glanz klang - Staatskapelle Dresden

GLANZ KLANG
DAS MAGAZIN DER SÄCHSISCHEN STAATSKAPELLE DRESDEN SAISON 2016/2017 #01
LONDON
CALLING
Das etwas andere Konzert
„ Auf dAs spektAkel
wArtet ein jeder!“
L andLeute in PagLiacci, 2. ak t
D
ie kommenden Wochen
sind für die Kapelle und
für mich ein Mikrokosmos
dessen, was unser Orchester
ausmacht: Wir feiern unser
Jubiläum, wir erinnern an die Deutsche
Einheit und wir begrüßen großartige
Künstler wie den Pianisten Sir András
Schiff oder die Komponistin Sofia Gubaidulina. Außerdem stellen sich die
großartigen Musiker unserer Kapelle in
den Aufführungs- und Kammerabenden
mit ganz besonderen und individuellen
Programmen vor. Mit anderen Worten:
In den kommenden Konzerten können
Sie die ganze Vielfalt unseres Orchesters
entdecken.
Wir kommen dieser Tage gerade aus
London wieder, wo wir, gemeinsam mit
Christian Thielemann, an den legendären Proms teilgenommen haben. Vor
über 100 Jahren hatten der Impresario
Inhalt
GRUSSWORT
feiern, aber auch wenn wir dieses Jahr
zum »Tag der Deutschen Einheit« auftreten und eines der größten historischen
Ereignisse des Landes feiern. Besonders
möchte ich Ihnen das Interview mit unserem Solocellisten Friedwart Christian
Dittmann ans Herz legen, der sich für
Seiten 4–7
»Glanz & Klang« an die Vergangenheit
erinnert und spannende Einblicke in das
Leben der Kapelle im Spannungsfeld
zwischen Ost und West gibt.
Seiten 8–9
Ich persönlich freue mich in den
nächsten Wochen auch auf unsere großartigen Gäste, zum einen auf Sir András
Schiff, der nicht nur ein begnadeter Musiker ist, sondern ein Künstler mit politischen Prinzipien. Schiff, der seine eigene
Seiten 10–11
Heimat, Ungarn, boykottiert, glaubt an
den humanistischen Geist der Musik.
Davon erzählen auch die Werke unserer
einstigen und neuen Capell-Compositrice
Sofia Gubaidulina. Was uns besonders
Seiten 12–13 In den kommenden Konzerten
können Sie die ganze Vielfalt unseres
Orchesters entdecken.
Mascagnis Cavalleria rusticana
und Leoncavallos Pagliacci
von den Osterfestspielen Salzburg
jetzt auch auf DVD & Blu-ray!
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Robert Newman und der Dirigent Henry
Wood die Idee, Klassik einmal ganz anders vorzustellen: zu günstigen Preisen,
ohne Konventionen – zugänglich für
alle Menschen in der Stadt. Abgesehen
davon, dass ich mich besonders über
den großen Erfolg der Kapell-Konzerte
in dieser Reihe gefreut habe, fand ich
es spannend, dass diese uralten Ideen
noch immer lebendig sind, auch bei
uns in Dresden, wenn wir als Orchester
immer wieder versuchen (egal, ob in
Open-Air-Veranstaltungen, bei KLASSIK
PICKNICKT oder bei unserem neuen
Format in der Neustadt), mit möglichst
vielen Menschen in Dresden in Kontakt
zu kommen und sie für unsere Arbeit zu
begeistern.
Ganz gleich, ob in London oder bei
uns zu Hause: Es ist uns wichtig, klar zu
machen, dass die Kapelle Teil einer ganzen Region ist – ihrer Geschichte, ihrer
Entwicklung und ihrer Bewohner. Deutlich wird das stets in unseren Geburtstagskonzerten, in denen wir die lange
Tradition der ehemaligen Hofkapelle
Klassik ist keine Sättigungsbeilage
Die Staatskapelle zu Gast bei
den BBC Proms
Beethoven als
Familienangelegenheit
Konzertmeister Matthias Wollong
interpretiert im 1. Aufführungsabend
Beethovens Violinkonzert
Der Kompromisslose
Über den musikalischen Ansatz
und das Weltbild des Pianisten
Sir András Schiff
»Sei Du selbst!«
Ein Porträt der Capell-Compositrice
Sofia Gubaidulina
Seite 14 Happy Birthday, Kapelle!
Bach, Gubaidulina und Naumann
beschreiben die Musikgeschichte der
Kapelle im Geburtstagskonzert.
glücklich macht, ist, dass sie auch durch Seite 15 Kinder oder Konzerte?
den Kompositionsauftrag der Kapelle
Kinder und Konzerte!
ihre Arbeit wieder aufgenommen hat und
Die Gesellschaft der Freunde der
dass sie die Arbeit, die wir in Dresden
Staatskapelle ermöglicht jungen
als erste hören durften, ihr Werk »Oh
Familien einen Konzertbesuch inkl.
komm Heiliger Geist«, als Grundlage
kostenloser Kinderbetreuung
genommen hat, um ein weiteres Meisterwerk zu schaffen, ihr Oratorium »Über
Seiten 16–18 »Ihr dürft jetzt aber nicht
Liebe und Hass«, das wir pünktlich zum
zu uns kommen«
85. Geburtstag dieser großen Musikerin
Solocellist Friedwart Christian
aufführen werden.
Dittmann spricht im Interview
Genießen Sie die Vielfalt der Kapelle
über den Einfluss des Mauerfalls
und genießen Sie Musik aus unserer Zeit
auf die Staatskapelle
für alle von uns.
Seite 19Konzertvorschau
Die Konzerte der Staatskapelle
von Ende September bis Anfang
November
Herzlich Ihr
Seiten 20–21 Freibadzeit in Semper Zwei
Die Eröffnung der neuen Spielstätte
Semper Zwei
Jan Nast
Orchesterdirektor der Sächsischen
Staatskapelle Dresden
Seiten 22–23 »Das Geheimnis der Liebe
ist größer als das Geheimnis
des Todes«
Über die Neuproduktion von Richard
Strauss’ »Salome« in der Semperoper
Zu erleben auch auf CLASSICA, dem ersten Fernsehsender
für die Welt der klassischen Musik!
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SAISON 2016 / 2017
BBC PROMS
Klassik
IST KEINE
SÄTTIGUNGSBEILAGE
Die BBC Proms in London sind die Mutter der populären
Musik – dieses Jahr hat die Staatskapelle hier Erfolge gefeiert.
D
ie Neuerfindung der Klassik ist in Wahrheit ein alter Hut. Und sie ist made in London. Public Viewings, Picknick-Konzerte,
Open Airs – all das ist modern, aber nicht
wirklich neu. Bereits am 10. August 1895
fanden in der Queen’s Hall in London zum ersten
Mal die sogenannten »Promenade Concerts« statt.
Klassische Musik zu günstigen Eintrittspreisen für
die ganze Bevölkerung der Stadt (heute kann man
ein Proms-Konzert für sechs Pfund besuchen). Das
Motto ist das Gleiche geblieben: legere Kleidung statt
Anzug, applaudieren, wann immer etwas gefällt, statt
traditioneller Klassik-Ehrfurcht. Ein Phänomen, das
in unserer schönen neuen Klassikwelt längst wieder
Konjunktur hat. Heute ist es modern, dass Orchester
»Konzerte für alle« geben oder dass sie ihre Abende
auf Großleinwänden übertragen. Auch die Staatskapelle Dresden ist dabei, egal, ob die Musiker ganz
leger in den Kneipen der Neustadt auftreten, ob die
ganze Stadt am Elbufer einer Symphonie lauscht oder
ob Musik die Menschen zum Picknick vor die Gläserne Manufaktur lockt. »Es ist wichtig, dass Orchester
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SAISON 2016 / 2017
sich ihrer Stadt öffnen«, sagt Jan Nast, Orchesterdirektor der Staatskapelle in Dresden, »und in London
liegen die Grundsteine dieser genialen Idee.«
Es war der Börsenmakler und Musik-Impresario
Robert Newman, der die sogenannten »Proms« erfunden hat, zu denen dieses Jahr auch die Staatskapelle
eingeladen war. Newmans Idee war so provokant wie
erfolgreich. Alles, was bislang undenkbar in einem
Klassik-Konzert war, sollte plötzlich erlaubt sein:
Essen und Trinken etwa, oder das begeisterte Klatschen, auch zwischen den einzelnen Sätzen eines großen Werkes. Und selbst das Mitsingen war durchaus
erwünscht. Das erste Promenade Concert wurde von
der Dirigenten-Legende Henry Wood geleitet – und
schnell verwandelte der Maestro die Idee von Impresario Newman zu einer englischen Institution. Wood
erweiterte das Repertoire und führte das Konzept
von »Klassik für alle« kompromisslos fort. »Das war
Ende des 19. Jahrhunderts unglaublich revolutionär«,
sagt Jan Nast, »und wir leben noch immer von dieser
Idee. Auch für Newman und Wood ging es ja darum
zu beweisen, dass die Klassik keine Kunst für eine
bestimmte Gesellschaftsschicht ist, sondern für alle
Menschen. Und es ist diese Idee, der wir uns auch
in Dresden verpflichtet fühlen: Ein subventioniertes
Orchester hat schließlich immer die Verantwortung,
zugänglich für alle Menschen einer Stadt, eines Bundeslandes, eines Landes zu sein.«
Mit seiner Idee wurde Henry Wood zu einem
Superstar. Noch heute wird seine Büste bei der
»Last Night of the Proms«, dem Abschlusskonzert
der Proms-Serie, vor die Orgel der Royal Albert Hall
gestellt und mit Lorbeerblättern geschmückt. Newman und Wood haben einen vollkommen neuen Weg
für die klassische Musik erfunden – einen Weg, der
heute zum Alltag vieler Orchester gehört. Für Wood
waren Beethoven, Bach und Brahms keine MarmorGötter, er wollte beweisen, dass ihre Musik nicht nur
Sättigungsbeilage für die High-Society ist, sondern
Grundnahrungsmittel für alle Menschen.
Der Erfolg der Promenade Concerts war gigantisch, sie wurden schnell zu einer festen Einrichtung
in England, und 1927, in den Pionier-Tagen des
Radios, stieg auch die BBC ein. Der Radiosender
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SAISON 2016 / 2017
BBC PROMS
stellte mit dem neugegründeten BBC Symphony Orchestra fortan das Orchester der Proms und machte
das Festival mit einem Schlag noch populärer. Was
Henry Wood erdacht hatte, zog nun in die Welt der
Neuen Medien ein, die Klassik kam in jedes britische
Wohnzimmer. Die Proms wurden zu einer Konzertveranstaltung von nationaler Bedeutung. Das zeigte
sich besonders im Zweiten Weltkrieg. Als am 26. August 1940 heftige Luftangriffe über London tobten,
wurden die Besucher der Proms gebeten zu bleiben.
Es wurden Gesangsbücher verteilt, und der Pianist
Gerald Moore begleitete das Publikum beim gemeinsamen Singen. Bis heute gehört dieses Konzert
zu den Kriegsmythen der Briten: Die Klassik schuf
einen nationalen Zusammenhalt im Kampf gegen den
Nationalsozialismus.
