier de l’État d’Islande, il
achève ses études de piano et de direction au
Conservatoire de Trossingen. Il est récompensé et choisi par le Conseil de la musique
d’Allemagne pour diriger au Gewandhaus de
Leipzig. Il reçoit plusieurs prix internationaux et bénéficie de l’aide de diverses fondations, dont la Richard Wagner-Stiftung à Bayreuth. Il est lauréat de la Herbert
von Karajan-Stiftung en 1994. En 2002, il est récompensé par le Prix artistique
Masaryk pour des programmes et projets innovants. Il a l’occasion de diriger la
Philharmonie de Stuttgart, l’Orchestre symphonique d’Islande, l’Orchestre d’État
de Thessalonique, le Ton künstlerorchester Wien, la Nordwestdeutsche Philharmonie, l’Orchestre de chambre de la Philharmonie Tchèque, et l’Orchestra dell’Arena
di Verona. Plusieurs solistes jouent avec lui : J. Suk, E. Pahud, R. Friedrich, D. Ashkenazy, M. Mogilevsky, V. Oïstrakh et M. Maisky. De 2000 à 2004 il est directeur
de l’Orchestre de chambre Suk à Prague avec lequel il se produit au Festival du
printemps de Prague. Il est directeur musical de la Camerata Bohemica de Prague.
En 2005, avec l’aide du gouvernement de la Thaïlande et du Goethe-Institut, il est
nommé directeur principal de l’Orchestre philharmonique de Bangkok nouvellement formé. Gudni Emilsson est consultant de la Museumsgesellschaft Tübingen et
responsable du conseil de la culture de l’Eberhard-Karls-Universität Tübingen.
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28. 04. 2017
Zeit konzentriert sich die Mährische Philharmonie auf CD-Aufnahmen der Musik
zeitgenössischer Autoren (Zeitgenössische Weltmusik).
Mit einem grossen positiven Echo trat die Mährische Philharmonie in den meisten Ländern Europas auf; an viele Orte im Ausland kehrt sie aufgrund der grossen
positiven Resonanz des Publikums sowie der Kritik fast jedes Jahr erneut zurück.
Sie nahm an bedeutenden internationalen Musikfestivals teil, zum Beispiel in Griechenland, Deutschland, Spanien, Frankreich, Italien und Österreich.
Die Mährische Philharmonie ist ein Kulturinstitut, welches sich an der Organisation des Konzertlebens in Olmütz beteiligt. Sie ist Organisator und Veranstalter des
Musikfestivals Dvořáks Olmütz und des Internationalen Orgelfestivals. Beide erwähnte Festivals werden alljährlich in den denkmalswürdigen und architektonisch
bedeutenden Olmützer Kirchen veranstaltet.
Der Dirigent Gudni Emilsson wurde in Reykjavik geboren und erhielt bereits mit
vier Jahren den ersten Musikunterricht bei seinem Vater. Als Stipendiat des Staates
Island absolvierte er sein Klavier- und Dirigierstudium an der Staatlichen Hochschule für Musik Trossingen. Er wurde vom Deutschen Musikrat ausgezeichnet und ausgewählt, am Gewandhaus Leipzig zu dirigieren. Er gewann internationale Preise bei
Wettbewerben und erhielt Stipendien vom DAAD, der isländischen Stiftung LIND
und der Richard Wagner-Stiftung Bayreuth. 1994 war er Preisträger der Herbert
von Karajan-Stiftung Salzburg. 2002 wurde ihm der Masaryk-Künstlerpreis für innovative Programme und Projekte verliehen. Emilsson dirigierte beispielweise die
Stuttgarter Philharmoniker, das Isländische Sinfonieorchester, das Staatsorchester
Thessaloniki, das Tonkünstlerorchester Wien, die Nordwestdeutsche Philharmonie, das Czech Philharmonic Chamber Orchestra und das Orchester dell´Arena di
Verona. Er konzertiert mit bedeutenden Solisten wie J. Suk, E. Pahud, R. Friedrich,
D. Ashkenazy, M. Mogilevsky, V. Oistrach und M. Maisky. Emilsson war von 2000
bis 2004 Chefdirigent des Suk-Kammerorchesters Prag, mit dem er beim Festival
„Prager Frühling“ gastierte. Er ist künstlerischer Leiter der Camerata Bohemica
Prag und wurde 2005 mit Unterstützung der thailändischen Regierung und des
Goethe-Instituts zum Chefdirigenten des neu gegründeten Thailand Philharmonic
Orchestra in Bangkok ernannt. Zugleich ist Emilsson Kulturreferent der Museumsgesellschaft Tübingen und Leiter des Kulturreferats der Eberhard-Karls-Universität
Tübingen.
La Septième Symphonie, dite « Le Chant de la nuit » de Gustav Mahler
Commencée durant l’été 1904, terminée le 15 août 1905, la Septième Symphonie
fut créée à Prague sous la direction de Mahler le 19 septembre 1908. Elle est d’une
durée remarquable, plus de quatre-vingts minutes. Longtemps la moins jouée des
Symphonies de Mahler, la Septième, en cinq mouvements comme la Cinquième, est
de disposition concentrique : deux grands Allegros, l’un sombre et changeant après
une introduction, Adagio, et l’autre éclatant, encadrent un ensemble formé de deux
mouvements modérés, intitulés chacun Nachtmusik – Musique nocturne, l’un, Allegro moderato, en ut majeur, l’autre, Andante amoroso, en fa majeur, et flanquant
eux-mêmes un Scherzo central, Schattenhaft – Comme une danse d’ombres, en ré
mineur. De la même façon que dans la Cinquième Symphonie, on voit que la tonalité
évolutive y joue un rôle essentiel.
Plus sans doute que toute autre Symphonie de Mahler, la Septième apparaît déchirée
entre le romantisme et la modernité : c’est ce qui la rend si fascinante ; c’est aussi ce
qui, jusqu’à une époque récente, la rendit, comme la Sixième, si « difficile » d’abord
aux mélomanes. Sur le plan harmonique, l’œuvre est probablement la plus avancée
de Mahler : les dissonances et les modulations abruptes y abondent, ce qui, pour
la tonalité, a un effet dissolvant, voire corrosif ! Un autre élément de vocabulaire
« mine », dans la Septième, le discours tonal : l’intervalle de quarte qui joue, au
point de vue tant mélodique qu’harmonique, un rôle de tout premier plan. C’est jus60
Die Siebente Symphonie von Gustav Mahler trägt auch den Beinamen „Lied der
Nacht“, der aber nicht von Mahler selbst stammt. Entstanden ist sie in den Sommermonaten der Jahre 1904 und 1905, aber ihre Uraufführung fand erst am 19.
September 1908 in Prag unter Mahlers Leitung statt. Lange war sie die am seltensten gespielt Symphonie Mahlers, was sich wohl auch durch ihre Dauer von ca. 80
Minuten erklärt. Der Aufbau ist symmetrisch: In der Mitte steht das Scherzo mit
der Bezeichnung schattenhaft; es wird von den beiden Nachtmusiken eingerahmt,
und die beiden äusseren Sätze sind grosse Allegros, wobei der erste Satz mit einem
einführenden Adagio beginnt.
Mehr als die anderen Symphonien Mahlers scheint diese hin- und hergerissen zwischen Romantik und Moderne. Das macht sie so faszinierend, aber nicht unbedingt
leicht zugänglich für den Hörer. Was die Harmonik anbelangt, ist Mahlers Tonsprache in dieser Symphonie wohl am weitesten fortgeschritten: Dissonanzen und abrupte Modulationen sind häufig, so dass sich diese Musik der Atonalität nähert. Ein
anderes Element, das auch in Schönbergs 1906 entstandener Kammersymphonie
Nr. 1 eine wichtige Rolle spielt, ist das Intervall der Quarte, die in Mahlers Siebenter
Symphonie harmonisch und melodisch allgegenwärtig ist.
