Tema 8: El teatro español anterior a la Guerra Civil: Benavente, Lorca y Valle-Inclán Tema 11; La figura de Buero Vallejo en el teatro español posterior a la Guerra Civil. La renovación del teatro en el llamado Teatro Independiente (por ejemplo, Els Joglars, La Fura, Els comediants...). Tema 8: El teatro español anterior a la Guerra Civil: Benavente, Lorca y Valle-Inclán A finales del siglo XIX y comienzos del XX no se produce en España la renovación del arte dramático que sucede en otros países gracias a la obra de directores y autores como Stanislavski, Gordon Craig, Appia, Chéjov o Pirandello. Aquí el teatro es, sobre todo, un entretenimiento para el público burgués que acude con asiduidad a las representaciones. Las compañías teatrales formadas por las grandes actrices y actores del momento, que son además empresarios, están dedicadas a complacer los gustos de este público conservador y convencional. Los casos de Gabriel Martínez Sierra o de la compañía de Margarita Xirgu, dispuestos a jugarse el dinero y el prestigio en el descubrimiento de nuevos autores y en innovaciones estéticas, son excepcionales. También resultan excepcionales las aportaciones de Adrià Gual, creador del Teatre Intim que realizaba una programación de corte europeo. Lo corriente fue el éxito de aquellos autores que como José Echegaray, Premio Nobel de Literatura en 1904, complacían las expectativas del público teatral burgués. Benito Pérez Galdós, otro autor de reconocido prestigio, es un caso diferente. Galdós se atrevió a crear unos personajes femeninos que, como la protagonista de su drama Electra (1901), se enfrentan al fanatismo y al oscurantismo. Las obras de Jacinto Benavente señalan el final del tono melodramático, grandilocuente y declamatorio en el teatro. Benavente inicia con Los intereses creados (1907) o La malquerida (1913) el realismo moderno. Las tendencias del teatro a principios del siglo XX son: el teatro tradicional y el teatro innovador El teatro tradicional Durante el primer tercio del siglo XX dos tendencias dominan la escena española, un teatro tradicional y de consumo y un teatro innovador con rasgos marginales y con una relativa influencia en el conjunto del panorama teatral. Este teatro tradicional presenta a su vez diversos aspectos: - Un teatro poético de tendencia modernista en el que hay que citar autores como Eduardo MARQUINA, Francisco VILLAESPESA, o los hermanos MACHADO. - Un teatro cómico en el que Carlos ARNICHES, el creador del género chico es la figura indiscutible. Sus sainetes, La chica del gato, ¡Qué viene mi marido! etc. mezclan el cuadro de costumbres y el conflicto sentimental, dentro de una idealización populista y con un lenguaje casticista. Jacinto Benavente: nació y murió en Madrid, se dedicó desde muy joven al teatro. En 1912 fue elegido miembro de la RAE y le concedieron el premio Nobel de literatura en 1922. Desde entonces, y hasta su muerte, recibió continuos homenajes y consideraciones. La producción dramática de Benavente (172 obras) gozó del favor del su público habitual: la burguesía. En líneas generales, su teatro compone una crónica, casi siempre amable, de las preocupaciones y los prejuicios de esta clase social, por medio del empleo de una suave ironía. Sus dramas responden a lo que él mismo escribió que debía ser el teatro: un medio o instrumento de ilusión y de evasión. Comienza escribiendo "comedias de salón"; pequeños problemas burgueses tratados con elegancia, agudeza e ironía (Rosas de otoño). Algunas de estas obras produjeron verdadero escándalo, por aludir a sucesos reales y conocidos por la "buena sociedad". Es autor de tres obras magistrales, que son: Los intereses creados (donde se desarrolla el tema del poder del dinero por medio de personajes tipo que proceden de la commedia dell'arte italiana1); Señora ama (donde incorpora el mundo rural castellano, sus tipos recios, como Dominica, capaz de T w a n 1 5 1 La Commedia dell'Arte o comedia del arte italiana es un tipo de teatro popular nacido a mediados del siglo XVI en Italiay conservado hasta comienzos del siglo XIX. Como género, mezcla elementos del teatro literario del Renacimiento italiano con tradiciones carnavalescas (máscaras y vestuario), recursos mímicos y pequeñas habilidades acrobáticas. Los argumentos más típicos, tramas muy sencillas, suelen relatar las aventuras y vicisitudes de una pareja de enamorados (por ejemplo Florindo e Isabella) ante la oposición familiar (Pantaleone o Il Dottore) o tipos del entorno social como Il Capitano. Las intrigas, mimos y acrobacias corren a cargo de los “zanni” (criados), que encarnan personajes tipo como Arlequín y su novia Colombina, el ast uto Brighella, el torpe Polichinela o el rústico Truffaldino 1 Tema 8: El teatro español anterior a la Guerra Civil: Benavente, Lorca y Valle-Inclán Tema 11; La figura de Buero Vallejo en el teatro español posterior a la Guerra Civil. La renovación del teatro en el llamado Teatro Independiente (por ejemplo, Els Joglars, La Fura, Els comediants...). salvar su matrimonio con comprensión y bondad); y La Malquerida (en la que destaca el sentido de la honra; los personajes son campesinos y encarnan las pasiones humanas en su forma primaria, no controladas por las normas de la educación urbana. En esta obra confluyen, por un lado, la lucha entre la pasión (de Esteban hacia su hijastra Acacia) y su prohibición debido a los lazos de parentesco; y, por otro, una intriga policíaca (descubrir al asesino del novio. T w a n 1 5 