Allerdings fiel die Queen’s Hall 1941 einem Luftangriff zum Opfer, und auch die BBC zog sich zunächst
Nachzuhören sind die Konzerte der
Staatskapelle bei den Proms bis Anfang Oktober
auf dem iplayer der BBC oder unter
www.bbc.co.uk/programmes/b07sxtbm bzw.
www.bbc.co.uk/programmes/b07sxtxb
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von den Proms zurück. Erst nach Ende des Krieges
war wieder alles beim Alten. Nun zogen die Proms in
die gigantische Royal Albert Hall und luden zunehmend auch Gastorchester ein. Plötzlich traten internationale Ensembles mit Weltstars wie Sir Georg Solti
oder Carlo Maria Giulini in diesem Konzertzyklus auf.
»Bis heute ist es für jeden Solisten und jedes Orchester
eine Ehre, an diesem besonderen Ort und in dieser
besonderen Atmosphäre aufzutreten«, sagt Jan Nast.
Heute sind die Proms eine Giga-Veranstaltung:
Innerhalb von acht Wochen finden täglich Konzerte
statt, dazu Gesprächsveranstaltungen, Workshops
und Familienkonzerte. Seit den 1960er Jahren stehen
auch Opern auf dem Programm (zum ersten Mal die
Glyndebourne-Produktion von Mozarts »Don Giovanni«). Außerdem werden auch Ensembles eingeladen,
die nicht aus der westlich-klassischen Welt kommen,
etwa Musiker aus Indien, Thailand oder Japan. Und
schließlich gehören auch Jazzkonzerte, Gospel oder
elektronische Musik selbstverständlich zum Programm der Proms.
Die beiden Auftritte der Staatskapelle Dresden
unter Christian Thielemann gehörten dieses Jahr zu
den Highlights. Am ersten Abend trat das Orchester
mit Daniil Trifonov auf und interpretierte Mozarts
SAISON 2016 / 2017
Klavierkonzert Nr. 21 und Bruckners dritte Symphonie. Am zweiten Abend war Nikolaj Znaider der Solist,
und auf dem Programm standen Beethovens Violinkonzert, Regers Mozart-Variat ionen und Richard
Strauss’ »Till Eulenspiegel.«
»Es ist für das ganze Orchester schon etwas sehr
Besonderes, vor dieser Kulisse zu spielen«, sagt Jan
Nast, »und der unglaubliche Applaus war wirklich
ein Erlebnis. Uns geht es bei diesen Konzerten immer
auch darum, als Botschafter der Stadt und Sachsens aufzutreten – deshalb war es für uns wichtig,
sowohl Strauss im Gepäck zu haben, der den Klang
der Kapelle mit seinen Kompositionen ja maßgeblich
geprägt hat, als auch Bruckner, dessen Werke zum
Markenzeichen unserer romantischen Spielart geworden sind. Außerdem haben wir mit unserem aktuellen Capell-Virtuosen Daniil Trifonov und unserem
ehemaligen Capell-Virtuosen Nikolaj Znaider gezeigt,
dass die Kapelle eine Heimat großer Solisten ist.«
Wenige Tage nach den Auftritten der Kapelle wurden die Proms mit der legendären »Last Nights of the
Proms« beschlossen. Dieses Konzert ist traditionell
der Höhepunkt einer Saison. Die Karten sind schon
lange im Vorfeld ausverkauft. Aber wer mindestens
fünf der regulären Proms besucht hat, nimmt auto-
matisch an einer Verlosung um die Karten für die
»Last Night« teil. Wer kein Glück hat, kampiert vor der
Ticket-Box und hofft darauf, am Morgen eine Karte
zu erhaschen. Dann kann er gemeinsam mit den anderen »Promers« (so nennt man die »professionellen«
Proms-Besucher, die am letzten Tag in lustigen Kostümen kommen) erleben, wie jedes Jahr die gleichen
»Hits of the Brits« gespielt werden. Unter anderem
Hubert Parrys Vertonung von William Blakes Gedicht
»And did those feet in ancient time«, Edward Elgars
»Pomp and Circumstance March No. 1« mit dem Song
»Land of Hope and Glory« und der nationale Klassiker: »Rule, Britannia!«
Wer keine Karten mehr bekommen hat, geht vielleicht in den Hyde Park, wo die Veranstaltung traditionell auf Großbildleinwänden übertragen wird, während die Londoner zu Musik picknicken und am Ende
gemeinsam die Lieder einstimmen. »Was England
mit den Proms etabliert hat«, sagt Jan Nast, »ist einmalig in der Welt – und seit über einem Jahrhundert
der Beweis, dass die Klassik nicht nur Spaß macht,
sondern ein ganzes Land durch alle Zeiten begleitet,
dass sie eine Kunst ist, die immer noch in der Lage
ist, Menschen aus allen Gesellschaften und Nationen
gleichermaßen zu begeistern.«
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SAISON 2016 / 2017
1. AUFFÜHRUNGSABEND
Beethoven
ALS FAMILIENANGELEGENHEIT
Eine Begegnung mit KONZERTMEISTER
MATTHIAS WOLLONG, der gemeinsam mit
der Staatskapelle und dem Dirigenten Lorenzo
Viotti Beethovens Violinkonzert interpretiert.
L
udwig van Beethovens Violinkonzert gilt als Gratmesser für
Geiger. Es liegt in unzähligen
Einspielungen vor, viele Virtuosen
haben es gleich mehrfach aufgenommen. »Dieses Stück begleitet einen
Geiger das ganze Leben lang«, sagt auch
Matthias Wollong, 1. Konzertmeister der
Sächsischen Staatskapelle, »ich persönlich
spiele es seit dem Studium.« Das Besondere
sei nicht die Technik, findet er, sondern die
Komplettheit des Werkes und seine Vielschichtigkeit. »Es ist eine grundlegende
Idee nötig, um einen Bogen vom ersten bis
zum letzten Ton zu spannen – eine musikalische Idee, die dieses vielfältige Stück
trägt.«
Montag, 17. Oktober 2016, 20 Uhr
Semperoper Dresden
1. AUFFÜHRUNGSABEND
Lorenzo Viotti DIRIGENT
Matthias Wollong VIOLINE
Ludwig van Beethoven
Violinkonzert D-Dur op. 61
Ernest Chausson
Symphonie B-Dur op. 20
Wenn Wollong das Konzert nun im
1. Aufführungsabend der neuen Spielzeit
gemeinsam mit seinen Kollegen der Staatskapelle interpretiert, geht es ihm auch
darum, für sich selber wieder eine Normalität mit diesem oft mythologisierten Werk
herzustellen. »Kaum ein anderes Stück
wird derart verklärt und auf ein Podest
gehoben«, sagt er, »und es kann passieren,
dass man vor lauter Ideen, Konzepten und
Details vergisst, dass es sich erst einmal
um wunderschöne Musik handelt. Vor lauter ›Goldwägerei‹ bei den Details kommt
es schon vor, dass man den großen Atem
vergisst.« Dabei müsse es gerade bei einem
Konzert, das so oft aufgeführt wird wie
dieses, eigentlich darum gehen, eine neue
Selbstverständlichkeit im Umgang mit dieser Musik herzustellen.
Für Wollong ist es wichtig, sich gerade
in einem solchen Meisterwerk wieder Freiheiten der Interpretation zu nehmen. »Das
hat uns die historische Aufführungspraxis
gelehrt, dass im Zentrum der Interpretation die Spielfreude stehen sollte.« Gern
erinnert Wollong an die Uraufführung
des Konzertes, das von einem mittelmäßigen Orchester mehr oder weniger vom
Blatt gespielt wurde. »Man muss sich das
vorstellen«, sagt der Konzertmeister, »die
Tinte war fast noch feucht, und man hat
sich dann damals einfach so durch dieses
Stück gefummelt.« Die erste Aufführung,
in der Franz Clement den Solopart spielte – ihm ist das Konzert auch gewidmet –,
geriet zum Fiasko. Aber gerade Beethoven
sei ein Musiker gewesen, der sich in der
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SAISON 2016 / 2017
Interpretation seiner Werke stets Freiheiten
genommen hätte, erklärt Wollong, keine
Aufführung seiner Klavierwerke klang wie
die andere. »Und vielleicht liegt darin die
Gefahr unserer Zeit«, glaubt er, »dass wir
vor lauter Gedanken und Ideen vergessen,
dass ein Teil der musikalischen Interpretation immer auch dem Zufall geschuldet ist,
dem Moment und der Intuition. Aber genau
das macht am Ende die eigentliche Musik
aus. Auch und gerade in einem Werk wie
diesem.«
Wollong geht es in seiner Begegnung
mit Beethoven nicht unbedingt darum, in
jeder Form historisch authentisch zu sein,
»es ist Unsin, jedes Pünktchen in der Partitur zu befragen und zu analysieren«, sagt
er. Trotzdem will der Dresdner Konzertmeister Beethoven nicht verbiegen, sondern »den Wollong so sehr zum Beethoven
verwandeln wie möglich. Da ist natürlich
viel Empathie mit dem Komponisten und
seinem Werk gefragt.«
Wollong hat dieses Stück oft gespielt, als
Solist und als Konzertmeister der Kapelle,
wenn andere Solisten aufgetreten sind.
»Für mich ist das immer sehr spannend,
aus dem Orchester heraus zu sehen, wie
die Kollegen mit diesem Stück umgehen.
Natürlich hat man seine eigenen Vorlieben,
Tempi und Vorstellungen, aber es ist großartig, als Orchester auch auf andere Sichtweisen eines Solisten zu reagieren.«
Wenn Wollong nun mit seinen Kollegen
aus der Kapelle gemeinsam auftritt, ist
das für den Geiger eine ganz besondere
Herausforderung. »Auf der einen Seite ist
es eine unglaublich große Freude, mit den
Kollegen zu spielen, quasi zu Hause – als
Teil einer großen Familie. Auf der anderen
Seite ist es aber wie immer bei Familien:
Hier sind die Erwartungen der Mitglieder
besonders hoch und die Kritiker besonders
ehrlich.« Der große Vorteil, als KapellMusiker gemeinsam mit der Kapelle aufzutreten, ist für Wollong, »dass ich mich
auf bestimmte Dinge verlassen kann, etwa
auf den gemeinsamen Geist, darauf, wie
wir die einzelnen Phrasen gestalten. Vie-
les passiert, ohne dass wir darüber reden
müssen.« Besonders gespannt ist er auf den
Dirigenten des Abends, auf Lorenzo Viotti.
»Ich mochte schon seinen Vater sehr gern
und halte die Viottis für eine großartige
Musikerfamilie«, sagt Wollong, »und ich
freue mich auf die gemeinsamen Proben
und darauf, einen gemeinsamen Weg durch
diese Partitur zu finden.«
Denn das eigentlich Besondere am
Beethoven-Konzert ist für Wollong, der
bei diesem Stück schon einige Orchester
als Solist mitdirigiert hat, das Ineinandergreifen von Solopart und Orchester.
»Oft besteht meine Rolle ja nur darin, die
Motive, die vom Orchester vorgestellt werden, zu umspielen und zu kadenzieren. Die
Klarinette und die Pauke sind in diesem
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SAISON 2016 / 2017
Stück ebenso tragende Instrumente. Und
vielleicht ist es das, was Abende wie diese
immer wieder besonders macht: Man muss
stets aufeinander hören, sich immer wieder
neu entdecken, um zu einem gemeinsamen
Ergebnis zu kommen.«
2. SYMPHONIEKONZERT
Der Kompromisslose
SIR ANDRÁS SCHIFF wird Robert Schumanns Klavierkonzert mit
der Staatskapelle spielen. Um seinen musikalischen Ansatz zu
verstehen, ist es hilfreich, das Weltbild des Pianisten zu kennen.
