Ensemble Modern Magazin 2015/2 Nr. 42
Inhalt Index
Dear Friends of Ensemble Modern,
From the window of my childhood room in Frankfurt’s
University Quarter, I followed the street battles between students and police in 1968 with the greatest
interest. Whenever my eyes started tearing, my
mother came to close the window to prevent tear gas
from entering the flat, and sat her five-year-old only
child down at the piano.
2
Sie übte nie lange mit mir, wusste, dass mir wenige
Minuten wie eine bleierne Ewigkeit vorkamen, aber
die Klavierlehrerin, deren Name Dorothea Schollwoeck-Winand-Mendelssohn-Bartholdy mir allein
schon Respekt einflößte, durfte nicht enttäuscht
werden. Meine Eltern setzten alles daran, mir vielfältige kulturelle Erlebnisse zu ermöglichen – ein
Klavierabend mit Friedrich Gulda, der im Palmengarten nackt auftrat, ist mir in besonderer Erinnerung geblieben –, vermieden aber jede popkulturelle Berührung. Da meine Mutter beim Haareschneiden stets zu mir sagte, ich wolle ja nicht wie
ein Beatle aussehen, dachte ich lange Zeit, es
müsse sich bei den Beatles um Penner oder Studenten handeln.
Selbst Adorno, der – wie Joschka Fischer und Daniel
Cohn-Bendit – bei uns um die Ecke wohnte, sah
nicht deren entkrampfende Qualitäten, sondern
setzte Pop- und Kommerzkultur als industrielle
Produkte mit Kapitalismus in eins.
RAF-Terror, Drogentote und der endlose Staub der
Großbaustellen von Banken, Untergrundbahnen
und Kriegsruinen veranlassten die Eltern, das blasse,
etwas anämische Kind im Schutz der Wohnung zu
lassen. Das Klavier wurde mein Kumpel, mit dem
ich mich in spätromantischen Improvisationen verlor.
Erst kurz nach meinem 17. Geburtstag hörte ich ›Dal
niente‹ für Klarinette von Helmut Lachenmann
und wenige Monate später die Uraufführung seiner
›Tanzsuite mit Deutschlandlied‹ in Donaueschingen.
Dank seiner und Joseph Beuys’ Werke, die ich als
Projektionsflächen meiner Fantasie nutzte, konnte
ich meinem inneren Käfig entkommen. Nun lernte
ich Lachenmanns Klavierstücke ›Wiegenmusik‹ und
›Guero‹ und begann selbst zu komponieren. Zwei
meiner Stücke wurden bei Kompositionswettbewerben ausgezeichnet, eines für Kontrafagott und
Pornofilm, das mangels Darsteller aber nie aufgeführt wurde.
Meine erste persönliche Begegnung mit Helmut
Lachenmann fand 1985 bei einem Konzert in der
Alten Oper statt, bei dem ich das Zuspielband zu
seinem ›Notturno‹ bedienen sollte. Nach seinen
Einweisungen versicherte ich ihm, dass mir »alles
klar« sei. Was einen plötzlichen Wutanfall auslöste:
»In dieser Welt ist nichts klar; alles ist vernebelt;
wie kann man so etwas Dummes sagen!« Eingeschüchtert bedankte ich mich für diese Belehrung
und strich »alles klar« für alle Zeiten aus meinem
Wortschatz.
She never practiced for a long time with me, knowing
that a few minutes seemed like a bleak eternity to me,
but the piano teacher – whose name alone, Dorothea
Schollwoeck-Winand-Mendelssohn-Bartholdy, filled
me with respect – could not be disappointed. My parents
did everything in order to provide me with diverse
cultural experiences, but avoided any contact with popular culture. Any time she cut my hair, my mother
always said I didn’t want to look like a Beatle, so for a
long time I thought the Beatles must be vagrants or
students. Even Adorno, who lived around the corner
from us, failed to see their relaxing qualities, instead
equating pop and commercial culture – being industrial
products – with capitalism.
Acts of RAF terror, corpses of drug addicts and the endless dust from major construction sites of banks and
underground railways gave my parents reason to keep
their pale child inside the protective atmosphere of
the apartment. The piano became my pal, and with its
help I lost myself in late-romantic improvisation. Only
shortly after my 17th birthday did I hear ›Dal niente‹
for clarinet by Helmut Lachenmann, and the world
premiere of his ›Tanzsuite mit Deutschlandlied‹. Thanks
to his works and those of Joseph Beuys, which I used
as projection screens for my imagination, I was able to
escape my inner cage. Thus, I learned Lachenmann’s
piano pieces ›Wiegenmusik‹ and ›Guero‹, and began
to compose myself. Two of my pieces won prizes as
composition competitions; one of them, scored for
contrabassoon and porno film, however, was never
performed, due to a lack of protagonists.
I first met Helmut Lachenmann personally in 1985, on
the occasion of a concert at the Alte Oper where I
was to operate the pre-recorded tape for his ›Notturno‹.
After listening to his instructions, I assured him that
it was »all clear« to me. Which caused a sudden fit of
rage: »Nothing is clear in this world; everything is
foggy; how can you say something so stupid!« Intimidated, I thanked him for this enlightenment and
eliminated »all clear« from my vocabulary for good.
Since becoming a member of Ensemble Modern, I am
happy to see him even more frequently: I always feel
a trusting warmth when I do.
Christian Hommel, seit 2008 Oboist des Ensemble Modern (English translation next page)
On his 80th birthday: Salut, Helmut Lachenmann!