El teatro innovador Dentro de los intentos de renovación teatral hay que citar a UNAMUNO que utilizó el teatro como método de conocimiento por medio de unos extraños dramas esquemáticos a los que llamó drumas como El otro o Soledad y a AZORÍN con un teatro antirrealista, y sin conflictos como en Old Spain. Son una excepción los hermanos MACHADO, que obtuvieron un gran éxito de público con dramas como La Lola se va a los puertos (1929) o La duquesa de Benamejí (1932). Valle-Inclán es la máxima figura del teatro español del siglo XX. Fue un personaje polémico y bohemio, con una figura original e inconfundible. Fue más radical que sus contemporáneos del 98 y se inició con el modernismo llegando al esperpento. Empezó a escribir teatro en 1905 y durante 20 años fue su principal ocupación. Para él, el teatro es un espectáculo total, usa técnicas cinematográficas y experimenta constantemente. Su teatro no fue representado en su época debido a su originalidad, sus planteamientos radicales, su riqueza y su expresividad .Expresa su repulsa ante la sociedad contemporánea de dos maneras, o mediante la evasión artificiosa o con el sarcasmo más mordaz. Su teatro se puede clasificar como Modernista: El Marqués de Bradomín o Cuento de abril. Ciclo Mítico: obras ambientadas en la Galicia rural, con personajes extravagantes y fantásticos. “Comedias bárbaras”, - Águila de blasón, Romance de lobos y Cara de platalas fuerzas del mal y la destrucción libres por el mundo. En Divinas Palabras, el despliegue del mal y la fuerza del lenguaje anuncia lo que será el ciclo siguiente: El esperpento: en 1920, con Luces de bohemia, creó un género literario propio, el esperpento, basado en la deformación sistemática de personajes y valores para denunciar a la sociedad española contemporánea. Es una manera de ver el mundo, la deformación de la realidad ya deformada, que nos revela el verdadero rostro de la realidad española. Los personajes son seres grotescos aunque con toques de ternura. Un teatro relacionado con el expresionismo y con el movimiento dadá. Los más famosos esperpentos son, el primero Luces de Bohemia y los que componen “Martes de Carnaval”: Los cuernos de don Friolera (1921), La hija del capitán (1927) y Las galas del difunto (1926) La unidad del conjunto reside en las referencias al estamento militar y al concepto del honor. RASGOS CARACTERÍSTICOS Lo grotesco como forma de expresión: lo grotesco se identifica en rasgos como la distorsión de la escena, la fusión de formas humanas y animales, la mezcla del mundo real y de pesadilla, efectos que producen en el espectador horror y perplejidad atenuados por la carcajada a la simple risa. Deformación sistemática de la realidad (D. LATINO) Código doble: Aparente burla y caricatura de la realidad Significado profundo, semitransparente, cargado de crítica e intención satírica que constituye la lección moral. Para ello emplea los siguientes rasgos: Contrastes violentos Presentación de lo extraordinario como normal y verosímil Presencia de la muerte como personaje fundamental Igualación prosopopéyica.(Los hombres se degradan, los animales adquieren categoría superior que los iguala a los hombres) 2 Tema 8: El teatro español anterior a la Guerra Civil: Benavente, Lorca y Valle-Inclán Tema 11; La figura de Buero Vallejo en el teatro español posterior a la Guerra Civil. La renovación del teatro en el llamado Teatro Independiente (por ejemplo, Els Joglars, La Fura, Els comediants...). Muñequización: personajes fantoches y peleles Mordacidad sarcástica: lo grotesco encuentra su forma de expresión a través del humor. Libertad formal, no es ni teatro, ni novela ni poesía Desarraigo lingüístico: deformación idiomática, bohemia, chocarrería y popularismo del lenguaje. Luces de bohemia es su obra maestra. Está basada en la vida del escritor bohemio Alejandro Sawa y narra la última noche del poeta Max Estrella que, acompañado de su lazarillo Don Latino de Híspalis, recorre diversos lugares de un Madrid absurdo, brillante y hambriento, donde encuentra motivos para la desolación. Finalmente Max muere (o se deja morir). Por último las farsas, en las que degradación de la realidad llega al máximo como en Farsa y Licencia de la Reina castiza. T w a n 1 5 Aunque autores como Pedro SALINAS, Rafael ALBERTI, Miguel Hernández, o Max AUB, intentan renovar el teatro según fórmulas vanguardistas hay que llegar a Ramón GÓMEZ DE LA SERNA, en Los medios seres, utiliza técnicas claramente vanguardistas La Segunda República en 1931 y el apoyo decidido que prestó al teatro a través de Las Misiones Pedagógicas, los teatros universitarios: El Búho de Max Aub y La Barraca de Eduardo Ugarte y García Lorca, el teatro vanguardista de Pedro SALINAS, Rafael ALBERTI (obra vanguardista y existencial: El hombre deshabitado y teatro político: Noche de guerra en el Museo del Prado), Miguel HERNÁNDEZ,(comienza escribiendo al modo calderoniano un auto sacramental Quien te ha visto y quién te ve y sombra de lo que eras, más tarde su teatro entra el tema de la denuncia y lo social con El labrador de más aire y Teatro en la guerra) Max AUB (empezó a escribir teatro en la línea del surrealismo con Una botella y El celoso y su enamorada para adentrarse en el compromiso social y el realismo en la posguerra donde destaca Morir por cerrar los ojos), Alejandro CASONA (se instala en la línea del teatro poético antirrealista y su obra será un juego constante entre realidad y fantasía. La mayor parte de su obra fue publicada después