Trotz diesen modernen Zügen ist diese Symphonie aber vor allem ein romantisches
Werk, schon durch das Thema der Nacht, das diese Symphonie beherrscht. Die beiden, ganz vom Atem der Natur durchwehten Nachtmusiken entstanden als erste
Sätze; die drei anderen folgten später. Auch Gitarre und Mandoline, die in dieser
Symphonie erklingen, geben ihr einen romantischen Charakter. Über sein Verhältnis zur Natur sagte Mahler: „Dass die Menschen immer meinen, die Natur liege an
der Oberfläche! – Was das Äusserliche an ihr betrifft, ja! Aber die sind ihr noch nicht
auf die Spur gekommen, die nicht im Angesichte der Natur alle Schauer eines unendlich Geheimnisvollen, Göttlichen ergreifen, das wir ahnen, aber nicht begreifen
und durchdringen können.“
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28. 04. 2017
tement cet intervalle de quarte qu’Arnold Schönberg, un an seulement après l’achèvement de cette Septième Symphonie, devait utiliser comme matière principale dans
sa Kammersymphonie – Symphonie de chambre n° 1 pour quinze instruments solistes, op. 9, de 1906. Mais, par-delà tous ses modernismes, la Septième est placée
presque tout entière sous le signe de la Nuit, ce thème romantique par excellence :
d’où le titre, non authentique de « Lied der Nacht – Chant de la nuit », qui parfois lui
est accolé. Ici, la marche vers la lumière s’opère non pas de façon continue, comme
dans la Cinquième, mais par corrections successives, par de constants changements
d’éclairage, surtout dans les trois premiers mouvements. Cette instabilité fondamentale est ce par quoi l’œuvre se définit le mieux. (D’après Marc Vignal, 1986)
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9e concert
Samedi 13 mai 2017
Salle Équilibre à 19 h. 00
Présentation à 18 h. 00 à la salle du 7e étage d’Équilibre
DAS KAMMERORCHESTER BASEL
DIRECTION : TREVOR PINNOCK
SoliSte : R afał Blechacz, piano
L. VAN BEETHOVEN
(1770 – 1827)
OUVERTURE DU BALLET
« DIE GESCHÖPFE DES PROMETHEUS –
LES CRÉATURES DE PROMÉTHÉE »,
EN DO MAJEUR, OP. 43 (1800/01)
Adagio – Allegro molto et con brio
13. 05. 2017
TROISIÈME CONCERTO POUR PIANO EN UT MINEUR,
OP. 37 (1803/04)
Allegro con brio
Largo
Rondo. Allegro
F. MENDELSSOHN
CINQUIÈME SYMPHONIE EN RÉ MAJEUR, OP. 107,
REFORMATIONS-SINFONIE, DITE « RÉFORMATION »
(1830)
(1809 – 1847)
Andante – Allegro con fuoco –
Andante – Meno Allegro
Allegro vivace
Andante
Choral : Ein feste Burg ist unser Gott.
Andante con moto – Allegro vivace –
Allegro maestoso
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L’Orchestre de chambre de Bâle – kammerorchesterbasel – KOB
C’est « l’une des formations musicales actuelles les plus passionnantes parmi les
orchestres du monde entier » (Fono Forum) ! Avec ses racines à Bâle et son succès
à l’échelle internationale, le KOB enthousiasme son public partout. Des concerts
pleins d’énergie et de passion pour la musique sont l’emblème de cet orchestre de
haut niveau et éminemment créatif. Le KOB est polyvalent et de ce fait est l’un des
rares ensembles de son genre qui couvre et la musique baroque et la musique des
XXe et XXIe siècles. Fondé en 1984 par de jeunes diplômés issus de divers conservatoires suisses, le KOB reçoit aujourd’hui des invitations de la part des lieux de
concert et de festivals les plus importants et se produit aussi lors de ses propres concerts d’abonnement à Bâle. Le programme est complété par des projets d’éducation,
des lectures avec accompagnement musical, ainsi que par une série de concerts de
musique de chambre dans le cadre urbain du Ackermannshof à Bâle.
Divers enregistrements de CD auprès de labels de musique classique renommés,
comme Sony, Deutsche Harmonia Mundi, RCA Records et OehmsClassics témoignent de la qualité exceptionnelle de l’orchestre. L’orchestre joue sous la direction
musicale de ses propres premiers violons et apprécie la collaboration en alternance
avec des chefs d’orchestre, comme Paul Goodwin, Mario Venzago, Trevor Pinnock et tout particulièrement avec son chef d’orchestre invité permanent Giovanni
Antonini. Avec ce dernier, les musiciens ont élaboré un cycle des Symphonies de
Beethoven. L’enregistrement des Symphonies 1 à 8 est déjà paru chez Sony. Pour
l’enregistrement des Symphonies 3 et 4, l’orchestre a reçu le prix ECHO Klassik
dans la catégorie « Ensemble de l’année 2008 ». Ce succès a été confirmé en 2012 :
sous la direction de son premier violon Julia Schröder, le KOB a reçu le prix ECHO
Klassik dans la catégorie « Meilleur enregistrement d’opéra (airs et duos d’opéra) »
pour l’enregistrement d’airs de Telemann avec la soprano Núria Rial. De plus, l’orchestre est le sujet d’un film long métrage : le documentaire « Bartóks Quinten »
(2010, réalisatrice : Christine Burlet) qui permet un regard coloré dans les coulisses
du KOB.
La liste des solistes qui donnent des concerts avec le KOB est impressionnante :
Cecilia Bartoli, Sol Gabetta, Andreas Scholl, Angelika Kirchschlager, Matthias
Goerne, Sabine Meyer, Vesselina Kasarova, Angela Hewitt, Renauld Capuçon,
Victoria Mullova, Núria Rial… La saison 2014-15 a été marquée par la représentation et l’enregistrement de la 9e Symphonie de Beethoven sous la direction de Giovanni Antonini. L’orchestre se réjouit aussi de pouvoir coopérer à nouveau avec des
solistes et des chefs d’orchestres exceptionnels, comme Christoph Poppen, Heinz
Holliger, Fazıl Say, Emmanuel Pahud, Sandrine Piau, Julia Lezhneva et le Juilliard
String Quartet. Le programme de cette saison englobe le répertoire traditionnel
avec des Symphonies de Schubert, le Concerto pour violon de Beethoven, ainsi que
des Concertos pour piano de Mozart. Il est enrichi par un répertoire néoclassique
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Das Kammerorchester Basel ist in seiner Heimatstadt verankert, aber auch international erfolgreich; es begeistert allerorts sein Publikum. Energiegeladene, von
Musizierfreude sprühende Konzerte sind das Markenzeichen des kreativen Spitzenorchesters. Als eines der wenigen Ensembles seiner Art ist das wandlungsfähige Kammerorchester Basel auf Barockinstrumenten ebenso zu Hause wie in der
Musik des 20. und 21. Jahrhunderts.
Gegründet wurde es 1984 von Absolventen verschiedener Schweizer Musikhochschulen. Heute gehören Einladungen zu den wichtigsten Konzertorten und Festivals der europäischen Klassikszene ebenso in die Agenda des Orchesters wie die
eigene Basler Abonnementsreihe.
Das Orchester spielt mit Vorliebe unter der musikalischen Leitung der eigenen Konzertmeister und schätzt die Zusammenarbeit mit wechselnden Dirigenten wie Paul
Goodwin, Mario Venzago, Trevor Pinnock und ganz besonders seinem ständigen
Gastdirigenten Giovanni Antonini. Unter seiner Leitung wird es im Wechsel mit
dem italienischen Ensemble Il Giardino Armonico bis ins Jahr 2032 alle 107 Sinfonien Joseph Haydns aufführen und auf CD einspielen.
Renommierte Solisten wie Emmanuel Pahud, Sol Gabetta, Andreas Scholl, Kristian
Bezuidenhout, Matthias Goerne, Sabine Meyer, Angela Hewitt, Renauld Capuçon,
Thomas Zehetmair, Sandrine Piau und viele mehr gehören zu den regelmässigen
musikalischen Partnern des Kammerorchesters Basel.
2015 wurde das Kammerorchesters Basel bereits zum dritten Mal mit dem ECHO
Klassik-Preis ausgezeichnet.
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13. 05. 2017
fascinant comprenant des œuvres de Bohuslav Martinů et d’Albert Roussel. Des
œuvres contemporaines de Heinz Holliger et de Fazıl Say, ainsi que l’avant-première d’une œuvre de commande pour douze instrumentistes, et intégrant de la musique électronique jouée en direct, du compositeur Maurilio Cacciatore, complètent
le program me de cette saison.
