Komponisten
sikorski
Komponisten
Composers
sikorski musikverlage
20139 Hamburg · Tel.: + 49 (0)40 / 41 41 00 - 0 ·
w w w. s i k o r s k i . d e · c o n t a c t @ s i k o r s k i . d e
04 · 2015
C o m p o s e r s at S i k o r s k i
Composers and their musical production form the core of all music publishing houses.
Thus the cultivation and dissemination of the compositions represented by the publishers unquestionably form the main emphasis of our work. Our successful collaboration
with a large number of composers has now lasted over the course of many decades.
The present publication presents portraits of a representative selection of our composers from the field of serious music. We wish to express our heartfelt gratitude to them
and to all those only mentioned by name for their trusting and fruitful collaboration.
The cornerstone of the publishing house was laid in 1935 by Dr. Hans Sikorski
(1899-1972) in Berlin. Resident in Hamburg since 1946, the independent music publishing group, still family-run, represents composers from all over the world. Sikorski
has been committed to contemporary music for decades, with the spectrum extending
from chamber music, orchestral music and stage works to musicals and film music. The
works of composers of the former Soviet Union form a basic area of emphasis. Through
the intensive work of our publishing house, names such as Dmitri Shostakovich, Sergei
Prokofiev, Aram Khachaturian and Dmitri Kabalevsky penetrated more strongly into
the consciousness of Western cultural life and established themselves on the concert
scene. The same was possible with the succeeding generations of composers and the
oeuvres of Alfred Schnittke, Sofia Gubaidulina, Edison Denisov, Giya Kancheli, Galina
Ustvolskaya, Lera Auerbach, Elena Firsova, Alexander Raskatov and others. Numerous
German composers are also represented, including Peter Ruzicka, Ulrich Leyendecker,
Jan Müller-Wieland, Moritz Eggert, Johannes Harneit, Jörn Arnecke, Daniel Smutny,
Johannes X. Schachtner and Marius Felix Lange. The international spectrum has been
expanded to include such important composers as Marko Nikodijevic, Ferran Cruixent,
Gerald Resch, Yaron Gottfried, Osmo Tapio Räihälä, Xiaoyong CHEN, Wenchen QIN,
Guoping JIA and Lin YANG.
The decisive promotion of contemporary music within the framework of an internationally orientated publishing policy is our central concern. With the help of the composers who have been with our publishing house for many years, and the constantly
growing roster of new composers, we are able to successfully and permanently set
ourselves this task.
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KOMPO N IS T E N B EI SIKORSKI
Die Komponisten und ihr musikalisches Schaffen stellen das Herzstück eines jeden
Musikverlages dar. Pflege und Verbreitung der vom Verlag vertretenen Kompositionen
bilden daher auch den eindeutigen Schwerpunkt unserer Arbeit. Die erfolgreiche Zusammenarbeit mit einer stattlichen Anzahl von Autoren währt bereits viele Jahrzehnte.
Die vorliegende Publikation porträtiert nun eine repräsentative Auswahl unserer Komponistinnen und Komponisten aus dem Bereich der Ernsten Musik. Ihnen und all jenen,
die nur namentlich erwähnt werden, sei für die vertrauensvolle und fruchtbare Zusammenarbeit herzlich gedankt.
Den Grundstein für den Verlag legte Dr. Hans Sikorski (1899-1972) im Jahre 1935
in Berlin. Seit 1946 in Hamburg ansässig, vertritt die unabhängige, nach wie vor familiengeführte Musikverlagsgruppe Autoren aus aller Welt. Bereits seit Jahrzehnten
engagiert sich Sikorski für die zeitgenössische Musik. Das Spektrum reicht hierbei von
Kammermusik, Orchestermusik und Bühnenwerken über Musicals bis hin zu Filmmusiken. Einen elementaren Schwerpunkt bilden dabei die Werke der Komponisten der
ehemaligen Sowjetunion. Namen wie Dmitri Schostakowitsch, Sergej Prokofjew, Aram
Chatschaturjan und Dmitri Kabalewski gelangten durch die intensive Verlagsarbeit
verstärkt in das Bewusstsein des westlichen Kulturlebens und etablierten sich im Konzertgeschehen. Gleiches gelang mit den nachfolgenden Komponistengenerationen
und den Oeuvres von Alfred Schnittke, Sofia Gubaidulina, Edison Denissow, Gija Kantscheli, Galina Ustwolskaja, Lera Auerbach, Jelena Firssowa, Alexander Raskatov und
anderen. Aber auch zahlreiche deutsche Autoren werden erfolgreich vertreten, unter
ihnen Peter Ruzicka, Ulrich Leyendecker, Jan Müller-Wieland, Moritz Eggert, Johannes
Harneit, Jörn Arnecke, Daniel Smutny, Johannes X. Schachtner oder Marius Felix Lange.
Das internationale Spektrum wurde um so bedeutende Komponisten wie Marko Nikodijevic, Ferran Cruixent, Gerald Resch, Yaron Gottfried, Osmo Tapio Räihälä, Xiaoyong
CHEN, Wenchen QIN, Guoping JIA und Lin YANG erweitert.
Die entschiedene Förderung der zeitgenössischen Musik im Rahmen einer international ausgerichteten Verlagspolitik ist unser zentrales Anliegen. Mit der Hilfe unserer
langjährigen Verlagskomponisten und den stetig nachwachsenden neuen Autoren sind
wir in der Lage, uns dieser Aufgabe nachhaltig und erfolgreich zu stellen.
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■Intizar [2007]
Opera in 2 acts
■ Your Name Means the Sea [2011]
Chamber opera in 4 scenes
■Mersiye [2002]
Concerto for violoncello and orchestra
■ Naǧillar [2002]
for symphony orchestra
■ Zikr [2004]
for large ensemble and voice (mugam singer) on a text by Imadeddin Nasimi
■ Mugam-Sajagy (String Quartett No. 3) [1993]
for string quartet, percussion instruments and synthesizer (tape)
■Impulse [2012]
for violin and piano
■Oyan! [2005]
for violoncello
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■ Outstandig Artist of the Republic of Azerbaijan [1990]
■ National Artist of the Republic of Azerbaijan [2000]
■ Artiste de l‘UNESCO pour la paix [2007]
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Frangis
Ali-Sade
Franghiz Ali-Zadeh
*28. Mai 1947
Baku/Aserbaidschan
Zwischen 1965 und 1973 studierte Frangis Ali-Sade am Konservatorium in Baku
Klavier und Komposition bei Kara Karajew, dessen Aspirantin sie von 1973 bis 1976
war. Im Anschluss an ihr Studium unterrichtete sie bis 1990 Musikgeschichte am Konservatorium ihrer Heimatstadt. Ab 1990 war sie für drei Jahre als Professorin für zeitgenössische Musik und Geschichte der Orchesterstile tätig und promovierte 1994 mit
der Arbeit ,Die Besonderheit der Orchestrierung in Werken aserbaidschanischer Komponisten‘. Seit 1999 lebt Ali-Sade in Deutschland und ihrem Heimatland Aserbaidschan. Als Pianistin setzt sich Ali-Sade nachdrücklich für die Werke zeitgenössischer
Komponisten der ehemaligen Sowjetunion, für Werke der Zweiten Wiener Schule sowie
der gesamten Moderne des 20. und 21. Jahrhunderts ein.
Frangis Ali-Sades Kompositionsstil bewegt sich zwischen der traditionellen Musik ihrer
Heimat Aserbaidschan und der (teilweise auch experimentellen) Gegenwartsmusik.
Zwei Kräfte wirkten in ihr, sagte sie einmal, und aus dem Widerspruch ergebe sich
das Neue. Ihr Stil wird von einer eigenwilligen Synthese dieser beiden Welten geprägt.
Ali-Sade schafft eine Musik, in der östlich modales Denken mit westlich Konstruktivistischem verschmilzt.
Franghiz Ali-Zadeh studied piano and composition from 1965 to 1973 at the Conservatory in Baku with Kara Karayev, whose aspirant she was from 1973 until 1976.
Following completion of her studies, she taught music history at the Conservatory of her
native city until 1990. Beginning in 1990 she was a professor of contemporary music
and the history of orchestral styles, receiving her doctorate in 1994 with the dissertation
‘The Special Qualities of the Orchestration in Works of Azerbaijan Composers’. Since
1999 Ali-Zadeh has been living alternately in Germany and in Azerbaijan. As a pianist,
Ali-Zadeh has been especially committed to the works of contemporary composers of
the former Soviet Union, to the Second Viennese School and to all modern music of the
20th and 21st centuries.
Franghiz Ali-Zadeh’s compositional style moves between the traditional music of her
homeland Azerbaijan and the (at times also experimental) music of the present day. She
once stated that two forces operate within her, and what is new is the result of this contradiction. Her style is marked by an idiosyncratic synthesis of these two worlds. Ali-Zadeh creates music in which Eastern modal thinking merges with Western constructivism.
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■ Das Fest im Meer [2001/2002]
Opera in three sections for six singers and chamber orchestra after
John Berger’s novel ‘To the Wedding’
■Unter Eis [2006/2007]
Music Theatre in 13 scenes on a libretto by Falk Richter
■Auf dem Wasser zu singen [2005/2006]
Seven songs by Schubert and Brahms arranged for tenor and 18 strings linked by
nine intermezzi ‘Zwischen den Wassern’
■ Gezeiten. Fantasy for orchestra [2005]
■ Frage for orchestra [1997/1998]
■ Gegen-Sätze for oboe and string orchestra [2013]
■ Inschriften. String Quartet No. 2 [2003]
■ Alea / Talea. Piano Trio No. 1 [2005/2006]
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■ Bach Prize Young Composers Award, Hamburg [2003]
■ Hindemith Award, Schleswig-Holstein Music Festival [2004]
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Jörn
Arnecke
*28. September 1973
Hameln
Jörn Arnecke wurde 1973 in Hameln geboren. Bereits als 30-Jähriger gewann er
mit dem Hindemith-Preis des Schleswig-Holstein Musik Festivals einen der wichtigsten
Kompositionspreise Deutschlands.
Jörn Arnecke studierte Komposition und Musiktheorie bei Volkhardt Preuß und Peter
Michael Hamel an der Hochschule für Musik und Theater Hamburg. 1997/1998 war
er einer der letzten Schüler von Gérard Grisey am Pariser Conservatoire National Supérieur. Er schrieb Werke u.a. im Auftrag der RuhrTriennale, der Hamburgischen und
der Bayerischen Staatsoper, der Deutschen Oper am Rhein, der Münchener Biennale,
der Tonhalle Düsseldorf und des Brucknerhauses Linz. Am Pariser IRCAM-Institut betreute er das Internet-Projekt ,Studio en ligne‘.
Im Februar und März 2004 lebte Jörn Arnecke mit einem Stipendium der Bundeskünstlerförderung im Deutschen Studienzentrum Venedig, 2007 erhielt er ein Stipendium
für die Villa Massimo in Rom. 2009 war er Stipendiat am Internationalen Künstlerhaus
Villa Concordia Bamberg und zum Oktober desselben Jahres folgte er einem Ruf
an die Hochschule für Musik Franz Liszt Weimar als Professor für Musiktheorie und
Gehörbildung.
Jörn Arnecke was born in 1973 in Hameln. Already as a 30-year-old, he won the Hindemith Prize of the Schleswig-Holstein Music Festival, one of Germany’s most important
composition prizes.
Jörn Arnecke studied composition and music theory with Volkhardt Preuß and Peter Michael Hamel at the Academy of Music and Theatre in Hamburg. In 1997/1998 he was
one of the last pupils of Gérard Grisey at the Conservatoire National Supérieur in Paris.
He wrote works on commission from the RuhrTriennale, the Hamburg and the Bavarian
State Operas, the Munich Biennale, the Deutsche Oper am Rhein, the Tonhalle in Düsseldorf and the Brucknerhaus in Linz. He was occupied with the internet project ‘Studio
en ligne’ at the IRCAM Institute in Paris.
In February and March 2004, Jörn Arnecke lived at the German Study Centre in Venice on
a Federal Artists’ Furtherance stipend, and in 2007 he received a grant for the German
Villa Massimo Academy in Rome. In 2009 he was holder of a stipend at the Bamberg artists’ house Villa Concordia and in October of the same year he was appointed professor
for music theory and solfeggio at the Weimar Franz Liszt Hochschule für Musik.
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www.arnecke.de
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■Gogol. Opera in 3 acts [2010]
■ The Little Mermaid. Ballet in 3 acts [2004/2007]
■Symphony No. 1 ‘Chimera’ [2006]
■Memoria de la luz. String Symphony [2013]
■Requiem for a Poet. Symphony No. 2 [2006]
for mezzo-soprano, violoncello, choir and orchestra
■Russian Requiem [2007]
for boy soprano, mezzo-soprano, bass, boys’ choir, mixed choir and large orchestra
■ Requiem. Dresden – Ode to Peace [2012]
for 2 boys’ voices, countertenor, bass baritone, boys’ choir, male choir and orchestra
■Galgenlieder [2013/2015]
for saxophone quartet and female choir / children’s choir
■ String Quartets Nos. 1-8 [2004, 2005, 2006, 2007, 2011, 2012, 2013, 2013]
■ Twenty-four Preludes for Piano / Violin and Piano /
Violoncello and Piano [1999]
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■ Hindemith Prize, Schleswig-Holstein Music Festival [2005]
■ Deutschlandfunk Young Composers Award [2005]
■ Young Global Leader, nominated by the World Economic Forum [2007]
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Lera
Auerbach
*21. Oktober 1973
Tscheljabinsk / Russland
Lera Auerbach received her first musical training from her mother. She wrote her
first opera at the age of twelve, which was performed in many cities of the former
Soviet Union. In 1991, whilst travelling in the USA, she decided to remain in the West.
She completed studies at the Juilliard School in New York in piano (with Joseph Kalichstein) and composition (with Milton Babbitt and Robert Beaser); in addition, she
studied comparative literature at Columbia University and obtained a piano diploma at
the Hannover Music Academy. She made her Carnegie Hall debut in 2002. Auerbach
has meanwhile completed over 100 works. She also gives concerts as a pianist, has
created numerous literary works and, most recently, has appeared in public as a visual
artist. She is a regular guest at important international music festivals, and her works
are performed by leading conductors and interpreters. She has been very successful
in the area of ballet, in which she collaborates with the Hamburg choreographer John
Neumeier, amongst others.
For Lera Auerbach it is no contradiction to use classical tonality and classical formal language in order to find new paths. Upon closer listening, however, an entire cosmos of unusual
sounds, colours and fantasies opens up, which characterises her unique personal style.
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www.leraauerbach.com
Ihre erste musikalische Ausbildung erhielt Lera Auerbach bei ihrer Mutter. Im Alter
von zwölf Jahren schrieb sie ihre erste Oper, die in zahlreichen Städten der ehemaligen
Sowjetunion aufgeführt wurde. 1991 entschloss sie sich während einer USA-Reise, im
Westen zu bleiben. Sie absolvierte die New Yorker Juilliard School in den Fächern Klavier (bei Joseph Kalichstein) und Komposition (bei Milton Babbit und Robert Beaser),
daneben studierte sie Vergleichende Literaturwissenschaft an der Columbia University
und erwarb ein Klavierdiplom an der Musikhochschule Hannover. 2002 gab sie ihr
Debüt in der Carnegie Hall. Inzwischen hat die Komponistin mehr als 100 Werke vorgelegt, konzertiert als Pianistin, hat zahlreiche literarische Werke geschaffen und tritt
in jüngster Zeit auch als bildende Künstlerin in Erscheinung. Sie ist regelmäßig Gast
bei wichtigen internationalen Musikfestivals, und ihre Werke werden von führenden
Dirigenten und Interpreten aufgeführt. Sehr erfolgreich ist sie im Ballettbereich, wo sie
u.a. mit dem Hamburger Choreographen John Neumeier zusammenarbeitet.
Für Lera Auerbach ist es kein Widerspruch, Tonalität und klassische Formsprache zu nutzen, um neue Wege zu finden. Bei näherem Hinhören eröffnet sich ein ganzer Kosmos
ungewohnter Klänge, Farben und Phantasien, die ihren besonderen Personalstil prägen.
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■Gayaneh [1942]
Ballet in 4 acts
■Suites Nos. 1- 3 from ‘Gayaneh’ [1943]
for orchestra
■Spartacus [1954]
Ballet in 4 acts
■Suites Nos. 1- 4 from ‘Spartacus’ [1955-1956]
for orchestra
■ Symphonies Nos. 1- 3 [1934, 1943, 1947]
■Suite from the Incidental Music to ‘Masquerade’ [1944]
for orchestra
■ Concerto for Violin and Orchestra [1940]
■ Rhapsody-Concertos
·for piano and orchestra [1940]
·for violin and orchestra [1940]
·for violoncello and orchestra [1963]
■ Children’s Album for piano in two volumes
·Images of Childhood [1926-1947]
·Sounds of Childhood [1964-1965]
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Aram
Chatschaturjan
Aram Khachaturian
6. Juni 1903 – 1. Mai 1978
Tbilissi / Georgien – Moskau
Aram Chatschaturjan entschied sich relativ spät für eine musikalische Laufbahn. Mit
19 Jahren ging er nach Moskau, um Biologie zu studieren. Nach wenigen Monaten
begann er jedoch ein Violoncello- und Kompositionsstudium am dortigen GnessinInstitut. 1930 wechselte er ans Moskauer Konservatorium, wo er bei Nikolai Mjaskowski (Komposition) und Sergej Wassilenko (Orchestration) studierte. 1951 erhielt er eine
Professur für Komposition am Moskauer Konservatorium und avancierte 1957 zum
Sekretär des Komponistenverbandes der Sowjetunion. Bereits viele Jahre zuvor hatte
er sich auch einen Namen als Dirigent gemacht und gastierte seit Mitte der 70er Jahre
in dieser Funktion auch im Westen.
Geprägt durch die ‚konservativen‘ Bestrebungen Wassilenkos, die an Neuem orientierte Einstellung Mjaskowskis und den sich aus seiner Herkunft ergebenden Einfluss
armenischer Folklore gelang es Chatschaturjan, die Volksmusik seiner armenisch-kaukasischen Heimat mit der russischen Kunstmusik zu verbinden. Vor allem das Ballett
,Gajaneh‘ ist Ausdruck seines persönlichen, individuellen Gestaltungswillens. Der ,Säbeltanz‘ aus diesem Werk errang weltweite Popularität.
Aram Khachaturian decided on a musical career relatively late in life. He went to
Moscow in 1919 to study biology. After a few months, however, he started violoncello
and composition studies at the Gnessin Institute in that city. In 1930 he transferred
to the Moscow Conservatory, where he studied with Nikolai Myaskovsky (composition) and Sergei Vasilenko (orchestration). He became Professor of Composition at the
Moscow Conservatory in 1951 and advanced to Secretary of the Composers’ Union of
the Soviet Union. He had already made a name for himself as a conductor many years
before that as well, and also made guest appearances in the West in this function since
the mid-1970s.
Influenced by Vasilenko’s ‘conservative’ strivings, Myaskovsky’s orientation towards the
new and the Armenian folklore of his homeland, Khachaturian succeeded in combining
the folk music of his Armenian-Caucasian homeland with Russian art music. The ballet
‘Gayaneh’, above all, is the expression of his personal, individual creative will. The
‘Sabre Dance’ from this work attained worldwide popularity.
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www.khachaturian.am
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■ Interlaced Landscapes [1999]
for orchestra
■ Warp [1994]
for chamber orchestra
■ Floating Colours [2006]
for orchestra
■ Kaleidoscope in Times [2012]
for orchestra
■ Invisible Landscapes [1998]
for zheng, percussion, piano and ensemble
■Volatine [1997]
for clarinet, violin, percussion and piano
■ Diary I, II, III and V [1996/1999/2004/2013]
for piano solo
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■ Prize of the Christoph and Stephan Kaske Foundation [1993]
■ Bach Prize Young Composers Award, Hamburg [1995]
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Xiaoyong
Chen
*13. Mai 1955
Beijing
Xiaoyong CHEN studierte Komposition am Zentralen Musikkonservatorium von
Beijing und wechselte 1985 nach Hamburg, um ein Aufbaustudium bei György Ligeti an der dortigen Musikhochschule zu absolvieren. Er ist als Gastprofessor unter
anderem in Taiwan, Hong Kong und China aktiv, seit 2006 ist er zudem Professor für
Komposition am Shanghai Conservatory of Music. Im Oktober 2010 wurde CHEN
zum Gastprofessor für die Bereiche Neue Musik, Komposition und Chinesische Musikkultur an der Hochschule für Musik und Theater Hamburg ernannt. Diese Position hat
er seit 2013 als ordentliche Professur inne. Darüber hinaus wurde er zum Professor an
drei chinesischen Musikhochschulen berufen: ans Xi’an Conservatory of Music (2011),
ans Central Conservatory of Music (2012) und an die Capital Normal University von
Beijing (2013).
CHEN ist fasziniert von der Entstehung und Entwicklung des einzelnen Tones, seine
Werke haben als Ausgangspunkt oft ein vermeintlich einfaches Klangereignis, das von
kompositorischer Ausarbeitung noch unberührt scheint. Komponieren ist für CHEN
eine Kommunikation mit dem Klang und ein Aufspüren von dessen noch verborgenen
Möglichkeiten.
Xiaoyong CHEN studied composition at the Central Music Conservatory of Beijing
and moved to Hamburg in 1985 in order to complete post-graduate studies with György Ligeti at the Music Academy there. He is active as a guest professor in Taiwan, Hong
Kong and China, amongst other places; in addition, he has been Professor of Composition at the Shanghai Conservatory of Music since 2006. In October 2010 CHEN was
appointed Guest Professor in the areas of new music, composition and Chinese musical
culture at the Academy of Music and Theatre in Hamburg. He has occupied this position
as a full professor since 2013. Moreover he was appointed professor at three Chinese
music academies: the Xi’an Conservatory of Music (2011), the Central Conservatory of
Music (2012) and the Capital Normal University of Beijing (2013).
CHEN is fascinated by the origin and development of the individual tone; his works
frequently have an ostensibly simply sonic event as their point of departure that seems,
as yet, untouched by compositional elaboration. For CHEN, composition is a communication with sound and a tracking down of its so far hidden possibilities.
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■ Cyborg [2010]
for orchestra
■Virtual [2011]
for orchestra
■Solaria [2014]
for orchestra
■Visions [2005]
Concerto for marimba and string orchestra
■ Focs d’artifici [2008]
Concerto for percussion and orchestra
■ Android [2010]
for flute, oboe, string quartet and double bass
■ 13 Miniatures [2013]
for baritone and piano
■ Miralls [2004]
for two pianos and percussion
■ La vida d’un gat [1999]
for violin solo
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■ First Prize of the International Reinl Composers Competition [2001]
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Ferran
Cruixent
*23. Juli 1976
Barcelona
The Catalan composer and pianist Ferran Cruixent lives in Barcelona. His œuvre includes orchestral, chamber and vocal compositions as well as multimedia projects. His
works are being performed by renowned orchestras (Detroit Symphony Orchestra, Deutsche Radio Philharmonie Saarbrücken-Kaiserslautern, Staatskapelle Weimar, Beijing Symphony Orchestra, Orquesta Filarmónica de Bogotá, etc.) under the baton of conductors
such as Leonard Slatkin, Christoph Poppen, Karl-Heinz Steffens and Omer Meir Wellber.
‘Cyborg’ for orchestra introduces the concept of ‘Cyber singing’, a combination of
orchestra instruments and electroacoustic media. ‘Focs d’artifici’ for percussion and
orchestra was inspired by the prolific collaboration with Peter Sadlo, and has been
performed over 35 times in Germany, China, Spain, Austria and Colombia.
Cruixent studied piano, violin and music theory at the Conservatori Superior de Música
de Barcelona, completing his studies in 1999. Subsequently he studied both contemporary composition and film composition at the Munich Academy of Music and Theatre
and made a reputation for himself as a pianist, orchestrator and composer at numerous
international film and videogame productions.