de la guerra y obtuvo siempre un gran éxito, La dama del alba, La sirena varada o Los árboles mueren de pie son algunas de sus obras) o del propio LORCA, tuvo lugar para desarrollarse. El teatro de Lorca: Lorca utilizó en sus obras gran diversidad de fuentes de inspiración: lo popular en Bodas de sangre (1933) o Mariana Pineda (1927); el guiñol con un matiz valleinclanesco en sus Títeres de cachiporra, Amor de don Perlimplín con Belisa en su jardín (1933), La zapatera prodigiosa (1930), y los movimientos de vanguardia como el surrealismo en El público (1930) o Así que pasen cinco años (1930). La colaboración de García Lorca con Margarita Xirgu permitió que la obra del dramaturgo-poeta llegase a ser vista en los escenarios de los principales teatros españoles. Entre las puestas en escena que la actriz y empresaria llegó a montar cabe destacar el estreno en Barcelona de Mariana Pineda con decorados de Salvador Dalí. El estallido de la Guerra Civil española en 1936 y el asesinato de Lorca vinieron a frustrar la carrera de un autor que aunaba un talento extraordinario y vanguardista con la difícil cualidad de gustar al público tradicional del teatro. 3 Tema 8: El teatro español anterior a la Guerra Civil: Benavente, Lorca y Valle-Inclán Tema 11; La figura de Buero Vallejo en el teatro español posterior a la Guerra Civil. La renovación del teatro en el llamado Teatro Independiente (por ejemplo, Els Joglars, La Fura, Els comediants...). T w a n 1 5 La figura de Buero Vallejo en el teatro posterior a la guerra civil. Buero Vallejo nace en 1916 en Guadalajara. Premio Cervantes y Premio nacional de las letras. El tema común que liga toda su producción es la tragedia del individuo, analizada desde un punto de vista social, ético y moral. Propone una serie de interrogaciones fundamentales que el espectador ha de resolver puesto que lo hace partícipe de las obras como un actor mudo. Su teatro va desde un teatro existencial hasta los años cincuenta; un teatro social desde finales de los cincuenta hasta el final de los años sesenta; y un teatro último en el que la preocupación existencial y social se unen la innovación formal, que se manifiesta en el empleo de variadas técnicas experimentales. Teatro existencial: su obra cumbre de este período es Historia de una escalera con la cual nace el nuevo drama nacional, la cual pone de manifiesto los problemas de las clases desfavorecidas para medrar socialmente debido a sus circunstancias y su abulia. No obstante, en la historia del teatro español Historia de una escalera es objetivamente un retroceso estético sobre los logros alcanzados por las obras de un Valle-Inclán o de un Lorca, que superaron el realismo costumbrista. Su importancia radica en la fecha de su estreno y en el revulsivo para el teatro de la época. Las siguientes obras (En la ardiente oscuridad; La tejedora de sueños; Casi un cuento de hadas; Madrugada; Irene o el tesoro...) intentan mezclar realismo y poesía para perfilar la vida de unos personajes que se mueven entre ilusiones y esperanzas en su deseo de escapar la triste realidad. Abundan en estas obras los símbolos, la propensión a lo mítico o legendario, los ingredientes fantásticos y el ambiente de misterio. Sin embargo, se respeta el esquema realista y las unidades neoclásicas de espacio, tiempo y acción. Como piezas de transición pueden considerarse Hoy es fiesta (1956) y Las cartas boca abajo (1957) Teatro social. Con el estreno en 1958 de Un soñador para un pueblo, inicia Buero Vallejo una nueva etapa que se manifiesta en la elección de un subgénero teatral concreto: el drama histórico. La ambientación histórica es un buen recurso para sortear la censura. Sería su modo de hacer un teatro posible trasponiendo los problemas actuales al pasado, por lo que los espectadores habrían de entender los conflictos de siglos anteriores como una alegoría del presente. Otros dramas históricos son Las Meninas (1960); El concierto de San Ovidio (1962), denuncia la malvada explotación de un conjunto de ciegos; y El sueño de la razón (1970), agónica representación del terror absolutista de la época de Fernando VII, que cae sobre la figura histórica de Goya. Técnicamente estos dramas presentan estructuras más abiertas que las obras de la etapa anterior, son más innovadores y presentan una mayor crítica social, rasgos que se mantienen en otros dramas de esta etapa no estrictamente históricos, que incluso no pudieron ser estrenados en España hasta la llegada de la democracia: La doble historia del doctor Valmy (1964), ácida visión de la tortura y la represión de la policía; El tragaluz (1967), donde unos investigadores situados en un siglo futuro rescatan imágenes de un pasado que es el presente mismo de los espectadores, personajes marcados todos ellos por la Guerra Civil. Son construcciones estas más complejas y elaboradas que no se estructuran de manera tradicional (planteamiento, nudo y desenlace), ni concluyen de modo definitivo, sino que son característicos los finales abiertos en donde se deja la posibilidad de que el espectador imagine su propia continuación de los hechos. El espacio y el tiempo sufren alteraciones: el espacio pasa a estar sugerido más que representado; el tiempo deja de ser continuo para fragmentarse en unidades menores. El empleo de diversos recursos de distanciamiento muestran cierta influencia del teatro de Brecht en esta segunda época del teatro de Buero. Teatro último. Buero Vallejo insiste en temas y procedimientos de su teatro