Trevor Pinnock, chef d’orchestre
Né le 16 décembre 1946 à Canterbury dans le Kent,
il est un chef d’orchestre et claveciniste britannique, spécialiste réputé de la musique baroque. Enfant, il est élève de la maîtrise de la Cathédrale
de Canterbury, puis étudie l’orgue (avec Ralph
Downes) et le clavecin au Royal College of Music.
Il débute à Londres au Royal Festival Hall avec
le Galliard Ensemble en 1966. En 1973, il fonde
The English Concert, ensemble spécialisé dans
l’interprétation de la musique baroque sur instruments anciens, qu’il dirigera jusqu’en 2003, date
à laquelle il cède son poste au violoniste Andrew
Manze pour se consacrer à une carrière internationale dédiée au récital et comme chef invité. Il
fait ses débuts à New York en 1988 où il dirige l’opéra de Haendel, Giulio Cesare
in Egitto. De 1991 à 1996, il occupe le poste de directeur artistique de l’Orchestre
du Centre national des arts d’Ottawa, puis celui de conseiller artistique du même
ensemble jusqu’en 1998.
À la tête de l’English Concert, il donne au disque l’intégrale des Concertos pour
clavecin de Bach, tenant le rôle de soliste, ainsi que les plus grandes œuvres du
répertoire baroque pour orchestre, l’intégrale des Symphonies de Mozart et, avec le
chœur de l’English Concert, plusieurs œuvres majeures de musique chorale. Parmi
ses enregistrements solistes, plébiscités par la critique, on compte, entre autres, les
Partitas pour clavier, l’Ouverture dans le style français, le Concerto italien et les
Variations Goldberg de Bach ainsi que des Sonates de Scarlatti. Aux côtés de la
violoniste Rachel Podger, il a également enregistré l’intégrale des Sonates pour violon et clavecin et celle des Sonates pour violon et basse continue de Bach. Enfin, il
se révèle également un grand spécialiste de Jean-Philippe Rameau dont il a enregistré de nombreuses pièce de clavecin. Signalons son interprétation du Concerto pour
clavecin de Francis Poulenc avec le Boston Symphony Orchestra et Seiji Ozawa.
Trevor Pinnock est aussi le chef invité de nombreux ensembles, dont le Freiburger
Barockorchester, le Mozarteum, la Deutsche Kammerphilharmonie ou le Philharmonique de Vienne. Il se produit aussi en duo avec le violoniste Maxim Vengerov.
Der Dirigent Trevor Pinnock stammt aus Canterbury, wo er als Kind im Chor der
Kathedrale sang. Am Royal College of Music studierte er Orgel und Cembalo. 1972
gründete er The English Concert, das für seine Interpretationen der Musik des Barock auf alten Instrumenten bekannt wurde. Er leitete dieses Ensemble bis ins Jahr
2003, um sich danach ganz seiner Karriere als Solist, Kammermusiker und Gastdirigent zu widmen. Ausserdem verfolgt er musikpädagogische Projekte.
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In der Saison 2016-17 geht er nicht nur mit dem Kammerorchester Basel auf Tournee, sondern er arbeitet auch mit der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen,
dem Gewandhausorchester Leipzig, dem Concertgebouw-Orchester Amsterdam,
dem Deutschen Symphonieorchester Berlin, der Kioi-Sinfonietta Tokio und anderen Ensembles. Daneben stehen Rezitals, Kammermusikabende und die Aufführung von Purcells Dido und Aeneas in seiner Agenda.
Né en Pologne (Naklo nad Notecia), le 30
juin 1985, il commence ses études de piano à cinq ans. Il poursuit sa formation au
Conservatoire Feliks Nowowiejski à Bydgoszcz avec Katarzyna Popowa-Zydron.
Il remporte plusieurs prix dans les plus
grands concours internationaux notamment
le Deuxième Prix du Concours Arthur Rubinstein à Bydgoszcz en 2002, le Deuxième
Prix du Cinquième Concours international de Jeunes Pianistes à Hamamatsu, au
Japon en 2003 (cette année-là, il n’y eut pas de Premier Prix), le Premier Prix du 4e
Concours international de piano du Maroc en 2004. En octobre 2005, consécration
ultime, il remporte à l’unanimité le Concours international de piano Frédéric Chopin à Varsovie. Lors de ce concours, il gagne également trois autres prix : le Prix de
la Radio polonaise pour la meilleure interprétation des Mazurkas, le Prix de la Société polonaise de Chopin pour la meilleure interprétation des Polonaises et le Prix
du Philharmonique de Varsovie pour la meilleure interprétation des Concertos. Il
a également reçu la récompense créée par Krystian Zimerman pour la meilleure
interprétation des Sonates.
Sa victoire au Concours Chopin en 2005 lui ouvre les portes des salles les plus prestigieuses du monde entier : en mars 2006, il se produit à la Philharmonie de Varsovie, en mai 2006, il joue au Conservatoire de Moscou avec l’Orchestre du Théâtre
Mariinsky sous la direction de V. Gergiev, et à la Tonhalle de Zurich en septembre
2006. Il donne des récitals dans les plus grandes salles du Japon, notamment au
Suntory Hall et à l’Opéra de Tokyo, ainsi qu’au Concertgebouw d’Amsterdam, à la
Herkules Saal à Munich, au Wigmore Hall de Londres, à l’Auditorium national de
Madrid, au Palais des Beaux Arts à Bruxelles. Ses récitals dans les Festivals d’été
de la Roque d’Anthéron, à Verbier et dans la Ruhr ont été très bien accueillis par
la critique. Il signe un contrat d’exclusivité chez DGG. Il est le deuxième Polonais,
après Krystian Zimerman à signer avec ce grand label musical. Le premier disque,
les Préludes de Chopin, est sorti en janvier 2008. Un jour après sa sortie, le disque
a reçu la marque d’Or, puis ensuite de Platine dans les ventes en Pologne. Un disque
des Sonates de Beethoven, Haydn et Mozart est sorti en mars 2009 chez DGG et un
disque des deux Concertos de Chopin en 2010. En 2012, paraît un disque Debussy –
Szymanowski et en 2013 un nouveau disque Chopin avec les Polonaises.
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13. 05. 2017
Rafał Blechacz, pianiste
Der Pianist Rafał Blechacz wurde 1985 in Nakło an der Netze in Polen geboren. Er
begann im Alter von fünf Jahren mit dem Klavierspielen und besuchte später die
Staatliche Artur-Rubinstein-Musikschule in Bydgoszcz (Bromberg) und studierte
dann an der dortigen Feliks-Nowowiejski-Musikakademie bei Katarzyna PopowaZydron. Seit 1996 wurde er bei verschiedenen Musikwettbewerben ausgezeichnet
und siegte 2005 beim weltweit bedeutendsten Klavierwettbewerb, dem Internationalen Chopin-Wettbewerb in Warschau. Die Jury fand sein Spiel dem der Konkurrenten dermassen überlegen, dass 2005 kein zweiter Preis vergeben wurde.
Ausserdem erhielt er gleich drei Sonderpreise: für die beste Interpretation einer
Mazurka, einer Polonaise und eines Konzerts.
Rafał Blechacz durfte 2006 in der Warschauer Philharmonie und im Moskauer
Konservatorium mit dem Orchester des St. Petersburger Mariinski-Theaters unter
Valery Gergiev spielen. Seither ist er unterwegs von Konzertsaal zu Konzertsaal,
quer durch ganz Europa, und erweist sich als würdiger Nachfolger von Krystian Zimerman oder Maurizio Pollini, die vor ihm ebenfalls aus dem Chopin-Wettbewerb
als Sieger hervorgegangen sind. Wie sein Landsmann Zimerman spielt er die Werke
Chopins mit einer unglaublichen Eleganz und Raffinesse; und wie Pollini arbeitet er
die Architektur eines klassischen Werks mit meisterhaftem Geschick heraus.
Das Freiburger Publikum hatte bereits mehrfach Gelegenheit, Rafał Blechacz zu
hören, das letzte Mal im November 2011 in einem Rezital mit Werken von Mozart,
Debussy, Szymanowski und Chopin.
L’Ouverture du ballet « Les Créatures de Prométhée » de Ludwig van Beethoven
Ludwig van Beethoven et le ballet : une association pas forcément immédiate. Et
pourtant le Ballet, Die Geschöpfe des Prometheus – Les Créatures de Prométhée,
connut à sa création à Vienne en 1801 un nombre de représentations remarquable.