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http://ferrancruixent.com
Der Komponist und Pianist Ferran Cruixent lebt in Barcelona. Sein Schaffen umfasst
Orchesterwerke, Kammer- und Vokalkompositionen sowie Musik für multimediale Projekte. Eine Reihe von namhaften Orchestern (Detroit Symphony Orchestra, Deutsche
Radio Philharmonie Saarbrücken-Kaiserslautern, Staatskapelle Weimar, Beijing Symphony Orchestra, Orquesta Filarmónica de Bogotá etc.) hat seine Werke unter der
Leitung von Dirigenten wie Leonard Slatkin, Christoph Poppen, Karl-Heinz Steffens und
Omer Meir Wellber sehr erfolgreich zur Aufführung gebracht.
Mit der Komposition ,Cyborg‘ für Orchester greift Cruixent das Konzept des ,Cyber singing‘
auf, bei dem Orchesterinstrumente mit modernen elektroakustischen Mitteln kombiniert
werden. Die Entstehung von ,Focs d’artifici‘ für Schlagzeug und Orchester wurde durch
die fruchtbare Zusammenarbeit mit Peter Sadlo inspiriert. Das Werk wurde inzwischen
über 35 Mal in Deutschland, China, Spanien, Österreich und Kolumbien aufgeführt.
Cruixent studierte Klavier, Violine und Theorie am Conservatori Superior de Música de
Barcelona, wo er seine Ausbildung 1999 abschloss. Anschließend studierte er Komposition und Filmmusik an der Hochschule für Musik und Theater in München und hat
sich einen Namen als Pianist, Orchestrator und Komponist bei zahlreichen internationalen Film- und Videospielproduktionen gemacht.
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■L’Écume des jours [1981]
Opera in three acts after Boris Vian
■ Peinture [1970]
for orchestra
■ Requiem [1980]
for soprano, tenor, mixed choir and orchestra
■ Tod ist ein langer Schlaf [1982]
Variations on a theme by Joseph Haydn for violoncello and orchestra
■ Concerto for Viola and Orchestra [1986]
■ Concerto for Flute, Clarinet and Orchestra [1996]
■In deo speravit cor meum [1984/1989]
for organ, violin (or flute) and guitar
■ Wind Octet [1991]
for two oboes, two clarinets, two bassoons and two horns
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■ Officier des Arts et Lettres, Paris [1986]
■ Grand Prix of the City of Paris [1993]
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Edison
Denissow
Edison Denisov
6. April 1929 – 24. November 1996
Tomsk – Paris
Edison Denissow zählt neben Sofia Gubaidulina und Alfred Schnittke zu den bedeutendsten Komponisten der russischen Moderne. Zunächst begann er ein Mathematikstudium, bevor er am Konservatorium in Tomsk bei Wissarion Schebalin und
Nikolai Peiko Komposition studierte. Von 1968 bis 1970 arbeitete Denissow im Experimentalstudio für elektronische Musik in Moskau. Er gab private Unterrichtsstunden in Komposition (seine bedeutendsten Schüler waren Jelena Firssowa und Dmitri
Smirnow) und lehrte am Moskauer Konservatorium Instrumentation und Partiturspiel,
da man ihm aufgrund seiner avantgardistischen Tendenzen keine Kompositionsklasse
anvertrauen wollte. Nach dem Zusammenbruch der Sowjetunion war Denissow eine
Zeitlang Sekretär des russischen Komponistenverbandes und Mitbegründer des Moskauer Ensembles für Neue Musik.
Denissow wurde anfangs von Dmitri Schostakowitsch gefördert, sein eigenes Schaffen grenzte sich aber später immer mehr von dessen Einfluss ab, während er sich
zunehmend westlichen Vorbildern der Gegenwartsmusik (vornehmlich aus dem französischen Raum) zuwandte. Denissows umfangreiches Werk ist geprägt von freier Dodekaphonie und mikrostrukturellen Verfahren, womit er einen großen Reichtum an
atmosphärischen Klangfarben erzielt.
Edison Denisov is considered, alongside Sofia Gubaidulina and Alfred Schnittke, one
of the most important modern Russian composers. He first began studies in mathematics before studying composition with Vissarion Shebalin and Nikolai Peiko at the Tomsk
Conservatory. From 1968 until 1970 Denisov worked at the Experimental Studio for
Electronic Music in Moscow. He taught composition privately (his most important pupils
were Elena Firsova and Dmitri Smirnov) and taught instrumentation and score playing
at the Moscow Conservatory, since the powers in charge did not wish to entrust him
with a composition class due to his avant-garde tendencies. After the breakdown of the
Soviet Union, Denisov was for a while Secretary of the Russian Composers’ Union and
co-founder of the Moscow Ensemble for New Music.
At first Denisov was encouraged by Dmitri Shostakovich, but later his own work moved
ever further away from the older composer’s influence, turning instead increasingly
towards Western (especially French) models of contemporary music. Denisov’s wideranging work is characterised by free dodecaphony and micro-structural procedures
with which he attains a great richness of atmospheric timbres.
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■ Freax [2007]
Opera in two acts, libretto by Hannah Dübgen
■ Number Nine I-VIII [1998, 1998, 1998, 2001, 1999, 2008, 2009]
for orchestra
■Aura [2014]
for clarinet and string orchestra
■Goldberg spielt [2005]
for piano and large ensemble
■ Die Tiefe des Raumes [2005]
Soccer-Oratorio for soprano, mezzo-soprano, tenor, baritone, three narrators,
choir and orchestra on a text by Michael Klaus
■ Wide Unclasp [2002]
A haunting in twelve songs, texts by Anne Sexton and William Shakespeare
■ I won’t find another you [2012]
Concerto for piano and orchestra
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■ Composition Award at the Salzburg Easter Festival [1995]
■ Composers Award, Ernst-von-Siemens Music Foundation [1997]
■ Bavarian State Prize [1998]
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Moritz
Eggert
*25. November 1965
Heidelberg
As a composer, Moritz Eggert likes to work independently of all categories – a fact
that unsettles both avant-garde and the classical concert audiences. Through projects
frequently discussed in the media such as the soccer-oratorio ‘Die Tiefe des Raumes’
[The Depth of the Space] (commissioned by the cultural programme of the 2006 World
Cup for the Ruhr Triennial) and the opera ‘Freax’, he constantly attempts to undermine
the customary image of New Music as the concern of an exclusively expert audience.
Alongside his primary focus on the area of music theatre, for which Eggert has so far
written eleven operas, he also likes to cultivate unusual aspects, located between categories of chamber music and experimental music, as for example in his song cycle
‘Neue Dichter Lieben’ or in his piano cycle ‘Hämmerklavier’.
Eggert declares that art is a means for overcoming ideological or stylistic boundaries.
His music unites humour, playful virtuosity, lightness and seriousness. In his compositions, he has found an unforced, unburdened relationship to tradition; his style combines wit with entertainment.
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www.moritzeggert.de
Als Komponist setzt sich Moritz Eggert gerne zwischen alle Stühle, was sowohl das
avantgardistische wie auch das klassische Konzertpublikum verunsichert. Durch in
den Medien viel diskutierte Projekte wie das Fußballoratorium ,Die Tiefe des Raumes‘
(für die Ruhrtriennale im Auftrag des Kulturprogramms der WM 2006) oder die Oper
,Freax‘ versucht er konstant das gängige Bild der Neuen Musik als Angelegenheit
allein für ein Expertenpublikum zu unterminieren. Neben seinem Schwerpunkt im Bereich Musiktheater, für das Eggert bisher elf Opern schrieb, pflegt er gerne die kammermusikalischeren oder experimentelleren Zwischentöne, zum Beispiel in seinem
Liederzyklus ,Neue Dichter Lieben‘ oder seinem Klavierzyklus ,Hämmerklavier‘.
Kunst ist für Eggert erklärtermaßen ein Mittel, ideologische oder stilistische Grenzen zu
überwinden. Seine Musik vereint Humor, spielerische Virtuosität, Leichtigkeit und Ernsthaftigkeit. In seinen Kompositionen hat er ein ungezwungenes, unbelastetes Verhältnis
zur Tradition gefunden, sein Stil verbindet Geistreiches mit Unterhaltsamem.
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■ The Garden of Dreams Op. 111 [2004]
for orchestra
■ Beyond the Seven Seals Op. 119 [2010]
for orchestra
■ Concerto for Violin and Orchestra No. 2 Op. 29 [1983]
■ Chamber Concerto No. 5 Op. 78 [1996]
for violoncello, celesta, harp and strings
■ Requiem Op. 100 [2001]
for soprano, choir and orchestra on words by Anna Akhmatova
■ Tristia Op. 22 [1979]
Cantata for soprano and chamber orchestra on poems by Osip Mandelstam
■ Das Erste ist vergangen Op. 93 [1999]
for soprano, bass, mixed choir and chamber orchestra on biblical texts, on words by
Franz Kafka and an anonymous psalm from the Buchenwald concentration camp
■ Before the Thunderstorm Op. 70 [1994]
Cantata for soprano and chamber ensemble on words by Osip Mandelstam
■ Three Poems by Osip Mandelstam Op. 23 [1980]
for soprano and piano
■Misterioso. String Quartet No. 3 Op. 24 [1980]
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Jelena
Firssowa
Elena Firsova
*21. März 1950
Leningrad
Jelena Firssowa wurde am Moskauer Konservatorium bei Alexander Pirumow (Komposition), Juri Cholopow (Analyse) und Nikolai Rakow (Orchestration) ausgebildet. Ab
1975 stand sie in einem intensiven musikalischen Kontakt mit Edison Denissow und
Philipp Herschkowitz, einem von Wien nach Moskau emigrierten Webern-Schüler. Im
Jahr 1990 war sie Mitbegründerin der russischen Gesellschaft für Neue Musik (ASM).
Jelena Firssowa übersiedelte 1991 nach England, wo sie mit ihrer Familie lebt und als
Dozentin und freischaffende Komponistin tätig ist.
Durch umfangreiche und vielseitige Studien erreichte Firssowa eine sichere Beherrschung zeitgenössischer Kompositionstechniken, die keineswegs einseitig einer Stilistik
verpflichtet sind. Firssowa entwickelt die Ideen der Zweiten Wiener Schule weiter, sie
behandelt die Strenge der Zwölftonmusik aber frei, lässt in der Reihenbildung absichtlich konsonant empfundene Klänge zu und legt besonderen Wert auf melodische
Motivik.
Elena Firsova was trained at the Moscow Conservatory under Alexander Pirumov
(composition), Yuri Kholopov (analysis) and Nikolai Rakov (orchestration). Beginning
in 1975 she enjoyed intensive musical contact with Edison Denisov and Philip Herschkovitz, a Webern pupil who had emigrated from Vienna to Moscow. In 1990 she was
co-founder of the Russian Society for New Music (ASM). Elena Firsova moved to England in 1991 where she lives with her family and is active as a lecturer and free-lance
composer.
Through extensive and wide-ranging studies, Firsova acquired a secure mastery of contemporary compositional techniques which are by no means limited to a single style.
Firsova continues to develop the ideas of the Second Viennese School but treats the
strictness of twelve-tone music freely, intentionally allowing for consonant sounds in the
row formation and placing especial emphasis on melodic motifs.
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homepage.ntlworld.com/dmitrismirnov/Elena-Firesova.htm/
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■ The Diary of Anne Frank Op. 60 [1969]
Chamber opera in 4 scenes by Grigori Frid based on Anne Frank’s original diary
■Van Gogh’s Letters Op. 69 [1975]
Chamber opera in two parts by Grigori Frid based on Vincent van Gogh’s letters
to his brother Theo
■ Poetry Op. 65 [1973]
Vocal cycle for two voices, clarinet, violoncello, piano and percussion on poems
by Federico García Lorca (in Russian)
■ Symphony No. 3 Op. 50 [1964]
for string orchestra and timpani
■ Concerto for Viola, Piano and Strings Op. 73 [1981]
■ Phaedra Op. 78 [1985]
for viola sola, two violins, violoncello and piano
■String Quartets Nos. 3-5 Opp. 20, 29, 70 [1949, 1958, 1977]
■Sonatas for Clarinet and Piano Nos. 1-3 Opp. 53, 62, 75 [1966, 1971, 1982]
■Sonata for Two Pianos Op. 76 [1985]
■Inventions Op. 46 [1962]
for piano
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Grigori
Frid
22. September 1915 – 22. September 2012
Petrograd – Moskau
Grigori Frid begann sein Musikstudium zunächst in Irkutsk und beendete es 1935
am Moskauer Konservatorium in der Kompositionsklasse von Heinrich Litinski und
Wissarion Schebalin. Von 1936 bis 1939 unterrichtete er dort Musiktheorie, von 1947
bis 1961 an der Musikschule des Konservatoriums Komposition. Von 1965 bis zu seinem Tod im Jahr 2012 organisierte und leitete er den Moskauer ,Musik-Klub‘, in dem
regelmäßig Seminare und Konzerte stattfanden, bei denen immer wieder auch systemkritische Komponisten zu Gehör kamen.
Maßgeblich für Frids kompositorische Auseinandersetzung mit der Musik des 20.
Jahrhunderts war das Schaffen von Schostakowitsch, Strawinsky, Schönberg und Berg.
Dabei stehen serielle und tonale Verfahren nebeneinander, häufig kombiniert mit Leitmotiv- und Clustertechnik. Auffallend erscheint Frids Vorliebe für dunkle Farbgebung
und elegische Stimmungsbilder. In seinen Kammeropern, mit denen er weltbekannt
wurde, behandelt er mit großer Sensibilität die seelischen Nöte seiner Hauptpersonen
ebenso wie moralische Fragen der Menschheit.
Grigori Frid first began his musical studies in Irkutsk, completing them in 1935 at
the Moscow Conservatory in the composition class of Heinrich Litinsky and Vissarion
Shebalin. From 1936 until 1939 he taught music theory there and from 1947 until 1961
composition at the Music School of the Conservatory. From 1965 until his death in 2012
he had organised and led the Moscow ‘Music Club’, where seminars and concerts regularly took place frequently presenting even non-conformist composers.
The music of Shostakovich, Stravinsky, Schönberg and Berg was decisive for Frid’s compositional confrontation with the music of the 20th century. In his works, serial and tonal
procedures exist side by side, frequently combined with leitmotiv and cluster techniques.
Frid’s predilection for dark timbres and elegiac mood images is striking. In his chamber
operas, which have attained worldwide renown, he deals with the spiritual hardships
of his main characters with great sensitivity, as well as moral questions of humanity.
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■ Pictures at an Exhibition – Remake (after Modest Mussorgsky) [2011]
for jazz trio and orchestra or chamber orchestra
■ The Well-Tempered Unbalanced Piano [2001]
for jazz trio and chamber orchestra or chamber ensemble
■Mozart ‘Swings’ [2005]
for jazz trio and orchestra
■ Transitions [2000]
for orchestra
■ Concerto for Electric Guitar and Chamber Orchestra [1998]
■ Double Concerto for Two Violins and String Orchestra [2001]
■Out of Your Mind [2007]
for violin and violoncello
■ Blindness. Musical episodes inspired by José Saramago’s like-named novel [2008]
for orchestra (and narrator)
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■ First Prize of the Red Sea Jazz Festival composition competition [1999]
■ Chosen Artist of the IcExcellence Foundation [2003-2007]
■ Israeli Prime Minister Prize [2014]
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Yaron
Gottfried
*11. Oktober 1968
Jerusalem
Der Dirigent, Komponist und Pianist Yaron Gottfried ist einer der bedeutendsten
Musiker seiner Generation in Israel, der in seiner Vielseitigkeit Klassik, zeitgenössische
Musik und Jazz miteinander verbindet. Er studierte Komposition bei Noam Sheriff und
schloss seine Studien an der Rubin-Musikakademie in Jerusalem bei Maestro Mendi
Rodan ab. Im Juli 2013 wurde er als Fachleiter für Komposition und Dirigieren an die
Rimon-Schule für Jazz und Zeitgenössische Musik berufen. Seit September 2013 ist er
als musikalischer Leiter von zwei neuen Konzertreihen für zeitgenössische Musik am
Kunstmuseum in Tel Aviv und an der Rimon-Schule tätig.
Gottfried tritt regelmäßig als Dirigent mit namhaften Orchestern auf. Er ist auch Pianist
eines Jazztrios, für das er zahlreiche Kompositionen mit Orchesterbegleitung schrieb,
darunter seine Jazzbearbeitung der ,Bilder einer Ausstellung’ von Mussorgski, die inzwischen zu seinem Standardwerk geworden ist. Sein einzigartiger Umgang mit Rhythmus und Klang zeigt sich deutlich in seinen gattungs- und stilübergreifenden Kompositionen. Sein Schaffen umfasst u.a. Instrumentalkonzerte, Orchesterwerke, Vokalwerke
sowie Arrangements für Jazztrio und Orchester.
The conductor, composer and pianist Yaron Gottfried is one of the most important
musicians of his generation in Israel, combining classical music, contemporary music
and jazz with great versatility. He studied composition with Noam Sheriff and completed his studies at the Rubin Music Academy in Jerusalem with Maestro Mendi Rodan.
Beginning in July 2013 he was appointed Department Head for Composition and Conducting at the Rimon School of Jazz and Contemporary Music. Since September 2013
he has been the Music Director of two new concert series for contemporary music at the
Tel Aviv Museum of Art and at the Rimon School.
Gottfried regularly appears as a conductor with renowned orchestras. He is also the
pianist of a jazz trio, for which he has written numerous compositions with orchestral
accompaniment, including his jazz adaptation of the ‘Pictures at an Exhibition’ of Mussorgsky - a work that has meanwhile established itself as a standard. His unique treatment of rhythm and sound is shown clearly in his compositions that bridge several
genres and styles. Yaron Gottfried‘s catalogue of compositions includes instrumental
concertos, orchestral works, vocal works as well as arrangements for jazz trio and
orchestra.
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www.yarongottfried.com
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■ Stimmen ... verstummen ... Symphony in twelve movements [1986]
■Offertorium. Concerto No. 1 for violin and orchestra [1986]
■In tempus praesens. Concerto No. 2 for violin and orchestra [2007]
■ Fachwerk for bayan, percussion and strings [2009]
■St. John Passion [2000] and St. John Easter [2001]
for soprano, tenor, baritone, bass, two mixed choirs, organ and large orchestra
■ Now Always Snow [1993]
for chamber ensemble and chamber choir on verses by Gennadi Aigi
■Seven Words for violoncello, bayan and strings [1982]
■String Quartets Nos. 1- 4 [1971, 1987, 1987, 1993]
■Gallows Songs à 3 / à 5 [1996/1998]
for mezzo-soprano and small ensemble on poems by Christian Morgenstern
■In croce for violoncello and organ (or bayan) [1979]
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■ Praemium Imperiale, Tokyo [1998]
■ Polar Music Prize, Stockholm [2002]
■ Bach Prize, Hamburg [2007]
■ ‘Golden Lion’ of the Venice Biennale [2013]
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Sofia
Gubaidulina
*24. Oktober 1931
Tschistopol / Tatarische Republik
Sofia Gubaidulina beendete 1954 ihre Ausbildung am Konservatorium von Kasan und
setzte bis 1963 ihr Kompositionsstudium bei Nikolai Pejko und Wissarion Schebalin in Moskau fort. Seitdem ist Gubaidulina als freischaffende Komponistin tätig. Nachdem ihre kompositorische Tätigkeit in der Sowjetunion ständigen Repressalien unterlag, übersiedelte sie
1992 nach Deutschland und lebt seitdem in der Nähe von Hamburg. Gidon Kremers Einsatz
für ihr Violinkonzert ,Offertorium‘ in den 80er Jahren half ihr, im Westen rasch bekannt zu
werden. Sie ist u.a. Mitglied der Freien Akademie der Künste in Hamburg, der Berliner Akademie der Künste und des Ordens ,Pour le mérite‘.
In der Musik Sofia Gubaidulinas sind sowohl ihre russischen als auch ihre asiatischen Wurzeln spürbar. Komponieren ist für die christlich geprägte Komponistin ein religiöser Akt. Seit
den 80er Jahren spielen für Gubaidulina Zahlenverhältnisse eine große Rolle, mit deren
Hilfe sie Rhythmen und Formverläufe strukturiert. In ihrem Bemühen, Intellektualität und
Emotionalität miteinander zu verbinden, fühlt sie sich Johann Sebastian Bach wesensnah.
Nicht selten entwickelt sie ihre Werke aus der Stille heraus. Als ihr opus summum bezeichnet
sie ihre Dilogie ,Johannes-Passion‘ und ,Johannes-Ostern‘, worin sie in einem kühnen theologischen Ansatz die Evangelistentexte mit Textpassagen aus der Apokalypse kontrapunktiert.
Sofia Gubaidulina completed her education at the Conservatory of Kazan in 1954 and
continued her compositional studies in Moscow with Nikolai Peiko and Vissarion Shebalin
until 1963. Since then Gubaidulina has been a freelance composer. After her compositional
activity was subject to constant repression in the Soviet Union, she moved to Germany in 1992
and since then has lived near Hamburg. Gidon Kremer’s commitment to her violin concerto
‘Offertorium’ in the 1980s helped her to become rapidly known in the West. She is a member
of the Hamburg Free Academy of the Arts, the Berlin Academy of Fine Arts and the order ‘Pour
le mérite’, amongst other organisations.
In Sofia Gubaidulina’s music both her Russian and Asian roots are perceptible. Composing
is a religious action for the devoutly Christian composer. Since the 1980s, numerical relationships have played an important role for Gubaidulina; with their help, she structures rhythms
and formal processes. She feels closely related to Johann Sebastian Bach in her efforts towards combining intellectuality and emotionality. She designates the dilogy ‘St. John Passion’
and ‘St. John Easter’ as her opus summum, in which she counterpoints the texts of the Evangelists with text passages of the Apocalypse in a bold theological approach.
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■ Hochwasser – Zwei Koffer im Keller [2010]
Chamber opera in 3 scenes
■Abends am Fluss [2011]
Opera in 18 scenes with epilogue
■Alice im Wunderland [2014]
Children’s Opera in 2 acts
■ Concerto for Violin and Orchestra [2000]
■ Beethoven-Skizzen [2006]
for orchestra
■Symphony No. 1 [2015]
■ Twelve Pieces for Strings [1995]
after Eric Satie’s ‘Petits chorals’
■ Ohne Leben Tod [2004]
26 chorales for chamber ensemble
■ Doubles [2005]
for chamber ensemble
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■ First Prize at The Hitzacker Composers Competition [1986]
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Johannes
Harneit
*16. März 1963
Hamburg
Der Komponist, Dirigent und Pianist Johannes Harneit studierte an der Hochschule
für Musik und Theater in Hamburg. Von 2001 bis 2006 war er Musikdirektor an der
Staatsoper Hannover. Seit Herbst 2003 ist Harneit Chefdirigent der Sinfonietta Leipzig,
im Mai 2006 debütierte er als Dirigent beim Ensemble Modern. Er dirigierte an der
Bayerischen Staatsoper München und am Bremer Theater, leitete die Sinfonieorchester
des NDR, WDR, SWR sowie das Dänische Rundfunksinfonieorchester Kopenhagen. Er
erhielt zahlreiche Kompositionsaufträge, u.a. von der Hamburgischen Staatsoper, der
Alten Oper Frankfurt, dem Ensemble Scharoun oder dem Beethovenfest Bonn.
Harneits Musik verbindet Vergangenes und Gegenwärtiges, Vertrautes und Neues und
entwickelt eine eigenständige Sprache innerhalb klassischer Formen. Seine virtuosen
Partituren sind reich an subtilen, spannungsreichen, kraftvollen, ironischen und reflektierenden Momenten und zeichnen sich durch ein sicheres Gespür für Zeit und
Proportion aus.