D
er Hässlichkeit der Welt die
Schönheit des Klanges entgegenzusetzen – das war für
Sir András Schiff immer ein
Grund, Musik zu machen. Sein
Leben lang hat er am perfekten Klang getüftelt, und er ist damit noch lange nicht
fertig. Nur wenige Pianisten gehen so hart
mit sich ins Gericht wie er, nur wenige
nehmen sich die großen Meisterwerke
der Klavierliteratur jedes Mal erneut so
intensiv vor, um sich so nahe wie möglich
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SAISON 2016 / 2017
an den Gedankenkosmos der Komponisten
heranzutasten – und für nur wenige Musiker scheint die Musik so substanziell zu
sein wie für ihn. Sir András Schiff will mit
seiner Kunst ein Korrektiv und eine Alternative zur Schnelllebigkeit unserer Zeit
aufstellen und zur allgegenwärtigen Fratze
menschlicher Urtriebe.
In den letzten Jahren musste er immer
wieder feststellen, dass Musik zwar vieles
kann, dass sich die Welt aber auch jenseits
ihrer Moralvorstellungen weiter bewegt.
Dass auch die Klassik mit ihrer emotionalen Kraft nicht in der Lage ist, das Böse abzuwenden. Und vielleicht ist dieses Auseinanderdriften von musikalischem Ideal und
politischer Weltwirklichkeit auch ein Grund
dafür, dass Schiff es mit seinem Anspruch
an die Musik inzwischen besonders genau
nimmt, dass er weitgehend kompromisslos
geworden ist. Bereits im Jahr 2000 sagte er
ein Konzert bei der Schubertiade in Feldkirch ab, um gegen die Regierungsbeteiligung der rechtspopulistischen Partei FPÖ
zu protestieren, 2011 zog der Ungar einen
vorläufigen Schlussstrich unter sein Land,
das inzwischen vom ebenfalls nationalen
Viktor Orban regiert wird – Schiff tritt
nicht mehr in seiner Heimat auf. In Ungarn
fühlt er sich als »persona non grata«. Dafür
gibt er weniger der politischen Führung,
als seinen Landsleuten die Schuld: »Es sind
die Leute«, sagte Schiff einmal im Deutschlandfunk, »weil sie nur Fußball wollen,
Würstchen essen und ein bisschen Sex
haben – der Rest interessiert sie nicht.«
Um Sir András Schiffs politische Kompromisslosigkeit zu verstehen, muss man
sein Leben kennen. Schiff wurde 1953 in
Budapest geboren, als Sohn eines jüdischen Gynäkologen. Sofort wurde die Musik für ihn zur Möglichkeit, das Menschliche auszudrücken und das Dasein als
religiöse Minderheit auszugleichen. Schiff
lernte Klavier und ging an die Franz-LisztMusikakademie in Budapest, wo er unter
anderen vom Komponisten György Kurtág
unterrichtet wurde. Bis heute begleiten
seine Herkunft und seine Erfahrung als
Mensch seine musikalische Attitüde. Der
Pianist ist ein vir politicus, einer, für den
Politik nicht allein in dem besteht, was einzelne Regierungen beschließen, sondern
in dem, wie der einzelne Mensch sich im
Umgang mit anderen Menschen behauptet.
Und genau hier greift er auch immer wieder in öffentliche Debatten ein.
»Unzumutbar« findet er den Antisemitismus in Ungarn und wundert sich, dass
die jüdische Gemeinde tatenlos zuschaut.
Immer wieder verteidigt er das Recht Israels als Staat, »denn dieser Staat ist eine
Notwendigkeit, um den Juden aus aller Welt
im Zweifelsfall eine Heimat zu bieten.« Als
Grundübel für den Erfolg politischer Extreme empfindet Schiff die Unwissenheit der
Menschen und ihre Bequemlichkeit. Nur,
wer es sich gemütlich macht, sei anfällig für
Propaganda und Desinformation, findet er.
All das ist auch ein Grund dafür, warum
sein Deutschland-Bild weitgehend positiv
ausfällt: »Anders als etwa Ungarn, haben
sich die Deutschen intensiv mit ihrer Vergangenheit auseinandergesetzt und aus ihr
gelernt«, sagte Schiff einmal, »dieses Land
ist mir sehr sympathisch.« Auch deshalb
hält er Bewegungen wie »Pegida« eher für
Randerscheinungen eines politischen Prozesses. »Man darf das sicherlich nicht bagatellisieren«, sagte er, »aber ich bin zuversichtlich, dass die Mehrheit der Menschen
und die Politik nicht zulassen werden, dass
sich die Geschichte hier wiederholt.«
Viele seiner politischen Überzeugungen lassen sich bei Sir András Schiff aus
seiner musikalischen Arbeit ableiten. Auch
hier setzt er Wissen voraus, kämpft gegen
Mythen und Bequemlichkeit. Und hin und
wieder sagt er dann Sätze wie diesen: »Die
meisten Pianisten sind überhaupt nicht
mehr neugierig.« Für ihn ist die Neugier
allerdings Grundlage für die ewige Arbeit
an sich selbst, eine Grundvoraussetzung
des Musizierens. Hier ist er ebenso kompromisslos wie in der Politik, etwa wenn er die
einzelnen Werke immer wieder unter der
Überschrift der »Texttreue« betrachtet. »Es
geht darum, dass man die Handschriften
studiert«, sagt er, »die Erstausgabe, die Abschriften, die Skizzen. Nur so entdeckt man
den Rahmen, von dem ein musikalisches
Meisterwerk geprägt ist. Und es ist unsere
Aufgabe, dass wir diesen Rahmen finden,
uns in ihm bewegen und genau darin eine
größtmögliche Freiheit finden.«
Und auch Robert Schumanns a-MollKonzert, das Sir András Schiff nun gemeinsam mit der Staatskapelle unter dem
Dirigat von Myung-Whun Chung aufführt,
ist ein Stück, das in harter Arbeit und in einem fünfjährigen Prozess der Entwicklung
entstanden ist. Schumann selber weist auf
der Titelseite des Autographs auf die unterschiedlichen Entstehungszeiten der einzelnen Sätze hin. Grundlage des Konzerts ist
eine Phantasie im romantischen Stil, die
der Komponist allerdings erfolglos unter-
11
SAISON 2016 / 2017
schiedlichen Verlegern angeboten hatte.
Schließlich entschloss er sich, die Phantasie in ein großes Konzert umzuwandeln, in
dem die Sehnsucht und die Liebe zweier
Menschen im Vordergrund stehen – der
Phantasie-Charakter wurde also aufrechterhalten. Und das Konzert wurde zu einem
der ersten Klavierkonzerte der Romantik,
die auch vom zeitgenössischen Publikum
bejubelt wurden. Die Interpretin der Uraufführung war übrigens Schumanns Frau
Clara, die nach der Aufführung in Dresden
notierte: »...wie reich an Empfindung, wie
interessant vom Anfang bis zum Ende ist
es, wie frisch, und welch ein schönes, zusammenhängendes Ganzes.«
Wenn Sir András Schiff, die Staatskapelle und Myung-Whun Chung sich dieses
Konzert nun vornehmen, wird es also auch
darum gehen, im Schwelgerischen und
Sehnsüchtigen, die Form des Wahrhaftigen
zu finden – um die ernsthafte Arbeit an der
Sinnlichkeit der Musik.
Samstag, 1. Oktober 2016, 18 Uhr
Montag, 3. Oktober 2016, 20 Uhr
Dienstag, 4. Oktober 2016, 20 Uhr
Semperoper Dresden
2. SYMPHONIEKONZERT
Donnerstag, 6. Oktober 2016, 20 Uhr
Luxemburg, Philharmonie
Freitag, 7. Oktober 2016, 19.30 Uhr
Linz, Brucknerhaus
Samstag, 8. Oktober 2016, 19.30 Uhr
Wien, Musikverein
EUROPA-TOURNEE
Myung-Whun Chung DIRIGENT
Sir András Schiff KL AVIER
Robert Schumann
Klavierkonzert a-Moll op. 54
Gustav Mahler
Symphonie Nr. 5 cis-Moll
Kostenlose Einführungen jeweils 45 Minuten
vor Beginn im Opernkeller der Semperoper
3. SYMPHONIEKONZERT
»Sei Du selbst!«
SOFIA GUBAIDULINA stellt die Fortsetzung ihrer Dresdner
Komposition »O komm Heiliger Geist« vor. Die Kapelle
interpretiert ihr Oratorium »Über Liebe und Hass« –
pünktlich zum 85. Geburtstag der Komponistin.
I
n ihrer ersten Amtszeit als CapellCompositrice hat Sofia Gubaidulina
in der Saison 2014/2015 nach langer
Stille wieder zu Tönen gefunden: »O
komm, Heiliger Geist« war eine Auftragskomposition der Staatskapelle und
wurde in der Frauenkirche mit großem
Erfolg uraufgeführt. Die Komponistin hat
mit diesem Werk an ihre alte Tonsprache
angeknüpft, an eine Sprache, die der Diktatur durch Spiritualität begegnet, die Freiheit der Seele verlangt, oft in packenden,
zutiefst emotionalen Musik-Momenten. Das
Sonntag, 30.10.2016, 11 Uhr
Montag, 31.10.2016, 20 Uhr
Dienstag, 1.11.2016, 20 Uhr
Semperoper Dresden
3. SYMPHONIEKONZERT
Omer Meir Wellber DIRIGENT
Camilla Nylund SOPR AN
Michael König TENOR
Thomas E. Bauer BARITON
Franz-Josef Selig BASS
MDR Rundfunkchor
Richard Strauss
Serenade Es-Dur op. 7 für 13 Blasinstrumente
Joseph Haydn
Symphonie f-Moll Hob. I:49 »La Passione«
Sofia Gubaidulina
»Über Liebe und Hass«,
Oratorium für Soli, Chor und Orchester
Deutsche Erstaufführung, Auftragswerk
der Sächsischen Staatskapelle Dresden,
der Stiftung Frauenkirche Dresden, des Rotterdams Philharmonisch Orkest und
des Gergiev Festival Rotterdam
Kostenlose Einführungen jeweils 45 Minuten
vor Beginn im Opernkeller der Semperoper
Werk ist gleichzeitig das Credo der russisch-orthodoxen Musikerin: beseelt vom
Glauben und darauf hoffend, dass das Individuum im Klang dem Absoluten begegnen
kann, dass der Einzelne mit vollendeten
Kosmen konfrontiert wird, welche ebenso
von russischer Volksmusik wie von sphärischen Klängen, aber auch von archaischen
Rhythmen geprägt sind. Gubaidulina hat
gezeigt, dass Musik noch immer ein hoch
sensibles und unmittelbares Medium im
Zeitalter der Globalisierung ist, dass sie der
politischen Realität und ihren Extremen
durchaus ein anders Denken entgegenzusetzen hat.