L’Ouverture est seule restée au répertoire des concerts symphoniques. Le libretto et
la chorégraphie du Ballet en deux actes (actuellement perdus) étaient du chorégraphe napolitain Salvatore Viganò (1769-1821). Le Ballet, avec la musique de Beethoven, fut créé le 28 mars 1801, devant l’impératrice Marie-Thérèse, au Hoftheater où
il fut représenté une trentaine de fois jusqu’en 1802. La primadonna du ballet était
Maria Casentini que la critique d’alors avait trouvée excellente.
Un spectateur attentif, le gouverneur comte Karl von Zinzendorf (1739-1813), nota
en français, dans ses carnets : « Le nouveau ballet Les Créatures de Prométhée est
singulier. La musique de Beethoven ne me plut guère. Tout le Parnasse se trouve
en évidence. Apollon immobile au haut d’un rocher escarpé. Prométhée fait danser
ses hommes, cela n’avance pas, la musique les anime, la Muse de la tragédie excite
leur sensibilité en faisant semblant d’avoir tué Prométhée. Viennent les évolutions
guerrières. Vigano a l’épée et le bouclier à la main. La Casentini lui décoche une
flèche. Cela dure jusques vers 10 heures … ». Deux recensions en ont paru en mai
68
et juin 1801 dans des journaux viennois à la mode : Zeitung für die elegante Welt
et Journal des Luxus und der Moden, à partir desquels on n’en saura pas beaucoup
plus que ces quelques phrases anecdotiques sur la musique composée par Beethoven...
Le Troisième Concerto pour piano de Ludwig van Beethoven
Les deux premiers Concertos pour piano, amplement tributaires d’une esthétique
du XVIIIe s., signalent surtout chez le compositeur une volonté de s’imposer comme
pianiste. Mais, avec le Troisième Concerto, s’amorce un très grand changement que
le Quatrième Concerto, peut-être le plus hardi, le plus novateurs des cinq, accomplit
dans toutes ses dimensions temporelles et sonores, avant l’épanouissement absolu
du très célèbre Concerto « L’Empereur ». Beethoven ne jouait pas ses Concertos
avec une partition imprimée ; ils ne furent pas toujours fixés dans la forme que
nous leur connaissons aujourd’hui. Par exemple, le Premier Concerto, op. 15, fut
joué par Beethoven en mars 1795, mais la partition ne fut achevée que 5 ans plus
tard, alors qu’entre temps d’autres interprétations, par exemple, en 1796, à Berlin, et
en 1798, à Prague, ont certainement aussi influencé la version définitive. Ce grand
intervalle séparant ces premières exécutions de l’impression est caractéristique du
fait que Beethoven était un excellent pianiste, donc un virtuose itinérant. Mozart
avait aussi utilisé cette « stratégie » pour ses propres concertos lorsqu’il notait :
« … daß mir mehr Nutzen schafft, wenn ich sie noch ein paar Jährchen bey mir
behalte, und dann erst durch den Stich bekannt mache – … que cela m’est fort utile
si je les garde quelques années avec moi et qu’alors seulement je les fais connaître
par la gravure ». Beethoven écrivait à Breitkopf son éditeur : « Es erfordert die
musikalische Politik, die besten Konzerte eine Zeitlang für sich zu behalten… – Il
est nécessaire à la politique musicale de garder un certain temps pour soi seul les
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13. 05. 2017
Das Ballett Die Geschöpfe des Prometheus mit der Muik von Ludwig van Beethoven und der Choreographie des Neapolitaners Salvatore Viganò wurde am 28.
März 1801 am Wiener Hoftheater in Anwesenheit der Kaiserin Maria-Theresia uraufgeführt. Wir konnten diese Ballettmusik in unserem Abonnementskonzert am
6. Februar 2016 hören. Die Gelegenheit dazu ist eher selten, während die Ouvertüre der Ballettmusik, die wir heute hören, häufig gespielt wird. Sie steht in keinem
inhaltlichen Zusammenhang mit dem Ballett, sondern ist eine rein Symphonische
Musik ohne dichterisches Programm, die den Hörer unmittelbar fesselt. Auf eine
langsame Einleitung folgt ein Allegro, das in der Art einer Symphonie in einer Exposition zwei Themen aufstellt, worauf Durchführung und Reprise folgen.
meilleurs concertos… ». Par là, le compositeur pouvait aussi s’assurer un certain
monopole dans leur exécution publique.
Le Troisième Concerto sera ébauché en 1800, mais ne connut sa forme définitive
qu’en 1802, et sera créé à Vienne le 5 avril 1803, avec la Deuxième Symphonie et
l’Oratorio « Le Christ au Mont des Oliviers ». Il est dédicacé au prince Louis-Ferdinand de Prusse et sera édité en novembre 1804 à Vienne. Il s’agit à coup sûr du
premier « grand » concerto beethovénien – dans l’ut mineur cher au compositeur –,
marquant un progrès très sensible dans l’équilibre entre soliste et orchestre, enfin
traités en véritables partenaires. (D’après François-René Tranchefort, 1986)
Das Dritte Klavierkonzert von Ludwig van Beethoven entstand 1800 in ersten Skizzen und wurde 1802 fertiggestellt. Die Uraufführung fand am 5. April 1803 in Wien
statt, wobei Beethoven den Solopart spielte. Bei dieser Gelegenheit wurden auch
Beethovens Zweite Symphonie und sein Oratorium Christus am Ölberge uraufgeführt. Im Druck erschien das Klavierkonzert, das dem Prinzen Louis-Ferdinand von
Preussen gewidmet ist, im November 1804.
In diesem Konzert behandelt Beethoven, anders als in den ersten beiden, Klavier
und Orchester als gleichwertige Partner. Beethovens Freund Ignaz Xaver von Seyfried, der während der Uraufführung die Noten umblätterte, berichtete später,
dass diese bis auf ein paar „mir rein unverständliche ägyptische Hieroglyphen“ leer
waren. Dieser Bericht ist durchaus glaubwürdig: Beethoven spielte seine Klavierkonzerte nicht nach gedruckten Noten, und sie standen in ihrer Form nicht immer
so fest, wie wir das glauben. Beispielsweise wurde das Erste Klavierkonzert im März
1795 in der Erstfassung von Beethoven gespielt, die Komposition jedoch erst fünf
Jahre später beendet, wobei weitere Aufführungen (z. B. 1796 in Berlin und 1798
in Prag) gewiss die endgültige Fassung beeinflusst haben. Die grosse Zeitspanne
bis zum Druck ist bezeichnend, belegt sie doch das damalige Selbstverständnis des
ausgezeichneten Pianisten Beethoven als eines reisenden Virtuosen. Schon Mozart
hatte diese Strategie verfolgt und im Zusammenhang mit seinen Klavierkonzerten
festgestellt, „daß mir mehr Nutzen schafft, wenn ich sie noch ein paar Jährchen bey
mir behalte, und dann erst durch den Stich bekannt mache“. Beethoven schrieb an
seinen Verleger Breitkopf: „Es erfordert die musikalische Politik, die besten Konzerte eine Zeitlang für sich zu behalten.“ Der Komponist sicherte sich somit zunächst
das Aufführungsmonopol.
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Elle ne fut éditée qu’en 1868, soit plus de vingt ans après la mort de Mendelssohn,
qui s’en avouait peu satisfait et s’en désintéressa complètement après sa création. Il
n’en dirigea qu’une audition privée à Berlin, le 15 novembre 1832, avec un succès
mitigé. Sa composition avait été entreprise en 1829, en vue de contribuer à la célébration du tricentenaire de la Confession d’Augsbourg (1530), intention qui avorta,
puisque, pour diverses raisons politiques et religieuses, l’œuvre ne put être donnée
dès 1830. S’y exprime l’intime conflit qui opposa, sa vie durant, les deux tendances
créatrices du musicien : l’impossible union de la tradition musicale d’une Allemagne abreuvée du choral luthérien avec le langage le plus résolument moderne.