The composer, conductor and pianist Johannes Harneit studied at the Academy of
Music and Theatre in Hamburg. From 2001 to 2006 he was Music Director at the
Hanover State Opera. Since autumn 2003 Harneit has been Music Director of the Sinfonietta Leipzig; in May 2006 he made his debut with the Ensemble Modern. He has
conducted at the Bavarian State Opera in Munich and the Bremen Theatre, conducted
the symphony orchestras of the NDR, WDR, SWR and the Danish Radio Symphony Orchestra Copenhagen. He has received numerous composition commissions, including
those from the Hamburg State Opera, the Alte Oper Frankfurt, the Ensemble Scharoun
and the Beethovenfest Bonn.
Harneit’s music combines past and present elements, the familiar and the new, developing an individual language within classical forms. His virtuoso scores are rich in subtle,
exciting, powerful, ironical and reflective moments and are notable for their sure sense
of timing and proportion.
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■ Drei Stillleben [2010]
for seven instrumentalists
■Ensemblia [2011]
Eight forms for seven instrumentalists in three groups
■ Händel-Disput. Wandlung-Verhandlung [2009]
for seven instrumentalists
■Reflexionen [2005]
Suite for wind octet
■Excursion [2006]
for piano
■ Four Cello Pieces [2009]
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■ Award of the German Academy of Villa Massimo in Rome [1965/1967]
■ Culture Prizes of the Cities of Nuremberg (twice), Erlangen and Fürth [1968-1990]
■ Otto Grau Culture Prize [1995]
■ Friedrich Baur Award of the Bavarian Academy of Fine Arts [1999]
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Werner
Heider
*1. Januar 1930
Fürth
Werner Heider erhielt seine Ausbildung von 1945 bis 1950 bei Willy Spilling (Klavier und Komposition) und Richard Lauer (Violine) in Fürth. Zwischen 1951 und 1953
studierte er an der Musikhochschule München bei Karl Höller (Komposition), Maria
Landes-Hindemith (Klavier) und Heinrich Knappe (Dirigieren). Daneben waren von
Anfang an die Internationalen Ferienkurse für Neue Musik in Darmstadt von großer
Bedeutung für ihn, ohne dass er sich einer bestimmten Richtung oder „Schule“ angeschlossen hätte. Weitere zentrale Impulse erhielt Heider aus dem Jazz. 1968 gründete
er das ars nova ensemble nürnberg, dessen Dirigent und künstlerischer Leiter er bis zu
dessen Auflösung im Februar 2015 war.
Werner Heider received his initial musical education from 1945 to 1950 from Willy
Spilling (piano and composition) and Richard Lauer (violin) in Fürth. Between 1951 and
1953 he studied at the Munich Music Academy with Karl Höller (composition), Maria
Landes-Hindemith (piano) and Heinrich Knappe (conducting). At the same time, the
International Holiday Courses for New Music in Darmstadt were of great importance
to him from the very beginning, without his having joined any one direction or ‘school’.
Heider received other central impulses from the area of jazz. In 1968 he founded the
ars nova ensemble nürnberg, whose conductor and artistic director he was until its
closure in February 2015.
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■ The Pine-Soughing Valleys [2014]
for sheng, zheng and orchestra
■Schweben über grenzenlosem Feld [2001/2002]
for flute and piano
■ The Wind Sounds in the Sky [2002]
for sheng, violoncello and percussion
■Eisfeuer [2001/2005]
for orchestra
■Kalaviuka [2012]
for orchestra
■ Whispers of a Gentle Wind [2011]
for pipa, guzheng, sheng and banhu
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■ Brahms Composition Award, Hamburg [1997]
■ Award of the Eleventh China Competition for Chamber Composition [2005]
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Guoping
Jia
*1. Oktober 1963
Shanxi
Von 1980 bis 1984 absolvierte Guoping JIA ein Musikstudium an der Shanxi-JinOpernakademie in Taiyuan. Von 1987 bis 1991 studierte er am Zentralen Musikkonservatorium in Beijing Komposition. Zwischen 1994 und 1998 studierte er als Stipendiat des DAAD an der Staatlichen Hochschule für Musik und Darstellende Kunst
Stuttgart Komposition bei Helmut Lachenmann. Seit 1998 arbeitet er am Zentralen
Musikkonservatorium in Beijing als Professor für Komposition. Zusätzlich hat er dort
zwischen 2006 und 2014 die Bibliothek geleitet, war von 2010 bis 2014 Pro-Dekan
der Kompositionsabteilung und ist seit 2014 Rektor des ,Institute of Musicology of Central Conservatory of Music – Key Research Institute of Humanities and Social Sciences
at Universities‘.
Guoping JIA komponierte Kammer-, Orchester-, chinesische Volks-, Ballett- und
Filmmusik und erhielt verschiedene Preise und Auszeichnungen in China und in der
Bundesrepublik Deutschland. 2011 gründete er mit Unterstützung der Siemens Stiftung und der Internationalen Ensemble Modern Akademie das ,ConTempo Ensemble
Beijing‘, das erste chinesische Ensemble für moderne Musik, in dem westliche und
östliche Instrumente kombiniert werden.
Guoping JIA completed musical studies at the Shanxi-Jin Opera Academy in Taiyuan
between 1980 and 1984. From 1987 until 1991 he studied composition at the Beijing
Central Conservatory of Music. From 1994 until 1998 he studied composition at the
State Academy of Music and the Performing Arts in Stuttgart with Helmut Lachenmann
as a stipend recipient of the DAAD (German Academic Exchange Service). Since 1998
he has been Professor of Composition at the Central Conservatory of Music in Beijing.
In addition he managed the conservatory’s library between 2006 and 2014, was Vice
Dean of the Compositional Department from 2010 to 2014 and was finally appointed
Rector of the ‘Institute of Musicology of Central Conservatory of Music – Key Research
Institute of Humanities and Social Sciences at Universities’.
Guoping JIA has composed chamber, orchestral, Chinese folkloristic, ballet and film
music and received numerous prizes and awards in China and in the Federal Republic
of Germany. In 2011, with the support of the Siemens Foundation and the International
Ensemble Modern Academy, he founded the ‘ConTempo Ensemble Beijing’, the first
Chinese ensemble for modern music in which Western and Eastern instruments are
combined.
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■ Tango Rhapsody ‘La Russie’ [1995]
for bayan and orchestra
■ Carmen Fantasy (after Georges Bizet) [1998]
for bayan and symphony orchestra
■ Pavane [1987]
for string orchestra
■ Three Concert Pieces
for chamber orchestra
■Samba
for bayan and orchestra
■ The Four Seasons [2006]
for bayan and chamber orchestra (or piano trio)
■Suite for Variety Orchestra (after Dmitri Shostakovich) [2003]
for bayan, violin, guitar, drums and percussion
■ Pictures at an Exhibition (after Modest Mussorgsky) [2003]
for bayan, violin, guitar, drums and percussion
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Efim
Jourist
13. Januar 1947 – 13. Januar 2007
Kamenez-Podolski – Hamburg
Der Ukrainer Efim Jourist war ein Meister auf dem Akkordeon und dem Bajan. 1977
unternahm er seine erste Auslandstournee und bereiste seitdem regelmäßig Südamerika, Europa, Australien und die USA. 1992 übersiedelte der Komponist und Instrumentalist nach Deutschland, wo er das aus Bajan, Gitarre, Violine und Kontrabass
bestehende ,Efim Jourist Quartett‘ gründete. 1997 komponierte er die ,Carmen-Fantasie‘ für Bajan und Orchester, die im Leipziger Gewandhaus 1998 mit dem MDRSinfonieorchester und ihm selbst als Solisten zur Uraufführung gebracht wurde. In
dieser Zeit ergab sich auch der enge Kontakt zum Schauspieler Dominique Horwitz, für
den er verschiedene Programme, zum Beispiel einen Jacques-Brel-Abend, arrangierte.
2000 gründete Jourist zusätzlich zu seinem Quartett das ,Efim Jourist Ensemble‘, das
in der Besetzung Bajan, Violine, Gitarre, Kontrabass, Marimbaphon/Vibraphon und
Schlagzeug viele Eigenkompositionen Jourists zur Aufführung brachte. Jourist schrieb
Orchesterwerke und zahlreiche Stücke für sein Quartett bzw. sein Ensemble, Lieder,
Arrangements für Akkordeon und Bajan solo sowie Bearbeitungen für verschiedenste
Besetzungen.
The Ukrainian Efim Jourist was a master of the accordion and the bayan. He undertook his first tour abroad in 1977 and henceforth toured regularly in South America,
Europe, Australia and the USA. In 1992 the composer and instrumentalist moved to
Germany, where he founded the ‘Efim Jourist Quartet’ consisting of bayan, guitar, violin
and double bass. In 1997 he composed the ‘Carmen Fantasy’ for bayan and orchestra,
which he himself premiered as soloist with the MDR Symphony Orchestra at the Leipzig
Gewandhaus in 1998. During this period there developed a close contact with the actor
Dominique Horwitz, for whom he arranged various programmes including a Jacques
Brel evening. In 2000 Jourist founded in addition to his Quartet the ‘Efim Jourist Ensemble’, which premiered many of Jourist’s own compositions in the combination of bayan,
violin, guitar, double bass, marimba/vibraphone and percussion. Jourist wrote orchestral works and numerous pieces for his quartet and ensemble, lieder, arrangements for
accordion and bayan solo as well as adaptations for various ensembles.
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www.efim-jourist.de
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■Symphonies Nos. 1-4 Opp. 18, 19, 22, 54 [1932, 1934, 1935, 1956]
■ Concertos for Piano and Orchestra Nos. 1-4 Opp. 9, 23, 50, 99
[1928, 1935, 1952, 1978]
■ Colas Breugnon Op. 24/90 [1936/1969]
Opera in 3 acts after Romain Rolland
■ Twenty-four Preludes for Piano Op. 38 [1944]
■ Thirty Piano Pieces for Young Players Op. 27 [1938]
■ Children’s Adventures Op. 89 [1973]
Thirty-five very easy piano pieces
■Requiem Op. 72 [1962]
for mezzo-soprano, baritone, children’s choir, mixed choir and orchestra
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■ Glinka State Prize of the RSFSR [1966]
■ Lenin Prize [1972]
■ USSR State Prize [1980]
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Dmitri
Kabalewski
Dmitri Kabalevsky
30. Dezember 1904 – 14. Februar 1987
St. Petersburg – Moskau
1925 begann Dmitri Kabalewski seine Ausbildung am Moskauer Konservatorium,
wo er Kompositionsunterricht bei Nikolai Mjaskowski erhielt und Klavier studierte. Sein
Klavierstudium setzte er bei Alexander Goldenweiser fort. Seit 1927 wirkte er an der
Zeitschrift ,Sowremennaja muzyka‘ mit und arbeitete ab 1930 als Herausgeber im Musikverlag Muzgiz. Seit 1939 hatte er am Moskauer Konservatorium eine Professur inne.
1952 wurde Kaba-lewski Vorstandssekretär des Sowjetischen Komponistenverbandes .
Der Einfluss seines Lehrers Mjaskowski ist vor allem für Kabalewskis frühes Werk prägend. In den Jahren 1932 bis 1941 setzte er sich auch mit dem Genre Musiktheater
auseinander. Neben Bühnenwerken und Vokalkompositionen stehen Instrumentalwerke im Zentrum seines Interesses. Kabalewskis vorwiegend lyrische, in der Volksmusik wurzelnde Musiksprache ist deutlich von der Tradition der russischen Musik des
19. Jahrhunderts geprägt. Zentrale Bedeutung erlangte Kabalewskis Klavierwerk, nicht
zuletzt seine in der Klavierpädagogik oft eingesetzten kleineren Stücke für Kinder und
Jugendliche, die aufgrund ihrer rhythmischen Rafinesse und harmonischen Reibungen
von besonderem Reiz sind.
Dmitri Kabalevsky began his training at the Moscow Conservatory in 1925, where
he studied composition with Nikolai Myaskovsky and piano. He continued his piano studies with Alexander Goldenweiser. From 1927 he worked on the journal ‘Sovremennaya muzyka’ and from 1930 as an editor at the Music Publisher Muzgiz. He became a
Professor at the Moscow Conservatory in 1939. In 1952 Kabalevsky became Secretary
of the Board of the Soviet Composers’ Union.
The influence of his teacher Myaskovsky is especially marked in Kabalevsky’s early
works. During the years between 1932 and 1941 he also dealt with the genre of music
theatre. Alongside stage works and vocal compositions, instrumental works are at the
centre of his musical interests. Kabalevsky’s predominantly lyrical musical language,
rooted in folk music, is clearly influenced by the tradition of 19th-century Russian music.
Kabalevsky’s piano works are of special importance, not least his smaller pieces for
children and youths which are often used in teaching. Their rhythmic refinement and
harmonic friction make them particularly attractive.
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■Music for the Living. Opera in two acts by Robert Sturua [1982-1984/1999]
■Symphonies Nos. 1-7 [1967, 1970, 1973, 1974, 1977, 1980, 1986]
■Mourned by the Wind [1989/1996]
Liturgy for large orchestra and solo viola (or violoncello)
■ Styx for viola (or violin), mixed choir and orchestra [1999/2007]
■ Dixi for mixed choir and orchestra [2009]
■ Chiaroscuro [2010/2011]
for string quartet / for violin and chamber orchestra /
for violin, viola and chamber orchestra / for viola and chamber orchestra
■ Angels of Sorrow
for violin, violoncello, children’s choir and chamber orchestra [2013]
■Abii ne viderem [1992/1993]
for strings, alto flute and bass guitar / for strings, piano, bass guitar and solo viola
■Life without Christmas [1990-1994]
Cycle of four separate works for ensemble or small orchestra:
Morning Prayers, Midday Prayers, Evening Prayers, Night Prayers
■ Time ... and Again for violin and piano or for string trio [1996/1998]
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■ Russian Culture Prize ‘Triumph’ [1999]
■ Prize of the Wolf Foundation [2008]
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Gija
Kantscheli
Giya Kancheli
*10. August 1935
Tbilissi / Georgien
Gija Kantscheli studierte von 1959 bis 1963 am Konservatorium von Tbilissi bei
Iona Tuskija. Seit seinem Examen ist er als freischaffender Komponist tätig. 1971
wurde Kantscheli musikalischer Leiter des Rustaweli-Theaters in Tbilissi. Von 1984 bis
1989 war er Vorsitzender des Georgischen Komponistenverbandes. Der Komponist
übersiedelte 1991 nach Berlin, wo er ein Stipendium des DAAD erhielt. 1995 wurde
er Composer in Residence der Königlichen Flämischen Philharmonie in Antwerpen.
Seither lebt Kantscheli als freischaffender Komponist in Belgien.
Kantschelis Klangwelt besitzt etwas ungemein Natürliches. Seine musikalischen Strukturen richten sich allein nach emotionalen Gesichtspunkten wie Steigerung und Spannung, Erregung und Ruhe. Er arbeitet mit dynamischen Extremen und fordert nicht
selten äußerste Langsamkeit. Kantschelis Musik ist atmosphärisch seiner Heimat Georgien verbunden, ohne dass sie jedoch georgische Folklore zitiert. Nostalgie und
Melancholie sowie Trauer über die politischen Zustände in der damaligen Sowjetunion
(,Leben ohne Weihnacht‘), über die Zerstörungen des georgischen Bürgerkrieges und
über jegliche Form von Gewalt und Unfrieden in unserer Zeit prägen sein Schaffen.
Giya Kancheli studied at the Conservatory of Tbilisi with Iona Tuskiya from 1959
until 1963. He has been a freelance composer since passing his examinations. In 1971
Kancheli became Music Director of the Rustaveli Theatre in Tbilisi. The composer moved
to Berlin in 1991, where he received a stipend from the German Academic Exchange
Service (DAAD). In 1995 he was composer-in-residence of the Royal Flemish Philharmonic in Antwerp. Since then Kancheli has been living in Belgium as a freelance composer.
Kancheli’s sound-world has something incredibly natural about it. His musical structures
are orientated on emotional aspects such as intensification and tension, excitement and
calm. He works with dynamic extremes and not infrequently demands extreme slowness. In terms of atmosphere, Kancheli’s music is closely connected with his homeland
of Georgia without actually quoting Georgian folklore. Nostalgia and melancholy, as
well as sadness over the political conditions in the former Soviet Union (‘Life without
Christmas’), the destruction of the Georgian civil war and over all forms of violence and
discord mark his production.
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■Apocalyptica [1973-1978]
Ballet-Opera in 12 scenes by Fernando Arrabal
■Grand jeu classique [1982]
Concerto for violin and orchestra
■ Drammatico (Requiem for Sarajevo) [1983]
for violoncello and orchestra
■Archetypon [1984]
for large orchestra
■ Salut au monde [1996]
Oratorio for narrator, four vocal soloists, two choirs, large orchestra and light
performance on words by Walt Whitman
■Madrigal rouge [2008]
for piano and orchestra
■Erinnerungen an Tristan [2011]
for piano trio
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■ The Great Distinguished Service Cross of Merit
of the Federal Republic of Germany [1973]
■ Chevalier des arts et des lettres [1980]
■ Yugoslavian State Prize [1984]
■ European Culture Prize [2007]
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Milko
Kelemen
*30. März 1924
Podravska Slatina / Kroatien
Milko Kelemen studierte bei Olivier Messiaen in Paris und bei Wolfgang Fortner in
Freiburg. Danach arbeitete er im ,Elektronischen Siemens-Studio‘ in München. Bereits
im Jahr 1959 gründete er die ,Zagreber Biennale‘, deren Präsident er in den frühen
60er Jahren wurde – heute ist er ihr Ehrenpräsident. Von 1970 bis 1973 hatte er eine
Professur am Robert-Schumann-Institut in Düsseldorf inne. Zwischen 1973 und 1989
war er als Professor für Komposition an der Stuttgarter Hochschule für Musik und
Darstellende Kunst tätig.
Ausgehend von C. G. Jung untermauert Kelemen seine Musiksprache mit philosophischen Gedanken. Er versucht, durch ,komplizierte Einfachheit‘ die Komplexität
Neuer Musik transparenter zu machen. Die Neuartigkeit der Organisation des musikalischen Materials, so sagt er, solle kein Selbstzweck sein. Neuartige Gestaltung könne
auch mit musikalischen ,Archetypen‘ erreicht werden, die nicht zwingend der Diktion
komplizierter Kompositionstechniken unterliegen müssten.
Milko Kelemen studied with Olivier Messiaen in Paris and with Wolfgang Fortner in
Freiburg. He then worked at the ‘Electronic Siemens-Studio’ in Munich. Already in 1959
he founded the ‘Zagreb Biennale’, of which he was President during the early 1960s
– today he is its Honorary President. From 1970 until 1973 he was a Professor at the
Robert Schumann Institute in Düsseldorf. Between 1973 and 1989 he was Professor of
Composition at the Stuttgart Academy of Music and the Performing Arts.
With C. G. Jung as his point of departure, Kelemen underpins his musical language
with philosophical thoughts. He attempts to make the complexity of new music more
transparent through ‘complicated simplicity’. The novelty of organisation of the musical
material, he says, should not be an end in itself. Novel formation can also be attained
with musical ‘archetypes’ which must not necessarily be subjected to the diction of more
complicated compositional techniques.
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■ Das Opernschiff oder Am Südpol, denkt man, ist es heiß [2004]
Opera for children and adults on a libretto by Elke Heidenreich
■ Das Orchester zieht sich an [2009]
for narrator and orchestra
■Schneewittchen [Snow White] [2011]
Opera for children and adults after the Brothers Grimm
■ norðr [2012]
for orchestra
■ Nutcracker’s Nightmare [2012]
Encore piece for violin and piano
■ Das Gespenst von Canterville [The Canterville Ghost] [2013/2014]
Opera for children and adults after Oscar Wilde
■Vom Mädchen, das nicht schlafen wollte [2014]
Opera for children and adults on a libretto by Martin Baltscheit
■Millistrade [2015]
for narrator/singer and orchestra on a text by Linard Bardill
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■ First Prize at the First International Cologne Composition Competition [2005]
■ Honorable mention for ‘Nutcracker’s Nightmare’ for violin and piano at the
International Encore Competition [2012]
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Marius Felix
Lange
*28. November 1968
Berlin
Nach einem Geigenstudium in Köln (S. Gawriloff) und Klagenfurt (H. Fister) begann
Marius Felix Lange 1993 ein Schulmusikstudium in Stuttgart, das er durch die Fächer Jazz- und Popularmusik erweiterte und 2001 abschloss. Von 1998 bis 2002 studierte er Filmmusik und Sounddesign an der Filmakademie Baden-Württemberg sowie
ab 2001 Komposition bei Ulrich Leyendecker in Mannheim (Diplom 2006).
Beim 1. Internationalen Kompositionswettbewerb Köln wurde Langes Oper für Kinder
und Erwachsene ,Das Opernschiff oder Am Südpol, denkt man, ist es heiß‘ (Libretto:
Elke Heidenreich) 2005 mit dem ersten Preis ausgezeichnet.
Der Uraufführung seiner Oper ,Schneewittchen‘ an der Oper Köln im April 2011
folgten die Familienopern ,Das Gespenst von Canterville‘ (Opernhaus Zürich, Komische Oper Berlin) und ,Vom Mädchen, das nicht schlafen wollte‘ (Deutsche Oper
am Rhein). 2015 entstand in Zusammenarbeit mit dem Schweizer Kinderliedermacher
Linard Bardill im Auftrag des Basler Sinfonieorchesters das Singspiel ,Millistrade‘.
After studying the violin in Cologne (S. Gawriloff) and Klagenfurt (H. Fister), Marius
Felix Lange began studying music education in Stuttgart in 1993, which he expanded
by also studying the subjects of jazz and popular music, finishing in 2001. From 1998
to 2002 he studied film music and sound design at the Baden-Württemberg Film Academy as well as composition with Ulrich Leyendecker in Mannheim beginning in 2001
(diploma 2006).
In 2005 Lange’s opera for children and adults entitled ‘Das Opernschiff oder Am Südpol, denkt man, ist es heiß’ [The Opera Ship, or One Thinks It’s Hot at the South Pole],
to a libretto by Elke Heidenreich won first prize at the First International Composition
Competition in Cologne.
The world premiere of his opera ‘Schneewittchen’ [Snow White] at the Cologne Opera in April 2011 was followed by the family operas ‘Das Gespenst von Canterville’
[The Canterville Ghost] and ‘Vom Mädchen, das nicht schlafen wollte’ [The Girl that
Didn’t Want to Sleep] – both staged very successfully at the Zurich Opernhaus / Berlin
Komische Oper and at Deutsche Oper am Rhein respectively. In 2015 the Singspiel
‘Millistrade’ commissioned by the Basel Symphony Orchestra came into being in collaboration with the Swiss singer-songwriter Linard Bardill.
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www.mariuslange.de
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■Symphonies Nos. 1- 5 [1974, 1985, 1991, 1995 -1997, 1999/2014]
■ Pensées sur un prélude [2001]
Debussy Variations for orchestra
■ Concerto for Violin and Orchestra [1995]
■ Concerto for Viola and Orchestra [2007/ 2008]
■ Aprèslude noir [2015]
for ensemble
■ Versunken in die Nacht [1981]
for soprano and chamber orchestra on words by Franz Kafka
■ Canción última [1983]
for contralto and chamber ensemble on a poem by Miguel Hernández
■ Hebrew Ballads [1993]
for mezzo-soprano and piano (or chamber ensemble) on poems by Else Lasker-Schüler
■ Quintet [2000]
for bass clarinet and string quartet
■ Piano Pieces I-V [1964-1971/1990]
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■ Von-der-Heydt Prize of the City of Wuppertal [1987]
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Ulrich
Leyendecker
*29. Januar 1946
Wuppertal
Von 1965 bis 1970 studierte Ulrich Leyendecker Komposition und Klavier an der
Musikhochschule Köln. 1971 wurde er Dozent, 1981 Professor für Komposition und
Theorie an der Musikhochschule Hamburg. 1994 wechselte er an die Musikhochschule Mannheim, wo er im Jahre 2005 emeritierte. Seit 1986 ist er Mitglied der Freien
Akademie der Künste Hamburg, seit 1997 Mitglied der entsprechenden Akademie in
Mannheim.