anterior pero con una mayor experimentación. La novedad técnica más llamativa es lo que se han denominado efectos de inmersión y el empleo de ciertos recursos de tramoya, luz o sonido que permiten al espectador adentrarse en la conciencia de un personaje y hacerle compartir la ceguera, la sordera, la locura, etc. de los personajes protagonistas en obras como El sueño de la razón -efectos de inmersión – para mostrarnos el mundo aislado de Goya por su sordera–, La llegada de los dioses (1971), cuyo protagonista es un ciego, y La Fundación (1974), en la que nos encontramos en un lujoso lugar que finalmente no resulta ser sino la celda de una prisión con cinco condenados a muerte, uno de los cuales en su mente enferma transmuta en moderna fundación lo que no es más que sórdida cárcel. Con La detonación (1977) regresa al drama histórico, centrándose en la figura de Larra. En sus obras posteriores se mantiene el interés por los conflictos socio-políticos, la preocupación por la obra bien hecha y, sobre todo, un estilo y un lenguaje que, tras su aparente sencillez, son fruto de una esmerada 4 Tema 8: El teatro español anterior a la Guerra Civil: Benavente, Lorca y Valle-Inclán Tema 11; La figura de Buero Vallejo en el teatro español posterior a la Guerra Civil. La renovación del teatro en el llamado Teatro Independiente (por ejemplo, Els Joglars, La Fura, Els comediants...). elaboración: Jueces en la noche (1979), Caimán (1981), Diálogo secreto (1984), Lázaro en el laberinto (1986), Música cercana (1989). La renovación del teatro en el llamado teatro independiente El teatro renovador surge en los años 70, su vértice es Cataluña, cuna de las compañías independientes que presentan las siguientes características: • Creación colectiva de la obra. Todo el grupo aporta ideas para la creación. La improvisación desempeña un papel importante. • Escasa valoración del texto, que permite potenciar los aspectos más espectaculares del teatro (expresión corporal, danza, música, luces…), inspirados en el cabaret, la revista, el teatro de varietés, etc. • Los enfoques críticos no se limitan a lo político y social. También a la moral, la Iglesia, valores establecidos… • Se rompen las convenciones de tiempo y espacio del teatro escénico. Se busca la participación del espectador, a quien se incorpora por sorpresa a la obra. El patio de butacas también se entiende como parte del escenario. A partir de los años 70, el teatro español se renovó con una fuerza inusitada. Con la llegada de la democracia proliferan los grupos independientes. Según Alonso de Santos, este tipo de teatro pasará a la historia como una de las grandes aportaciones a la época porque después encontró una continuidad con nombres destacados que surgieron de este movimiento cultural. En el Teatro Independiente se luchaba contra la estructura política, contra el modo de hacer teatro al uso, contra las costumbres, contra la tradición. Una muestra de estos grupos son: T w a n 1 5 Tábano y Madres del Cordero presentaron la obra folclórica, satírica, divertida e irreverente con el franquismo, Castañuela 70. El Tricicle lo integran tres miembros, su humor es blanco y captan cualquier ambiente cotidiano para convertirlo en un hecho hilarante (Slastic o Exit lo demuestran). La Cubana, también catalana, es de las más prestigiosas, a ella han pertenecido Corbacho o Santi Millán. La conforman un gran número de actores que hacen de todo, montan y desmontan el escenario, escriben, actúan o cosen. Tratan temas cotidianos que pasan por el tamiz de la exageración y la ironía. Personajes hiperbólicos y la participación del público son sus señas de identidad; Cegada de amor es uno de sus espectáculos. Els Comediants protagoniza el teatro vanguardista con mezclas de música, circo y diseño escenográfico; su temática gira en torno al ser humano, su mitología y sus ritos. Crearon la clausura de los JJOO de 1992 de Barcelona y fueron protagonistas de la Expo lisboeta de 1998. La Fura dels Baus, representan el teatro tecnológico, utilizando materiales industriales y naturales, gustan de los elementos tecnológicos para sus obras en las que incluyen ópera. Realizaron la apertura de los JJOO de 1992. Els Joglars creada por Albert Boadella. Sus obras son deductivas, no existe método, se experimenta, se juega y se busca hasta que se renueva; temas como la pareja, la comunicación o los poderes fácticos son propios de sus creaciones. 5 Tema 8: El teatro español anterior a la Guerra Civil: Benavente, Lorca y Valle-Inclán Tema 11; La figura de Buero Vallejo en el teatro español posterior a la Guerra Civil. La renovación del teatro en el llamado Teatro Independiente (por ejemplo, Els Joglars, La Fura, Els comediants...). Temas El tema principal de La Fundación es el contraste ficción-realidad, reflejado en Tomás en el que, a lo largo de toda la obra se percibe un proceso de paso de la locura a la cordura. Al verse defraudado a sí mismo, se inventa un mundo idílico a su alrededor para evadirse de su entorno, a través de la ficción de La Fundación. Pero su mundo irreal no excluye ciertas apreciaciones muy certeras acerca de sus compañeros de celda, así como un entendimiento inconsciente de su situación reflejado en los imaginarios diálogos con Berta. Y es aquí donde aparece la realidad, como proceso que sufre la conciencia del protagonista hasta que llega a aceptarla, cuando comienza a darse cuenta de que la fundación no era tal, sino que era una cárcel donde él y sus compañeros de celda