Inzwischen hat das Werk für Dresden
längst internationale Erfolge gefeiert, gerade wurde es in den Niederlanden unter dem
Dirigat von Jukka-Pekka Saraste aufgeführt. Und auch Gubaidulina hat mit dieser
Komposition neue Kraft geschöpft und das
vokalsymphonische Werk zu einem großen
Oratorium unter dem Titel »Über Liebe
und Hass« erweitert. Es steht im 3. Symphoniekonzert der Staatskapelle auf dem
Programm, wo es der Dirigent Omer Meir
Wellber leiten wird, gemeinsam mit den
Solisten Camilla Nylund, Michael König,
Thomas E. Bauer und Franz-Josef Selig sowie dem MDR Rundfunkchor. Die Dresdner
Aufführung findet nur zwei Wochen nach
der Uraufführung in Tallin statt und kurz
nach dem 85. Geburtstag der Komponistin.
»Über Liebe und Hass« ist auch der
musikalische Abriss eines einmaligen
musikalischen Lebens zwischen Ost und
West, Himmel und Hölle, Diktatur und
Demokratie, dem Ich und der Gesellschaft.
Gubaidulina wurde 1931 in der autonomen
tatarischen Provinz Schistopol geboren
12
SAISON 2016 / 2017
und sofort vom damaligen Sowjet-System
gefördert: Auszeichnung mit dem StalinStipendium und Studium in Moskau. Aber
die junge Komponistin ließ sich nicht
indoktrinieren, hielt nichts vom politischrealistischen Soundtrack der Sowjets und
suchte lieber nach ihrem eigenen Klang.
Schnell wurden ihre Werke als »pflichtvergessen« eingestuft, und ihre Karriere stand
vor dem Aus.
In dieser Krise traf sie dann die Komponisten-Legende Dmitri Schostakowitsch. Er
selber hatte ein Leben lang mit dem System
Stalins und seiner Nachfolger gerungen.
Er riet der jungen Komponistin ihren »Irrweg« fortzusetzen und beflügelte sie, ihre
Sprache der musikalischen Transzendenz
beizubehalten und sie als Korrektiv zum
politischen Realismus zu behaupten. »Seien
Sie Sie selbst«, sagte ihr der Komponist vor
inzwischen 50 Jahren, »haben Sie keine
Angst, Sie selbst zu sein. Ich wünsche Ihnen, dass Sie auf Ihrem eigenen falschen
Weg weitergehen.«
Und Sofia Gubaidulina ist weitergegangen, hat unbeirrt ihre ureigene Musiksprache entwickelt. Sie ging so weit, dass
ihr individueller Ton viele große Künstler
inspiriert hat. Ihre beiden wunderbaren
Violinkonzerte widmete sie Gidon Kremer
und Anne-Sophie Mutter, ihre »JohannesPassion« und ihr Werk »Johannes-Ostern«,
die zusammen ein Dyptichon ergeben,
wurden von Orchestern in der ganzen Welt
aufgeführt. Gubaidulina scheint als Mensch
und Künstlerin inzwischen mit ihren Werken zu verschmelzen: Sie selber macht
ungern große Worte, wirkt stets warm und
herzlich, ihr Denken kreist stets um das
Große und Ganze, das sie in einzelne Nuan-
cen und Schattierungen zerlegt. Gubaidulina, selbst eine erstklassige Cembalistin, hat
ein unendliches Gespür für die Möglichkeiten der Instrumentierung und schafft es in
ihren Klangkosmen immer wieder, Welten
zu errichten, die den Blick auf unsere Welt
aus anderen Sphären einnehmen.
»Es ist phantastisch und rätselhaft«,
beschrieb die Komponistin ihre Hingezogenheit zum Klang der Transzendenz
einmal, »bereits als Kind verspürte ich
dieses Einssein mit den höchsten Sphären,
ein Gefühl, das für mich stets verbunden
war mit der Wahrnehmung des Klangs, der
vibrierenden Substanz der Welt. Dies war
für mich ein Glück, aber für meine Familie
bedeutete es eine Gefahr.«
Zu »Über Liebe und Hass« wurde
Gubaidulina auch durch die aktuellen Geschehnisse in der Ukraine inspiriert. Und
erneut unternimmt sie den Versuch, der
realen Politik und den Prinzipien der Macht
die Perspektive des Klanges gegenüberzustellen. In Psalmentexten und Passagen aus
dem Werk von Augustinus fand sie überzeitliche Inspiration.
Das große Oratorium ist ein Höhepunkt
der Zusammenarbeit zwischen Gubaidulina
und der Sächsische Staatskapelle Dresden.
Seit 1992 lebt die Komponistin in Deutschland und ist dem Orchester seither in vielen
intensiven Arbeitsphasen nahe gekommen.
Sie besuchte die Internationalen Schostakowitsch Tage in Gohrisch, stellte hier einige
ihrer Werke vor, nahm an Diskussionen
um Schostakowitsch teil. Als Christian
Thielemann ihr Violinkonzert in München
mit Gidon Kremer einstudierte, verfolgte
Gubaidulina die Proben und war begeistert.
Thielemann dirigierte langsamer als auf
der Referenz-Einspielung mit Anne-Sophie
Mutter, nahm sich eigene, kleine Freiheiten
in der Partitur, und die Komponistin war
begeistert, sagte, dass sie neue Aspekte in
seiner Lesart entdeckt hätte.
Und auch im aktuellen Programm der
Kapelle wird der Stellenwert der Ausnahmekünstlerin für das Orchester deutlich.
Bereits im 2. Kammerabend stehen gleich
zwei ihrer Kompositionen auf dem Programm: »Quattro« für zwei Trompeten
und zwei Posaunen und »Risonanza« für
Trompeten, Posaunen, Orgel und Streichinstrumente.
13
SAISON 2016 / 2017
Happy Birthday,
KAPELLE!
Bach, Gubaidulina und Naumann beschreiben die
Musikgeschichte der Kapelle im Geburtstagskonzert.
D
en eigenen Geburtstag feiert
die Staatskapelle seit dem
vergangenen Jahr mit einem
Sonderkonzert, in dem das
Orchester tief in die Archive
hinabsteigt und die Vergangenheit hörbar
werden lässt. Dieses Mal stehen drei Komponisten auf dem Plan, die das Dresdner
Musikleben beeinflusst haben: Johann
Gottlieb Naumann, Johann Sebastian Bach
und die Gegenwartskomponistin Sofia Gubidulina – und ihre Werke sind natürlich
allesamt eng mit der Kapelle verknüpft.
Bachs Orchestersuiten entstanden,
als Bach von Leipzig enttäuscht war und
Ausschau nach einem perfekten Orchester
hielt. »Es muß was trefliches und excellentes zu hören seyn«, schrieb er damals
verärgert an den Rat der Stadt Leipzig und
richtete seinen Blick auch nach Dresden,
Alessandro De Marchi dirigiert auch in diesem
Jahr das Geburtagskonzert der Staatskapelle
wo er 1736 den Titel »Compositeur bey
der Königl. Hof Capelle« erhielt. Bach, der
Deutschland nie verlassen hatte, war dennoch Kosmopolit. Nicht nur, dass ihn das
Dresdner Orchester begeisterte, ein weiterer Orientierungspunkt war für ihn Frankreich, was leicht an den Rahmenteilen der
Ouvertüre der Orchestersuite Nr. 1 C-Dur
zu hören ist, etwa in der gallisch-royalen
Goût. Aber auch von Italien ließ sich der
Komponist beeinflussen, etwa im Mittelteil,
wo er dem italienischen Gusto mit Oboen
und Fagott als Soloinstrumenten frönt.
Bach nahm seine Inspiration aus der
Gegenwart der europäischen Musiklandschaft – und wurde so selbst zum größten
Inspirator der Musikgeschichte. Auch für
Sofia Gubaidulina. »Meine meditativen
Betrachtungen entstanden vor dem Hintergrund der tiefen Verehrung, die ich für die
Musik von Johann Sebastian Bach empfinde«, schrieb sie.
Ihre »Meditation über den Bach-Choral
›Vor deinen Thron tret’ ich hiermit‹« entstand 1993 im Auftrag der Bach-Gesellschaft in Bremen.
Gubaidulina ließ sich vor allem durch
den formalen Aufbau des Bach-Chorals
inspirieren und durch die Zahlenverhältnisse der Komposition. Die Zahlensymbolik
hat viele Bachforscher beschäftigt, die
in der Analyse der Bachschen Werke ein
ganzes Zahlenalphabet entdeckten und von
der antiken Prämisse ausgingen, dass die
ästhetische Qualität das Resultat von Ordnung sei. Bei der tiefgläubigen Gubaidulina
kommt ein weiterer theologischer Aspekt
hinzu. Für sie beschreibt ihr eigenes Werk
auch den Seelen-Aufstieg des Komponisten:
»Die vier Durchführungsabschnitte, von
denen jeder von einer Choralzeile beendet
wird, sind die vier Stufen eines Weges,
den die Musik gehen muss, bis der Choral
vollständig erklingen kann. Dies ist auch
der Aufstieg der Seele Bachs: ›Vor deinen
Thron tret’ ich hiermit.‹«
Um das perfekte Orchester ging es auch
Johann Gottlieb Naumann, der für Dresden
14
SAISON 2016 / 2017
zahlreiche italienische Opern komponierte
und es binnen kurzer Zeit schaffte, die Hofkirchenmusik wieder auf das Niveau ihrer
Vorkriegsqualität zu heben. In seinem Privathaus in Blasewitz verkehrten namhafte
Besucher, unter ihnen die Kurfürstin-Mutter, der Herzog von Kurland und die Familie
von Brühl. Vermutlich kannte er auch Schiller, der damals auf der anderen Elbseite bei
Körner weilte. Knapp vierzig Jahre währte
seine Dienstzeit am Sächsischen Hof, wo
er zahlreiche Messordinarien, Vespern,
Offertorien, Antiphonen, Hymnen, Litaneien und Solomotetten vertonte. Vermutlich
komponierte Naumann die Missa d-Moll
für das Weihnachtsfest 1794. »Ganz Europa
hatte nur eine Stimme, und dieß war Lob
und Beifall«, bejubelte Joseph Haydn seinen
Kollegen Naumann im Jahre 1802. Mit dem
Geburtstagskonzert der Kapelle werden mit
Naumann, Bach und Gubaidulina drei prägende Musiker geehrt, die den Klang der
Kapelle in der Vergangenheit bestimmten
und bis heute an ihm arbeiten.
Donnerstag, 22. September 2016, 20 Uhr
Semperoper Dresden
SONDERKONZERT
AM GRÜNDUNGSTAG
DER SÄCHSISCHEN
STAATSKAPELLE DRESDEN
In Kooperation mit dem Bachfest Dresden
Alessandro De Marchi DIRIGENT
Emily Dorn SOPR AN
Christina Bock MEZOOSOPR AN
Filippo Adami TENOR
Evan Hughes BASSBARITON
Vocal Concert Dresden
EINSTUDIERUNG: PETER KOPP
Johann Sebastian Bach
Orchestersuite Nr. 1 C-Dur BWV 1066
Sofia Gubaidulina
»Meditation über den Bach-Choral ›Vor deinen
Thron tret’ ich hiermit‹« für Cembalo, zwei
Violinen, Viola, Violoncello und Kontrabass
Johann Gottlieb Naumann
Missa Nr. 18 d-Moll
Zum 275. Geburtstag des Komponisten
Kinder oder Konzerte?