Ausgehend von der Zweiten Wiener Schule, entwickelte Leyendecker in den 70er Jahren einen eigenen Stil, der den herrschenden Zwängen der Serialität eine unorthodoxe
und unakademische Modernität entgegensetzte. Die weiten Bögen seiner Musik, die
das Wesen seines Schaffensprozesses entscheidend bestimmen, sind Ausdrucksmittel
einer Kompositionsweise, die den großen Zusammenhang sucht, ohne darüber die
Sorgfalt im Detail zu vergessen. Jedes rhythmische Element ist genau koordiniert und
ausnotiert, was äußerste Präzision in der Wiedergabe erfordert.
Ulrich Leyendecker studied composition and piano at the Music Academy in Cologne from 1965 until 1970. He became a lecturer in 1971 and in 1981 Professor
of Composition and Theory at the Hamburg Music Academy. In 1994 he moved to
the Mannheim Music Academy, where he retired in 2005. Since 1986 he has been a
member of the Free Academy of the Arts in Hamburg, and since 1997 a member of the
corresponding academy in Mannheim.
With his point of departure in the Second Viennese School, Leyendecker developed his
own style during the 1970s, contrasting the dominating strictness of serialism with an
unorthodox and non-academic modernity. The broad arches of his music, which decisively determine the essence of his creative process, are the expressive means of his
way of composing – searching for long-term continuity without losing sight of careful
detail-work. Each rhythmic element is precisely coordinated and notated, requiring extreme precision in performance.
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■Antigone Op. 51 [1985-1987]
Opera in 3 acts and 8 scenes by Alexei Parin after Sophokles
■ Father Sergius Op. 57 [1990-1995]
Opera in 1 act by Alexei Parin on a novel by Leo Tolstoy
■ Concerto for Piano and Orchestra No. 2 Op. 64 [1993]
■ Double Concerto for Violin, Clarinet and Chamber Orchestra Op. 65
[1995]
■ God-Nightingale Op. 61 [1991]
Cantata for baritone and chamber orchestra on words by Osip Mandelstam
■ Clarinet Quintet Op. 72 [1999]
■ Gustav Mahler’s Symphony No. 3
Movements 4-6 arranged for piano quartet [1996]
■ Piano Quartet Op. 68 [1996]
■ String Quartets Nos. 4 and 6 Opp. 49, 77 [1987, 2004]
■ Sonata in Six Fragments Op. 56 [1989]
for violin and piano
■ Sonata for Piano No. 2 Op. 33 [1980]
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Vassily
Lobanov
*2. Januar 1947
Moskau
Vassily Lobanov ist eine Doppelbegabung – ein Pianist von internationalem Ruf und
als Komponist ein wichtiger Vertreter der Moskauer Moderne. Er studierte am Moskauer Tschaikowsky-Konservatorium Klavier bei Lew Naumow und Komposition bei Sergei Balassanjan und Alfred Schnittke. Sein Kompositionsstudium schloss er 1969 ab,
1971 sein Klavierstudium und sein Aufbaustudium in Komposition. Neben dem Komponieren entfaltete er zunächst eine rege Konzerttätigkeit sowohl als Solopianist als
auch als Kammermusikpartner u.a. von Swjatoslaw Richter und Natalia Gutman.1990
emigrierte er nach Deutschland, übernahm 1997 eine Klavierprofessur in Köln und
gründete im selben Jahr die Osnabrücker Kammermusiktage. Seit 2013 lebt Lobanov
in Bulgarien.
Als Komponist bekennt er sich zum Einfluss von Ligeti, Messiaen und Boulez, wenngleich er glaubt, dass ihm Schostakowitsch, Mahler und Schnittke noch näher stehen.
Sein Stil hat sich Ende der 80er Jahre radikal gewandelt, als er seine früher kompliziertere Tonsprache zugunsten eines eher tonalen Idioms aufgab, das zuweilen minimalistische Züge trägt. „Ich schreibe in vielen Stilen und in einem. Aber ich liebe tonale
Farben und statische, ausgehaltene Linien, aus denen plötzlich etwas Dramatisches
hervorbricht.”
Vassily Lobanov is a double talent – a pianist with an international reputation and
an important representative of Moscow modernism as a composer. He studied at the
Moscow Tchaikovsky Conservatory piano with Lev Naumov and composition with Sergei
Balasanian and Alfred Schnittke. He completed his compositional studies in 1969 and,
in 1971, his piano studies and postgraduate studies in composition. Besides composing,
he started to develop an active performing career as solo pianist and as chamber music
partner of artists like Sviatoslav Richter and Natalia Gutman. In 1990 he emigrated to
Germany, became piano professor in Cologne in 1997 and founded the Osnabrück
Kammermusiktage in the same year. Since 2013 Lobanov has been living in Bulgaria.
As a composer, he acknowledges the influence of Ligeti, Messiaen and Boulez, although he believes that he is still closer to Shostakovich, Mahler and Schnittke. His style
changed radically in the late eighties, when he abandoned his earlier, complicated musical language in favour of a rather tonal idiom, at times showing traits of minimalism.
“I write in many styles and in one. But I love tonal colours and static, sustained lines,
from which something dramatic suddenly bursts out.”
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■Angelus Novus [1997-2000]
Music Theatre after Walter Benjamin
■ humanized void [2003-2007]
for large orchestra
■Vierte Kammersymphonie [2013/2014]
for chamber orchestra
■ void – un delitto italiano. Un epitaffio [2009]
for six voices
■ Hommage à Thomas Pynchon [2003-2005]
Music installation for ensemble, violoncello and live electronics
■ Hommage à György Kurtág [2000/2001]
for guitar and chamber orchestra
■ Hommage à Daniel Libeskind I-III [2002, 2012, 2012]
for six players
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■ Gaudeamus Prize, Amsterdam [1990]
■ Composers Award, Ernst-von-Siemens Music Foundation [1998]
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Claus-Steffen
Mahnkopf
*22. Oktober 1962
Mannheim
Claus-Steffen Mahnkopf was born in Mannheim in 1962. He studied composition
with Brian Ferneyhough, Klaus Huber and Emanuel Nunes, piano with James Avery and
music theory with Peter Förtig, as well as musicology, philosophy, etc. with Jürgen Habermas and sociology with Ludwig von Friedeberg. In 1993 Mahnkopf received his Ph. D.
with a dissertation on Arnold Schönberg. Alongside his compositional activity, he has published numerous essays, written five books and edited a further ten. In these, he treats
not only subjects from the area of contemporary music, but also composer-personalities
such as Wagner and Cage as well as the musical philosophy of Adorno. In 1995 he was
a major participant in the founding of the Gesellschaft für Musik und Ästhetik (Society
of Music and Aesthetics). Mahnkopf’s musical roots lie deeply in German-Austrian art
music. His central point of reference is Beethoven, and for the twentieth century, Alban
Berg. He has been strongly influenced by the avant-garde of high modernism and is
also ‘mondialistically’ orientated, thanks to his non-German teachers. After many years
of activity as an instructor in music theory, Claus-Steffen Mahnkopf became Professor
of Composition at the Academy of Music and Theatre ‘Felix Mendelssohn Bartholdy’ in
Leipzig in 2005.
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www.claussteffenmahnkopf.de
Der 1962 geborene Claus-Steffen Mahnkopf stammt aus Mannheim. Er studierte Komposition bei Brian Ferneyhough, Klaus Huber und Emanuel Nunes, Klavier bei
James Avery, Musiktheorie bei Peter Förtig und darüber hinaus Musikwissenschaft,
Philosophie u.a. bei Jürgen Habermas sowie Soziologie bei Ludwig von Friedeberg.
1993 promovierte Mahnkopf mit einer Arbeit über Arnold Schönberg zum Doktor der
Philosophie. Neben seiner kompositorischen Tätigkeit hat er zahlreiche Aufsätze veröffentlicht, fünf Bücher geschrieben und zehn weitere herausgegeben. Darin behandelt
er nicht nur Themen aus dem Bereich der zeitgenössischen Musik, sondern auch Komponistenpersönlichkeiten wie Wagner und Cage oder die Musikphilosophie Adornos.
1995 war er maßgeblich an der Gründung der Gesellschaft für Musik und Ästhetik
beteiligt. Mahnkopfs musikalische Wurzeln liegen tief in der deutsch-österreichischen
Kunstmusik. Sein zentraler Bezugspunkt ist Beethoven, für das 20. Jahrhundert Alban
Berg. Er ist geprägt von der Avantgarde der Hochmoderne und ist, auch dank seiner
nicht-deutschen Lehrer, ,mondialistisch‘ ausgerichtet. Nach langjähriger Tätigkeit als
Dozent für Musiktheorie ist Claus-Steffen Mahnkopf seit 2005 Professor für Komposition an der Hochschule für Musik und Theater ,Felix Mendelssohn Bartholdy‘ in Leipzig.
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■ The Snow Queen [1988]
Ballet in 2 acts after Hans Christian Andersen’s fairy tale
■ Concerto No. 1 for Violin and String Orchestra [1981]
■ Concerto for Violin, Violoncello and String Orchestra [1978]
■ Concerto No. 2 for Violoncello and String Orchestra [1978]
■ Concerto No. 3 for Violoncello and 13 Wind Instruments [1983]
■ Because I Do Not Hope (in memoriam Igor Stravinsky) [1983]
for 14 players
■Interieur [1972]
for string quartet
■ The Rhetorician [1978]
for flute, violin, double bass and harpsichord
■Silhouette of a Bird [1973]
for harpsichord and percussion
■ Three Pieces in Dense Notes [1979]
for piano
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■ Meritorious Artist of the Armenian SSR [1984]
■ People’s Artist of the Armenian SSR [1990]
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Tigran
Manssurjan
Tigran Mansuryan
*27. Januar 1939
Beirut
Tigran Manssurjan wurde als Sohn armenischer Eltern in Beirut geboren, besuchte
zwei Jahre eine französische Schule und kam 1947 mit seinen Eltern nach Armenien.
Nach Besuch der Musikfachschule in Jerewan studierte Manssurjan von 1960 bis 1965
Komposition am dortigen Konservatorium. Im Anschluss daran erhielt er eine zweijährige Aspirantur. Sein wichtigster Lehrer war Lasar Sarjan, Sohn eines berühmten
armenischen Malers. Von 1967 bis 1986 war Manssurjan Dozent für Analyse und
Formenlehre der zeitgenössischen Musik und Leiter einer Kompositionsklasse am Konservatorium in Jerewan, dem er schließlich von 1992 bis 1995 als Rektor vorstand.
Als seine Vorbilder bezeichnet Manssurjan den armenischen Komponisten Komitas
sowie Claude Debussy. Früh mit Werken von Boulez vertraut, gelangte er bald zur
sicheren Anwendung komplizierter moderner Techniken. Mit den Jahren jedoch entwickelte Manssurjan einen zunehmend schlichten, fast liturgisch geprägten Kompositionsstil, der auf den Traditionen seiner Heimat beruht. Von neuerer armenischer Lyrik
beeindruckt, fand er zu einer knappen, sparsamen Ausdrucksweise, die – mystisch
orientiert – Altes und Neues miteinander verbindet.
Tigran Mansurian was born in Beirut as the son of Armenian parents, attended a
French school for two years and came to Armenia with his parents in 1947. After attending the music school in Yerevan, Mansurian studied composition at the Conservatory
there from 1960 until 1965. After this he undertook post-graduate studies. His most
important teacher was Lazar Sarian, the son of a famous Armenian painter. From 1967
until 1986 Mansurian was an instructor in the analysis and form of contemporary music
and led a composition class at the Yerevan Conservatory, where he finally became
Rector from 1992 until 1995.
Mansurian named the Armenian composer Komitas as well as Claude Debussy his
models. Familiar with works of Boulez early on, he soon arrived at a confident application of complex modern techniques. Over the years, however, Mansurian developed
an increasingly simple, almost liturgically influenced compositional style based on the
traditions of his homeland. Impressed by recent poetry, he arrived at a terse, economical manner of expression which – with a mystical orientation – combines the old and
the new.
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■Othello [1957]
Ballet in 4 acts on motives from Shakespeare’s tragedy
■ The Knight in the Tiger Skin [1974]
Ballet in 2 acts after Rustaveli’s poem
■ The Taming of the Shrew [1988]
Ballet in 2 acts after Shakespeare’s comedy
■ Hamlet [1974]
Opera in 2 acts after Shakespeare’s tragedy
■ Medea [1991]
Opera in 2 acts after Euripides and Schwab
■ Symphony No. 1 in E minor [1946-1947]
■ Symphony No. 5 ‘Ushba’ [1987]
■ Concerto for Violin and Orchestra in C sharp minor [1950]
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■ USSR State Prize [1962]
■ Rustaveli Prize [1971]
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Alexi
Matchavariani
23. September 1913 – 31. Dezember 1995
Gori – Tbilissi
Die Volksmusik seiner Heimat war für den georgischen Komponisten Alexi Matchavariani stets von großer Bedeutung. Aber auch die zu seiner Zeit progressiven und
heute klassischen Tendenzen der sowjetischen zeitgenössischen Musik beeinflussten
seine Arbeit. Der Stil Matchavarianis stellt sich somit als ein polystilistischer Dialog
dar, als eine Verbindung aus traditioneller, georgischer Musik und zeitgenössischen
Kompositionstechniken.
Studiert hat der mehrfach ausgezeichnete Musiker am Konservatorium in Tblissi, wo
er 1936 seinen Abschluss machte. Am selben Konservatorium lehrte er ab 1940 Musiktheorie und 1963 wurde er zum Professor für Komposition berufen. Sein kreatives
Schaffen umfasst ein sehr breites Spektrum: Kammermusik, Romanzen, Sinfonien,
Opern und Ballette. Sein erster großer Erfolg war das Klavierkonzert von 1944, aber
der wirkliche Durchbruch folgte erst 1950 mit dem Konzert für Violine und Orchester,
einem sehr lyrischen Werk, das durch seine Kombination von diatonischer Volksmusik
und Chromatik einen besonderen Reiz hat. Anerkennung erntete Matchavariani auch
mit dem Ballett ,Othello‘ in sinfonischem Stil. Das Stück wurde im Ausland (u.a. Tokio,
Bukarest, Helsinki) sowie in der ehemaligen Sowjetunion vielfach aufgeführt.
The folk music of his homeland was always of great importance to the Georgian
composer Alexi Matchavariani. But his work was also influenced by tendencies
of Soviet contemporary music, then regarded as progressive and today as classical.
Matchavariani’s style can thus be seen as a polystylistic dialogue, a combination of
traditional Georgian music and contemporary compositional techniques.
This musician, who received many awards, completed his studies at the Conservatory
in Tblisi in 1936. He taught music theory at the same Conservatory beginning in 1940
and was appointed Professor of Composition there in 1963. His creative production
comprises a very broad spectrum, including chamber music, romances, symphonies,
operas and ballets. His first major success was the Piano Concerto of 1944, but the real
breakthrough took place in 1950 with the Concerto for Violin and Orchestra, a very
lyrical work. Its combination of diatonic folk music and chromaticism give it a special
appeal. Matchavariani also received recognition with his ballet ‘Othello’ in the symphonic style. This work was repeatedly performed abroad (including Tokyo, Bucharest
and Helsinki) as well as in the former Soviet Union.
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■ The Cyberiad. Opera in three acts after Stanisław Lem, Op. 15 [1970]
■ Schöpfung [Creation] Op. 91 [1999]
Oratorio for soprano, contralto, tenor, bass, mixed choir and large orchestra
■ Symphony No. 7 ‘Sinfonia del tempo che passa’, Op.97 [2003]
■ Symphony No. 8 ‘Sinfonia da requiem’, Op. 111 [2009]
■ Concerto for Piano and Orchestra Op. 46 [1991]
■ Concerto for Violin and Orchestra No. 2 Op. 87 [1996]
■ Concerto for Violoncello and Orchestra No. 2 Op. 85 [1995]
■ Concerto for Clarinet and Orchestra Op. 96 [2001]
■ Musique scintillante Op. 108 [2007]
for 14 performers
■ Sonata for Violoncello and Piano No. 2 Op. 99 [2004]
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■ Prix de Composition Musicale of the Prince Pierre de Monaco Foundation [1970]
■ First Prize at the Karol Szymanowski Competition, Warsaw [1974]
■ Herder Prize, Vienna [1984]
■ Johann Stamitz Prize, Mannheim [1996]
■ Cross of the Order of Merit of the Federal Republic of Germany [2007]
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Krzysztof
Meyer
*11. August 1943
Krakau
Krzysztof Meyer absolvierte zunächst das Chopin-Musikgymnasium in Krakau und
studierte sodann Komposition bei Krzysztof Penderecki und Musiktheorie an der dortigen Musikhochschule, die er 1965 mit Auszeichnung abschloss. In den Jahren 1964,
1966 und 1968 studierte er jeweils für einige Monate in Frankreich bei Nadia Boulanger. Von 1966 bis 1987 unterrichtete Meyer musiktheoretische Fächer an der Krakauer
Musikhochschule, von 1975 bis 1987 hatte er den Musiktheorie-Lehrstuhl inne. Von
1987 bis 2008 war er Professor an der Musikhochschule in Köln, wo er eine Meisterklasse für Komposition leitete. Von 1985 bis 1989 war er Vorsitzender des Polnischen
Komponistenverbandes. Er ist Mitglied der Freien Akademie der Künste in Mannheim.
Meyer, der unter anderem persönlich mit Dmitri Schostakowitsch bekannt war und eine
der wichtigsten Schostakowitsch-Biographien vorgelegt hat, ist seit 2011 Präsident der
Deutschen Schostakowitsch Gesellschaft.
Krzysztof Meyer, dessen musikalische Wurzeln im osteuropäischen Neoklassizismus liegen, ist davon überzeugt, dass wieder die Zeit gekommen ist, um über eine neue Art
von Melodik und Harmonik nachzudenken. Die melodische Urzelle als Keim für die
formale Gestaltung des einzelnen Werks ist prägend für seine Musik.
Krzysztof Meyer first graduated from the Chopin Music High School in Krakow, then
studied composition with Krzysztof Penderecki and music theory at the Music Academy
there, completing his studies with honours in 1965. During the years 1964, 1966 and
1968 he studied several months of the year in France with Nadia Boulanger. From 1966
until 1987 Meyer taught music-theoretical subjects at the Krakow Music Academy and
held the professorship in music theory from 1975 until 1987. From 1987 to 2008 he
was Professor at the Music Academy in Cologne, where he led a master class in composition. He was Chairman of the Polish Composers’ Union from 1985 until 1989. He is a
member of the Free Academy of the Arts in Mannheim. Meyer, who was also personally
acquainted with Dmitri Shostakovich and wrote one of the most important Shostakovich
biographies, has been President of the German Shostakovich Association since 2011.
Krzysztof Meyer, whose musical roots are in East European neoclassicism, is firmly convinced that the time has come again to think about a new kind of melodic and harmonic
language. The melodic primordial cell as the germ for the formal design of the individual work is characteristic of his music.
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■ Der Held der westlichen Welt [2004]
Comic opera in three acts after John Millington Synge
■ Die Versicherung [1995]
Opera in two acts after Peter Weiss
■Kain [1992]
Chamber opera in four scenes based on the Old Testament
■ Das Gastspiel [1991]
Comic opera in one act after Frank Wedekind
■ Symphonies Nos. 1- 4 [1987, 1988, 1989, 1993]
■ String Quartet No. 3 ‘second moon’ [2012]
■ Engel-Lieder [2011]
for soprano and piano on poems by Birgit Müller-Wieland
■ Egmonts Freiheit oder Böhmen liegt am Meer [2013]
for reciter, soprano, choir, organ and orchestra
■ König der Nacht. Drama for reciter, 3 female singers, large orchestra
and performance electronics [2014]
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■ Young Composers Award, Südwestfälische Philharmonie [1987]
■ Bach Prize Young Composers Award, Hamburg [1989]
■ Hindemith Award, Schleswig-Holstein Music Festival [1993]
■ Composers Award, Ernst-von-Siemens Music Foundation [2002]
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Jan
Müller-Wieland
*30. März 1966
Hamburg
Jan Müller-Wieland studierte zunächst Komposition bei Friedhelm Döhl sowie Kontrabass an der Musikhochschule Lübeck. 1988 nahm er ein externes Kompositionsstudium in Köln und Rom bei Hans Werner Henze auf. Zahlreiche Stipendien ermöglichten ihm ausgedehnte Auslandsaufenthalte. Bei Seiji Ozawa und Oliver Knussen
besuchte er am Tanglewood Music Center Dirigierkurse. Seit 1993 freischaffend in
Berlin tätig, wurde er 2006 Dozent und 2007 Professor für Komposition an der Münchner Musikhochschule. Er komponierte über ein Dutzend Opern, drei abendfüllende
Melodramen, zahlreiche Lieder, Sinfonien, Konzerte und Werke für unterschiedlichste
Kammermusik-Besetzungen. Seine instrumentalen Kompositionen wirken oft wie imaginäres Theater oder szenische Visionen. Müller-Wielands Umgang mit Gesang knüpft
an die sensitiven Vokaltraditionen von Mozart, Strauss, Janáček, Strawinsky und Henze
an. Doch besteht ein ganz eigener Ton durch einen ausgeprägt musikdramatischen
Zug, der das Experimentelle nicht scheut. Klangoasen können darin Parallelwelten und
Zerstreuungen bilden. Seine Musik ist vielfach geprägt von schlagkräftiger, oft jazzbeseelter Rhythmik. Mit unsentimentaler Geste artikulieren sich – ebenso komplex wie
auch dezidiert sinnlich – Lebenslust, Sehnsucht, Empathie und Humor.
Jan Müller-Wieland initially studied composition with Friedhelm Döhl and the double
bass at the Lübeck Music Academy. In 1988 he undertook external studies in Cologne
and Rome with Hans Werner Henze. Numerous stipends enabled him to enjoy extended
stays abroad. He attended conducting courses with Seiji Ozawa and Oliver Knussen
at the Tanglewood Music Center. Active as a freelance composer in Berlin beginning in
1993, he became an instructor at the Munich Academy of Music in 2006 and Professor
of Composition at that institution in 2007. He has composed over a dozen operas, three
full-length melodramas, numerous Lieder, symphonies, concertos and works for the most
varied chamber music ensembles. His instrumental compositions often have the effect of
imaginary theatre or scenic visions. Müller-Wieland‘s treatment of the voice is linked to
the sensitive vocal traditions of Mozart, Strauss, Janáček, Stravinsky and Henze. Nonetheless, the result is a tone of his own attained through a pronounced musico-dramatic
tension that does not shy away from experimentation. Sound oases sometimes form
parallel worlds and diversions therein. His music is often marked by a powerful, frequently jazz-inspired rhythmic language. Zest for living, longing, empathy and humour
are articulated with unsentimental gestures – as complex as they are decidedly sensual.
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www.janmueller-wieland.de
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■ Jazz Concerto [2006]
for oboe and strings
■ D’Oh [2012]
for oboe, harpsichord and strings
■Ein symphonischer Campingkloß [2010]
Suite for orchestra on words by Loriot
■Suite de Philharmonixx [2009]
for oboe, bassoon and percussion
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Manuel
Munzlinger
Der aus Berlin stammende Manuel Munzlinger absolvierte sein Oboenstudium
bei Hansjörg Schellenberger an der Berliner Universität der Künste. Nach Abschluss
seiner Ausbildung trat er neben seiner Tätigkeit als Solist mit Kompositionen hervor,
die das Repertoire seines Instrumentes mit unterhaltsamen und geistreichen Werken
bereichern.