esperaban el día de su ejecución ya que todo estaban condenados a muerte. T w a n 1 5 Como temas secundarios habría que destacar: El tema de la realidad ilusoria, de la vida como sueño, como apariencia, como fantasía está encarnado en la alucinación de Tomas y se plantea como forma única para tolerar la tortura, el desencanto, la cárcel… de hecho provoca cierta envidia en los demás compañeros que, conscientes de su estado, ven cómo Tomás sobrevive, a su manera, en este entorno hostil. En esta línea existencial podemos considerar que la vida es también una cárcel sórdida e interminable en la que permanecemos secuestrados bajo la amenaza omnipresente de la muerte a la espera de que el Ser Supremo o el caprichoso azar decida arrancarnos de nuestro habitáculo terreno. De esa áspera realidad se evaden los hombres -al igual que Tomásmediante ensoñaciones se dejan alienar por bienes de consumo o cosas amables y apetecibles que les hagan olvidar el destino inexorable. Aparece también el tema de la amistad y la lealtad, cuyo representante positivo sería Asel, que hace todo lo posible para que se restablezca Tomás, mientras que el polo negativo lo representa Max que vende a sus amigos a cambio de meras recompensas materiales. Hacia la amistad deriva el odio – o enemistad- inicial de Tulio y Tomás cuando ambos ven que comparten destino, ideales y miedos y amistad, aún sin conocerse, hay entre los protagonistas y los otros presos que ayudarán de una forma u otra en su fuga- aunque quizás aquí hubiese mejor que hablar de solidaridad o compañerismo. Libertad: una meditación sobre la libertad y la esclavitud: sobre la opresión que los regímenes totalitarios ejercen sobre los individuos que no se pliegan a sus estrictos códigos de comportamiento. Es la interpretación que mayor fuerza cobró en la época de su estreno, pese a que el franquismo se encontraba ya en sus postrimerías La obra queda así emparentada con En la red, de Alfonso Sastre, al denunciar la brutalidad de prácticas como la tortura, la delación, la represión ideológica y la pena de muerte. Los personajes se cuestionan si existe la verdadera libertad y ven el exterior como otra cárcel, pero con más privilegios. El autor nos plantea la pregunta de qué es exactamente la libertad. Dictadura y opresión: los personajes son presos políticos de algún régimen dictatorial. Dentro de este tema se incluye también el de la pena de muerte, condena aplicada a la mayoría de los presos políticos en las épocas de fuerte opresión y a la que están condenados todos los miembros de la celda. Violencia: se puede ver en algunas discusiones acaloradas entre los presos y sobre todo en el trato mezquino de los guardias que se exagera cuando ejecutan a Tulio, se suicida Asel y Lino mata a Max. 6 Tema 8: El teatro español anterior a la Guerra Civil: Benavente, Lorca y Valle-Inclán Tema 11; La figura de Buero Vallejo en el teatro español posterior a la Guerra Civil. La renovación del teatro en el llamado Teatro Independiente (por ejemplo, Els Joglars, La Fura, Els comediants...). T w a n 1 5 Técnicas y recursos dramáticos No consideramos el diálogo, el monólogo y las acotaciones como técnicas y recursos dramáticos propios de esta obra puesto que lo son de todo el género dramático, aquí solo hablaremos de los propios de esta obra aunque no sean privativos de ella. Coro: El papel del coro –tomado de la tragedia griega- de la aparece en las escenas finales, cuando se oyen gritos de “asesinos”; se supone que son voces de otros prisioneros, pero podrían considerarse la voz de la sociedad que no desea tanto sufrimiento, la voz de la conciencia de todo aquel que permite y desea las acciones injustas. La música, ya que la obra comienza y acaba con Guillermo Tell de Rossini. Esta música, al comienzo, crea el ambiente adecuado para la presentación de una alucinación; mientras que al final deja el camino abierto a la esperanza y a la aparición de nuevas situaciones que afectan al espectador. La pintura que tiene como finalidad sugerir al espectador que algo raro está sucediendo, al producirse hechos inexplicables, incongruentes (como el que Tomás lea Terborch en lugar de Vermeer, o que no encuentre su cajetilla de tabaco), que van marcando el proceso de “recuperación” de Tomás. El efecto de inmersión implica una superación de la objetividad, ya que el espectador sólo puede acceder a la historia siguiendo la voluntad del autor, que manipula la acción dramática hasta conseguir que nos sintamos identificados con el protagonista, aun sin ser conscientes de ello, ya que “vemos” a través de sus ojos a pesar de que no lo sepamos hasta muy avanzada la obra. Podríamos decir que el espectador es “engañado” por el autor que lo hace participar, en cierta medida, de la enajenación del protagonista, ya que el público ve lo que ve Tomás, y sólo descubre la realidad a medida que este la descubre. Solo al final del cuadro primero de la segunda parte el escenario se presenta como lo que de veras es: la celda de una cárcel, y a partir de este momento el espectador descubre que su percepción de lo que estaba ocurriendo en el escenario era tan falsa como la del protagonista: también el espectador ha creído que era “real” algo ficticio. Esto lleva al espectador a preguntarse si como Tomás, o como él mismo hace unos instantes, no estará viviendo en un error, en una “fundación”, tras la que se ocultan otras realidades El efecto de inmersión apunta, pues, hacia el mundo como algo engañoso, y por medio de esta técnica