Œuvre imparfaite, donc, et qui ne s’est pas installée aux programmes des concerts
avec la même facilité que les deux Symphonies précédentes. Elle est aussi plus
austère, nourrie d’emprunts à la liturgie protestante, plus ou moins heureusement
intégrés, et dénonçant une rhétorique musicale sans grande originalité, voire quelques défaillances dans l’inspiration. L’orchestration n’en est pas moins belle, assez
sombre et cuivrée. Dès l’Andante initial, des éléments de la liturgie s’enchaînent par
séquences : Magnificat du 3e ton, Nunc dimittis grégorien. L’un de ces éléments,
aisément reconnaissable, est constitué par la brève ascension de cinq notes sur un
thème de l’Église de Dresde, un Amen, que Wagner, plus tard, immortalisera en tant
que leitmotiv du Graal dans son Parsifal.
Le choral final, clé de voûte de la partition, est bâti sur le fameux thème luthérien
Ein feste Burg ist unser Gott – C’est un puissant rempart que notre Dieu. Ce chant
religieux, utilisé, un siècle auparavant, par Bach pour la même célébration dans
sa Cantate BWV 80, se présente ici sous forme d’un chœur instrumental pour les
bois, auxquels se joignent ensuite les cuivres, dans une harmonisation d’orgue assez
impressionnante. Dans la conclusion, Maestoso, le choral éclate avec force, couronnant en apothéose cette hymne orchestrale à la gloire de la Réforme. (D’après
François-René Tranchefort, 1986)
Die Symphonie Nr. 5 von Felix Mendelssohn Bartholdy wird auch als Reformationssymphonie bezeichnet. Ihrer Komposition im Winter 1829/1830 lag Mendelssohns Absicht zu Grunde, ein festliches Werk für die 300-Jahr-Feier des Augsburger
Bekenntnisses im Jahre 1830 zu schreiben. Doch wegen der Unruhen in Folge der
französischen Julirevolution fanden keine offiziellen Feierlichkeiten statt; die Symphonie wurde erst am 15. November 1832 unter der Leitung des Komponisten in
Berlin uraufgeführt. Der Erfolg war eher mässig, und Mendelssohns Interesse an
dem Werk schwand. Es erschien erst 1868 im Druck, mehr als zwanzig Jahre nach
Mendelssohns Tod.
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13. 05. 2017
La Symphonie n° 5, dite « Réformation » de Felix Mendelssohn-Bartholdy
Der ursprüngliche Zweck dieser Symphonie, die Feier des dreihundertjährigen
Bestehens des Augsburger Bekenntnisses vom 25. Juli 1530, wird durch die Verwendung mehrerer Themen aus der liturgischen Musik deutlich. Im einführenden
Andante erklingen gregorianische Themen sowie ein Amen der Dresdner Kirche,
dessen aufsteigendes Motiv aus fünf Noten Wagner später als Gralsmotiv im Parsifal verwendete. Das bekannteste Thema der Reformationssymphonie erklingt im
letzten Satz: Martin Luthers Choral Ein feste Burg ist unser Gott, den bereits Bach in
der Kantate BWV 80 verwendete, die ebenfalls zur Feier des Augsburger Bekenntnisses entstand, hundert Jahre früher als Mendelssohns Reformationssymphonie.
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10e concert
Vendredi 26 mai 2017
Aula Magna de l’Université à 19 h. 30
L’ORCHESTRE DE LA SUISSE ROMANDE
DIRECTION : ALEXANDER SHELLEY
SOLISTE : VALERIY SOKOLOV, VIOLON
L. VAN BEETHOVEN
CONCERTO POUR VIOLON ET ORCHESTRE EN RÉ MAJEUR,
OP. 61 (1806)
(1770 – 1827)
Allegro ma non troppo
Larghetto
Rondo. Allegro
QUATRIÈME SYMPHONIE EN RÉ MINEUR, OP. 120
(1841/51)
26. 05. 2017
R. SCHUMANN
(1810 – 1856)
Ziemlich langsam – Lebhaft
Romanze. Ziemlich langsam
Scherzo. Lebhaft – Trio
Langsam – Lebhaft
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L’Orchestre de la Suisse Romande – OSR
Fondé en 1918 par Ernest Ansermet, qui en a été le chef titulaire jusqu’en 1967,
l’OSR compte 112 musiciens permanents. Il assure ses concerts d’abonnement à
Genève et Lausanne, les concerts symphoniques de la Ville de Genève, le concert
annuel en faveur de l’ONU, ainsi que les représentations lyriques au Grand Théâtre de Genève. Sa réputation s’est bâtie au fil des ans grâce à ses enregistrements
historiques et à son interprétation des répertoires français et russe du XXe siècle.
Dès cette saison 2016/17 son directeur artistique et musical est le chef britannique
Jonathan Nott. Son chef principal invité est le maestro japonais Kazuki Yamada.
Formation de réputation mondiale, l’OSR, sous l’égide de son chef fondateur, puis
des directeurs musicaux successifs (Paul Kletzki, 1967-1970, Wolfgang Sawallisch,
1970-1980, Horst Stein, 1980-1985, Armin Jordan, 1985-1997, Fabio Luisi, 19972002, Pinchas Steinberg, 2002-2005, Marek Janowski, 2005-2012, Neeme Järvi,
2012-2015), a toujours contribué activement à l’histoire de la musique avec la découverte ou le soutien de compositeurs contemporains. Des œuvres de Claude Debussy, Igor Stravinski, Darius Milhaud, Arthur Honegger, Frank Martin, Benjamin
Britten, Heinz Holliger, Peter Eötvös, James MacMillan, Pascal Dusapin, Michael
Jarrell ou Richard Dubugnon ont été créées à Genève par l’OSR. C’est d’ailleurs
toujours une de ses missions importantes : soutenir la création symphonique, et particulièrement suisse. L’OSR est partenaire de Pro Helvetia pour le projet « Œuvres
suisses » jusqu’en 2017.
Collaborant étroitement avec la Radio-Télévision Suisse dès son origine, l’OSR est
très tôt diffusé sur les ondes radiophoniques, donc capté par des millions de personnes à travers le monde. Grâce à un partenariat avec Decca (plus de 100 disques),
qui donne naissance à des enregistrements légendaires, l’OSR confirme sa présence
sur la scène musicale mondiale. L’OSR a enregistré pour une dizaine de labels internationaux des disques qui ont reçu de nombreuses distinctions. Actuellement en
partenariat avec PentaTone, l’OSR enregistre deux à trois disques par saison.
Les tournées internationales de l’OSR le conduisent dans les salles prestigieuses
d’Europe (Berlin, Londres, Vienne, Salzbourg, Paris, Amsterdam) et d’Asie (Tokyo, Séoul, Pékin), ainsi que dans les grandes villes des deux Amériques (Boston,
New York, San Francisco, Washington, São Paulo, Buenos Aires, Montevideo). Au
cours de la saison 2011/12, l’OSR s’est produit pour la première fois à Moscou et
à Saint-Pétersbourg. En juillet 2014 l’OSR s’est rendu au Japon (Suntory Hall) et
à Séoul (SeongNam Arts Center), et en février 2015, il s’est produit lors de sept
concerts sur les côtes Ouest et Est des États-Unis. Il est retourné en Chine et en
Inde en avril/mai 2016. L’OSR est l’invité de nombreux festivals, dont le Festival de
Música de Canarias, les Festivals de Pâques et d’été de Lucerne, le Festival de Radio-France à Montpellier, le Menuhin Festival de Gstaad et le Septembre Musical
de Montreux. L’OSR est soutenu par le Canton de Genève, la Ville de Genève, la
Radio-Télévision Suisse, l’Associations des Amis de l’OSR et de nombreux sponsors et mécènes. Pour les concerts donnés à Lausanne, l’OSR bénéficie du soutien
du Canton de Vaud.
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Das Orchestre de la Suisse Romande wurde 1918 von Ernest Ansermet gegründet, der es bis 1967 leitete. Mit seinen 112 permanenten Musikern gibt es Abonnementskonzerte in Genf und Lausanne, die Sinfoniekonzerte der Stadt Genf und
das alljährliche UNO-Konzert. Ausserdem begleitet es die Opernvorstellungen im
Genfer Grand Théâtre. Durch seine Interpretationen des französischen und des
russischen Repertoires des zwanzigsten Jahrhunderts und durch seine inzwischen
historischen Aufnahmen – allein bei Decca sind über hundert erschienen – hat es
sich international einen Namen gemacht. Dazu haben in der Nachfolge Ernest Ansermets die künstlerischen Leiter Paul Kletzki (1967-1970), Wolfgang Sawallisch
(1970-1980), Horst Stein (1980-1985), Armin Jordan (1985-1997), Fabio Luisi (19972002), Pinchas Steinberg (2002-2005), Marek Janowski (2005-2012) und Neeme
Järvi (2012-2015) beigetragen. Ab der Saison 2016/17 wird Jonathan Nott die Leitung des OSR übernehmen. Hauptgastdirigent ist bereits jetzt der Japaner Kazuki
Yamada.