In seinen Orchesterwerken und Kammermusikkompositionen spiegelt sich besonders
seine Vorliebe für die Synthese von Klassik und Jazz wider. Neben der feinen Auslotung der Klangmöglichkeiten der Oboe, subtiler Harmonik, ausgefeilter Stimmführung und raffinierten dynamischen Schattierungen kommt in seinen Werken stets auch
das Komische und Groteske zum Tragen. Ist es doch Munzlingers Überzeugung, dass
auch der Humor im Konzertbetrieb der sogenannten Ernsten Musik seinen Platz haben
muss. Seine originellen und klangvollen Arrangements von Pop-Standards für Oboe,
Violoncello und Klavier (Cembalo), die eine breite Stimmungspalette von elegisch bis
burlesk umfassen, erweisen sich mit ihrem besonderen Klangzauber als Highlights des
Crossover.
Manuel Munzlinger, who hails from Berlin, completed studies in oboe with Hansjörg
Schellenberger at the Berlin University of the Arts. After completing his studies, concurrently with his activities as a soloist, he attracted attention with compositions that enrich
the repertoire of his instrument with entertaining, witty and intellectually stimulating
works.
A predilection for the synthesis of classical music and jazz is particularly reflected in
his orchestral works and chamber compositions. Alongside the refined exploration of
the oboe’s sonic possibilities, a subtle harmonic language, polished voice-leading and
refined shadings, Munzlinger’s works clearly reflect his concern that humour also has its
place in the concert business of so-called serious music. His original and sonorous arrangements of popular-music standards for oboe, violoncello and piano (harpsichord),
which span a wide range of moods from elegiac to burlesque, reveal themselves as
highlights of crossover music with their special sonic magic.
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■ Canto Quinto [2003/2004]
for soprano, piano, choir and orchestra on words by Dante Alighieri
■ Der Schiffbruch der Agrippina [2006]
for orchestra (from the opera ‘Agrippina’)
■Sonata funebre [1985/1986]
for piano
■ The Art of the Fugue [2004]
Arrangement of J.S. Bach’s BWV 1080 for chamber orchestra
■Goldberg Variations [2010]
Arrangement of J.S. Bach’s BWV 988 for symphony orchestra
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Jochen
Neurath
*13. August 1968
Celle
Der deutsche Komponist, Arrangeur und Dirigent Jochen Neurath studierte Komposition, Klavier und Musiktheorie an der Berliner Hochschule der Künste und an der
Hochschule für Musik und Theater Hamburg und absolvierte private Kompositionsstudien bei Horst Lohse. Darüber hinaus studierte er Germanistik und Philosophie.
Gemeinsam mit Kay Ivo Nowáck und Johannes Harneit gründete er 1990 das Komponistentrio NeuNoNeit. 1993 dirigierte er in Hamburg die Premiere von John Cages
,Europera 5‘ (zusammen mit Eric Saties ,Socrate‘). Zwischen 2001 und 2006 war er
Composer in Residence an der Staatsoper in Hannover. Hier war er u.a. 2001 an
Nicolas Stemanns Inszenierung von Aischylos’ ,Orestie‘ beteiligt. 2003 arbeitete er mit
Christoph Marthaler an dessen Produktion ,Lieber nicht‘ für die Berliner Volksbühne.
2012 fand im Rahmen des Bachfestes Leipzig die Uraufführung von Neuraths Orchestrierung der Goldberg-Variationen von Johann Sebastian Bach statt.
The German composer, arranger and conductor Jochen Neurath studied composition, piano and music theory at the Berlin Academy of the Arts and the Academy of Music
and Theatre in Hamburg. He also took private composition lessons with Horst Lohse.
Moreover he studied German language and literature as well as philosophy.
Together with Kay Ivo Nowáck and Johannes Harneit, he founded the composers’ trio
NeuNoNeit in 1990. In 1993 he conducted the premiere of John Cage’s ‘Europera 5’
(together with Eric Satie’s ‘Socrate’) in Hamburg. From 2001 to 2006 he was composer
in residence at the State Opera in Hanover. He participated there in Nicolas Stemann’s
production of Aeschylus’ ‘Oresteia’ in 2001. In 2003 he worked with Christoph Marthaler on the latter's production of ‘Lieber nicht’ [Preferably Not] for the Berlin Volksbühne. Neurath’s orchestration of the Goldberg Variations of Johann Sebastian Bach was
premiered in 2012 during the course of the Bachfest in Leipzig.
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■ exaudi / bruckner abglanz [2000/2007]
Motet for mezzo-soprano, boy soprano and orchestra
■ cvetić, kućica ... / la lugubre gondola [2009]
Music of mourning after Franz Liszt
for orchestra
■GHB/tanzaggregat [2009/2011]
for orchestra
■ chambres de ténèbres / tombeau de claude vivier [2005/2007-2009/2012]
for ensemble
■ gesualdo dub / raum mit gelöschter figur [2012]
for piano and ensemble
■VIVIER. Ein Nachtprotokoll [2014]
Chamber opera in 6 scenes
■ k-hole / schwarzer horizont [2014]
for ensemble and electronica
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■ Recommended Work, UNESCO Rostrum of Composers Paris [2009]
■ Gaudeamus Prize [2010]
■ Second Prize of the Tansman Competion for Orchestral Composition [2010]
■ Composers Award, Ernst von Siemens Music Foundation [2013]
■ Deutscher Musikautorenpreis, Kategorie Nachwuchsförderung [2014]
■ GEMA German Music Authors Prize [2014]
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Marko
Nikodijevic
*4. Januar 1980
Subotica/Serbien
Marko Nikodijevic studierte zwischen 1995 und 2003 in Belgrad Komposition bei
Srdjan Hofman und Zoran Erić . Nach seiner Ausbildung in der serbischen Hauptstadt
führte ihn ein Studium bei Marco Stroppa an die Hochschule für Musik und Darstellende Kunst in Stuttgart. Nikodijevic ließ sich in Stuttgart nieder, von wo aus er auch
Stipendien mit Aufenthalten in Weimar, Salzwedel, Baden-Baden und Paris wahrnahm.
Die wesentlichen Kernanliegen seiner Musik wurden früh deutlich: die Erkundung
fraktaler Strukturen, die ausgedehnte Nutzung digitaler Technologie beim kompositorischen Prozess (und zunehmend auch bei Aufführungen) und ein Stilverständnis, das
ihn gleichzeitig mit Musik der Vergangenheit verbindet und von ihr distanziert.
Marko Nikodijevic studied composition in Belgrade with Srdjan Hofman and Zoran
Erić from 1995 to 2003. Following his training in the Serbian capital, a period of study
with Marco Stroppa led him to the Academy of Music and the Performing Arts in Stuttgart. Nikodijevic settled in Stuttgart, whence he also received stipends with sojourns
in Weimar, Salzwedel, Baden-Baden and Paris. The essential concern of his music was
clear early on: the exploration of fractal structures, extended use of digital technology
in the compositional process (and increasingly at performances as well) and a concept
of style that both connects him to the past and distances him from it at the same time.
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■ William Ratcliff [Versions 1982/1987/1992]
Chamber opera after Heinrich Heine
■Alice in Wonderland [1978]
Opera for children after Lewis Carroll
■ Johnny reitet westwärts [1976]
Musical western for large orchestra and narrator
■ Five Orchestral Pieces in One Movement [1980]
■Mein Wagner [1983]
for large orchestra
■Musik ohne Film [1986]
for string orchestra
■ Der Weltbaumeister [1993]
Architectural drama for symphonic music after Bruno Taut
■ Minnelieder [1985/1990]
for soprano, tenor and saxophone quartet or piano
■Refrains I and II [1981/1985]
for piano
■ Tempus ex machina [1984]
for two pianos and three percussionists
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Jens-Peter
Ostendorf
20. Juli 1944 – 7. März 2006
Hamburg – Norderstedt
Jens-Peter Ostendorf studierte an der Hamburger Hochschule für Musik und darstellende Kunst bei Diether de la Motte. 1968 arbeitete er im Kompositionsstudio von
Karlheinz Stockhausen, 1969 übernahm er die Leitung der Bühnenmusik am Hamburger Thalia Theater, die er bis 1978 innehatte. Seit 1978 wirkte Ostendorf als freischaffender Komponist.
Neben Solowerken sind es vor allem Orchester- und Ensemblekompositionen sowie
Lyrikvertonungen, in denen Ostendorf eine sehr freie, ungebundene Musiksprache
fand. Seine Erfahrung mit szenischen Vorgängen war für ihn von eminenter Bedeutung. In späteren Werken bezieht Ostendorf die multimediale Ebene mit ein. Anfang
der 90er Jahre führte ihn dieser Ansatz zu einer abstrakten, vielschichtig kunstästhetisch untermauerten Komposition, einer symphonischen Musik zu einem Architekturschauspiel nach Bruno Taut.
Jens-Peter Ostendorf studied at the Hamburg Academy of Music and the Performing
Arts with Diether de la Motte. In 1968 he worked at the composition studio of Karlheinz
Stockhausen and in 1969 took over the direction of stage music at the Hamburg Thalia
Theatre where he remained until 1978. From 1978 onwards Ostendorf was active as
a freelance composer.
Alongside solo works, it is above all in orchestral and ensemble compositions, as well
as poetry settings, that Ostendorf found a very free, unbounded music language. His
experience with scenic procedures was of eminent significance for him. Ostendorf includes the multi-medial level in later works. In the early 1990s this approach led him to
an abstract, multi-layered aesthetically underpinned composition, a symphonic music
to an architectural theatre based on Bruno Taut.
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■Symphonies Nos. 1 and 2 [1963/1966]
for large orchestra
■ Pro et contra [1966]
Concerto for violoncello and orchestra
■ Collage on B-A-C-H [1964/1973]
for strings, oboe, harpsichord and piano
■ Concerto piccolo on B-A-C-H [1994]
for trumpet, string orchestra, harpsichord and piano
■ Diagrams [1964]
for piano
■ Trivium [1976]
for organ
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■ Russian Culture Prize ‘Triumph’ [1995]
■ Contemporary Music Award, London [2003]
■ European Sacred Music Award [2007]
■ Prize of the Léonie Sonning Music Foundation, Copenhagen [2008]
■ Praemium Imperiale, Tokyo [2014]
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Arvo
Pärt
*11. September 1935
Paide / Estland
Arvo Pärt studierte ab 1957 bei Veljo Tormis am Konservatorium in Tallinn Komposition. Er schloss seine Studien 1963 ab und arbeitete zunächst beim Estnischen
Rundfunk. 1980 emigrierte der Komponist mit seiner Familie nach Österreich und
dann nach Berlin, wo er sich als freischaffender Komponist niederließ. Mittlerweile
verbringt er große Teile des Jahres wieder in Estland. Arvo Pärt ist Mitglied der American Academy of Arts and Letters. Sein aktuelles Schaffen ist bei der Universal Edition
Wien verlegt.
Pärt beschäftigte sich zunächst intensiv mit Techniken und Stilmitteln der Avantgarde,
insbesondere der Zwölftonmusik, später auch mit Collageverfahren. Seit den ausgehenden 70er Jahren setzte sich Pärt mit der Musik des Mittelalters auseinander und
fand nach und nach zu einer Kombination von Skalen- und Dreiklangsformen, die er
wechselnden, doch gleichzeitig stabilen Mustern unterordnete. Typisch für sein heutiges
Schaffen sind die Reduktion auf melodisch einfache Dreiklangsmotive, insistierende
Wiederholungsmuster, archaische Formen und ein litaneiartiger Vortragscharakter.
From 1957 Arvo Pärt studied composition with Veljo Tormis at the Conservatory in
Tallinn. He completed his studies in 1963 and at first worked at the Estonian Radio.
In 1980 the composer emigrated with his family to Austria and then to Berlin, where
he settled as a freelance composer. Meanwhile he spends a large part of the year in
Estonia again. Arvo Pärt is a member of the American Academy of Arts and Letters. His
current production is published by Universal Edition in Vienna.
In early works Pärt was intensively occupied with techniques and stylistic means of the
avant-garde, especially twelve-tone music and later also with collage procedures. Starting in the late 1970s Pärt came to terms with music of the Middle Ages and gradually
arrived at a combination of scalar and triadic forms which he subjected to alternating,
yet at the same time stable patterns. The reduction to melodically simple triadic motives,
insistent repetitive patterns, archaic forms and a litany-like character of performance
are typical of his present-day production.
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www.arvopart.info/
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■Symphonies Nos. 5-7 Opp. 100, 111, 131 [1944, 1947, 1952]
■ War and Peace Op. 91 [1941-1952]
Opera in 13 tableaus after Lev Tolstoy
■Romeo and Juliet Op. 64 [1936]
Ballet in four acts after William Shakespeare
■ Suites Nos. 1-3 from ‘Romeo and Juliet ’ Opp. 64a, 64b, 101 [1936, 1936, 1946]
■ Cinderella Op. 87 [1940-1944]
Ballet in three acts by Nikolai Volkov
■Suites Nos. 1- 3 from ‘Cinderella’ Opp. 107, 108, 109 [1946]
■ Concerto for Piano and Orchestra No. 4 ‘For the Left Hand’ Op. 53 [1931]
■ Sinfonia concertante for Violoncello and Orchestra Op. 125 [1952]
■ Sonata for Flute (Violin) and Piano Op. 94(a) [1944]
■ Peter and the Wolf Op. 67 [1936]
■ Piano Sonatas Nos. 6-9 Opp. 82, 83, 84, 109 [1940, 1942, 1942, 1947]
■Ivan Grozny Op. 116 [1945]
Film music
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■ Gold Medal of the Royal Philharmonic Society London [1944]
■ Lenin Prize [1957, posthumous]
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Sergej
Prokofjew
Sergei Prokofiev
11. April 1891 – 5. März 1953
Sonzowka / Ukraine – Moskau
Sergej Prokofjew studierte von 1904 bis 1914 am Petersburger Konservatorium
Komposition (u.a. bei Rimski-Korssakow und Ljadow), Klavier und Dirigieren. 1918
verließ Prokofjew mit Billigung der sowjetischen Behörden seine Heimat. In Paris, wo
er sich 1920 niederließ, produzierten der berühmte Impresario Sergej Diagilew und
der Tänzer und Choreograph Sergej Lifar zwischen 1921 und 1932 seine Ballette.
1936 kehrte Prokofjew mit seiner Familie endgültig nach Russland zurück. Trotz seines
Bemühens, den offiziellen ästhetischen Maximen der Partei zu genügen, fanden seine
Werke nicht immer ungeteilte Zustimmung. 1948 wurde Prokofjew (neben Schostakowitsch, Achmatowa, Pasternak, Eisenstein u.a.) im Rahmen der von Andrej Schdanow
eingeleiteten repressiven Kulturkampagne des ,Formalismus‘ beschuldigt.
Prokofjews Instrumentalwerke fanden rasch Eingang in das Repertoire namhafter Interpreten. Neben seinen Symphonien begründete die Ballettmusik zum ShakespeareDrama ,Romeo und Julia‘ und das symphonische Kindermärchen ,Peter und der Wolf‘
den weltweiten Ruhm Prokofjews. Es gelingt ihm, durch untrüglichen Formsinn zarteste
Lyrik und filigrane Melodik mit gewagter Harmonik, heftigen Dissonanzen und oft
bohrender Motorik zu verbinden.
Sergei Prokofiev studied composition at the St. Petersburg Conservatory from 1904
to 1914 (with Rimski-Korsakov and Liadov amongst others) as well as piano and conducting. In 1918 Prokofiev left his homeland with the permission of the Soviet authorities. In Paris, where he settled in 1920, his ballets were produced by the famous impresario Sergei Diaghilev and the dancer and choreographer Sergei Lifar between 1921
and 1932. Prokofiev returned definitively to Russia with his family in 1936. Despite his
efforts to satisfy the official aesthetic maxims of the party, his works did not always meet
with undivided approval. In 1948 Prokofiev (together with Shostakovich, Akhmatova,
Pasternak, Eisenstein and others) was accused of ‘formalism’ during the course of the
repressive cultural campaign introduced by Andrei Zhdanov.
Prokofiev’s instrumental works found rapid acceptance in the repertoire of renowned interpreters. Alongside his symphonies, Prokofiev’s worldwide fame was based upon the
ballet music to the Shakespeare drama ‘Romeo und Juliet’ and the symphonic fairytale
‘Peter and the Wolf’. With an infallible formal sense, he has succeeded in combining the
most tender lyricism and a filigree melodic language with a bold harmonic language,
sharp dissonances and frequently unrelenting motor rhythms.
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www.sprkfv.net
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■ Yin Ji [2001]
for orchestra
■ Pilgrimage in May [2004]
for orchestra
■ Five Songs on the Horizon [2005]
for violoncello, accordion and strings
■ Huai Sha [2000]
for ensemble
■ The Sun Shadow VIII [2009]
for piccolo flute, oboe, clarinet and percussion
■ The Border of the Mountains [2012]
Concerto for violin and orchestra
■ Wind Lament [2013]
String Quartet No. 2
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■ First Prize at The International Music Competition New York [1993]
■ First Prize at the Fifth Taiwan Composers Competition [1996]
■ Second Prize at the Biennale Neue Musik Composers
Competition Hannover [1999]
■ CCA Taiwan International Composers Award [2002]
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Wenchen
Qin
*29. Oktober 1966
Erdos / Innere Mongolei
Wenchen QIN studierte am Konservatorium in Shanghai ab 1987 Komposition bei
Xu Shuya und Zhu Jianer. Nach Abschluss seines Studiums im Jahr 1992 unterrichtete
er am Zentralen Konservatorium in Beijing. Ein Stipendium des DAAD ermöglichte ihm
1998 einen Studienaufenthalt bei Nicolaus A. Huber, und drei Jahre darauf konnte er
sein Diplom mit Auszeichnung an der Folkwang Hochschule Essen entgegennehmen.
2008 wurde er als Professor ans Zentrale Konservatorium in Beijing berufen.
QIN arbeitet mit exzellenten Ensembles und Orchestern wie dem Ensemble Recherche,
L’Ensemble Itinéraire, Ensemble Europa Antidogma, Tokyo City Symphony Orchestra,
dem DSO Berlin und dem Ensemble of Line zusammen. Veranstalter waren der NDR,
der WDR, der BR, Radio France sowie Festivals wie die Biennale Neue Musik in Hannover, das Holland Festival, das Transatlantic Festival und das Chinese-Japanese Music
Festival.
Unter teilweiser Einbeziehung des traditionellen chinesischen Instrumentariums schlägt
er eine individuelle Brücke zwischen chinesischer Tradition und westlicher Avantgarde.
Seine Musiksprache verbindet feinsinnige, intensive und ausdifferenzierte Klänge mit
spannungsreichen Entwicklungsverläufen.
Wenchen QIN studied composition at the Conservatory of Music in Shanghai with
Xu Shuya and Zhu Jianer beginning in 1987. After completing his studies in 1992 he
taught at the Beijing Central Conservatory of Music. A stipend from the German Academic Exchange Service (DAAD) enabled him to study with Nicolaus A. Huber in 1998,
and three years later he received his diploma with honours from the Folkwang Academy
in Essen. In 2008 he was appointed professor at the Central Conservatory in Beijing.
QIN works with excellent ensembles and orchestras such as the Ensemble Recherche,
L’Ensemble Itinéraire, Ensemble Europa Antidogma, Tokyo City Symphony Orchestra,
the DSO Berlin und the Ensemble of Line. Presenters have been the NDR, WDR, BR, Radio France as well as festivals such as the New Music Biennale in Hanover, the Holland
Festival, the Transatlantic Festival and the Chinese-Japanese Music Festival.
With the partial inclusion of traditional Chinese instruments, he creates an individual
bridge between Chinese tradition and Western avant-garde. His musical language combines subtle, intensive and differentiated sounds with exciting courses of development.
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■ Barlinnie Nine [1999/2005]
for orchestra
■Rautasade [2008]
for orchestra
■ Concerto for Oboe and String Orchestra [2010]
■ Concerto for French Horn and Orchestra [2013]
■Soliloque Suite [2013]
for several solo instruments with or without electronic music
■ Zénith [2011/2012]
for trumpet, flute, clarinet, violin and violoncello
■Les Oréades [2014]
for piano quartet
■L‘homme à la licorne [2011]
for soprano saxophone and piano
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■ Finnish Cultural Foudation Grants [1999/2010]
■ Finnish Arts Council Grants [2003-2005/2012]
■ First Prize at Uuno Klami Competition (for ‘Ardbeg’) [2004]
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Osmo Tapio
Räihälä
*15. Januar 1964
Suomussalmi
Osmo Tapio Räihälä is one of the most interesting contemporary composers in Finland. Unlike most of his music peers, Räihälä started as a rock musician, and turned his
attention to art music only in his late teens. Räihälä studied musicology at the Turku and
Helsinki Universities, and composition with Harri Vuori.
Räihälä’s music, almost all of it instrumental, uses clear colours and a visuality, that
stems from his interest towards visual arts. Räihälä himself experiences music as images:
colours, shapes, lines, values, surfaces ... These visual associations may be experienced
in his music for instance in the shifting of styles, the contrasts between motifs and the
clear-cut melodic sequences.
Räihälä’s breakthrough work was ‘Barlinnie Nine’ (1999/2005), an orchestral tribute
to the Scottish soccer player Duncan Ferguson. It is a colourful work, depicting the
numerous stop-starts in the career of Ferguson, who was known as a soccer bad boy.
Räihälä’s music has been performed in about two dozen countries on five continents.
Apart from his work as a composer, Räihälä is known for his activity on television and
radio in his native Finland.
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www.raihala.com
Osmo Tapio Räihälä gehört zu den interessantesten Gegenwartskomponisten Finnlands. Im Gegensatz zu vielen seiner Komponistenkollegen begann Räihälä als Rockmusiker und wandte sich erst mit knapp 20 Jahren der ernsten Musik zu. Er studierte
Musikwissenschaft an den Hochschulen von Turku und Helsinki und Komposition bei
Harri Vuori.
Räihäläs meistenteils instrumentale Musik zeichnet sich durch klare Farben aus und
verrät viel von seinem Interesse an visueller Kunst. Er erfährt Musik selbst sehr bildhaft:
Farben, Formen, Linien, Schattierungen, Oberflächen ... Diese visuellen Assoziationen
machen sich durch Stilwechsel, motivische Kontraste und deutlich konturierte melodische Sequenzen bemerkbar.
Mit ,Barlinnie Nine‘ (1999/2005), einer Hommage an den schottischen Fußballspieler
Duncan Ferguson, gelang Räihälä der Durchbruch als Komponist. Das farbenreiche
Werk beschreibt die zahlreichen Unterbrechungen und erneuten Starts in Fergusons
Karriere, der als ,böser Bube‘ des Fußballs bekannt wurde.
Räihäläs Musik wurde bislang in etwa zwei Dutzend Ländern auf fünf Kontinenten
aufgeführt. Neben seiner Arbeit als Komponist ist Räihälä als Redakteur im finnischen
Rundfunk und Fernsehen bekannt geworden.
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■ A Dog’s Heart. Opera in 2 acts [2009]
■A White Night’s Dream [2011]
for orchestra
■In excelsis. Concerto for violin and orchestra [2008]
■ Mysterium magnum [2012]
for soprano, bass-baritone and orchestra
■ The Alphabet of Death. Suite for bass and orchestra [2010]
■ Missa byzantina [2014]
for mixed choir and large orchestra
■ ... and Meadows Merge into the Sky ... [2004]
for soprano and string quartet
■ Gens extorris [2004/2011]
for piano, large string orchestra and church bell
■ Dolce far niente [1991]
for violoncello and piano
■Arrangements and completions
of works by Bach, Mussorgsky, Prokofiev, Roslavets, Shostakovich and Schnittke
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■ Composition Prize of the Salzburg Easter Festival [1998]
■ Grand Prix Antoine Livio [2013]
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Alexander
Raskatov
*9. März 1953
Moskau
Alexander Raskatov studierte bis 1978 am Moskauer Konservatorium Komposition
in der Klasse von Albert Leman und absolvierte im Anschluss daran eine vierjährige Aspirantur. Im Jahre 1994 übersiedelte er nach Deutschland, seit 2007 lebt und arbeitet
er in Frankreich. 1990 war er Composer in residence an der Stetson University, 1998
in Lockenhaus. Er erhielt zahlreiche Stipendien und namhafte Kompositionsaufträge.