KINDER UND KONZERTE!
Sie haben kleine Kinder und gehen gern ins Konzert? Herzlichen Glückwunsch! Der Sonntag gehört der Familie, aber gerade da locken so spannende Vormittagskonzerte der Sächsischen Staatskapelle? Noch einmal:
Herzlichen Glückwunsch! Denn kleine Kinder und der Konzertbesuch schließen einander nicht aus. Von nun
an kann man das ganz familiär miteinander verbinden.
E
s ist einer Idee der Gesellschaft der Freunde der
Sächsischen Staatskapelle zu
verdanken, dass von nun an
junge Eltern bei Sonntagskonzerten spürbar entlastet werden.
Sie können den Nachwuchs während
der Aufführungen in kompetente
Hände geben und genießen selbst das
Konzert. »Unser Hauptanliegen ist es,
möglichst viele Menschen für dieses
Orchester zu begeistern«, begründet
Notar Dr. Christoph Hollenders diese
Initiative. Der Vorstandsvorsitzende
der Gesellschaft der Freunde der
Staatskapelle setzt sich mit seinen
Mitstreitern stets dafür ein, vor allem
bei jungen Leuten das Interesse an der
Kapelle zu fördern.
»Aber gerade Eltern von kleinen
Kindern müssen dann oft pausieren,
weil sie nicht für jedes Konzert eine
Kinderbetreuung organisieren können.
Da hatten wir die Idee, dies kostenfrei
zu übernehmen.« Christoph Hollenders
hat folgende Lösung parat: »In den
Sonntagvormittagskonzerten sorgen
wir dafür, dass junge Eltern Musik und
Nachwuchs unter einen Hut bekommen. Dank einer Kooperation mit der
Semperschule werden die Kinder bestens betreut, während die Eltern das
Konzert genießen.«
Natürlich soll das Ganze auch möglichst einfach funktionieren. Beim Kartenkauf an der Schinkelwache können
die Eltern ihre Kinder bereits anmelden und müssen dann lediglich eine
halbe Stunde vor Konzertbeginn in der
Oper sein. Dort werden die Jüngsten –
empfohlen ist dieser Service für Kinder
von etwa drei bis sieben Jahren – in
Empfang genommen und spielerisch
betreut. »Das Ganze findet in einem
Nebenraum statt, die Kinder bleiben
also stets in der Nähe der Eltern«,
erläutert Hollenders die praktische
Seite. Und verweist auf die Website
der Gesellschaft, wo sämtliche Informationen sowie auch die Anmeldung
und eine Einverständniserklärung
der Eltern abgerufen werden können.
Denkbar sei schon für die nahe Zukunft, dass dies auch mit musischen
Aspekten verbunden wird, falls von
den Kindern gewünscht. Der umtriebige Vorstandschef verweist in diesem
Zusammenhang auf die beliebte Reihe
»Kapelle für Kids«, die sich bereits
sehr erfolgreich um die Bindung von
jungen Leuten zur klassischen Musik
kümmert. »Der Schwerpunkt unserer
neuen Idee liegt ganz klar darauf, die
Eltern für den Konzertbesuch wieder
frei zu machen.«
Die Freunde der Staatskapelle sorgen mit ihrem Engagement bereits auf
anderen Wegen dafür, junge Menschen
mit Freude zur Musik zu bringen. Als
»Renner« auf diesem Gebiet bezeichnet
Hollenders die Ringvorlesung Capella
Generalis an der TU Dresden. »Nach
dem großen Erfolg im ersten Jahr werden wir diese witzige und fachübergreifende Reihe unbedingt fortsetzen.«
Voraussichtlich im kommenden Jahr
werden wieder einzelne Kapellmusiker
und ihre Instrumente präsentiert, um
die Zuhörerkreise des Orchesters zu
erweitern und zu verjüngen. Vereinsmitglieder moderieren diese Reihe.
All diese Bemühungen fügen sich
in das Ziel der Gesellschaft, die Staatskapelle sowohl vor Ort als auch international so gut wie möglich zu vernetzen. Christoph Hollenders weiß sich da
mit seinem Freundeskreis auf gutem
Weg in Wirtschaft, Kultur und Politik.
Erst jüngst bereiste der Honorarkonsul
der Republik Korea mehrere asiatische Länder, um die Bildung sowie
Förderung internationaler Netzwerke
zu forcieren. Er schwärmt vom sprichwörtlichen Interesse der Japaner: »Die
Verbindung zwischen Staatskapelle
und Japan hat feste Traditionen. Man
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SAISON 2016 / 2017
Dr. Christoph Hollenders
staunt trotzdem immer wieder, wie
viele treue Fans unseres Orchesters es
dort gibt.«
Im Land der aufgehenden Sonne ist
jedes Gastspiel der Sächsischen Staatskapelle ein musikalischer Höhepunkt.
Schon bald wird die Tokyo-Residenz
des Orchesters das dreißigjährige
Bestehen der weltberühmten Suntory
Hall mit mehreren Orchester- und
Kammermusikkonzerten feiern.
Christoph Hollenders denkt freilich
auch an nähere Ziele wie die Osterfestspiele Salzburg: »Die Menschen
dort sind natürlich sehr an guter Musik
interessiert. Für sie zählt höchste Qualität, keine Frage. Das ist ein wichtiger
Anknüpfungspunkt für uns, mit dem
es gelingt, dass unser weltweites Publikum dem Orchester nachreist und
selbstverständlich auch nach Dresden
kommen wird.«
Und falls die Gäste dann kleine
Kinder mitbringen werden, ist das –
zumindest sonntags am Vormittag –
überhaupt kein Problem.
Michael Ernst, Autor
www.gfskdd.de/verein/projekte
FESTAKT ZUM TAG DER DEUTSCHEN EINHEIT
»Ihr dürft jetzt aber
nicht zu uns kommen!«
WIE DER FALL DER MAUER DIE STAATSKAPELLE DRESDEN
BEEINFLUSST HAT UND BIS HEUTE BEEINFLUSST.
1989 fiel die Mauer, und die Staatskapelle Dresden wird anlässlich der Feiern
zur Deutschen Einheit den Festakt in der Semperoper mitgestalten. Aber wie
haben die Musiker und das Orchester die Wende erlebt? Und wie wirkt sich die
Deutsch-Deutsche Frage bis heute auf den Klang der Kapelle aus? Ein Gespräch
mit dem Kapell-Solocellisten Friedwart Christian Dittmann.
Herr Dittmann, wenn Sie als Musiker der
Kapelle an den Mauerfall denken – woran
erinnern Sie sich?
Das ist schwer zu sagen, da sich sehr persönliche Erinnerungen und Gefühle mit
den Erinnerungen und Gefühlen des Musikers vermischen. Was ich sagen kann, ist,
dass uns im Herbst 1989 wohl allen klar
war, dass das System der DDR dem Ende
entgegen ging. Wie dieses Ende aussehen
würde, wussten wir nicht. Die Zeit war
von einer Euphorie und von einer inneren
Spannung geprägt. Ich erinnere mich, dass
einer der Musiker damals nach einer Probe
geflüstert hat: »Den Sozialismus in seinem
Lauf hält weder Ochs noch Esel auf...«, und
uns war allen klar: Dieser Spruch wird in
Erfüllung gehen, aber auf ganz andere Art
und Weise, als sich das Honecker vorgestellt hatte.
Gibt es ein konkretes musikalisches Ereignis,
das Sie mit dem Mauerfall verbinden?
Einschneidend war sicherlich die »Fidelio«Premiere an der Semperoper in der Regie
von Christine Mielitz. Als wir damals vor
der Aufführung aus dem Fenster in den Hof
der Oper schauten, sahen wir allerhand
Männer mit Hängetaschen, also typische
Stasi-Leute. Es war klar, dass diese Auffüh-
rung unter genauer Beobachtung stand.
Kein Wunder, denn was auf der Bühne
stattfand, war ja ein Spiegelbild jener
Gefühlslage, die auch in den Straßen des
Landes in der Luft lag. Die Menschen sind
in Leipzig, und später auch in Dresden,
auf den Straßen gewesen. Und uns war
bewusst, dass da draußen etwas passierte,
was wir nun auch in die Mauern des Theaters, also an einen Ort der Repräsentation,
holten: ein Schrei nach Freiheit! Auf der
Bühne sah man ein Gefängnis, in dem die
Gefangenen um Freiheit und Luft bettelten.
Das hat natürlich jeder verstanden, zumal
Mielitz sehr starke Bilder gefunden hatte.
Wir im Orchester ahnten, dass die öffentlichen Reaktionen – sowohl der Staatsmacht
als auch des Publikums – eine Art Gratmesser für den Zustand des Landes sein
würden. Ich glaube, es ist nicht gelogen,
wenn ich heute sage, dass so ziemlich jeder
Musiker das, was auf der Bühne stattfand,
damals richtig und wichtig fand und wir
auch für die Ideen und den Mut von Frau
Mielitz gespielt haben.
Hatten Sie damals konkret Angst, dass das
schief gehen könnte?
Ich war damals nicht einmal 30 Jahre,
und wir waren von den Geschehnissen auf
den Straßen gebannt. Wir ahnten, dass
etwas Großes passieren könnte. Aber Angst
hatte ich nicht. Es war ein merkwürdiges
Abenteuer, dessen Ausgang niemand voraussagen konnte. Aber wenn mich meine
Erinnerung nicht trügt, haben wir nicht an
eine Katastrophe gedacht, sondern auf eine
entscheidende Wende gehofft.
Gehen wir zunächst einen Schritt zurück: Die
Kapelle war ja Teil des Systems der DDR...
Natürlich, aber es war schon lange so, dass
Friedwart Christian Dittmann
16
SAISON 2016 / 2017
unsere Systemrelevanz weniger politischer
als wirtschaftlicher Natur war. Es war klar,
dass die Kapelle Devisen einspielen sollte.
Deshalb war das Orchester ja auch so groß:
ein Teil musste in Dresden den Betrieb am
Laufen halten, der andere war auf Gastspielen, genoss dort eine ziemlich große
Freiheit und musste dafür die Devisen mit
nach Hause bringen. Dass es der politischen Führung darum ging, die Kapelle so
oft wie möglich in den Westen zu schicken,
zeigte sich ja auch an den Personalentscheidungen. Wir hatten uns mit dem skandinavischen Chefdirigenten Herbert Blomstedt
ja schon früh geöffnet und später auch mit
seinem niederländischen Nachfolger Hans
Vonk, für den sich besonders die Kapelle –
gegen den offiziellen politischen Willen –
eingesetzt hat.
Wie wurde die Kapelle bei ihren Gastspielen
im Westen wahrgenommen?
Natürlich sind viele Leute in Westdeutschland oder in New York auch deshalb gekommen, um zu sehen, wie wir so aussehen und
ob wir auch in Fräcken spielen. Abgesehen
davon war es oft auch ein politisches Zeichen, uns einzuladen. Aber am Ende ging
es dann eben doch um die Musik. Und ich
glaube, dass viele Besucher im Ausland
unsere spezielle Art zu spielen und unseren
Klang wahrgenommen haben.
Ein Klang, der oft in Verbindung mit der DDR
erklärt wird. Die gängige These geht ungefähr so: Die Staatskapelle hat sich ihren alten
Klang bewahrt, weil sie vom Rest der Welt
abgeschottet war. Ist das wirklich so?