dramática Buero denuncia lo equívoco de nuestra sociedad y busca la comprensión hacia el delator al que el público llegará a entender y perdonar. Vestuario permite ir viendo poco a poco la transformación que se está produciendo en la mente de Tomás y en la precepción del espectador que a través del vestuario verá claramente como se produce el cambio de la idílica fundación a la lóbrega prisión. Final abierto, cuando la obra concluye – a modo de estructura circular- vuelve a surgir toda la decoración de la idílica Fundación y la música de Rossini. Cuando el espectador sale del teatro sabe que todo está dispuesto para que la tragedia vuelva a empezar. En su mano está escoger la verdad y elegir si sigue en la “Fundación” o lucha contra ella en busca de la verdad y en su mano está también escoger el final de los supervivientes que o bien van a las celdas de castigo desde donde está construido el túnel para evadirse o bien son “paseados” lo que significa el final de sus vidas. 7 Tema 8: El teatro español anterior a la Guerra Civil: Benavente, Lorca y Valle-Inclán Tema 11; La figura de Buero Vallejo en el teatro español posterior a la Guerra Civil. La renovación del teatro en el llamado Teatro Independiente (por ejemplo, Els Joglars, La Fura, Els comediants...). Lugar, tiempo y acción Lugar: “En un país desconocido”, se dice en la página de reparto de la obra. Desde el inicio, Buero Vallejo quiere que la acción transcurra en un lugar indeterminado, que puede ser cualquier lugar y en cualquier época, donde se haya sufrido en el pasado (o se sufra en el presente, esa sería la lección del drama) persecución política, represión policial y cárcel por motivos de ideas. Buero no concreta el lugar donde la obra se desarrolla y ni siquiera, a través de los personajes, llega a indicar aproximadamente el lugar en que sucede. Buero pretende superar las circunstancias concretas de una obra que se estrenará en un lugar determinado y que los espectadores podrán relacionar con su espacio y con su tiempo. De esta forma amplía totalmente la perspectiva de unos hechos que podrían reducirse a un espacio concreto. Desde otro punto de vista, hay que tener en cuenta cómo se configura el propio espacio escénico, partiendo de la idílica Fundación inicial, para llegar a la prisión en la que la obra se desarrolla. En relación con la parte más grata, es muy importante el ventanal a través del cual se divisa un paisaje agradable, relacionable con la pintura de Turner, aludida en el drama por Buero Vallejo. Del locus amoenus, en que la obra se inicia, al espacio carcelario, se suceden espacios intermedios, que van revelando el anuncio de la realidad real. La función del espacio en la obra es esencial ya que es el indicativo del estado de enajenación de Tomás. De esta forma, el espacio va transformándose a medida que Tomás va alcanzando la cordura, teniendo por tanto una función simbólica en la que además se implican el público y los lectores que lo ven todo a través de los ojos de Tomás. El ambiente es el que se desarrolla el drama es una mezcla de realismo y fantasía, siendo por tanto un ambiente real-fantástico que, mientras Tomás sufre la enajenación mental es un ambiente fantástico e ideal, y cuando Tomás recupera la cordura pasa a ser un ambiente real y duro. La obra mantiene unidad de lugar, ya que toda la acción transcurre en un único espacio, aunque este varíe su configuración a lo largo de la obra, al pasar de ser la habitación confortable de una fundación a la celda de una cárcel. Podríamos decir que el escenario está situado en la mente de Tomás o al menos que lo vemos a través de sus ojos (es el “efecto de inmersión”, y es un elemento de importancia trascendental en el desarrollo de la historia, ya que el proceso mental que se produce en el personaje al ir acercándose a la realidad se refleja en la transformación paulatina del escenario. Así, los sillones se transformarán en petates, las librerías en paredes desnudas, etc. T w a n 1 5 El tiempo: A la hora de analizar el concepto del tiempo en La Fundación hay que referirse a tres dimensiones diferentes: por un lado el tiempo dramático de la pieza, por otro el propio tiempo en que la obra trascurre y, finalmente, el tiempo metafísico de la pieza, en el que confluyen pasado, presente y futuro. Del primero en la obra no hay indicaciones temporales muy precisas, pero los cuatro “cuadros” en que se divide transcurren, sin saltos cronológicos internos, en pocos días. En la primera parte, el primer cuadro tiene lugar una mañana poco antes de comer. El cuadro segundo transcurre esa misma tarde. En la segunda parte, el tercer cuadro se desarrolla tres días después, cuando los presos acaban de cenar. En el último cuadro han pasado pocos días, quizá uno sólo. Toda la obra comprende, pues, cuatro días o poco más, tiempo mínimo imprescindible para poder explicar el proceso mental que experimenta Tomás. Este es el tiempo de la acción dramática, pero la historia abarca un tiempo más amplio. En La Fundación los hechos suceden in medias res. Cuando la obra comienza, los personajes se hallan en una situación determinada a consecuencia de acciones que han sucedido en el inmediato pasado, y que el espectador irá conociendo a lo largo del drama según vayan aludiendo a ella los diferentes personajes. A medida que los diferentes elementos del escenario van recuperando su condición carcelaria; es decir, a medida que el protagonista va aproximándose a la realidad, se suministran al espectador los