Einige seiner Werke sind im Belaieff-Verlag erschienen.
Die raffinierte Klangentfaltung und konzentrierte Materialbehandlung lassen bei Raskatov Einflüsse von Strawinsky und Webern erkennen. Seine phantasiereiche Tonsprache verleiht jedem einzelnen Werk eine besondere Individualität. Immer wieder
lässt er sich von der jüdischen Musiktradition wie auch von Texten und Gesängen der
russischen Orthodoxie inspirieren. Zahlreiche seiner Vokalwerke basieren zudem auf
neuerer russischer Poesie (u.a. Blok, Baratynski, Chlebnikow, Brodsky). Irina Schnittke
vertraute ihm die Rekonstruktion der 9. Sinfonie ihres 1998 verstorbenen Mannes an.
Alexander Raskatov studied composition in the class of Albert Leman at the Moscow
Conservatory until 1978 and then completed a four-year period of post-graduate study.
He moved to Germany in 1994 and has lived and worked in France since 2007. In
1990 he was composer in residence at Stetson University and in 1998 in Lockenhaus.
He received numerous stipends and prestigious composition commissions. Several of his
works have been published by Belaieff.
One notes the influences of Stravinsky and Webern in Raskatov’s refined development
of sound and concentrated treatment of material. His imaginative musical language
lends a special individuality to every single work. He is repeatedly influenced by the
Jewish musical tradition and by the texts and songs of Russian Orthodoxy. In addition, a large number of his vocal works are based on contemporary Russian poetry
(including Blok, Baratynski, Khlebnikov, Brodsky). Irina Schnittke entrusted him with the
reconstruction of the 9th Symphony of her husband, who had died in 1998.
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■ Das Gemeindekind [2014]
Singspiel for five singers and five instruments after Marie Ebner-Eschenbach’s novel
■ Drift [2013]
for violoncello and chamber orchestra
■ Bossa Nova Arabica [2013]
for large orchestra
■String Quartet No. 1 [1998/2011/2014]
■Antipodes [2012]
for trombone and ensemble
■Al fresco [2011-2012]
for violoncello
■Seven Madrigals [2013]
for five voices and accordion
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■ Erste Bank Composition Award [2011]
■ First Prize at the TONALi Composition Competition (for ‘Al fresco’) [2012]
■ Upper Austrian Culture Prize for Music [2014]
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Gerald
Resch
*5. Mai 1975
Linz
Gerald Resch studierte zwischen 1993 und 2001 Komposition in Wien, Köln und
Graz bei Michael Jarrell, York Höller und Beat Furrer sowie Musikwissenschaft und
Kunstgeschichte. Seit 2004 unterrichtet er an der Anton Bruckner Privatuniversität Linz,
seit 2008 außerdem an der Universität für Musik und Darstellende Kunst Wien.
Charakteristisch sind für Gerald Reschs Kompositionsstil ein präziser Umgang mit
Klangfarben und ein strukturelles Denken in komplexen formalen Werkarchitekturen.
Organik, Kohärenz und Ökonomie des musikalischen Materials spielen dabei eine
wichtige Rolle. Der Komponist lässt sich oft auch von außermusikalischen Ereignissen
aus der Literatur und der Bildenden Kunst inspirieren.
Resch arbeitet zudem oft mit klarem, für den Hörer stets wiedererkennbarem thematischem Material, das mit logischer Konsequenz, Klangsinn und Sensibilität für Zusammenhänge weiterentwickelt und überlagert wird. Im Verlauf eines Kompositionsprozesses ist für ihn der Austausch mit Interpreten und im Falle von Vokalwerken mit
Textautoren von großer Bedeutung. In jüngerer Zeit befasst sich Resch nun auch mit
dem Musiktheater.
Gerald Resch studied composition in Vienna, Cologne and Graz between 1993 and
2001 with Michael Jarrell, York Höller and Beat Furrer, as well as musicology and art
history. He has been teaching at the Anton Bruckner Private University in Linz since
2004 and also at the University of Music and the Performing Arts in Vienna since 2008.
A precise way of dealing with timbres, together with structural thinking in complex
work architectures, are characteristic of Gerald Resch‘s compositional style. An organic
quality, coherence and economy of musical material play an important role in this. The
composer is also frequently inspired by extra-musical stimuli from the areas of literature
and the visual arts.
In addition, Resch primarily works with clear thematic material that is always recognisable for the listener, developed and superimposed with logical consistency, a fine
feeling for sound and sensitivity for correlations. During the course of a compositional
process, the exchange with interpreters and with the text authors in the case of vocal
works, is of great significance for him. Most recently, Resch has also been involved in
creating musical theatre.
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■ Celan. Opera in seven parts [1999]
■ Hölderlin. Opera in four acts [2007]
■ Tallis [1993]
Irradiations for large orchestra
■ Vorecho [2005]
for large orchestra
■Aulodie. Music for oboe (oboe d’amore) and chamber orchestra [2011]
■ Clouds [2013]
for string quartet and large orchestra
■Spiral. Concerto for horn quartet and orchestra [2013]
■ Celan Symphony [2002]
for baritone, mezzo-soprano and large orchestra
■Sturz. String Quartet No. 5 [2004]
■Eight Songs on Fragments by Nietzsche [1992/1997/2007]
for mezzo-soprano (or baritone) and piano
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■ International Rostrum of Composers Award [1971]
■ Bach Prize Young Composers Award, Hamburg [1972]
■ Austrian Service Cross of Honour for Sciences and Arts [2006]
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Peter
Ruzicka
*3. Juli 1948
Düsseldorf
Peter Ruzicka studierte in München, Hamburg und Berlin Jura und Musik und promovierte 1977. Nach seiner Tätigkeit als Intendant des Radio-Symphonie-Orchesters
Berlin zwischen 1979 und 1987 war er von 1988 bis 1997 Intendant der Hamburgischen Staatsoper. Von 2001 bis 2006 leitete Ruzicka die Salzburger Festspiele. Seit
1990 ist er als Professor an der Hamburger Hochschule für Musik und Theater tätig.
Von 1996 bis 2014 hatte er die künstlerische Leitung der Münchner Biennale inne.
Ruzicka tritt sowohl als Komponist und Dirigent als auch als Intendant und Kulturmanager im internationalen Musikleben in Erscheinung.
Stand sein Schaffen gegen Ende der sechziger Jahre noch ganz im Banne der ,Vätergeneration‘ (Henze, Ligeti, Stockhausen), so lassen sich seit ,... fragment ...‘ (1970)
Mahler, Webern und Celan als die trigonometrischen Punkte bezeichnen, die von da
an seinen ästhetischen Kurs markieren. Vor diesem Hintergrund hat sich ein Schaffen
entfaltet, das in der Vielfalt der Genres, der Kraft der Inspiration und der souveränen
Beherrschung des kompositorischen Metiers gleichermaßen beeindruckt.
Peter Ruzicka studied law and music in Munich, Hamburg and Berlin, receiving his
doctorate in 1977. Following his function as artistic director of the Berlin Radio Symphony Orchestra from 1979 to 1987, he served as artistic director of the Hamburg
State Opera from 1988 to 1997. Ruzicka directed the Salzburg Festival from 2001 to
2006 and has been a Professor at the Hamburg Academy of Music and Theatre since
1990. Moreover, he served as artistic director of the Munich Biennale from 1996 to
2014. Ruzicka is a strong presence on the international music scene as a composer and
conductor, and as an artistic director and cultural manager as well.
Although his music was still completely under the influence of the ‘father generation’
(Henze, Ligeti, Stockhausen) towards the end of the 1960s, since ‘... fragment ...’
(1970) Mahler, Webern and Celan can be described as the trigonometric points that
have marked his trajectory from that time onwards. Before this backdrop, an œuvre has
developed that is impressive for the variety of its genres, the power of its inspiration
and, in equal measure, for the composer‘s sovereign mastery of his metier.
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www.peter-ruzicka.de
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■Mare nostrum. Threnody [2014]
Poem No. 4 for medium orchestra
■Vierzehn. Tableau dramatique [2014]
for soprano, baritone, female choir, mixed choir and orchestra on a text by Georg Trakl
■ Parafonia for violoncello and chamber orchestra [2014]
on W. A. Mozart’s Adagio fragment K. 580a
■Kammersymphonie for chamber ensemble [2007/2008]
■ Dreizehn. Piano Trio [2012/2014]
■ hoamdraht. String Trio No. 1 [2011/2013]
■Miniatures after Georg Trakl for violin and piano [2008/2010]
■ Neuf fatrasies for soprano and piano [2012]
■ Neues Leipziger Liederbuch [2007-2011]
for soprano, baritone, violin and violoncello on texts by Mara Genschel,
Norbert Lange, Bertram Reinecke and Johanna Schwedes
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■ Günther Klinge Culture Prize [2009]
■ Music Prize for Young Artists of the State Capital of Munich [2013]
■ Bavarian Culture Prize for Young Artists [2014]
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Johannes X.
Schachtner
*26. Juni 1985
Gräfelfing
Johannes X. Schachtner lives in Munich as a composer and conductor. He received
his first musical training on the trumpet, which was followed by piano and conducting
instruction from Ulrich Weder. Starting in 2004 he studied composition at the Academy
of Music and Theatre in Munich with Hans-Jürgen von Bose and Rudi Spring, then
with Jan Müller-Wieland. At the same time, he attended the conducting class of Bruno
Weil, completing both courses of study with the master class diploma. Schachtner’s
compositional production comprises works for solo instruments, chamber, vocal and
orchestral music as well as works for music theatre. Internationally famous soloists such
as Silke Avenhaus, Julia Fischer, Peter Schöne and the conductor Michael Sanderling
perform his works. Schachtner was granted scholarships from, inter alia, the Paris Cité
des Arts and the Visby International Centre of Composers. He has received composition
commissions from the Bavarian State Opera (Opera Festival 2007), the Klangwerktagen in Hamburg, the Bamberg Symphony Orchestra, the Siemens Arts Programme, the
Bavarian Academy of Fine Arts and the Munich Biennale. His works are characterized
by clear structures, density and brilliance.
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www.jxschachtner.com
Johannes X. Schachtner lebt als Komponist und Dirigent in München. Seine erste
musikalische Ausbildung erhielt er an der Trompete, es folgten Klavier- sowie Dirigierunterricht bei Ulrich Weder. Ab 2004 studierte er Komposition an der Hochschule für
Musik und Theater München zunächst bei Hans-Jürgen von Bose und Rudi Spring,
danach bei Jan Müller-Wieland. Gleichzeitig besuchte er die Dirigierklasse von Bruno
Weil und schloss beide Studiengänge mit dem Meisterklassendiplom ab. Schachtners
kompositorisches Schaffen umfasst Werke für Soloinstrumente, Kammer-, Vokal- und
Orchestermusik sowie Werke für das Musiktheater. International renommierte Solisten
wie Silke Avenhaus, Julia Fischer, Peter Schöne oder der Dirigent Michael Sanderling
führen seine Werke auf. Schachtner war u.a. Stipendiat der Cité des Arts Paris und des
Visby International Centre of Composers. Er erhielt Kompositionsaufträge u.a. von der
Bayerischen Staatsoper (Opernfestspiele 2007), den Klangwerktagen Hamburg, den
Bamberger Symphonikern, dem Siemens Arts Program, der Bayerischen Akademie der
Schönen Künste und der Münchener Biennale. Seine Werke zeichnen sich durch klare
Strukturen, Dichte und Brillanz aus.
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■ Life with an Idiot. Opera in two acts by Viktor Yerofeyev [1991]
■ Gesualdo. Opera in seven tableaus by Richard Bletschacher [1993]
■ Historia von D. Johann Fausten. Opera in three acts after Johann Spies [1994]
■ Peer Gynt. Ballet in three acts by John Neumeier after Henrik Ibsen [1986]
■Symphonies Nos. 1- 9 [1972, 1979, 1981, 1984, 1988, 1993, 1993, 1994, 1998]
■Violin Concertos Nos. 1- 4 [1962, 1966, 1978, 1984]
■ Concerto for Viola and Orchestra [1985]
■Violoncello Concertos Nos. 1 and 2 [1986, 1990]
■ Concerti grossi Nos. 1-6 [1977, 1982, 1985, 1988, 1991, 1993]
for soloists and orchestra
■ Concerto for Mixed Choir [1985]
■Suite in Old Style [1972]
for violin and piano
■ Hymns [1974, 1975, 1977]
for chamber ensemble
■String Quartets Nos. 1- 4 [1966, 1980, 1983, 1989]
■ Piano Quartet [1988]
■Sonatas for Violin and Piano Nos. 1- 3 [1963, 1968, 1994]
■Sonatas for Violoncello and Piano Nos. 1- 2 [1978, 1994]
■ Piano Sonatas Nos. 1- 3 [1987, 1990, 1992]
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Alfred
Schnittke
24. November 1934 – 3. August 1998
Engels (UdSSR) – Hamburg
Schnittkes musikalische Ausbildung begann 1946 in Wien, wo sein Vater, ein jüdischer Journalist und Übersetzer deutscher Abstammung, für zwei Jahre bei einer
sowjetischen Zeitung arbeitete. Er erhielt Klavierunterricht, erlebte Opern- und Konzertaufführungen und unternahm erste Kompositionsversuche. Seit 1948 in Moskau
wohnhaft, absolvierte Schnittke zuerst eine Ausbildung als Chordirigent. Von 1953 bis
1958 studierte er am Moskauer Konservatorium Komposition und Kontrapunkt (bei Jewgeni Golubew) sowie Instrumentation (bei Nikolai Rakow). Wesentliche Anregungen
erhielt er durch den in Moskau lebenden Webern-Schüler Philip Herschkowitz. Bereits
während seines Studiums und seiner Aspirantur (1958-1961) trat Schnittke mit einem
reichen kompositorischen Schaffen hervor. Von 1962 bis 1972 war er als Lehrer für
Instrumentation am Moskauer Konservatorium tätig. Seit dieser Zeit veröffentlichte er
zahlreiche musiktheoretische Arbeiten (über Probleme der zeitgenössischen Musik).
Daneben war er auch als Filmmusikkomponist tätig. Seit 1975 wurden Schnittkes
Werke bei allen wichtigen Festivals der Neuen Musik gespielt, in den achtziger Jahren
fanden sie Eingang in die Konzertprogramme führender internationaler Kulturorchester. Seinem Schaffen gewidmete Festivals und zyklische Aufführungen seiner Werke
wurden u.a. in Moskau, Stockholm, London, Huddersfield, Wien, Berlin, Turin, Luzern,
Hamburg und Köln präsentiert. In den neunziger Jahren gehörte er in Europa zu den
meistaufgeführten Komponisten seiner Zeit. Schnittke, der von 1989 bis 1994 einen
Lehrauftrag für Komposition an der Hamburger Musikhochschule innehatte, war Ehrenmitglied der Royal Academy of Music in London sowie der Freien Akademie der
Künste in Hamburg, Mitglied der Königlichen Schwedischen Akademie für Musik in
Stockholm, der Akademie der Künste in Berlin, der Bayerischen Akademie der Schönen Künste in München und der American Academy of Arts and Letters, New York.
Mitte der fünfziger Jahre begann Schnittkes erste fruchtbare Schaffensperiode, die zwar
deutlich von Schostakowitsch beeinflusst war, jedoch bereits erkennbar die Handschrift
des späteren Meisters trug. Nach einer Phase der Zwölftönigkeit, deren Beginn etwa
im Jahr 1963 anzusetzen ist, fand Schnittke mit seiner zweiten Violinsonate ,quasi una
sonata‘ (1968) zur Polystilistik – einem Verfahren, bei dem heterogene Materialien und
Stile, Tonales und Atonales, Vergangenes und Gegenwärtiges, Vertrautes und Verfremdetes einander durchdringen und in einen neuen Zusammenhang gebracht werden.
Zu Beginn der neunziger Jahre schließlich nahm Schnittke davon Abstand. Seine Partituren wurden karger und ausgedünnter, seine Musiksprache herber und abstrakter. In
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den letzten Lebensjahren war er von schwerer Krankheit gezeichnet, dennoch gelang
es ihm, eine 9. Sinfonie zu vollenden.
Schnittke’s musical education began in Vienna in 1946, where his father, a Jewish
journalist and translator of German descent, worked for two years at a Soviet newspaper. He received piano instruction, experienced concert and opera performances and
made his first attempts at composition. Living in Moscow from 1948 onwards, Schnittke
first completed training as a choral conductor. From 1953 to 1958 he studied composition and counterpoint at the Moscow Conservatory (with Yevgeni Golubev) as well as
instrumentation (with Nikolai Rakov). He received important stimulation from Philipp
Herschkovitz, a Webern pupil living in Moscow. Already by the time of his aspirant period (1958-1961), Schnittke had accumulated a rich compositional oeuvre. From 1962 to
1972 he taught instrumentation at the Moscow Conservatory. From this time onwards
he published numerous music-theoretical works (concerning problems of contemporary
music). At the same time he was also active as a film composer. Beginning in 1975
Schnittke’s works were performed at all the important festivals of new music and, during
the 1980s, they found acceptance in the concert programmes of leading international
ochestras. Festivals dedicated to his works, as well as cyclical presentations of these,
took place in Moscow, Stockholm, London, Huddersfield, Vienna, Berlin, Turin, Lucerne,
Hamburg and Cologne. During the 1990s he was one of the most frequently performed
composers of his time in Europe. Schnittke, who held a composition lectureship from
1989 to 1994 at the Hamburg Music Academy, was an honorary member of the Royal
Academy of Music in London, member of the Royal Swedish Academy of Music as well
as the Free Academy of the Arts in Berlin, the Bavarian Academy of Fine Arts in Munich
and the American Academy of Arts and Letters in New York.
Schnittke’s first fruitful creative period began during the mid-1950s; it was clearly influenced by Shostakovich but also bore the unmistakeable handwriting of the later master.
Following a twelve-tone phase beginning in 1963, Schnittke found his way towards polystylism with the Second Violin Sonata ‘quasi una sonata’ (1968). This is a procedure in
which heterogeneous material and styles – tonal and atonal, past and present, familiar
and unfamiliar – penetrate each other and are brought together in a new relationship
to each other. Finally, at the beginning of the 1990s, Schnittke distanced himself from
this. His scores became more sparing and thinned out, his musical language more bitter
and abstract. Seriously ill during the final years of his life, he nonetheless managed to
complete his 9th Symphony.
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■ Austrian State Prize [1991]
■ Praemium Imperiale, Tokyo [1992]
■ Bach Prize, Hamburg [1992]
■ Russian State Prize [1993]
■ The Great Distinguished Service Cross of Merit with Star
of the Federal Republic of Germany [1994]
■ Russian Culture Prize ‘Triumph’ [1998]
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Dmitri
Schostakowitsch
Dmitri Shostakovich
12. September 1906 – 9. August 1975
St. Petersburg – Moskau
Von Alexander Glasunow in den ersten Ausbildungsjahren gefördert, erhielt Schostakowitsch am Petrograder Konservatorium eine fundierte Ausbildung als Pianist bei
Leonid Nikolajew und im Fach Komposition bei Maximilian Steinberg. Nach dem Abschluss seiner Ausbildung im Jahre 1925 schloss er sich der ,Assoziation für zeitgenössische Musik‘ an. Er begegnete Berg, Honegger und Milhaud persönlich. Nach
ersten Erfolgen und einer kurzen experimentellen Schaffensphase markiert die Oper
,Lady Macbeth von Mzensk‘ einen deutlichen Einschnitt in seinem künstlerischen Leben. Infolge einer vernichtenden Kritik Stalins, veröffentlicht in der ,Prawda‘ im Januar
1936, wurde die Oper trotz einer erfolgreichen Aufführungsserie abgesetzt und erst 25
Jahre später vom Komponisten in einer entschärften Fassung unter dem Titel ,Katerina
Ismailowa‘ neu herausgegeben. Nachdem er seine modernistische 4. Sinfonie zurückgezogen hatte, schrieb er eine eingängigere 5. Sinfonie, die ihm 1937 eine Professur
am Leningrader Konservatorium einbrachte. Seine 7. Sinfonie wurde zum Symbol des
Widerstands gegen die deutsche Aggression während der Leningrader Blockade. Im
Krieg nach Kuibyschew umgesiedelt, zog Schostakowitsch 1945 nach Moskau, wo er
eine Kompositionsprofessur am dortigen Konservatorium erhielt. Die staatliche Kritik
vornehmlich an seinen Sinfonien Nr. 8 und 9, die dem Sieg der Sowjetunion über
Hitler-Deutschland nicht die erwünschte triumphale Huldigung dargebracht hatten,
gipfelte 1948 in einem scharf formulierten ZK-Beschluss, der die Musik Schostakowitschs und anderer russischer Komponisten als ,formalistisch‘ und ,volksfremd‘ verurteilte. Zeitweilig verlor er daraufhin seine Lehrämter. Nach Stalins Tod errang Schostakowitsch wieder mehr Anerkennung in der Sowjetunion, begünstigt vor allem durch
zahlreiche Aufführungen und Ehrungen im Ausland, wohin er nun des öfteren reiste.
Von 1957 bis 1968 war er Sekretär des Komponistenverbandes der UdSSR, 1960 trat
er in die KP ein, 1962 wurde er in den Obersten Sowjet gewählt. Die letzten Jahre
seines Lebens waren von schweren Krankheiten geprägt.
Neben Igor Strawinsky und Sergej Prokofjew darf Dmitri Schostakowitsch als der
wohl bedeutendste russische Komponist des 20. Jahrhunderts angesehen werden. Er
schrieb Musik für nahezu alle Genres – von Stummfilmmusiken über 15 Sinfonien
und 15 Streichquartette, großartige Kammermusik- und Klavierwerke bis hin zu seiner
weltberühmten Orchestrierung von Vincent Youmans ,Tea for Two‘. In der Orchesterbehandlung und Instrumentation ist er mit Gustav Mahler seelenverwandt. Sein Verhältnis zum politischen System in der sozialistischen und stalinistischen Sowjetunion war
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nach außen ambivalent. Sein Einsatz für wie sein Auflehnen gegen das System prägten
sein Leben und seine Persönlichkeit in außergewöhnlichem Maß.
Encouraged by Alexander Glazunov during the initial years of his education, Shostakovich received a solid training at the Petrograd Conservatory in piano with Leonid Nikolayev and composition with Maximilian Steinberg. Following completion of his studies
in 1925, he joined the ‘Association for Contemporary Music’. He met Berg, Honegger
and Milhaud in person. After his first successes and a brief experimental creative phase,
the opera ‘Lady Macbeth of Mtsensk’ marked a definite turning point in his artistic life.
As a result of Stalin’s devastating criticism published in ‘Pravda’ in January 1936, the
opera was dropped in spite of a successful series of performances and only 25 years later newly issued in a milder version by the composer under the title ‘Katerina Ismailova’.
After withdrawing his modernistic Fourth Symphony, he wrote the more accessible Fifth
Symphony, which gained him a professorship at the Leningrad Conservatory in 1937.
His Seventh Symphony became a symbol of resistance against German aggression during the Leningrad blockade. Having moved to Kuybychev during the war, Shostakovich
moved to Moscow in 1945 where he was granted a professorship in composition at the
Conservatory there. The state criticism of his Symphonies Nos. 8 and 9, which did not
represent the hoped-for triumphal glorification of the Soviet victory over Nazi Germany,
peaked in 1948 in a sharply formulated Central Committee decree designating the
music of Shostakovich and other Russian composers as ‘formalistic’ and ‘alien to the
people’. He temporarily lost his teaching positions. After Stalin’s death Shostakovich
attained more recognition in the Soviet Union, thanks above all to numerous performances and honours abroad, where he now frequently travelled. From 1957 to 1968
he was the Secretary of the Composers’ Union of the USSR, joined the Communist Party
in 1960 and was elected to the Supreme Soviet in 1962. The last years of his life were
marked by serious illnesses.