Ich glaube nicht, dass man diese Frage
mit »Ja« oder »Nein« beantworten kann.
Ich denke, dass der Dresdner Klang sich
zunächst einmal viel logischer musikalisch
als politisch erklären lässt. Für mich ist
eine der Grundlagen unseres Klanges der
Umstand, dass wir sowohl ein Konzert- als
auch ein Opernorchester sind und damit
per se flexibel und transparent sein müssen. Ein weiterer Baustein ist unser Kernrepertoire, besonders die Werke von Richard
Strauss, die uns immer begleitet und unser
Spiel beeinflusst haben. Das System der
DDR hat diese musikalische Komponente
vielleicht mitgeprägt, indem wir tatsächlich
abgeschottet waren, was die Einstellung
junger Musiker betraf – die meisten wurden
ja von uns selber ausgebildet und haben
unseren Sound bereits verinnerlicht, bevor
sie Kapell-Musiker wurden. In diesem Fall
war der Einfluss von außen also tatsächlich nicht sonderlich groß. Aber es wäre
absurd zu behaupten, dass wir unseren
Klang hauptsächlich dem System der DDR
zu verdanken haben. Am Anfang stand das
musikalische Konzept, die musikalische
Herkunft, die musikalische Struktur – und
nicht das politische System.
17
SAISON 2016 / 2017
Sie meinen, ohne die DDR würde die Kapelle
heute genau so klingen?
Das ist eine hypothetische Frage. Natürlich
gab es schon Besonderheiten in der DDR.
So hatten wir vielleicht einfach mehr Zeit.
Ich erinnere mich, wie Sir Colin Davis davon schwärmte, dass wir Musiker bereits 30
Minuten vor Probebeginn im Graben saßen
und geübt haben. Aber war das wirklich die
»Schuld« der DDR? Vieles kann man heute
kaum noch zuordnen. Kann es nicht auch
sein, dass sich nicht nur die politischen
Systeme verändert haben, sondern auch die
Paradigmen des Lebens in den jeweiligen
Zeiten? Was ich sagen will: Gibt es heute
nicht überall in der Welt weniger Zeit? Gibt
es nicht überall diesen Trend zur Individua
lisierung? Beobachten wir nicht überall
eine Globalisierung des Klanges? Ich frage
Sie also zurück: Hat das nun mit der politischen Weltsituation zu tun oder einfach nur
damit, dass wir unsere Zeit anders organisieren, dass die Wege kürzer geworden
sind, dass die Technik uns einen schnelleren Zugang zu anderen Welten eröffnet?
Monokausale Antworten sind bei solchen
Fragen vielleicht effektvoll, aber nicht wirklich hilfreich. Und deshalb weiß ich nicht,
wie groß der Einfluss der DDR und ihres
Systems auf den Klang der Kapelle war.
Die Konzerte der Staatskapelle
von September bis Anfang November
Die Staatskapelle Dresden beim 1. Symphoniekonzert der Saison 1989 / 1990 im Kulturpalast.
Aber könnte man so weit gehen und sagen,
dass die Erfahrungen in der DDR die Mentalität der Kapelle bis heute beeinflussen?
Wenn Sie damit meinen, dass wir bis heute
kontrovers über unser Klangbild streiten,
dass wir uns über unsere Vergangenheit
bewusst werden und immer wieder fragen,
ob und was wir dem sogenannten Mainstream opfern wollen, wenn Sie meinen, ob
wir deshalb bis heute ein kritisches Orchester sind, das nicht jede Mode bedingungslos mitmacht, das in der Vergangenheit
den Wert des eigenen Kollektivs gelernt hat
– dann würde ich diese Frage durchaus mit
»Ja« beantworten.
Zurück zum Fall der Mauer – wie haben Sie
den persönlich erlebt?
Wir waren an diesem Tag ausgerechnet auf
einem Konzert in Westdeutschland, irgendwo im Süden, ich glaube in Regensburg, als
uns der Orchesterinspektor nach dem Konzert mit tränendem Augen erklärte: »Die
Mauer ist gefallen.« Dass dieser Mann später als Stasi-Spitzel seinen Job verlor, mag
einen heute erschrecken, aber es zeigt eben
auch, dass ein Orchester nur aus Menschen
besteht, dass es eine Institution ist, in der
Leute mit unterschiedlichen Weltbildern
am gleichen Ziel, an der Musik, zusammenarbeiten. Vielleicht ist es das, was wir in
diesen Zeiten auch gelernt haben, dass ein
Orchester nicht per se moralisch überlegen
ist, sondern letztlich nur ein Abbild des
menschlichen Durchschnittes darstellt.
Gab es an diesem Abend auch Reaktionen
von den westdeutschen Gastgebern?
Daran kann ich mich heute nicht mehr erinnern. Wir haben diesen Abend eher im
Kreise der Kollegen verbracht, sind in eine
Kneipe gegangen und haben Fernsehen
geschaut. Einige Tage später habe ich bei
einer Verwandten in Nürnberg angerufen.
Deren ersten Worte habe ich nicht vergessen: »Ihr dürft jetzt aber nicht zu uns
kommen.« Man sieht daran, wie emotional
überfordert die Menschen auf beiden Seiten der Mauer plötzlich in dieser Situation
waren.
Sie wollten sicherlich auch nicht nach Nürnberg, sondern zurück nach Dresden. Wie hat
sich die Welt dort in diesen Tagen verändert?
Entscheidend war, dass wir ja bereits schon
Wochen vor der Wende handelseinig mit
Giuseppe Sinopoli als neuem musikalischem Chef waren. Als er unterschrieben
hatte, ahnte er nicht, dass er die Kapelle
im vereinten Deutschland leiten würde. Ich
glaube, dass Sinopoli intuitiv der richtige
Dirigent zur richtigen Zeit war – ein Dirigent, der das Orchester auch auf den freien
Markt führen konnte.
Was waren die ersten Erkenntnisse auf diesem freien Markt?
Uns wurde ziemlich schnell klar, dass
unsere Innenwahrnehmung von Dresden
als schönste und wichtigste Stadt der Welt
da draußen nicht überall geteilt wurde.
Und am Anfang war es sicherlich auch für
Musiker, die neu zu uns gekommen sind,
schwer, sich in unseren Strukturen zurechtzufinden. Denn es ist doch klar, dass
wir als Ost-Orchester damals eine innere
Verbundenheit gegenüber dem Außen gepflegt haben, ein eingeschworener Kreis
waren, dem es schwer fiel, sich anderen zu
öffnen. Aber ich glaube, dass sich das im
Laufe der Zeit schon verändert hat.
Im Zusammenhang mit der Vereinigung liest
man viel über Neuorientierung, das Erlernen eines neuen Wirtschaftssystems und
18
SAISON 2016 / 2017
Schwierigkeiten des Ostens, sich dem Westen
anzupassen...
Wenn wir ehrlich sind, haben wir als Kapell-Musiker doch immer auf der Sonnenseite gelebt. Weder in der DDR stand die
Kapelle in Frage, weil sie Devisen gebracht
hat, noch im wiedergegründeten Freistaat
Sachsen, in der »König Kurt« seine schützende Hand über uns gehalten hat. Unsere
Verträge wurden schnell an jenem der
Münchner Philharmoniker orientiert, und
wir hatten in dieser Zeit der allgemeinen
Verunsicherung, im Gegensatz zu vielen
anderen Dresdnern, ziemlich wenig Existenzängste. Es sind ja auch keine Musiker
der Kapelle nach der Wende in den Westen
gegangen. Wir waren im neuen System
sofort auch repräsentativ tätig, etwa als der
Bundespräsident zu einer Benefiz-Tournee
geladen hat, die uns von Dresden und
Köln bis nach Israel geführt hat. Letztlich
hat sich nur wenig geändert: Die drei OstOrchester, das Gewandhaus, die Staatskapelle Berlin und wir, haben die Vereinigung
weitgehend unbeschadet überstanden. Dass
es uns in beiden Systemen relativ gut ging,
ist etwas, das wir nicht vergessen sollten.
Ich finde, dass dieses Bewusstsein zu unserem Selbstverständnis gehören sollte:
Wir haben so viel von dieser Stadt und den
Menschen bekommen, wir haben mit ihnen
alle Zeiten durchlebt – auch deshalb ist es
unsere Pflicht, in unseren Konzerten und
in unseren Engagements in Dresden für die
Menschen da zu sein.
Wie bewerten Sie den politischen Wandel vor
27 Jahren denn nun mit Blick auf die Staatskapelle?
Ich möchte nicht klingen wie ein Pastor,
aber für mich ist das Wesentliche, dass Musik, wenn man sie ernst nimmt, jenseits der
Tagespolitik spielt. Wir stehen als Orchester
ja immer wieder vor der Frage, wie wir demokratische Prozesse in einem weitgehend
hierarchischen System etablieren können. Und ich finde, dass wir da sehr gute
Fortschritte machen. Und was die Politik
betrifft – es gibt kein schöneres Gefühl, als
sich am Ende eines gelungenen Konzertes
die Hände zu schütteln und zu erleben,
dass unsere Arbeit am Klang das Publikum
begeistert hat. In diesen Momenten fragt
niemand nach einer politischen Ideologie,
nach Nationen oder Systemen – in diesen
Momenten spüren wir, dass es in der Musik
am Ende um den Menschen geht, um seine
Sehnsüchte, seine Zweifel, seine Gefühle.
Und die sind dann eben doch größer als
das, was wir tagespolitisch viel zu oft viel
zu wichtig nehmen.