Das OSR hat Musikgeschichte geschrieben, indem es zeitgenössische Komponisten
unterstützt und häufig deren Werke in Genf uraufgeführt hat, von Claude Debussy, Igor Strawinski, Darius Milhaud und Arthur Honegger über Frank Martin und
Benjamin Britten zu Heinz Holliger, Peter Eötvös, James MacMillan, Pascal Dusapin,
Michael Jarrell und Richard Dubugnon. Das OSR betrachtet das Bekanntmachen
neuer sinfonischer Werke, vor allem aus der Schweiz, als eine seiner wesentlichen
Aufgaben: Ein Partnerschaftsvertrag mit Pro Helvetia beteiligt das OSR bis 2017 am
Projekt „Schweizer Werke“. Ein anderer wichtiger Partner des OSR ist das Schweizer Radio und Fernsehen; das Schweizer Radio war bereits an der Gründung des
Orchesters beteiligt.
Né au Royaume-Uni en 1979, il s’est
d’abord signalé sur la scène internationale
en remportant à l’unanimité le Premier
Prix du Concours de direction d’orchestre
de Leeds en 2005. Il a été décrit comme
« le jeune chef d’orchestre le plus passionnant et le plus doué à avoir récolté ce prix
hautement prestigieux. Sa technique de
direction est sans faille, tout dans son approche est d’une clarté cristalline et s’inscrit dans une musicalité innée ». De ce fils
de pianistes de concert célèbres, petit-fils
de violoncelliste de talent et arrière-petitfils d’organiste tout aussi doué, la presse a
dit qu’il était un « musicien aux talents considérables et aux qualités d’interprétation extraordinairement impressionnantes » (dans Strauss, Elgar et Sibelius à Londres) ; c’est un chef d’orchestre « d’une autorité artistique exceptionnelle » (dans
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26. 05. 2017
Alexander Shelley, chef d’orchestre
Brahms avec le DSO Berlin). On a aussi décrit son Requiem de Verdi, donné à Salzbourg, comme « une interprétation originale, intelligente, très convaincante et bien
“ficelée” ». Depuis, le maestro est très sollicité à l’échelle mondiale, notamment par
le Philharmonia de Londres, les Orchestres philharmoniques de Rotterdam et de
Stock holm, les Orchestres symphoniques de Birmingham, Seattle et Houston, le
Mozarteum de Salzbourg, le Konzerthausorchester de Berlin, le DSO de Berlin, le
Gewandhaus de Leipzig et l’Orchestre Simón Bolívar. On le retrouve aussi régulièrement comme chef invité de prestigieux orchestres en Asie et en Australie.
À l’opéra, il a dirigé notamment Roméo et Juliette de Gounod et La Veuve joyeuse
(Opéra royal du Danemark), La Bohème (Opéra Lyra au Centre national des Arts à
Ottawa), Iolanta (Deutsche Kammerphilharmonie de Brême), Cosi fan tutte à Montpellier et, en 2015, une nouvelle production des Noces de Figaro (Opera North).
Durant la saison 2014-15, en plus de ses engagements réguliers à Londres, Ottawa
et Nuremberg, le chef visite à nouveau, entre autres, le DSO-Berlin, les Orchestres
symphoniques de Göteborg et de Melbourne, le Konzerthausorchester de Berlin,
le Gewandhaus de Leipzig et le NDR Radio Philharmonic. Il fait ses débuts avec
la Camerata de Salzbourg, l’Orchestre philharmonique de la République tchèque,
l’Orchestre de la Suisse Romande, l’Orchestre philharmonique du Luxembourg et
l’Orchestre philharmonique d’Oslo.
Son tout premier CD, sous l’étiquette DGG, enregistré avec le violoniste Daniel
Hope et l’Orchestre philharmonique royal de Stockholm, est paru en septembre
2014. Il entretient par ailleurs une relation privilégiée avec la Deutsche Kammerphilharmonie de Brême qu’il dirige régulièrement dans le cadre de ses concerts
d’abonnement et partout en Allemagne. En octobre 2013, il a dirigé cet ensemble
en tournée en Italie dans des œuvres de Strauss, Wagner et Brahms. Il assure la
direction artistique du « Zukunftslabor » (Laboratoire de l’avenir) de cet orchestre,
une série primée qui vise à tisser des liens durables entre l’ensemble et la nouvelle
génération d’amateurs de concerts grâce à un rapprochement populaire et par l’utilisation de la musique comme source de cohésion et d’intégration sociales.
Alexander Shelley s’attache depuis le tout début de sa carrière à inspirer les musiciens et les auditoires des jeunes générations. Au printemps 2014, il a dirigé une
grande tournée en Allemagne du Bundesjugendorchester et du Bundesjugendballett, comprenant un concert conjoint au Festival de Pâques de Baden-Baden avec le
chef Sir Simon Rattle et des membres des Berliner Philharmoniker. Déjà en 2001,
alors étudiant en violoncelle et en direction d’orchestre à Düsseldorf, il a fondé l’ensemble Schumann Camerata, avec lequel il a créé « 440 Hz », une série novatrice de
concerts faisant appel à des personnalités en vue issues de la télévision, de la scène
et de la musique en Allemagne. Il s’agit d’une initiative majeure qui cadre avec la
vision du maestro d’attirer les jeunes adultes dans les salles de concerts.
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26. 05. 2017
Der Dirigent Alexander Shelley stammt aus einer englischen Musikerfamilie: seine
Eltern waren bekannte Konzertpianisten, ein Grossvater war ein talentierter Cellist
und ein Urgrossvater ein nicht weniger talentierter Organist. Die internatioinale
Musikwelt wurde zum ersten Mal aufmerksam auf ihn, als er 2005 am Dirigentenwettbewerb in Leeds einstimmig den Ersten Preis erhielt. Die Presse feierte ihn als
den „faszinierendsten und begabtesten jungen Dirigenten, der je diesen Preis erhalten hat. Seine Dirigiertechnik ist fehlerfrei, alles in seinem Vorgehen ist kristallklar
und entspringt einer angeborenen Musikalität“.
Seither ist Alexander Shelley ein gefragter Dirigent, der mit dem Philharmonia
Orchester London, den philharmonischen Orchestern von Rotterdam und Stockholm und zahlreichen anderen Symphonieorchestern zusammenarbeitet. Auch als
Operndirigent hat er sich einen Namen gemacht.
Unter den von Alexander Shelley dirigierten Orchestern nimmt die Deutschen
Kammerphilharmonie Bremen eine Vorrangstellung ein: Er dirigiert sie regelmässig
bei ihren Abonnementskonzerten und auf Tourneen, so in Italien im Oktober 2013
mit Werken von Strauss, Wagner und Brahms. Er leitet auch das Zukunftslabor der
Kammerphilharmonie Bremen, das die Entwicklung individueller Potentiale durch
Musik fördert. Dies geschieht in einem gesamtgesellschaftlichen Kontext, mitten in
Bremens Stadtteil mit den grössten sozialen Herausforderungen. Diese künstlerische Initiative und das soziales Engagement Der Deutschen Kammerphilharmonie
Bremen wurden vielfach ausgezeichnet.
Seit Beginn seiner Karrier legt Alexander Shelley grossen Wert auf die Nachwuchsförderung und den Kontakt zu jungen Konzertbesuchern. Bereits 2001, als Student
in der Cello- und in der Dirigentenklasse in Düsseldorf gründete er die SchumannCamerata, mit der er die Konzertreihe „440 Hz“ schuf, in deren Konzerten bekannte Persönlichkeiten aus Fernsehen, Theater und Musik auftreten, um sie für junge
Erwachsene attraktiv zu machen.