Alongside Igor Stravinsky and Sergei Prokofiev, Dmitri Shostakovich may be regarded
as the most important Russian composer of the 20th century. He wrote music for nearly
all genres – ranging from silent film music, 15 symphonies and 15 string quartets,
magnificent chamber and piano music to his world-famous orchestration of Vincent
Youmans’ ‘Tea for Two’. He is spiritually related to Gustav Mahler in his treatment of the
orchestra and instrumentation. His relationship to the political system in the socialistic
and Stalinist Soviet Union was outwardly ambivalent. His efforts in behalf of the system,
as well as his rebellion against it, influenced his life and personality to an extraordinary
degree.
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■ Wihuri Sibelius Prize [1958]
■ Prize of the Léonie Sonning Music Foundation, Copenhagen [1973]
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■Lady Macbeth of the Mtsensk District Op. 29 [1932]
Opera in four acts after Nikolai Leskov
■ The Nose Op. 15 [1928]
Satirical opera in three acts after Nikolai Gogol
■Symphonies Nos. 1-15 Opp. 10, 14, 20, 43, 47, 54, 60, 65, 70, 93, 103,
112, 113, 135, 141 [1925-1971]
■ Concertos
·for piano and orchestra, Opp. 35 and 102 [1933, 1957]
·for violin and orchestra, Opp. 77 and 129 [1948, 1967]
·for violoncello and orchestra, Opp. 107 and 126 [1959, 1966]
■ String Quartets Nos. 1-15 Opp. 49, 68, 73, 83, 92, 101, 108, 110, 117,
118, 122, 133, 138, 142, 144 [1938-1974]
■ Piano Trios Nos. 1-2 Opp. 8, 67 [1923, 1944]
■ Sonatas
·for piano, Opp. 12 and 61 [1926, 1943]
·for violin and piano, Op. 134 [1968]
·for viola and piano, Op. 147 [1975]
·for violoncello and piano, Op. 40 [1934]
■ Twenty-four Preludes Op. 34 [1933]
for piano solo
■ Twenty-four Preludes and Fugues Op. 87 [1951]
for piano solo
■Incidental Music for Films and Theatre
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■ Dead Souls. Opera in three acts after Nikolai Gogol [1976]
■ Anna Karenina. Ballet in three acts after Lev Tolstoy [1972]
■ The Little Humpbacked Horse. Ballet in four acts after Pyotr Yershov [1983]
■Symphonies Nos. 1 and 2 [1958, 1965]
■Orchestral Concertos No. 1 ‘Naughty Limericks’ [1963] and
No. 2 ‘The Chimes’ [1968]
■ Concertos for Piano and Orchestra Nos. 1- 4 [1954 /1974, 1966, 1973, 1991]
■ Carmen Suite (after Georges Bizet) [1968]
for strings and percussion
■Musical Offering [1983]
for organ, three flutes, three bassoons and three trombones
■ Twenty-four Preludes and Fugues [1964/1970]
for piano solo
■Echo Sonata [1984]
for violin solo
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■ Russian State Prize [1992]
■ Dmitri Shostakovich Prize [1993]
■ The Order of Saint Anna [2010]
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Rodion
Shchedrin
*16. Dezember 1932
Moskau
Rodion Shchedrin begann seine musikalische Laufbahn als Sänger in der Chorschule seiner Geburtsstadt. Er studierte Komposition am dortigen Konservatorium bei
Juri Schaporin und Klavier bei Jakow Flier. Über ein Jahrzehnt war er Vorsitzender des
Komponistenverbandes Russlands als Nachfolger von Dmitri Schostakowitsch. Heute
lebt er abwechselnd in München und Moskau. Seine neueren Werke sind im SchottVerlag erschienen.
Das umfangreiche Schaffen Shchedrins spiegelt seine ständige Suche nach neuen
Möglichkeiten künstlerischen Ausdrucks wider. In seinen Kompositionen verbindet er
Elemente der Folklore und traditionelle Stilmittel, die sich nicht selten an die großen
russischen Klassiker wie Dmitri Kabalewski und Dmitri Schostakowitsch anlehnen, mit
modernen Kompositionsmethoden bis hin zu Collage und Aleatorik. Von Sergej Prokofjew, der Shchedrins Kompositionsweise ebenfalls stark beeinflusste, übernimmt der
Komponist die Neigung zu einprägsamen Rhythmen und einem konstruktiven, nachvollziehbar klaren Sprachgestus. Spannkraft und Facettenreichtum seiner Musik speisen sich aus dem Spiel mit Klangfarben, stets wechselnden lyrischen und dramatischen
Partien sowie weitgespannten melodischen Linien.
Rodion Shchedrin began his musical career as a singer in the choir school of his
native city. He studied composition at the Conservatory there with Yuri Shaporin and
piano with Yakov Flier. For over a decade he was Chairman of the Russian Composers’
Union as the successor to Dmitri Shostakovich. Today he lives alternately in Munich and
Moscow. His more recent works are published by Schott Music Publishers.
Shchedrin’s extensive production reflects his constant search for new possibilities of
artistic expression. Elements of folklore and traditional stylistic means are combined
with modern compositional methods such as collage and aleatoric techniques in his
compositions, which are often related to those of the great Russian classics like Dmitri
Kabalevsky and Dmitri Shostakovich. From Sergei Prokofiev, who also strongly influenced Shchedrin’s way of composing, the latter has inherited the tendency towards
marked rhythms and constructive, accessible linguistic gestures. The play with timbres,
constantly changing lyrical and dramatic sections, as well as broadly spacious melodic
lines, result in energetic power and multifaceted richness.
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www.shchedrin.de
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■ Tiriel Op. 41 [1985]
Opera in three acts after William Blake
■Symphonies Nos. 1 and 2 Opp. 30 and 36 [1980, 1982]
■ Mozart Variations Op. 47 [1987]
for orchestra
■ Triple Concerto Op. 21 [1977]
for alto saxophone, piano, double bass, strings and percussion
■ The Song of Songs. Cantata for soprano, tenor, mixed choir and orchestra
on biblical words, Op. 101 [1997]
■ The Visions of Coleridge Op. 48 [1987]
for mezzo-soprano and ten players on words by Samuel Taylor Coleridge
■Six Poem by William Blake Op. 32 [1981]
for voice and organ
■ Dirge Canons ‘In memoriam Igor Strawinsky’ Op. 33 [1981]
for thirteen players
■ Partita Op. 43 [1985]
for violin
■Arrangements
of works by Shostakovich for chamber ensemble
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Dmitri
Smirnow
Dmitri Smirnov
*2. November 1948
Minsk
Dmitri Smirnow ist Schüler von Nikolai Sidelnikow, Edison Denissow und Juri Cholopow. Noch während der Studienjahre hatte Smirnow Kontakt zu dem in Moskau
lebenden Webern-Schüler Philip Herschkowitz, bei dem er seine Kenntnisse der Zwölftonmusik Musik vertiefen und erweitern konnte, ohne dass er die Dodekaphonie in ihrer ganzen Strenge übernahm. 1976 gewann Smirnow den ersten Preis beim Amsterdamer Gaudeamus-Wettbewerb für junge Komponisten. Er ist mit der Komponistin
Jelena Firssowa verheiratet und lebt seit seiner Emigration im Jahr 1991 als Dozent
und freischaffender Komponist in Großbritannien.
Durch den Einfluss Denissows gelang Smirnow eine einzigartige Synthese der Serialität mit dem expressiven französisch-russischen Sensualismus. Als dritter prägender
Einfluss kristallisierte sich die Dichtung William Blakes heraus, dessen apokalyptische
Bilder und Fiktionen nicht nur Vorlage für seine dramatischen Werke waren, sondern
auch Smirnows Vokal- und Kammermusikkompositionen prägen.
Dmitri Smirnov was a pupil of Nikolai Sidelnikov, Edison Denisov and Yuri Kholopov.
He had contact with Philipp Herschkowitz, the Webern pupil living in Moscow, during
his student years, with whom he was able to deepen and broaden his knowledge of
twelve-tone music without taking up dodecaphony in all its strictness. In 1976 Smirnov
won First Prize at the Amsterdam Gaudeamus Competition for young composers. He
is married to the composer Elena Firsova and, since his emigration in 1991, has been
living in Great Britain as a lecturer and freelance composer.
Through the influence of Denisov, Smirnov has succeeded in creating a unique synthesis
of serialism with expressive Franco-Russian sensualist tendencies. The poetry of William
Blake has emerged as the third most marked influence; Blake’s apocalyptic images and
writings have not only served as the basis for Smirnov’s dramatic works, but have also
strongly influenced his vocal and chamber compositions.
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homepage.ntlworld.com/dmitrismirnov
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■Symphony No. 1 [2011]
for large orchestra
■ Ferne Nähe [2011/2012]
Opera after poems by Katharina Bauer and Daniel Smutny
■Ricercar [2014]
for choir and small orchestra
■ 12 Lieder einer Liebe [2014]
for mixed choir and piano four hands
■Azorian Etudes [2013]
for piano
■ Telehors [2005]
electronic music
■ Piano Sonata No. 1 [2009]
■String Quartet No. 1 [2000]
■Orchestra [2000]
Audio drama and συμφωνία [sinfonia] for keyboard instruments
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■ Stuttgart Composer Prize [1998, 2009]
■ BMW Composer Prize [2003]
■ Hindemith Prize, Schleswig-Holstein Music Festival [2013]
■ First Prize at the TONALi Composition Competition (for ‘Azorian Etudes’) [2013]
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Daniel
Smutny
*13. Oktober 1976
Mannheim
Daniel Smutny verbindet auf einzigartige Art und Weise Idiome unterschiedlicher
musikalischer Provenienzen seiner Zeit. Für ihn steht der Ausdruck des Besonderen
im Allgemeinen im Vordergrund, welches sich für ihn in der Suche nach dem existenziellen Ausdruck und nach einer Sinn-Haftigkeit von Musik darstellt, mit der er seinen
ganz originären Ausdruck unserer Zeit schafft. Seine Werke lassen sich als Fortschreiben musikalischer Traditionen mit Mitteln der Gegenwart verstehen, teils transformieren sie diese tradierten Formen und Topoi in neuartige Zustände, welche häufig die
Omnipräsenz von medial vermittelten Inhalten in der Digitalisierung thematisieren.
Sein musikalisches Schaffen arbeitet sich in dieser Weise an Genres und Sparten ab
und überwindet dabei bisweilen deren Grenzen hin zu einem neuen Zustand, indem
unterschiedlichste Materialien, Sprachen und Zeiten zugleich präsent sind.
Daniel Smutny combines the idioms of different musical provenances of his time in a
unique way. For him, the expression of the special quality in what is general is at the
forefront of his concerns, represented for him in the search for the existential expression
and a meaningfulness of music with which he creates his utterly original expression of
our time. His works can be understood as a continuation of musical traditions with the
means of the present day; at times, these means transform the traditional forms and
topoi into novel conditions which frequently broach the issue of the omnipresence of
medially transmitted contents in digitalisation. In this manner, his musical œuvre processes genres and categories, thus overcoming their boundaries in order to arrive at a
new state in which different materials, languages and times are simultaneously present.
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www.danielsmutny.com
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■ Leb’ wohl ... [1982]
for orchestra
■ Three Choruses on Poems by Daniil Kharms [1972]
for female choir a cappella and narrator
■Le deuil blanc [1994]
for bass flute, guitar, violoncello and percussion
■ Trio Sonata [1971]
for flute, guitar and violoncello
■ Ave Marcus [1977]
for percussion
■Madrigal [1998]
for two violoncelli
■ Ton H [2001]
for violoncello and piano
■In My End Is My Beginning. Sonata No. 2 for Organ [1983]
■ 24 Triads for Harpsichord (or Organ) [1973]
■ 1756 [2005]
for violin solo
■ Chanson contre raison [1984]
for violoncello solo
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■ Culture Award of the City of Pinneberg [1990]
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Viktor
Suslin
13. Juni 1943 – 10. Juli 2012
Charkow – Hamburg
Viktor Suslin studierte am Moskauer Gnessin-Institut Komposition bei Nikolai Pejko,
dem Kompositionslehrer von Sofia Gubaidulina, und Klavier bei Anatoli Wedernikow.
Er begann, zu einem Zeitpunkt selbständig zu arbeiten, als das politisch-kulturelle
,Tauwetter‘ durch Breschnew im Oktober 1964 ein jähes Ende fand. Es häuften sich offizielle Aufführungsverbote, die seine Werke nicht weniger trafen als die seiner älteren
Kollegen und die ihn 1981 schließlich zur Emigration nach Deutschland bewegten.
Hier arbeitete er als Verlagslektor in Hamburg und Hochschuldozent in Lübeck. Seit
2007 leitete Suslin den Belaieff-Verlag.
Dem Charakter nach ist Suslin eher ein Lyriker als ein Dramatiker. In seinen Werken
vermeidet er simple Kontraste und aufgesetzte dramaturgische Effekte. Obwohl die
meisten seiner Werke programmatische Titel tragen, zielen sie nicht auf Außermusikalisches. Sein Werkverzeichnis ist nicht besonders umfangreich, aber sehr vielfältig.
Da er das Reproduzieren vermeidet, fällt jedes neue Werk auch in kompositionstechnischer Hinsicht sehr individuell aus. Das Timbre und die Farbigkeit der Musik haben
für Suslin formbildende Bedeutung.
Viktor Suslin studied composition with Nikolai Peyko (also Sofia Gubaidulina’s composition teacher) and piano with Anatoly Vedernikov at the Gnessin Institute in Moscow.
He began working independently at a point in time when Brezhnev brought the political-cultural ‘thaw’ to an abrupt end in 1964. Official performance bans accumulated,
affecting Suslin’s works no less than those of his older colleagues and ultimately causing
him to emigrate to Germany in 1981. He worked as a publisher’s lector in Hamburg
and academy lecturer in Lübeck. Suslin became Director of Belaieff Publishers in 2007.
In character, Suslin is more of a lyricist than a dramatist. He avoids simple contrasts
and extraneously dramaturgical effects. Although most of his works have programmatic
titles, they do not aim to convey extra-musical meaning. His catalogue of works is not
particularly large but has great variety. Since he avoids repeating himself, each new
work is uniquely striking in regard to compositional technique. Timbre and colour in
music have formative meaning for Suslin.
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■ Max und Moritz [1998]
Opera for children in two parts after Wilhelm Busch
■Labyrinth in memoriam Oleg Kagan [1996]
for twelve strings and violoncello solo
■Abschiedsgesänge [2006]
for four vocal soloists and chamber orchestra on poems by Rainer Maria Rilke
and Apollonius Rhodius
■In memoriam [1991]
for narrator, piano, horn, violin and violoncello on verses by Anna Akhmatova
■ Opposition [2003]
for ensemble
■String Quartet No. 2 after Rainer Maria Rilke [2000]
■ Heidelberg-Trio [1991]
for clarinet, violin and piano
■ Trio for Clarinet, Violoncello and Piano [1994]
■Sonata for Clarinet and Piano [1990]
■ Drei Bogentänze [2003]
for violoncello and piano
■ Tag und Nacht ,Hommage à M. C. Escher‘ [1995]
for piano solo
■Ma’or [2003]
for clarinet solo
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Katia
Tchemberdji
*6. Mai 1960
Moskau
Bereits als Siebenjährige wurde Katia Tchemberdji in die Zentrale Musikschule des
Moskauer Konservatoriums aufgenommen, an dem sie 1978 ihre Studien in den Fächern Komposition, Musiktheorie und Klavier fortführte. Ihre wichtigsten Lehrer waren
Nikolai Korndorf und Juri Cholopow. 1984 legte Katia Tchemberdji sämtliche Examina
mit Auszeichnung ab. Von 1984 bis 1990 unterrichtete sie an der Gnessin-Musikhochschule in Moskau. Seit 1990 lebt und arbeitet sie in Berlin. Im Jahr 2003 übernahm
Tchemberdji einen Lehrauftrag für Komposition für Kinder und Jugendliche an der
Neuköllner Paul-Hindemith-Musikschule.
Als Komponistin und Pianistin gleichermaßen gefragt, wurde Katia Tchemberdji zu
zahlreichen internationalen Kammermusikfestivals eingeladen. Sie unternahm ausgedehnte Konzertreisen als Begleiterin der Cellistin Natalia Gutman. Katia Tchemberdji
erhielt zahlreiche Kompositionsaufträge von namhaften Musikern und Veranstaltern.
Ihr überwiegend introvertierter, lyrisch-expressiver Stil entfaltet besonders in ihrer Klavier- und vokalen Ensemblemusik berührende Klangwirkungen.
Katia Tchemberdji was accepted at the Central Music School of the Moscow Conservatory when she was just seven years old; she continued her studies in composition,
music theory and piano there in 1978. Her most important teachers were Nikolai Korndorf and Yuri Kholopov. In 1984 Katia Tschemberdji passed all her examinations with
honours. From 1984 to 1990 she taught at the Gnessin Music Academy in Moscow.
Since 1990 she has lived and worked in Berlin. In 2003 Tschemberdji received a post
teaching composition to children and youths at the Paul Hindemith Music School in
Neukölln (Berlin).
In equal demand as a pianist and composer, Katia Tchemberdji has been invited to
numerous international chamber music festivals. She undertook extensive concert tours
as the accompanist of the cellist Natalia Gutman. Katia Tchemberdji has received numerous composition commissions from renowned soloists and organisers. Her predominantly introverted, lyrical-expressive style develops moving sonic effects, especially in
her piano and vocal ensemble music.
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www.tchemberdji.com
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■ The Ring of Fire [1967/1977]
Opera in two acts (eight tableaux) by Vladimir Shakhnazaryan
■ Das Beben [The Earthquake] [1984]
Opera in two parts (seven tableaux) after Heinrich von Kleist’s novel
‘Das Erdbeben in Chili’ by Gerta Stecher and Avet Terteryan
■ Monologues of Richard III [1979]
Ballet in 2 parts after William Shakespeare
■ Symphonies Nos. 1-8 [1969, 1972, 1975, 1976-1989, 1978, 1981, 1987, 1989]
■ Sonata for Violoncello and Piano [1955]
■ String Quartets Nos. 1 and 2 [1964, 1991]
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■ Moscow Young Composers Award [1956]
■ First Prize at the Halle Stage Works Competition (for ‘The Ring of Fire’) [1968]
■ Armenian State Prize [1977]
■ Wolf Ebermann Prize of Internationales Theaterinstitut, Halle [2004]
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Awet
Terterjan
Avet Terteryan
29. Juli 1929 – 11. Dezember 1994
Baku – Jekaterinburg
Awet Terterjan wurde in eine musikbegeisterte Familie geboren.1948 schrieb sich
Awet Terterjan an der Musikhochschule von Baku ein. Ab 1951 setzte er seine Studien
an der Romanos-Melikjan-Musikhochschule fort. Von 1952 an studierte er am Staatlichen Komitas-Konservatorium in Jerewan Komposition bei Eduard Mirsojan.
Neben seiner Tätigkeit als freier Komponist bekleidete er eine Reihe von offiziellen
Ämtern. Von 1960 bis 1963 war er Exekutiv-Sekretär des Armenischen Komponistenverbandes. Zwischen 1970 und 1974 fungierte Terterjan als Vorsitzender der Abteilung
Musik im armenischen Kulturministerium. 1985 nahm er eine Professur am Jerewaner
Konservatorium an. 1994 erhielt er ein Stipendium des Landes Brandenburg und arbeitete sechs Monate in Wiepersdorf.
Seine Kompositionen, die meist in der Abgeschiedenheit des Sewan-Sees entstanden,
zeichnen sich durch eine sehr persönliche Mischung von modernen westlichen Kompositionsströmungen (etwa Dodekaphonie und Aleatorik) und armenischen Volksmusiktraditionen aus, deren Instrumentarium und Klangfarbenpalette unverwechselbare
Akzente setzt. Im Westen wurde Terterjan besonders mit der Kleist-Oper ,Das Beben‘
und durch sein umfangreiches sinfonisches Schaffen bekannt.
Avet Terteryan was born into a family enthusiastic about music. In 1948 Avet Terteryan
enrolled at the Music Academy in Baku. In 1951 he continued his studies at the Romanos
Melikyan Music Academy. From 1952 he studied composition with Eduard Mirsoyan at
the State Komitas Conservatory in Yerevan.
Alongside his activity as a free-lance composer, he occupied a number of official offices.
From 1960 to 1963 he was Executive Secretary of the Armenian Composers’ Union.
Between 1970 and 1974 Terteryan served as Chairman of the Music Department at the
Armenian Cultural Ministry. In 1985 he accepted a professorship at the Yerevan Conservatory. In 1994 he received a stipend of the Province of Brandenburg and worked in
Wiepersdorf for six months.
His compositions, most of which were composed in the isolation of Sevan Lake, are noted for
their very personal mixture of modern Western compositional currents (e.g. dodecaphony
and aleatory techniques) and Armenian folk traditions, especially emphasising instrumentation and tone colours in a unique and inimitable way. Terteryan became known in the West
primarily for his Kleist opera ‘The Earthquake’ and for his extensive symphonic production.
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www.terterian.org
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■Symphony No. 1 [1974]
■Architectura caelestis [1976]
for female voices and orchestra
■ Chamber Concerto [1974]
for eight instruments
■ Risse des Himmels [1968/1977]
Song cycle for soprano, flute and piano
■ Objet trouvé [1968/1977]
for flute and piano
■String Quartet [1976]
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■ Bach Prize Young Composers Award, Hamburg [1975]
■ International Rostrum of Composers Award, Paris [1978]
■ Sprengel Music Prize, Hannover [1980]
■ GEMA German Music Authors Prize [2009]
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Manfred
Trojahn
*22. Oktober 1949
Cremlingen
Manfred Trojahn studierte zunächst Flöte an den Musikhochschulen in Braunschweig und Hamburg, wo er später auch Kompositionsschüler von Diether de la Motte war. Ende der 70er Jahre hielt er sich als Stipendiat an der Villa Massimo in Rom auf
und wohnte einige Zeit in Paris und Hamburg. Seit 1991 ist er Kompositionsprofessor
an der Robert-Schumann-Musikhochschule in Düsseldorf. Von 2004 bis 2006 war er
Präsident des Deutschen Komponistenverbandes. Sein gegenwärtiges Schaffen wird
vom Bärenreiter-Verlag betreut.
Der Schwerpunkt seiner kompositorischen Tätigkeit liegt im orchestralen Bereich, der
vor allem seine expressionistisch eingefärbte, auf der Dodekaphonie aufbauende, freitonale Formensprache widerspiegelt, sowie in experimenteller Kammermusik.
Manfred Trojahn initially studied flute at the Music Academies in Braunschweig and
Hamburg, where he was later a composition pupil of Diether de la Motte. At the end
of the 1970s he received a stipend to stay at the Villa Massimo in Rome and lived for
a time in Paris and Hamburg. He has been Professor of Composition at the Robert
Schumann Music Academy in Düsseldorf since 1991. He was President of the German
Composers’ Union from 2004 to 2006. His present compositional output is available
from Bärenreiter Publishers.
The main emphasis of his compositional activity lies in the orchestral area, which especially reflects his expressionistically coloured, freely tonal formal language built on
dodecaphony, as well as in chamber music.