Das Gespräch führte Axel Brüggemann
Alessandro De Marchi
Donnerstag, 22.9.2016, 20 Uhr
Semperoper Dresden
SONDERKONZERT
AM GRÜNDUNGSTAG
DER SÄCHSISCHEN
STAATSKAPELLE
DRESDEN
Myung-Whun Chung
Tangente Quattro
Samstag, 1.10.2016, 18 Uhr
Montag, 3.10.2016 20 Uhr
Dienstag, 4.10.2016 20 Uhr
Semperoper Dresden
Donnerstag, 13.10.2016, 20 Uhr
Semperoper Dresden
2. KAMMERABEND
Tangente Quattro
Anja Krauß VIOLINE
Franz Schubert VIOLINE
Heiko Mürbe VIOL A
Ulrich Rüger VIOLONCELLO
Blechbläser der
Sächsischen Staatskapelle Dresden
Manuel Westermann PAUKEN
Jobst Schneiderat ORGEL
2. SYMPHONIEKONZERT
Myung-Whun Chung DIRIGENT
Sir András Schiff KL AVIER
In Kooperation mit dem
Bachfest Dresden
Robert Schumann
Klavierkonzert a-Moll op. 54
Alessandro De Marchi DIRIGENT
Emily Dorn SOPR AN
Christina Bock MEZ ZOSOPR AN
Filippo Adami TENOR
Evan Hughes BASSBARITON
Vocal Concert Dresden
Gustav Mahler
Symphonie Nr. 5 cis-Moll
Streichquartette und Bearbeitungen
von Astor Piazzolla, George
Gershwin, Aníbal Troilo, Augustin
Lara, Rezsö Seress, Severiano
Briseño und Stevie Wonder
Johann Sebastian Bach
Orchestersuite Nr. 1 C-Dur
BWV 1066
Sofia Gubaidulina
»Meditation über den Bach-Choral
›Vor deinen Thron tret’ ich hiermit‹«
für Cembalo, zwei Violinen, Viola,
Violoncello und Kontrabass
Johann Gottlieb Naumann
Missa Nr. 18 d-Moll
Konzertvorschau
Samuel Barber
»Mutations from Bach« für 4 Hörner,
3 Trompeten, 3 Posaunen, Tuba und
Pauken
Christian Thielemann
Montag, 3.10.2016, 12 Uhr
Semperoper Dresden
Sofia Gubaidulina
»Quattro« für 2 Trompeten und
2 Posaunen
»Risonanza« für 3 Trompeten,
4 Posaunen, Orgel und
6 Streichinstrumente
FESTAKT ZUM TAG DER
DEUTSCHEN EINHEIT
Christian Thielemann DIRIGENT
Geschlossene Veranstaltung
Omer Meir Wellber
Sonntag, 30.10.2016, 11 Uhr
Montag, 31.10.2016, 20 Uhr
Dienstag, 1.11.2016, 20 Uhr
Semperoper Dresden
3. SYMPHONIEKONZERT
Omer Meir Wellber DIRIGENT
Camilla Nylund SOPR AN
Michael König TENOR
Thomas E. Bauer BARITON
Franz-Josef Selig BASS
MDR Rundfunkchor
Richard Strauss
Serenade Es-Dur op. 7
für 13 Blasinstrumente
Joseph Haydn
Symphonie f-Moll Hob. I:49
»La Passione«
Sofia Gubaidulina
»Über Liebe und Hass«, Oratorium
für Soli, Chor und Orchester
Deutsche Erstaufführung,
Auftragswerk der Sächsischen
Staatskapelle Dresden,
der Stiftung Frauenkirche Dresden,
des Rotterdams Philharmonisch
Orkest und des Gergiev Festival
Rotterdam
Gewandhaus-Bläserquintett
Mittwoch, 28.9.2016, 20 Uhr
Semperoper Dresden
1. KAMMERABEND
Kammermusikaustausch mit dem
Gewandhausorchester Leipzig
Gewandhaus-Bläserquintett
Katalin Stefula FLÖTE
Simon Sommerhalder OBOE
Thomas Ziesch KL ARINETTE
Ralf Götz HORN
Albert Kegel FAGOTT
Wolfgang Amadeus Mozart
Divertimento B-Dur KV 270
für Bläserquintett
Sir András Schiff
Lorenzo Viotti
Donnerstag, 6.10.2016, 20 Uhr
Luxemburg, Philharmonie
Freitag, 7.10.2016, 19.30 Uhr
Linz, Brucknerhaus
Samstag, 8.10.2016, 19.30 Uhr
Wien, Musikverein
Montag, 17.10.2016, 20 Uhr
Semperoper Dresden
EUROPA-TOURNEE
Ludwig van Beethoven
Violinkonzert D-Dur op. 61
1. AUFFÜHRUNGSABEND
Lorenzo Viotti DIRIGENT
Matthias Wollong VIOLINE
Myung-Whun Chung DIRIGENT
Sir András Schiff KL AVIER
Ernest Chausson
Symphonie B-Dur op. 20
Robert Schumann
Klavierkonzert a-Moll op. 54
Gustav Mahler
Symphonie Nr. 5 cis-Moll
Felix Mendelssohn Bartholdy
Sechs »Lieder ohne Worte« aus
op. 19, 62, 67 und 102, Bearbeitung
für Bläserquintett von Harry Staton
Franz Danzi
Bläserquintett B-Dur op. 56 Nr. 1
Theodor Blumer
Bläserquintett op. 52
Impressum
Herausgegeben von der Sächsischen Staatskapelle Dresden
Texte: Axel Brüggemann · Redaktion: Matthias Claudi
Gestaltung und Layout: schech.net | Strategie. Kommunikation. Design. · Druck: DDV Druck GmbH
Fotos: Oliver Killig (Titel, Seiten 4-7), Matthias Creutziger (Seiten 9, 16), picture alliance dpa (Seite 17),
E. Döring, Historisches Archiv der Sächsischen Staatstheater Dresden (Seite 18), Agenturfotos (alle übrigen)
Redaktionsschluss: 19. September 2016 · Änderungen vorbehalten · www.staatskapelle-dresden.de
19
SAISON 2016 / 2017
Kapelle für Kids
Sonntag, 30.10.2016, 11 & 15 Uhr
Montag, 31.10.2016, 11 & 15 Uhr
Dienstag, 1.11.2016, 9.30 &
11.30 Uhr
Semper Zwei
KAPELLE FÜR KIDS:
TANZ, KAPELLE & CO
Julius Rönnebeck MODER ATION
Puppe Alma mit
Magdalene Schaefer
Puppe Emil mit Rodrigo Umseher
Dresdner Kapell-Salon
Tickets in der Schinkelwache
am Theaterplatz
Telefon (0351) 4911 705
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Uraufführung
16. Oktober 2016
mit sich trägt. »2004 sah ich das Stück am
Schauspiel Stuttgart und mir war sofort
klar, dass ich das unbedingt gern mal
selbst inszenieren wollte: Die Direktheit
der Sprache, die vielschichtigen Figuren,
sich zwischen Kindheit und Erwachsensein
bewegend, sowie der liebevolle Humor
und die genaue Beschreibung einfacher,
aber total typischer Situationen hat mich
begeistert. Auf der Suche nach interessanten Stoffen für das Musiktheater habe ich
mir das dann wieder vorgeholt.« Und so
wählte er diese Geschichte als Stoff für eine
Opernuraufführung aus. Und der Komponist? »Semper Zwei soll kein Haus sein, in
dem gängige Musiktheaterwerke zum wiederholten Mal inszeniert werden. Hier soll
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THE KiLLER
iN ME iS THE
KiLLER iN YOU
MY LOvE
Theaterplatz 2
an der Semperoper
Dresden
semperoper.de / semperzwei
Es ist soweit! Die neue Spielstätte
für besondere Stücke und neue
Töne ist fertig: Am 16. Oktober
öffnet Semper Zwei seine Pforten
für das Publikum. Mit Andri
Beyelers Kultstück »the killer in
me is the killer in you my love«
in der Komposition von Ali N.
Askin lädt der Künstlerische Leiter von Semper Zwei und Regisseur Manfred Weiß die Zuschauer zu einem Besuch im Freibad
der Erinnerungen ein.
Freibadzeit in Semper Zwei
B
ei der ersten Begehung der
neuen Spielstätte nach dem
Abschluss der Bauarbeiten
fällt der Blick sofort auf das
frisch aufgebaute Bühnenbild
zu Andri Beyelers zeitlosem Stück über die
Jugend – wobei die Sache mit dem Killer
nicht wörtlich zu nehmen ist. Der Stücktitel
ist einem populären Song der Chicagoer
Alternativ-Rock-Band The Smashing Pumpkins entlehnt – könnte auch im Radio der
Kids im Freibad laufen.
Ein großzügig angelegtes Schwimmbecken mit Beckenrand, denn dort spielt
Beyelers Stück in der Hauptsache, ein
Sprungturm, Umkleidekabinen und was
so dazu gehört, fassen das Becken ein.
Und das Publikum sitzt ganz nah dran an
dieser Geschichte um erste Liebe, erstes
Verlassenwerden, Identitätssuche und
Akzeptanz. Fünf Protagonisten treffen
hier aufeinander: Hanna, Lena, Suhrbeck,
sein Freund Gerber und dessen kleiner
Bruder Klein Gerber. Ihr Treffpunkt ist das
Freibad, ihre Begleiter sind Sommer und
Sonne. Doch so idyllisch, wie diese Konstellation vermuten lässt, gestaltet sich das
Dasein für die Jugendlichen nicht. Seien es
Jungsrivalitäten, der nervige kleine Bruder
oder die immer komplizierte Liebe – die
Teenager haben mit stetig präsenten Herausforderungen des Lebens zu kämpfen.
20
SAISON 2016 / 2017
jede Szene eine eigene Dynamik, einen
eigenen Rhythmus gesucht, die der verhandelten Situation Raum und Ton geben.
Dazu gehören neben den aus verschiedenen
Perspektiven erzählten Ereignissen auch
die inneren Dialoge und Monologe der
Figuren. Besonders interessant war für
mich der Versuch des musikalischen Nachempfindens des Schwimmbad-Phänomens
schlechthin: einfach bloß Abhängen,
Zeit totschlagen ohne Sinn, Konsequenz
oder Entwicklung. Man liegt und schaut,
man sitzt und beobachtet jemanden.« Das
Instrumental-Ensemble für diese Komposition, das man eigentlich auch als Band
bezeichnen könnte, setzt sich aus E-Gitarre,
Bass (E-Bass und Kontrabass), Bratsche,
Dass sich diese Geschichte so authentisch
erzählt und beim Zuschauer die ein oder
andere Erinnerung an die eigene Jugend
hervorruft, liegt vor allem an dem großartigen Text, meint Manfred Weiß: »Die
Figuren sprechen von innen, ganz ungeschützt. Der Autor schafft es, dass seine
Figuren immer so bleiben wie sie sind. Sie
werden dadurch aufrichtig und nicht aus
der Perspektive eines Erwachsenen oder
des Autors gezeigt, sondern nur aus ihrer
eigenen.« Das erfolgreiche Schauspiel hatte
bei seiner Neuerscheinung bei den Hamburger Autorentheatertagen 2002 sämtliche
Preise abgeräumt. Für Regisseur Manfred
Weiß ist es ein Text, den er schon jahrelang
»Für die Jugendlichen ist das ja gar keine
Komödie, es ist der pure Ernst.« Es gilt, die
Doppelbödigkeit einzufangen, die Beyeler
in seinem Stück eröffnet und die sich in der
Zweiteiligkeit seines Stückaufbaus spiegelt.
Dem ersten Teil mit dem Titel »Zu Beginn
des Sommers« folgt ein zweiter: »Am Ende
des Sommers«. Dieser führt direkt in den
Herbst des Erwachsenwerdens – eine Entwicklung, die einen, manchmal schmerzhaft, manchmal leichtfüßig, aus den
Meinungen und Erwartungen anderer, aus
dem Becken voller Wasser, zu einem selbst
und damit zu einem individuellen Tropfen
geleitet. »Erwachsene, die sich an die Narben der Wunden ihrer Kindheit erinnern.«,
überschreibt Beyeler sinnigerweise sein
Stück. »Ich würde mir wünschen, diese
Ernsthaftigkeit und Inbrunst, mit der die
Jugendlichen jeden Moment erleben, auch
auf der Bühne einzufangen«, erklärt Manfred Weiß. »Auch für den Zuschauer muss
jeder Satz so kostbar werden, dass er ihn in
die Geschichte hineinzieht. Man darf diese
Erinnerung nicht von außen betrachten,
sondern muss durch sie Teil der Geschichte
werden.«
Ali N. Askin
THE KILLER IN ME IS THE
KILLER IN YOU MY LOVE
Uraufführung
sich neue, moderne, atonale und populäre
Musik vereinen. Beim wiederholten Lesen
ergab sich für mich eine zwingende Verbindung zu dem Komponisten Ali N. Askin,
mit dem ich schon zwei Mal bei SchauspielProduktionen zusammengearbeitet hatte.