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Valeriy Sokolov, violoniste
Né le 22 septembre 1986 à Kharkov en
Ukraine, Valeriy Sokolov commence
l’étude du violon à l’âge de cinq ans. À
neuf ans, il est admis dans la classe du
professeur Serguei Evdokimov à l’École
supérieure de musique de Kharkov. Il
donne en 1997 son premier concert avec
orchestre, jouant à cette occasion le Cinquième Concerto de Vieuxtemps, suivi
d’un bis consistant en rien de moins que
la Sixième Sonate d’Ysaÿe. Il prend également part à plusieurs concours internationaux, et remporte le Troisième Prix dans
deux d’entre eux, en Tchécoslovaquie et en Ukraine. Puis, âgé de treize ans, en
1999, il se présente au Concours international Pablo de Sarasate à Pampelune en
Espagne et se voit attribuer le Prix spécial du Jury, avec une bourse d’études qui
lui permettra de poursuivre sa formation auprès de Natalia Boyarskaya à la Yehudi
Menuhin School, établie dans le Surrey en Angleterre depuis 1963.
En été 2003, Valeriy Sokolov participe au Festival Menuhin de Gstaad. Il est acclamé dans l’Introduction et Rondo Capriccioso de Saint-Saëns au Festival International de Yalta en Crimée. En novembre de la même année, il reçoit le Prix Laina
Issakadze au Concours International de Saint-Pétersbourg. Il est remarqué en 2003
par le cinéaste Bruno Monsaingeon qui décide de lui consacrer un documentaire,
lui-même ayant été élève de Yehudi Menuhin et auteur de nombreux films documentaires sur Yehudi Menuhin et Glenn Gould, entre autres. Durant l’été 2007, Valeriy Sokolov fait ses débuts aux États-Unis, aux festivals de Grand Teton, d’Aspen
et de Blossom.
Der Geiger Valeriy Sokolov kam 1986 in Charkow in der Ukraine zur Welt. Mit fünf
Jahren begann er mit dem Spiel auf der Violine und hatte bereits mit elf Jahren
seinen ersten Auftritt mit dem 5. Konzert von Henri Vieuxtemps; als Zugabe spielte er eine Sonate von Eugène Ysaÿe. Er bekam 1999 im Internationalen SarasateWettbewerb ein Stipendium für ein Studium bei Natalia Boyarskaya an der Yehudi
Menuhin-Schule in England. 2005 gewann er den internationalen George EnescuPreis. Daraufhin kam er in Meisterklassen von Mstislaw Rostropowitsch, Zvi Zeitlin
und Dora Schwarzberg. Er nahm ebenso am Menuhin-Festival in Gstaad teil.
Valeriy Sokolov wird ist ein sehr gefragter Solist wegen seiner erstaunlich reifen
Interpretationen der schwierigsten Werke des Violinrepertoires. Unter anderen
hat er mit dem Philharmonia Orchestra London, mit dem Orchestre National de
France, dem Orchestre de Paris und dem Königlichen Philharmonischen Orchester
Stockholm musiziert und ist am Menuhin-Festival in Gstaad, am Verbier-Festival
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und zahlreichen anderen Festivals aufgetreten.
Im September 2015 spielte Valeriy Sokolov das für ihn komponierte dritte Violinkonzert des bedeutenden ukrainischen Komponisten Yevhen Stankovych an der
Uraufführung mit dem nationalen Symphonieorchester der Ukraine in Kiew.
Valeriy Sokolov hat einen Exklusivvertrag mit EMI/Virgin Classics, für die er unter
anderem die Violinkonzerte von Bartók und Tschaikowsky zusammen mit dem Zürcher Tonhalle-Orchester unter der Leitung von David Zinman eingespielt hat. Mit
dem Europäischen Kammerorchester hat er 2010 unter der Leitung von Vladimir
Ashkenazy das Violinkonzert von Sibelius für einen Film von Bruno Monsaingeon
gespielt, der Valeriy Sokolov bereits 2004 im Film „Der Geiger der Seele“ vorgestellt hatte, der mehrfach vom Fersehsender Arte ausgestrahlt wurde.
Ce Concerto, œuvre maîtresse parmi les concertos pour violon, fut composé assez
rapidement durant l’année 1806 qui vit à la fois la chute de l’opéra Fidelio, après
son demi-succès, le 23 mars, et, en mai, les « fiançailles » secrètes de Beethoven
avec Joséphine Brunsvik de Korompa (1779-1821) – mariée en 1799 avec le comte
Joseph Deym von Stritetz et déjà veuve en 1804 ; c’est à elle que Beethoven aurait
destiné sa fameuse lettre des 6/7 juillet 1812, dans laquelle on peut lire les surnoms
suivants : « Mein Engel, mein alles, mein Ich » ; c’est aussi très probablement elle
qui est « seine “Unsterbliche Geliebte” » –, fiançailles inacceptables que la famille
de Joséphine fera rompre en automne 1807. C’est cet événement privé qui semble
avoir eu un effet sur l’inspiration du musicien, et l’on a pu prétendre que le Concerto
pour violon respirait le bonheur, tel un véritable poème amoureux. Le dédicataire
déclaré, toutefois, en fut Stephan von Breuning, un ami d’enfance de Beethoven,
et violon solo au Theater an der Wien. En outre, c’est à la femme de ce dernier
que Beethoven en dédiera, deux ans plus tard, en 1808, une version transcrite pour
piano et orchestre : c’est le peu connu « Sixième » Concerto pour piano, opus 61a.
L’été 1806 est aussi la période d’écriture de la Quatrième Symphonie et de l’achèvement des trois Quatuors « Razumovski ».
La création du Concerto pour violon eut lieu à Vienne le 23 décembre 1806 sous
l’archet de Franz Clement. Ce fut un succès auprès du public ; mais le Concerto
ne fit de loin pas l’unanimité de la critique (« manque de cohérence…, amoncellement touffu et décousu d’idées…, vacarme continuel entretenu par quelques instruments… » !). La caractéristique commune des trois mouvements est l’importance
que revêt l’orchestre, dont la densité, cependant, s’oppose rarement au soliste. Ce
dernier, au contraire, explicite le discours orchestral et paraît en renforcer l’expression qu’il subordonne en permanence à sa virtuosité. Jamais encore le violon n’avait
connu plus belle gloire dans son rôle concertant. (D’après François-René Tranchefort, 1986)
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26. 05. 2017
Le Concerto pour violon de Ludwig van Beethoven
Ludwig van Beethovens einziges Violinkonzert entstand in dem so schaffensfreudigen Jahr 1806. Im Mai hatte er sich heimlich mit der Gräfin Josephine Brunsvik
de Korompa verlobt. Wenn auch deren Familie diese Verlobung missbilligte und
sie 1807 wieder auflöste, so ist es wohl doch dieses Ereignis in Beethovens Privatleben, das seine Inspiration im Sommer 1806 beflügelt hat. Das Violinkonzert tönt
wie ein inniges Liebesgedicht. Allerdings ist das Werk nicht der Verlobten, sondern
Stefan von Breuning gewidmet, einem Jugendfreund, der Konzertmeister am Theater an der Wien war und dessen Frau Beethoven zwei Jahre später die Klavierfassung widmete. An der Uraufführung am 23. Dezember 1806 spielte Franz Clement
den Solopart. Der Erfolg beim Publikum war gross, nicht aber bei der Kritik, die
unter anderem den Mangel an Zusammenhang und den ununterbrochenen Lärm
einiger Instrumente rügte. Für diese Kritiker hatte wohl das Orchester zu schweigen, wenn der Solist seine Virtuosität zur Schau stellte, während wir heute gerade
das vollkommene Zusammenspiel zwischen Orchester und Solist bewundern, in
dem nicht immer der Solist die Führungsrolle hat. Häufig gliedert er sich ins Tutti
ein, übernimmt dessen Gedanken und erweitert oder umspielt sie ausdrucksvoll
und virtuos.
La Quatrième Symphonie de Robert Schumann
Par ordre de dates, cette Symphonie est effectivement la deuxième. Comme la Première Symphonie, elle fut composée en 1841, mais son instrumentation et la terminologie des tempi – Schumann abandonnant la nomenclature traditionnelle en italien
– furent remaniées en 1851 ; la création en version définitive eut lieu à Düsseldorf
en 1853, avec un vif succès. Entre-temps, auront été créées les Deuxième et Troisième Symphonies. Le titre original de « Fantaisie symphonique », sous lequel l’œuvre
avait été jouée le 6 décembre 1841 à Leipzig, manifestait l’intention de Schumann
de faire éclater le cadre symphonique traditionnel : le compositeur exigea explicitement l’exécution d’un seul tenant des quatre mouvements traditionnels ; ceux-ci,
en effet, doivent s’enchaîner, idéalement sans interruption, et les thèmes circulent à
travers eux. C’est déjà la mise en œuvre du principe cyclique, qui sera cher à César
Franck et à ses disciples. À la vérité, un thème principal, en forme d’arabesque, qui
paraît avoir obsédé longtemps l’esprit du compositeur, soude les parties extrêmes.