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■Symphonies Nos. 1- 5 [1955 , 1979, 1983, 1987, 1990]
for vocal soloists and orchestra / ensemble
■ Concerto for Piano, Strings and Timpani [1946]
■ Composition No. 1 ‘Dona nobis pacem’ [1971]
for piccolo, tuba and piano
■ Composition No. 2 ‘Dies irae’ [1973]
for eight double basses, percussion and piano
■ Composition No. 3 ‘Benedictus, qui venit’ [1975]
for four flutes, four bassoons and piano
■Octet [1950]
for two oboes, four violins, timpani and piano
■Sonata for Violin and Piano [1952]
■Grand Duet [1959]
for violoncello and piano
■ Piano Sonatas Nos. 1- 6 [1947 , 1949, 1952, 1957, 1986, 1988]
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Galina
Ustwolskaja
Galina Ustvolskaya
17. Juni 1919 – 22. Dezember 2006
Petrograd (St. Petersburg)
Galina Ustwolskaja studierte von 1937 bis 1939 an der Musikfachschule in Leningrad und bis 1947 am dortigen Rimski-Korssakow-Konservatorium. Hier erhielt sie
eine Aspirantur und leitete schließlich eine Kompositionsklasse an der dem Konservatorium angegliederten Musikfachschule. Ihr Kompositionslehrer Dmitri Schostakowitsch äußerte sich begeistert über sie. Mehrfach setzte er sich gegen den Widerstand
seiner Kollegen im Komponistenverband für sie ein. Ustwolskaja gilt neben Sofia Gubaidulina als die bedeutendste Komponistin Russlands. Ihr Werkkatalog ist überaus
konzentriert, ihre musikalische Botschaft lapidar und kompromisslos.
Ustwolskajas Kompositionen sind ,sinfonisch‘ gedacht, unabhängig von ihrer tatsächlichen Besetzung oder zeitlichen Ausdehnung. Sie schreibt eine asketische, von unerhörter rhythmischer Kraft getragene Musik. Im Notenbild fehlen häufig Taktstriche,
was erstaunlich asymmetrische polyphone Konstruktionen hervorbringt. Dynamische
Entwicklungen sind fast auf reine Terrassendynamik reduziert und von extremen Kontrasten geprägt. Die von ihr vertonten vornehmlich christlichen Texte sind aphoristisch
und konzentriert. Ihre Werke künden von einem strengen, unabhängigen Geist, von
unerbittlichem Willen und tiefer Gläubigkeit.
Galina Ustvolskaya studied from 1937 to 1939 at the Music College in Leningrad
and at the Rimski-Korsakov Conservatory there until 1947. She received an aspirantship
there and ultimately led a composition class at the Music College connected to the Conservatory. Her composition teacher, Dmitri Shostakovich, was enthusiastic about her.
He repeatedly supported her against the resistance of his colleagues in the Composers’
Union. Alongside Sofia Gubaidulina, Ustvolskaya is considered Russia’s most significant woman composer. Her catalogue of works is highly concentrated, her musical
message lapidary and without compromise.
Ustvolskaya’s compositions are ‘symphonic’ in thought, regardless of their actual scoring or temporal scale. She writes an ascetic music carried by an incredible rhythmic
energy. The bar-lines are often missing from her scores, resulting in astonishingly asymmetrical polyphonic constructions. Dynamic developments are almost reduced to purely
terraced dynamics and marked by extreme contrasts. The predominantly Christian texts
set by her are aphoristic and concentrated. Her works bear witness to a strict, independent spirit, an inexorable will and deep religiosity.
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■Lady Magnesia Op. 112 [1975]
Opera in one act after Bernard Shaw
■ The Portrait Op. 128 [1980]
Opera in three acts after Nikolai Gogol
■ The Idiot Op. 144 [1987]
Opera in four acts after Fyodor Dostoevsky
■Symphonies Nos. 6, 10, 12 and 14 Opp. 79, 98, 114, 117
[1963, 1968, 1976, 1978]
■Sinfonietta No. 1 Op. 41 [1948]
■ Concerto for Violin and Orchestra Op. 67 [1960]
■ Concerto for Clarinet and String Orchestra Op. 104 [1970]
■ String Quartets Nos. 13, 14 and 15 Opp. 118, 122, 124 [1977, 1978, 1980]
■ Piano Sonatas Nos. 3, 5 and 6 Opp. 31, 58, 73 [1946, 1956, 1960]
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Mieczysław
Weinberg
8. Dezember 1919 – 27. Februar 1996
Warschau – Moskau
Mieczysław Weinberg studierte zunächst in seiner Heimatstadt Warschau bei Józef
Turczynski Klavier, bevor er 1939 vor der herannahenden Wehrmacht fliehen musste.
Bis 1941 studierte er am Minsker Konservatorium Komposition bei Wassili Solotarjow.
Danach ging Weinberg nach Taschkent. 1943 folgte er einer Einladung Dmitri Schostakowitschs nach Moskau, wo er sich endgültig niederließ. Seitdem war er als Komponist und Pianist freischaffend tätig. Als er 1953 fälschlicherweise beschuldigt wurde,
die Idee einer jüdischen Republikgründung auf der Krim zu propagieren, und inhaftiert
wurde, setzte sich Schostakowitsch erfolgreich für seine Freilassung ein.
Ähnlich wie bei Schostakowitsch besteht Weinbergs Werkverzeichnis in erster Linie aus
einer Vielzahl von Orchesterkompositionen, darunter 22 Sinfonien, aus Kammermusik
und vor allem Balletten, Opern und Filmmusik. Seine Werke werden von den Verlagen Peermusic und Sikorski vertreten. Unter dem Einfluss von Dmitri Schostakowitsch
wandte er sich stilistisch einem expressiven Neoklassizismus zu, ohne dabei seine jüdischen Wurzeln zu verleugnen. So entwickelte er einen indivduellen Personalstil, der
ihn als einen der bedeutendsten Komponisten des 20. Jahrhunderts ausweist. Erst seit
wenigen Jahren erfährt sein Schaffen die ihm zustehende Würdigung.
Mieczysław Weinberg initially studied piano in his native city of Warsaw with Józef
Turczynski before he was forced to flee from approaching German armed forces in
1939. He studied composition at the Minsk Conservatory with Vasily Zolotaryov until 1941. After theat Weinberg moved to Tashkent. In 1943 he was invited by Dmitri
Shostakovich to come to Moscow, where he settled permanently. He was active as a
freelance composer and pianist from that time onwards. When he was erroneously
accused in 1953 of propagating the idea of founding a Jewish republic in Crimea and
was imprisoned, Shostakovich successfully advocated his release.
Similarly to Shostakovich, Weinberg’s catalogue of works consists primarily of a large
number of orchestral compositions, including 22 symphonies, chamber music and especially ballets, operas and film music. His works are represented by the publishing
houses Peermusic and Sikorski. Under the influence of Dmitri Shostakovich, he turned
to a style of expressive neo-classicism that did not deny his Jewish roots. He thus developed an individual, personal style that has since revealed him to be one of the most
important composers of the 20th century. It is only in the past few years that his œuvre
has received the deserved appreciation.
107
k e y
w o r k s
/
z e n t r a l e
w e r k e
■ The Shadow’s Farewell [2004]
for flute, violin, violoncello, vibraphone and piano
■ Ta [2008]
for violin, violoncello, piano and percussion
■ To the North [2011]
for bass clarinet
■ He [2013]
for woodwind quintet and orchestra
■In this Moment [2010]
String Quartet No. 1
a w a r d s
a n d
p r i z e s
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a u s z e i c h n u n g e n
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■ Composers Award, Ernst-von-Siemens Music Foundation [2009]
108
p r e i s e
Lin
Yang
*9. Juli 1982
Beijing
Mit sieben Jahren begann Lin YANG Klavier zu spielen und besuchte von 1995 bis
2001 die Musikmittelschule des Zentralen Konservatoriums in Beijing, um Klavier und
Komposition zu lernen. Von 2001 bis 2006 studierte sie, ermöglicht durch zwei Stipendien, am Zentralen Konservatorium bei Guoping JIA Komposition und Neue-MusikAnalyse. Im Juli 2006 absolvierte sie dort das Bachelor-Examen und studierte von
2007 bis 2011 bei Cornelius Schwehr in Freiburg und danach bis 2013 in Köln bei
Johannes Schöllhorn (Konzertexamen). In ihren Werken spielen die Suche nach dem
Klang und seinem Ursprung, das Experimentieren mit Klangfarben und Geräuschen
ebenso wie kontrapunktische Techniken und zarte lyrische Stimmungen eine wichtige
Rolle. Ihre Kompositionen wurden unter ihrer Leitung beim Festival für Neue Musik in
Beijing aufgeführt. Des Weiteren interpretierten Mitglieder des Deutschen SymphonieOrchesters Berlin, das Kammerensemble für Neue Musik Berlin, das Ensemble Courage Dresden, Mitglieder des Münchener Kammerorchesters, das Münchner Rundfunkorchester, das Amaryllis Quartett sowie das Ensemble Oktopus ihre Werke.
Lin YANG began playing the piano at the age of seven and attended the Music Middle
School of the Beijing Central Conservatory of Music from 1995 until 2001, studying
piano and composition. With the aid of two stipends from 2001 to 2006, she studied
composition and new music analysis at the Central Conservatory with Guoping JIA. In
July 2006 she completed the Bachelor examinations there and studied from 2007 to
2011 with Cornelius Schwehr in Freiburg, and then to 2013 with Johannes Schöllhorn
(concert examination). The search for the sound and its origin, experimentation with
timbres and noises as well as contrapunctal techniques and tender, lyrical moods play
an important role in her works. Her compositions have been performed under her own
direction at the Festival for New Music in Beijing; they have also been interpreted by
members of Deutsches Symphonie-Orchester Berlin, the Chamber Ensemble for New
Music in Berlin, the Ensemble Courage Dresden, members of the Munich Chamber Orchestra, the Munich Radio Orchestra, the Amaryllis Quartet and the Ensemble Oktopus.
109
k e y
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z e n t r a l e
w e r k e
■ Go Tango and Postlude [2003]
for orchestra
■ Gabriel. Poem for symphony orchestra [1991]
■ Concerto for Violoncello and Orchestra [2007]
■ Concerto intimo. Concerto No. 2 for piano and orchestra [2006]
■ Concerto for Viola and Orchestra [2003]
■ Nola. Concerto for flutes and string orchestra [1994]
■Iniquities [1998]
for eighteen players
■Musica mundi [2008]
for string quartet
■ Quintet for marimba (or piano), two violins, viola and violoncello [1996]
■ Crossroads No. 3 [2006]
for guitar
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a u s z e i c h n u n g e n
■ First Prize of the Union of Composers, Moscow [1989]
■ Clone Prize of the Israeli Union of Composers [1992]
■ Israeli Prime Minister Prize [1999]
■ ACUM Prize [2002 and 2004]
110
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p r e i s e
Benjamin
Yusupov
*22. November 1962
Duschanbe / Tadschikistan
Benjamin Yusupov gehört zu den derzeit aktivsten Komponisten in Israel. Er studierte Klavier, Komposition und Dirigieren bei Dmitri Kitajenko am Tschaikowsky-Konservatorium in Moskau. 1989 wurde er zum Chefdirigenten des Philharmonischen
Orchesters Duschanbe ernannt. Im Jahr 2001 promovierte er an der Bar-Ilan Universität (Israel). Seine Werke wurden sowohl bei Festivals in der Sowjetunion (Moskau,
Gorki) als auch in Paris, Zagreb und Israel u.a. vom Symphonieorchester Haifa, von
der Israeli Camerata Jerusalem und vom Jerusalemer Symphonieorchester aufgeführt.
Yusupovs Werke verbindet eine ganz eigenwillige, aus ungewohnten Quellen zusammengesetzte Musiksprache, die sowohl orientalische Einflüsse als auch das Experimentelle der europäischen Gegenwartsmusik beinhaltet. Insbesondere strebt Yusupov
einen neuen ,israelischen‘ Musikstil an, der sich aus den verschiedenen musikalischen
Traditionen herleitet, die in Israel wirksam sind.
Benjamin Yusupov is one of the most active composers in Israel today. He studied
piano, composition and conducting with Dmitri Kitayenko at the Tchaikovsky Conservatory in Moscow. In 1989 he was appointed chief conductor of the Duschanbe Philharmonic Orchestra. In 2001 he received his doctorate at Bar-Ilan University in Israel. His
works have been performed at festivals in the Soviet Union (Moscow, Gorky) as well
as in Paris, Zagreb and Israel by the Haifa Symphony Orchestra, the Israeli Camerata
Jerusalem and the Jerusalem Symphony Orchestra, amongst others.
Yusupov’s works incorporate a completely independent musical language compiled
from unusual sources, containing both Oriental influences and experimental aspects of
present-day European music. Yusupov especially strives for a new ‘Israeli’ musical style
deriving from the different musical traditions being cultivated in Israel.
111
www.byusupov.com
Komponisten
Composers
Abaco, Evaristo Felice dall‘
Abendroth, Walter
Albéniz, Isaac
Albinoni, Tomaso
Alexandrow, Alexander
Alexandrow, Anatoli
Ali-Sade, Frangis
Allegri, Gregorio
Amirow, Fikret
Anders, Christian
Arenski, Anton
Arnecke, Jörn
Artyomov, Vyacheslav
Arutjunjan, Alexander
Aschenbrenner, Johannes
Assafjew, Boris
Auber, Daniel François Esprit
Auerbach, Lera
Auric, Georges
Babadschanjan, Arno
Bach, Carl Philipp Emanuel
Bach, Johann Christian
Bach, Johann Sebastian
Bach, Wilhelm Friedemann
Bärmann, Heinrich Joseph
Bajoras, Feliksas
Balakauskas, Osvaldas
Balantschiwadse, Andrej
Baltin, Alexander
Banschtschikow, Gennadi
Barbe, Helmut
Bardill, Linard
Barkauskas, Vytautas
Basner, Benjamin
Baumann, Herbert
Bayer, Josef
Bechert, Ernst
Beckerath, Alfred von
Beethoven, Ludwig van
Berger, Theodor
Berlioz, Hector
Bibik, Valentin
Binkin, Sinowi
Birnstein, Renate
Bizet, Georges
Blumer, Theodor
Boccherini, Luigi
Bochmann, Werner
Böhmelt, Harald
Bojko, Rostislaw
Boieldieu, François Adrien
Borghi, Luigi
Borgmann, Hans Otto
Borodin, Alexander
Bortnianski, Dmitri
Bossler, Kurt
Brahms, Johannes
Brašinskas, Algis
Breuer, Karl Günther
Bruckner, Anton
Brugk, Hans Melchior
Busch-Orphal, Ulrich
Butting, Max
Buzko, Juri
113
Carste, Hans
Carulli, Ferdinando
Chagagortjan, Eduard
Chandoschkin, Iwan
Chatschaturjan, Aram
Chatschaturjan, Karen
Chen, Xiaoyong
Cherubini, Luigi
Chopin, Frédéric
Chosak, Rafail
Chrennikow, Tichon
Cima, Giovanni Paolo
Čiurlionis, Mikalojus
Cosacchi, Stephan
Cremer, Curt
Cruixent, Ferran
Crusell, Bernhard Henrik
Cube, Felix-Eberhard von
Czernik, Willy
Danzi, Franz
Denissow, Edison
Deutsch, Peter
Diabelli, Anton
Dmitrijew, Georgi
Dostal, Nico
Dunajewski, Isaak
Eggert, Moritz
Eisbrenner, Werner
Endler, Johann Samuel
Erdlen, Hermann
Erdmann, Helmut W.
Eschpai, Andrej
Falik, Juri
Farkas, Ferenc
Fasch, Johann Friedrich
Fecker, Adolf
Fedow (Feidman), David
Fejgin, Leonid
Field, John
Firssowa, Jelena
Fischer, Ernst
Fischer, Michael Gotthard
Franke, Alfred
Frid, Grigori
Fridlander, Alexander
114
Fröhlich, Fortunat
Fromm-Michaels, Ilse
Gabitschwadse, Rewas
Galynin, German
Girnatis, Walter
Giuliani, Mauro
Glière, Reinhold
Glinka, Michail
Gnessin, Michail
Goedicke, Alexander
Goetze, Walter W.
Goldstein, Michail
Golowin, Andrej
Golubew, Jewgeni
Gomez-Martinez, Miguel
Gordeli, Otar
Gottfried, Yaron
Graun, Johann Gottlieb
Genz, Artur
Grieg, Edvard
Grinblat, Romuald
Gröschel, Ernst
Grothe, Franz
Gubaidulina, Sofia
Guilmant, Félix Alexandre
Händel, Georg Friedrich
Harneit, Johannes
Hasse, Johann Adolf
Haydn, Joseph
Heider, Werner
Heidrich, Peter
Heinichen, Johann David
Herrmann, Hugo
Heuberger, Richard
Höller, Franz
Hoffmeister, Franz Anton
Hrabowsky, Leonid
Hsien, Hsing-Hai
Hudec, Jiři
Hummel, Johann Nepomuk
Humphries, Les
Ikramowa, Anna
Israeljan, Martunik
Ivanovs, Janis
Jacobi, Wolfgang
Jakuschenko, Igor
Jekimowski, Viktor
Jentsch, Walter
Jia, Guoping
Jourist, Efim
Jungk, Klaus
Jurowski, Wladimir
Juzeliunas, Julius
Kabalewski, Dmitri
Kalinkowitsch, Grigori
Kallós, Sándor
Kalsons, Romualds
Kameke, Ernst-Urich von
Kangro, Raimo
Kantscheli, Gija
Karabiz, Iwan
Karajew, Faradsch
Karajew, Kara
Karetnikow, Nikolai
Kaschlajew, Murad
Kasparow, Juri
Kattnigg, Rudolf
Kayn, Roland
Kelemen, Milko
Kirchstein, Harold M.
Kleiner, Werner
Kljusner, Boris
Klöss, Wilfried
Knaifel, Alexander
Kneip, Gustav
Knipper, Lew
Knobel, Theo
Kötscher, Edmund
Korndorf, Nikolai
Koroljow, Anatoli
Kreuder, Peter
Kühn, Rudolf
Künneke, Eduard
Kutavičius, Bronius
Kwernadse, Bidsina
Lagidse, Rewas
Lange, Marius Felix
Laurenty, Frank
Lebrun, Ludwig August
Leclair, Jean-Marie
Ledenjow, Roman
Lewitin, Juri
Leyendecker, Ulrich
Liebermann, Rolf
Lindner, Torsten
Liszt, Franz
Litinski, Heinrich
Ljapunow, Sergej
Ljatoschinski, Boris
Lobanov, Vassily
Loeillet, Jean Baptiste
Lokschin, Alexander
Lortzing, Albert
Lothar, Mark
Lutschenko, Igor
Maasz, Gerhard
Mackeben, Theo
Madjera, Gottfried
Mahler, Gustav
Mahnkopf, Claus-Steffen
Makarow, Jewgeni
Manikowski, Heinrich von
Manssurjan, Tigran
Martynow, Wladimir
Marx, Hans-Joachim
Matchavariani, Alexi
Mattes, Willy
Mejerowitsch, Jan
Melichar, Alois
Melzer, Fritz
Mendelssohn Bartholdy, Felix
Metzler, Friedrich
Meyer, Krzysztof
Micco, Domenico de
Micheelsen, Hans Friedrich
Milde-Meissner, Hanson
Milhaud, Darius
Mirsojan, Eduard
Mjaskowski, Nikolai
Mohler, Philipp
Montvilas, Vytautas
Moody, Philip
Moreno-Torroba, Federico
Moscheles, Ignaz
Mossolow, Alexander
Moyzes, Alexander
Mozart, Wolfgang Amadeus
Müller, Gottfried
Müller-Lampertz, Richard
Müller-Wieland, Jan
115
Munzlinger, Manuel
Mussorgski, Modest
Nagajew, Alexander
Nassidse, Sulchan
Neurath, Jochen
Nick, Edmund
Nikodijevic, Marko
Offenbach, Jacques
Oganesjan, Edgar
Ostendorf, Jens-Peter
Otaka, Hisitada
Owens, Robert
Owtschinnikow, Wjatscheslaw
Pachmutowa, Alexandra
Pärt, Arvo
Paganini, Niccolò
Paliaschwili, Sachari
Patlajenko, Eduard
Paul, Berthold
Pawlenko, Sergej
Pejko, Nikolai
Pelecis, Georgs
Pergolesi, Giovanni Battista
Petrow, Andrej
Pfannenstiel, Ekkehart
Plakidis, Peteris
Platti, Giovanni Benedetto
Pleyel, Ignaz Josef
Pohle, David
Polowinkin, Leonid
Popper, David
Poser, Hans
Priegnitz, Hans
Prigoschin, Ljuzian
Profes, Anton
Prokofjew, Sergej
Purcell, Henry
Qin, Wenchen
Quantz, Johann Joachim
Račevičius, Aleksas-Rimvydas
Rachmaninow, Sergej
116
Rääts, Jaan
Räihälä, Osmo Tapio
Raff, Joachim
Rakow, Nikolai
Raskatov, Alexander
Rebner, Wolfgang Edward
Rehbein, Herbert
Reicha, Joseph
Reisfeld, Bert
Rekašius, Antanas
Resch, Gerald
Richartz, Willy
Riege, Ernst
Riethmüller, Heinrich
Riethmüller, Helmut
Rimski-Korssokow, Nikolai
Riotte, Philipp Jakob
Rösler, Johann Josef
Roetscher, Konrad
Roslawez, Nikolai
Rosetti, Antonio
Rossini, Gioachino
Rubinstein, Anton
Ruzicka, Peter
Salieri, Antonio
Saliman-Wladimirow, David
Salmanow, Wadim
Sammartini, Giuseppe
Santoliquido, Francesco
Sarasate, Pablo de
Sauguet, Henri
Scarlatti, Domenico
Schachtner, Johannes X.
Schebalin, Wissarion
Schepeljew, Viktor
Schilling, Otto Erich
Schiwotow, Alexej
Schlenkermann, Fritz
Schnittke, Alfred
Scholz, Bernd
Schostakowitsch, Dmitri
Schreiter, Heinz
Schröder, Friedrich
Schröder, Kurt
Schubert, Franz
Schultz, Herbert
Schultze, Norbert
Schumann, Robert
Schwarz, Isaak
Schweinitz, Wolfgang von
Sedlácek, Bohuslav
Selle, Thomas
Sergejewa, Tatjana
Shchedrin, Rodion
Shoot, Vladislaw
Sidelnikow, Leonid
Siebert, Friedrich
Siw, Michael
Skorik, Miroslaw
Skrjabin, Alexander
Slonimski, Sergej
Smirnow, Dmitri
Smith, John Christopher
Smutny, Daniel
Söring, Wolfgang
Sograbjan, Aschot
Spannagel, Carl
Stamitz, Carl
Stamitz, Johann
Stastny, Vladimir
Stezjuk, Jewgeni
Stölzel, Gottfried Heinrich
Stolz, Robert
Straume, Egils
Strauß, Johann
Strecker, Heinrich
Sullivan, Arthur
Suslin, Viktor
Swetlanow, Georgi
Tailleferre, Marcelle Germaine
Taktakischwili, Otar
Tamberg, Eino
Tanejew, Sergej
Tariwerdijew, Mikael
Tarnopolski, Wladimir
Tarp, Svend Eric
Tartini, Giuseppe
Tchemberdji, Katia
Telemann, Georg Philipp
Ter-Tatewossjan, John
Terterjan, Awet
Tischtschenko, Boris
Torelli, Giuseppe
Tormis, Veljo
Trojahn, Manfred
Trozjuk, Bogdan
Tschaikin, Nikolai
Tschaikowski, Alexander
Tschaikowski, Boris
Tschaikowsky, Peter
Tschalajew, Schirwani
Tscherwinski, Nikolai
Tschulaki, Michail
Ulbrich, Siegfried
Ulmann, Hellmuth von
Uspenski, Wladislaw
Ustwolskaja, Galina
Vasks, Pēteris
Vincze, Imre
Vivaldi, Antonio
Vogel, Johann Christoph
Wal-Berg
Wassilenko, Sergej
Weinberg, Mieczysław
Weiner, Stanley
Weißenborn, Christian Julius
Wellesz, Egon
Williamson, Malcolm
Wilm, Renatus
Winter, Peter von
Wohlfahrt, Frank
Woll, Erna
Wustin, Alexander
Yang, Lin
Youmans, Vincent Miller
Yusupov, Benjamin
Zarinš, Margeris
Zfassman, Alexander
Zuckowski, Rolf
Zytowitsch, Wladimir
117
p
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