datos 8 Tema 8: El teatro español anterior a la Guerra Civil: Benavente, Lorca y Valle-Inclán Tema 11; La figura de Buero Vallejo en el teatro español posterior a la Guerra Civil. La renovación del teatro en el llamado Teatro Independiente (por ejemplo, Els Joglars, La Fura, Els comediants...). referentes al tiempo pasado y que explican la situación presente: la delación de Tomás, la condena a muerte, etc El tiempo en que la transcurre podemos decir que la obra fue escrita en los primeros años setenta, al final de la Dictadura de Franco. Los hechos aludidos en la obra no parecen, sin embargo, haber sucedido en esos años concretos, ni quizá en las décadas anteriores, cuando la dictadura desarrolló el aparato represivo con mayor intensidad o fuerza por tanto, la obra no sucede en un tiempo concreto, como tampoco transcurre en un espacio determinado. La no concreción espacio-temporal es totalmente intencionada y persigue la vigencia de la lección ética, social y metafísica contenida en el drama. Por último, hay que aludir al tiempo metafísico. Buero Vallejo ha señalado que una de las fuentes de inspiración de La Fundación es el cuento “Las nubes”, del libro Castilla de Azorín, en donde su autor, sigue la teoría del eterno retorno de Nietzsche, anunciada por Buero al final de la obra. El tiempo para Nietzsche es un instante fugaz precedido de la nada y seguido de la nada. Sólo el presente más inmediato existe, porque el pasado fue y el futuro todavía no ha sido. Para Azorín, el eterno retorno es, sin embargo, una capacidad para vivir de nuevo el tiempo: el tiempo presente en un paisaje castellano o en un libro español, como lo es La Celestina, cuyos personajes vuelven a vivir en “Las nubes”. “Vivir es ver volver; volver en un retorno perdurable, eterno”. En La Fundación, Tomás afirma que “el tiempo es otra ilusión” y que el futuro “de algún modo, existe ya”. Asel, por su parte, señala de forma irónica, que el tiempo es un “presente eterno”. Cuando al final del drama, el Encargado, con su más obsequiosa sonrisa, invite a entrar en el aposento a nuevos visitante, el engaño de la Fundación vuelve a empezar en un eterno retorno imparable. La acción T w a n 1 5 En general la acción no incluye muchas peripecias, al menos hasta el final, ya que se trata principalmente de un drama de situación. Durante toda la primera parte y casi todo el primer cuadro de la segunda, la acción se centra en el progresivo desmoronamiento del mundo inventado por Tomás y su sustitución por el real. Los únicos instantes de tensión son el descubrimiento del cadáver por los carceleros y la salida de Tulio para su ejecución. Hay otro nudo de acción al que apenas se alude en toda la primera parte, y que toma fuerza en la segunda: el proyecto de evasión a través de un túnel. Así, en la segunda parte el centro de atención se desdobla y la tensión dramática se concentra en el último cuadro. Estos dos ejes de acción se entrecruzan y se yuxtaponen, y es Asel el desencadenante de ambas. Así, por ejemplo, la ocultación de la muerte del Hombre es planeada por Asel con una doble intención: por una parte, se puede aumentar la dieta de Tomás, lo que influye mucho en su recuperación; y, por otra, se espera que como consecuencia de este hecho sean llevados a celdas de castigo desde donde puedan intentar la huida. La historia es suministrada al espectador con la misma lentitud con que la conoce el protagonista, a medida que este va pasando de la ficción a la realidad, y se complica rápidamente al final al desvelarse los proyectos de fuga y la nueva existencia de un delator que se resuelve fatalmente. 9 Tema 8: El teatro español anterior a la Guerra Civil: Benavente, Lorca y Valle-Inclán Tema 11; La figura de Buero Vallejo en el teatro español posterior a la Guerra Civil. La renovación del teatro en el llamado Teatro Independiente (por ejemplo, Els Joglars, La Fura, Els comediants...). Personajes Cada uno de los personajes principales de La Fundación contiene un gran valor simbólico: T w a n 1 5 TOMÁS Es un hombre de unos veinticinco años en cuya inscripción pone “C-72”, es quien soporta todo el peso de la obra y gracias a él los lectores o los espectadores conocen el significado pleno del drama. Tomás nunca abandona la escena. Cree residir en una moderna fundación, becado junto a sus compañeros para desarrollar investigaciones varias (o, en su caso, escribir una novela). Poco a poco, y nosotros con él, irá percibiendo la dolorosa realidad. Debido a la tortura recibida en la cárcel y a un intento de suicidio, después de haber sido obligado a delatar a sus compañeros, sufre una enfermedad mental que le hace evadirse de la realidad y se refugia en una “fundación” en la que trabaja en su novela gracias a una beca que le ha sido concedida; además en esa imaginaria “fundación” también se encuentra su novia Berta, su amor platónico idealizado; todo esto podrían ser los más deseados sueños del protagonista, todo lo que constituye la “fundación” y las acciones que allí se desarrollan son fruto de sus deseos. Berta podría constituir un desdoblamiento de la personalidad de Tomás, de tal forma que ella es la que aporta la parte racional y consciente a Tomás y lo consuela de su situación tal y como lo hace con su ratón, curiosamente llamado “Tomasín”; teniendo esto en cuenta, podríamos pensar que existe un paralelismo entre la locura de Tomás y Berta, ya que la locura es un medio para protegerse de la realidad cruel y despiadada, de la misma forma que Berta