Exposé au tout début, il culminera dans le Finale. Les autres figures thématiques
paraissent également d’un bout à l’autre de la partition, fixant fermement l’attention
de l’auditeur. (D’après François-René Tranchefort, 1986).
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26. 05. 2017
Robert Schumanns Vierte Symphonie ist nach ihrer Entstehungszeit eigentlich seine zweite und stammt wie die erste aus dem Jahre 1841. Schumann änderte die
Instrumentierung und die Tempobezeichnungen 1851, und diese definitive Version
wurde 1853 mit grossem Erfolg in Düsseldorf uraufgeführt, nachdem in der Zwischenzeit seine zweite und dritte Symphonie erschienen waren. Die ursprüngliche
Version war bereits am 6. Dezember 1841 in Leipzig unter der Bezeichnung „Symphonische Fantasie“ aufgeführt worden. Mit diesem Titel wollte Schumann andeuten, dass er den traditionellen Rahmen der Symphonie sprengen wollte: die Sätze
reihen sich ohne Unterbruch aneinander, und die Themen sind nicht an einen Satz
gebunden, sondern kehren immer wieder. Dieses zyklische Prinzip findet sich später bei César Franck und seinen Schülern. In Schumanns vierter Symphonie eröffnet das Hauptthema, eine Arabeske, die Schumann wohl schon lange beschäftigte,
die Symphonie, und die Musik erreicht mit ihm ihren Höhepunkt im Finale. Auch
die anderen thematischen Motive kehren im Verlauf der Symphonie immer wieder
und ziehen die Aufmerksamkeit des Zuhörers auf sich.
81
Pensez aussi aux séries de concerts des autres institutions musicales fribourgeoises.
Vous obtiendrez des informations détaillées en consultant leur site Internet :
Denken Sie auch an die Konzertreihen anderer Freiburger Musikveranstalter. Ausführliche Informationen finden Sie auf deren Internetseiten:
ORCHESTRE DE CHAMBRE FRIBOURGEOIS :
http://www.ocf.ch
ORCHESTRE DES JEUNES DE FRIBOURG :
http://www.ojf.ch
SOCIÉTÉ DES CONCERTS DE LA VILLE DE BULLE
http://www.concerts-bulle.ch
ASSOCIATION POUR LA DÉCOUVERTE DE LA MUSIQUE ANCIENNE :
http://www.adma.ch
ÉCLATSCONCERTS :
http://www.eclatsconcerts.ch
OPÉRA DE FRIBOURG :
http://www.operafribourg.ch
Et si vous voulez prolonger les plaisirs musicaux en été, après la fin de notre saison,
il y a le festival MURTENClassics :
Und falls Sie auch noch im Sommer, nach Abschluss unserer Saison, klassische Konzerte hören möchten, gibt es ja noch das Festival MurtenClassics:
http://www.murtenclassics.ch
Aux deux pages suivantes vous trouverez aussi les programmes de THEATER IN
FREIBURG et de KULTUR IM PODIUM DÜDINGEN.
Auf den beiden folgenden Seiten finden Sie auch die Programme von THEATER IN
FREIBURG und von KULTUR IM PODIUM DÜDINGEN.
82
Spielzeit
2016 / 2017
www.theaterinfreiburg.ch
AUFFÜHRUNGEN IM ABONNEMENT
UND IM FREIEN VERKAUF
Freitag, 30. Sept. 2016
Donnerstag, 27. April 2017
um 19.30 Uhr im Equilibre Freiburg
um 19.30 Uhr im Equilibre Freiburg
Frau Müller muss weg
Terror
Komödie von Lutz Hübner
Euro-Studio Landgraf
Stück von Ferdinand von Schirach
Theater Orchester Biel Solothurn TOBS
Mittwoch, 12. Okt. 2016
um 19.30 Uhr im Equilibre Freiburg
Onkel Toms Hütte
Schauspiel mit Musik nach dem Roman von
Harriet Beecher Stowe Idee: Gerold Theobalt
Theatergastspiele Kempf, München
Freitag, 11. Nov. 2016
um 19.30 Uhr im Equilibre Freiburg
AUFFÜHRUNGEN
AUSSER ABONNEMENT
Dienstag, 13. Dez. 2016
um 18.00 Uhr im Equilibre Freiburg
Bruder Lustig
Drama von Gotthold Ephraim Lessing
Landestheater Tübingen
Märchenspiel in Dialekt
nach den Gebrüdern Grimm
für Kinder ab vier Jahren
Talman Ensemble und Musiker GUSTAV
Freitag, 3. Feb. 2017
Freitag, 27. Jan. 2017
um 19.30 Uhr im Equilibre Freiburg
um 14.00 und 19.00 Uhr im Equilibre Freiburg
Nathan der Weise
Ein Volksfeind
Schauspiel von Rainer Erler
nach Henrik Ibsen
Theatergastspiele Kempf, München
Mittwoch, 29. März 2017
Rapunzel
Märchenspiel in Dialekt
nach den Gebrüdern Grimm
für Kinder ab vier Jahren
Verein Schweizer Kinderund Jugendtheater Zürich
um 19.30 Uhr im Equilibre Freiburg
Vater
Schauspiel von Florian Zeller
Schauspielbühnen Stuttgart, Altes Schauspielhaus
Euro-Studio Landgraf
www.theaterinfreiburg.ch
Besuchen Sie uns auf Facebook:
www.facebook.com/theaterinfreiburg
Vorverkauf
Freiburg Tourismus, Equilibre
Place Jean-Tinguely 1
1700 Freiburg
Tel. 026 350 11 00
Kultur im Podium Düdingen
Sonntag
25.09.2016
Im weissen Rössl
Operette
von Ralph Benatzky
Operettengesellschaft Bern
Leitung: Michael Kreis
Samstag
01.10.2016
Peer Gynt (Edvard Grieg)
Borodin, Smetana, Elgar
Konzert
Prague Symphonic Ensemble
Chor Kollegium Heilig Kreuz,
Leitung: Jérôme Kuhn
Montag
07.11.2016
Wishful Singing
Chor a cappella
Wishful Singing /
Esslinger NL
Dienstag
13.12.2016
Wie im Himmel
Schauspiel
Landestheater Tübingen,
Chor Da Capo, Tafers
Donnerstag
19.01.2017
Die Csárdásfürstin
Operette
Schutte-Operettentheater
von Emmerich Kálmán Wien
Mittwoch
15.02.2017
Les nuits d’été (H. Berlioz) Konzert
Ravel: Le Tombeau de Couperin
Beethoven: 7. Sinfonie
Donnerstag
Barricade
nach V. Hugos Roman
„Les Misérables“
Musical
Kammeroper Köln
von Esther Hilsberg (Musik)
und Holger Pototzki (Text)
Samstag
18.03.2017
Les pêcheurs de perles
Oper
von Georges Bizet
Theater-Orchester
Biel-Solothurn
Freitag
07.04.2017
Carmen Flamenco
Crossover
Opernwerkstatt am Rhein
Hürth (D)
Mittwoch
26.04.2017
Swing, Tanz, Schlager
Konzert
der 20er bis 50er Jahre
Kammerorchester Freiburg
Marie-Claude Chappuis
Samuel Zünd, die Sam-Singers
und die Kammerphilharmonie
Graubünden als OriginalTanzorchester der 30er Jahre
Kinder- und Familienaufführungen
Sonntag
02.10.2016
Rotkäppchen
Kindermusical
Musikbühne Mannheim
Sonntag
Aladdin
Kindertheater
Schlote – Theater mit Horizont
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Saison 1 - deuxième partie / 2. Teil février/Februar

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Un vrai cruiser familial Ein echter Familien·Kreuzer

„Learning by Doing – Teil 2“ beim T.C.C Betschdorf „Learning by

Objekttyp: TableOfContent Zeitschrift: Femmes suisses - E

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Newsletter, 27. April 2015 - Reformierte Kirchen Bern-Jura

Türkommunikation in hindernisfreien Bauten

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