Und als unser ganzes Team das Stück auch
spannend fand, habe ich Ali angerufen und
ihn gefragt ob er sich das mal anschauen
würde.« Ali N. Askin ist ein Künstler, der
mit einer großen Bandbreite an musikalischer Erfahrung »vom simpelsten Popsong
bis zur abstraktesten Jazzkakophonie« an
den Freibadstoff herantreten kann. Ohne
Scheu vor dem umfangreichen und in sich
schon musikalischen Text Beyelers findet
Askin für jeden einzelnen Charakter einen
eigenen Ton. »Bei der Komposition habe ich
natürlich viel an meine eigenen Erlebnisse
in der Jugend und im Freibad gedacht. Ich
habe Anlehnungen an bekannte Melodien
und Popsongs einfließen lassen und für
Cello, Schlagzeug, Klavier und einem Musiker zusammen, der elektronische Klänge
aus dem Laptop mittels Keyboard erzeugt.
Und natürlich darf die typische FreibadGeräuschkulisse mit Platschgeräuschen,
lauten, unverständlichen Stimmen und der
Trillerpfeife des Bademeisters nicht fehlen.
»Nur am typischen Chlorgeruch müssen
wir noch arbeiten«, lacht der Komponist.
Die Sängerbesetzung, die von Bernhard
Hansky aus dem Jungen Ensemble der
Semperoper über die in Neuer Musik erprobte Sarah Maria Sun bis zum musicalerfahrenen Matthias Schlung reicht, offeriert
ihm hierbei alles an gestalterischem Potenzial. »In den Darstellern dieser Produktion
spiegelt sich eine ähnlich große Bandbreite
wie in Beyelers Sprache oder Askins kompositorischer Erfahrung«, freut sich Manfred Weiß. Für seine Inszenierung ist es
ihm besonders wichtig, den feinen Grad einer Komödie mit Tiefgang zu finden, denn:
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SAISON 2016 / 2017
Musiktheater für Jugendliche ab
13 Jahren nach dem gleichnamigen
Schauspiel von Andri Beyeler
In deutscher Sprache
KOMPOSITION, PROGR A MMING UND SA MPLING
Ali N. Askin
Markus Henn
Manfred Weiß
BÜHNENBILD & KOSTÜME Timo Dentler, Okarina Peter
DR A M ATURGIE Juliane Schunke
MUSIK ALISCHE LEITUNG
INSZENIERUNG
Karen Bandelow
Sarah Maria Sun
SURBECK Bernhard Hansky *
GERBER Eric Stokloßa
KLEIN GERBER Matthias Schlung
LENA
HANNA
Projektorchester
Premiere
16. Oktober 2016
Semper Zwei
Vorstellungen
19., 20., 22., 23., 25. Oktober 2016 &
16., 22., 23. Juni 2017
Karten zu 16 Euro (Jugendliche 8 Euro)
Mitglied im Jungen Ensemble
*
LIEBE
«
TODES
»Das Geheimnis der
ist größer als
das Geheimnis des
Richard Strauss’ 1905 in Dresden uraufgeführte »Salome« kehrt am 24. September 2016
in einer Neuproduktion und mit spannenden
Rollendebüts an die Semperoper zurück
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SAISON 2016 / 2017
D
er Tetrarch Herodes und seine
Gattin Herodias haben das
Kind Salome in eine gefährliche Wiege aus Dekadenz,
übergriffiger Lüsternheit und
egozentrischer Machtpose gebettet. Nun
wird aus dem Kind eine Frau mit einer
Sehnsucht nach Liebe und einer erwachenden Libido. In einem Milieu unbeschränkter Macht aufgewachsen, sind Verlangen
und Verwirklichung für sie eins. Was Liebe
ist, weiß sie dagegen nicht. Diese unheilvolle Kombination wird dem Propheten
Jochanaan zum Verhängnis: der Mann fasziniert sie, obwohl er sie nicht einmal beim
Namen nennt, als Tochter Sodoms, Tochter
Babylons, Tochter der Unzucht schmäht.
Die Ablehnung ihres Angebots zum Kuss
kann sie nicht ertragen: Exakt sieben Mal
wird die Liebende, die nie gelernt hat, wie
die Liebe geht, Jochanaan auffordern und
anflehen, sie zu küssen. »Ich will Deinen
Mund küssen, Jochanaan!« Sieben Schleier
wird dieser Kuss kosten, sieben Hüllen, bis
keine mehr vorhanden ist. Striptease für
ein bestechliches Gegenüber. Das nackte
Verlangen nach Liebe, das nackte Grauen,
die blanke und blutige Perversion eines
Liebeskusses wird darunter zutage treten,
wenn sie den Preis für ihren Tanz von Herodes fordert: »Zu meiner eigenen Lust will
ich den Kopf des Jochanaan in einer Silberschüssel haben.« Pervers – und tragisch.
Im ausgehenden 19. Jahrhundert brachte der exzentrische Dichter Oscar Wilde
einen alten biblischen Stoff in neuem
künstlerischem Gewand auf den Punkt des
Zeitgeistes. Das Fin de siècle brodelte im
Spannungsfeld von rasendem technischen
Fortschritt, überkommenen Gesellschaftskonventionen und veränderten Sozialstrukturen, Siegmund Freud erforschte die
Hysterie, das starke Schwanken zwischen
Zukunftseuphorie und Endzeitstimmung,
Technikgläubigkeit und Kontrollverlust – all
das befeuerte die Sehnsucht nach Üppigkeit
und Dekadenz und produzierte Bohemièns,
Dandys und Femmes Fatales.
Extrem, grenzüberschreitend, erotischschillernd und pervers – 1894 wurde »Salome« nach großen Schwierigkeiten veröffentlicht und für unmoralisch befunden,
in Deutschland wurde das Werk erstmals
1901 in der deutschen Übersetzung von
Hedwig Lachmann aufgeführt, die Richard
Strauss auch seinem Musikdrama in einem
Aufzug zu Grunde legte. »Salome« war ein
Tabubruch, die entgrenzte Frauenfigur
stark und pervers, auf der Szene wurde
nicht nur der explizite Wahnsinn verlangt,
der Zuschauer wurde durch den eingeschriebenen Tanz der sieben Schleier neben Herodes unmittelbar selbst zum Voyeur
gemacht. Richard Strauss hat dieser Szene
in seinem symphonischen Tongemälde
viel Raum gegeben: Im Zentrum der Oper
angesiedelt, ist der Tanz der Salome hier
Entscheidungs-, Wende- und atemloser Haltepunkt inmitten einer in Echtzeit ablaufenden Ereigniskette. Gleichzeitig ist die Musik durch die erst wilde, dann verheißungsvoll ruhige und dann wieder extatisch
ausbrechende Form effektvoller Projektor
für das ohrengesteuerte Kopfkino. Richard
Strauss hat das Orchester für diesen Klang
rausch überbordend groß instrumentiert
mit 16er Streicherbesetzung, vier Flöten,
vier Klarinetten, zu denen Englischhorn
und Es-Klarinette kommen, mit Heckelphon, sechs Hörnern und je vier Trompeten
und Posaunen nebst zwei Harfen, Celesta,
Harmonium, Orgel und üppigem Schlagwerk für sechs (!) Spieler. Dieses gewaltige
Instrumentarium kann wie Salome selbst in
gespannter Stille implodieren oder explodieren.
Richard Strauss’ »Salome« tanzte erstmals 1905 auf der Bühne des Dresdner
Hoftheaters, der heutigen Semperoper. Die
skandalumwitterte Uraufführung unter der
Leitung des damaligen Generalmusikdirektors der Sächsischen Staatskapelle Dresden
Ernst von Schuch wurde ein Riesenerfolg.
Die erste Salome, die den Tanz der sieben
Schleier tanzte, war die Sopranistin Marie
Wittich. Das gestaltete sich nicht unproblematisch, wie Richard Strauss in einem
Rückblick auf die Probenzeit bemerkte:
»Auf den Arrangierproben streikte die
hochdramatische Frau Wittich, der man
wegen der anstrengenden Partie und wegen des dicken Orchesters die 16-jährige
Prinzessin mit der Isoldenstimme – so etwas schreibt man halt nicht, Herr Strauss:
entweder-oder – anvertraut hatte, ab und
zu mit dem entrüsteten Protest einer sächsischen Bürgermeistersgattin: ›Das tue ich
nicht, ich bin eine anständige Frau‹, und
brachte den auf ›Perversität und Ruchlosigkeit‹ eingestellten Regisseur Wirk zur
Verzweiflung!«
Nach stattlichen 99 Vorstellungen
schloss sich der Vorhang über der Uraufführungsinszenierung, gleich zwei Jahre
darauf hob er sich wieder für eine Neuinszenierung – »Salome« gehört seither zum
Kernrepertoire des Hauses, die Sächsische
Staatskapelle Dresden und diese Partitur
sind von Beginn an untrennbar miteinander verbunden. In der Regie von Michael
Schulz, Generalintendant des Musiktheater
im Revier Gelsenkirchen, und mit dem der
Sächsischen Staatskapelle Dresden bereits
durch einige gemeinsame Arbeiten verbundenen Dirigenten Omer Meir Wellber
am Pult wird der Reigen am 24. Septem-
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SAISON 2016 / 2017
ber 2016 der bisher acht ganz unterschiedlichen Neuinszenierungen fortgesetzt.
Die amerikanische Ausnahmesopranistin
Jennifer Holloway wird mit der Partie der
Salome ihr vielversprechendes Rollendebüt
an der Semperoper geben.
Richard Strauss
SALOME
Musikdrama in einem Aufzug
Libretto vom Komponisten nach Oscar Wildes
gleichnamiger Dichtung in deutscher
Übersetzung von Hedwig Lachmann
In deutscher Sprache mit Übertiteln
Omer Meir Wellber
Michael Schulz
BÜHNENBILD Dirk Becker
KOSTÜME Renée Listerdal
LICHT Fabio Antoci
VIDEO Philipp Contag-Lada
CHOREOGR AFIE Koko La Douce
DR A M ATURGIE Anna Melcher
MUSIK ALISCHE LEITUNG
INSZENIERUNG
Lance Ryan
Christa Mayer
SALOME Jennifer Holloway
JOCHANA AN Markus Marquardt
NARR ABOTH Daniel Johansson
EIN PAGE DER HERODIAS Christina Bock
ERSTER JUDE Aaron Pegram
ZWEITER JUDE Tom Martinsen
DRITTER JUDE Simeon Esper
VIERTER JUDE Gerald Hupach
FÜNFTER JUDE Michael Eder
ERSTER NA ZARENER Georg Zeppenfeld
ZWEITER NA ZARENER Timothy Oliver
ERSTER SOLDAT Martin-Jan Nijhof
ZWEITER SOLDAT Luciano Batinić
EIN CAPPADOCIER Alexandros Stavrakakis *
EIN SKL AVE Menna Cazel *
HERODES
HERODIAS
Sächsische Staatskapelle Dresden
Premiere
24. September 2016
Vorstellungen
27., 30. September, 28. Oktober &
4. November 2016
Karten ab 27 Euro
Kostenlose Werkeinführungen jeweils
45 Minuten vor Vorstellungsbeginn im
Opernkeller
Mitglied im Jungen Ensemble
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