protege a su ratón de los atroces experimentos que le esperan. Tomás soporta, en su personalidad cambiante, todo el peso de la obra, y, gracias a él y a su proceso de cura, es como los lectores llegan a conocer el significado pleno del drama. Su evolución psicológica dentro de la novela reside en que poco a poco va volviendo a la realidad y, finalmente ya razona completamente. Es también importante destacar que los lectores vamos descubriendo las cosas a medida que él mismo las descubre, vemos la “realidad” a través de sus ojos. El enigmático final nos deja una duda: ¿la enfermedad de Tomás ha vuelto y su mente enferma de nuevo vuelve a la “fundación” o, por el contrario, su mente despierta hace creer a los guardias su locura para que les lleven a las celdas de castigo desde donde podrán fugarse según el plan de Asel? ASEL Es el mayor de todos, unos cincuenta años, cabello gris y expresión reflexiva, en su camisa se puede leer “C-73”. Tomás cree que es médico, pero en realidad es ingeniero. Es uno de los personajes más complejos del teatro de Buero. Al igual que Tulio, ha superado, como hombre de acción, los límites de los “activos” y, como los “contemplativos”, es capaz de soñar con un mundo mejor e intentar transmitir sus deseos a los demás. Asel es quien impulsa la acción dramática: es él el que ha ideado la terapia para que Tomás vuelva a la realidad, y es él quien ha preparado el proyecto de fuga. Pero además, Asel confiesa en la segunda parte que él también ha delatado a sus compañeros en el pasado y eso costó, al menos, una vida. Finalmente, la máxima tensión dramática de la obra llega cuando Asel decide suicidarse para no hablar y hacer posible aún la fuga de sus compañeros Tomás y Lino. La actitud final de Asel, al igual que la de Tulio, parecen contagiadas por la fantasía de Tomás, como si de un proceso de “quijotización” se tratase. Asel afirma dos veces que el paisaje que veía Tomás es verdadero. El propósito de esto es sugerirnos que debemos soñar con ese 10 Tema 8: El teatro español anterior a la Guerra Civil: Benavente, Lorca y Valle-Inclán Tema 11; La figura de Buero Vallejo en el teatro español posterior a la Guerra Civil. La renovación del teatro en el llamado Teatro Independiente (por ejemplo, Els Joglars, La Fura, Els comediants...). mundo idílico, que debemos luchar por esa aspiración a algo absoluto y imposible, tal como han hecho siempre los “contemplativos” en las obras de Buero. TULIO Es un cuarentón de aspecto magro y rostro afilado y serio en su inscripción pone “C81”. Tomás cree que es un fotógrafo mientras no recupera la cordura. Es, en un principio, colérico, caracterizado por su hosquedad e intransigencia. Pero todo queda compensado por su personalidad soñadora. En él se percibe una evolución del hastío por la vida y el odio hacia la enajenación de Tomás, hasta llegar a una postura más cercana y de amistad hacia Tomás, es un hombre con cierta cultura, pues se sabe los nombres de los cuadros de las alucinaciones de Tomás. Tulio se nos presenta con una primera impresión engañosa, ya que al principio se muestra reacio a seguirle la corriente a Tomás, pero acaba siendo el que en mayor grado se identifica con él al final de la historia, por lo que, dada su humanidad, su ejecución resulta más dolorosa. MAX es un hombre de unos treinta y cinco años, “C-96” en su camisa. Al principio Tomás cree que es matemático pero en realidad es tendero de libros; es un personaje de la obra que no conocemos realmente hasta el final. Durante casi toda ella no opina, no habla, permanece expectante, y es al final donde nos damos cuenta de que es un delator, una mente frágil fácilmente perturbable que sufre su castigo al ser asesinado por Lino. En sus actos como delator demuestra su bajeza, es capaz de mentir y traicionar a cambio de comida y no soporta las presiones está caracterizado por su bajeza moral ya que se entrega a fáciles compensaciones a cambio de una traición. LINO es un hombre muy vigoroso, de unos treinta años, “C-46” en su camisa. Tomás cree que es ingeniero pero en realidad es tornero; apático en un principio, es un hombre de actos más que de palabras y muy poco paciente con la locura de Tomás. Es más inteligente que algunos de sus compañeros de celda ya que descubre que Max es un delator y aprovecha la confusión creada por el suicidio de Asel para matarlo. Al final de todo queda solo con Tomás lo cual demuestra una gran fortaleza psíquica. T w a n 1 5 BERTA: “A-72” en su camisa es un personaje atípico, fruto de la imaginación de Tomás un desdoblamiento de la personalidad de éste. Él cree que ella está en otro pabellón de la fundación pero eso solo sucede en su mente, Tomás imagina que ella lo visita y que habla con ella. Parece como si Berta conociese el verdadero significado de La fundación. Para ella La fundación es desde un principio una cárcel en la que se sufre, un ejemplo de ello es la metáfora de los ratones que representan a una sociedad oprimida y desprotegida. La aparición de Berta en escena suele darse en momentos de especial interés en la obra, momentos en los que Tomás se cree que está en una Fundación, tras conocer la verdad Berta no vuelve a aparecer. Se ve claramente como Berta es la voz de la conciencia que nos intenta dar el punto de vista auténtico de lo que está pasando en ese lugar. El verdadero sentido de los diálogos de Tomás y Berta no puede ser entendido por el público hasta el final de la obra. 11
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