Christian Hommel
Christian Hommel
4
Heute hier, morgen dort
Ensemble Modern unterwegs
Here today, gone tomorrow
Ensemble Modern on the Road
8
Specter / Schreckbilder – Uraufführung von Johannes Maria Staud
Ein Gespräch mit Johannes Maria Staud und Sofia Simitzis
Specter – World Premiere by Johannes Maria Staud
A Conversation with Johannes Maria Staud and Sofia Simitzis
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Images of Sound
›Musik und Film‹ und ›Helmut Lachenmann 80‹
beim Festival ›cresc…2015‹
Images of sound
›Music and Film‹ and ›Helmut Lachenmann at 80‹
at the Festival ›cresc…2015‹
19
Über Musik nachdenken
Ein Gespräch mit Helmut Lachenmann zum 80. Geburtstag
Thinking about Music
A Conversation with Helmut Lachenmann on the Occasion of
his 80th Birthday
28
RUANG SUARA – Zeitgenössische Musik aus Indonesien
Ein Arbeitsbericht
RUANG SUARA – Contemporary Music from Indonesia
A Working Report
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Den Synergien nachspüren
Zum Komponieren Keiko Haradas
Tracing Synergies
Exploring Keiko Harada’s Composition Style
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Tourplan und Sendetermine
Concert and broadcasting dates
Titelcollage: ›Specter of the Gardenia oder der Tag wird kommen‹ – Collage von
Heta Multanen / Skizzen von Dewa Ketut Alit im Rahmen des Projekts ›Ruang Suara‹
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- 12h
- 11h
- 10h
- 9h
- 8h
- 7h
- 6h
- 5h
- 4h
- 3h
- 2h
Here today, gone tomorrow
Ensemble Modern on the Road
by Stefan Fricke
Ensemble Modern unterwegs
von Stefan Fricke
4
Heute
»Heute hier, morgen dort, bin kaum da, muss ich
fort.« Das ist kein Titel der Neuen Musik, könnte
aber eines ihrer Mottos sein. Wenn Sie, verehrte
Freunde des Ensemble Modern, diesen Text lesen,
hat das Ensemble Modern im Jahr 2015 wie in den
vergangenen Jahrzehnten bereits etliche Konzertreisen hinter sich und noch einige vor sich. Gerade
sind die Musikerinnen und Musiker aus Finnland
nach Frankfurt zurückgekehrt, gastierten dort Anfang Juli als Ensemble in residence beim Festival
›Time of Music‹ in Viitasaari. An sieben äußerst langen Tagen, die skandinavischen Sommernächte
sind ja überaus kurz, absolvierten sie ein anspruchsvolles Programm, realisierten Werke von Sir
Harrison Birtwistle und Brian Ferneyhough, den
beiden Schwerpunktkünstlern der diesjährigen
Festival-Ausgabe, und gaben selbst Kurse. Zudem
spielte das Ensemble Modern unter Johannes
Kalitzke Hans Zenders ›33 Veränderungen über
33 Veränderungen‹, seine komplexe einstündige
Interpretationskomposition der Beethoven’schen
›Diabelli-Variationen‹, Stücke von Mark Andre
und Helmut Lachenmann, die Uraufführung des
finnischen Komponisten Lauri Supponen und
vieles mehr. Zusammen mit den Dirigenten Franck
Ollu und Steven Schick sowie mit Teilnehmern
des Meisterkurses gestaltete das Ensemble Modern
als weiteren Höhepunkt in Viitasaari die finnische
Erstaufführung von Birtwistles eindrucksvollem
Werk ›Theseus Game‹, zwölf Jahre nach dessen
erfolgreicher Uraufführung bei der Ruhrtriennale
durch das Ensemble Modern. Viel dürften die
Frankfurter von Viitasaari, einer Stadt mit etwa
7000 Einwohnern in der Mitte des Landes der unzähligen Seen (und natürlich selbst wunderschön
an solchen) gelegen, nicht mitbekommen haben.
»Here today, gone tomorrow; no sooner do I arrive
than I’m off again.« That is not a New Music title,
but it might be one of its mottos. When you, dear
friends of Ensemble Modern, read this text, Ensemble
Modern will have completed several concert tours,
the same as in recent years, and will have several
more to come in 2015. The musicians just returned
to Frankfurt from Finland, where they were ensemble
in residence at the festival ›Time of Music‹ in
Viitasaari. Over the course of seven very long days –
Scandinavian summer nights being extremely
short – they performed a challenging programme,
realising works by Sir Harrison Birtwistle and Brian
Ferneyhough, the two focus artists of this year’s
festival edition and giving courses themselves.
In addition, Ensemble Modern performed Hans
Zender’s ›33 Veränderungen über 33 Veränderungen‹
under the baton of Johannes Kalitzke, his complex
one-hour composition interpreting Beethoven’s
›Diabelli-Variations‹, pieces by Mark Andre and
Helmut Lachenmann, a world premiere by the
Finnish composer Lauri Supponen and much more.
Together with conductors Franck Ollu and Steven
Schick and participants of the master class, Ensemble
Modern was also responsible for another highlight
of the Viitasaari season: the Finnish premiere of
Birtwistle’s impressive work ›Theseus Game‹, twelve
years after its successful world premiere at the
Ruhrtriennale was also given by Ensemble Modern.
It is unlikely that the musicians from Frankfurt saw
much of Viitasaari, a city of about 7,000 inhabitants
in the middle of that country of innumerable lakes,
situated on a particularly beautiful one itself. Extensive walks or kayak tours … impossible to even
consider. Time is short, and it is always devoured by
- 1h
+ 1h
+ 2h
+ 3h
+ 4h
+ 5h
+ 6h
+ 7h
Ausgedehnte Wanderungen oder Kajakfahrten …,
nahezu unvorstellbar, daran überhaupt zu denken.
Die Zeit ist knapp, und die verschlingt stets die
Musik selbst, wenn sie klingend und lehrend auf
höchstem Niveau präsent sein will. Touristische
Unternehmungen, so sie überhaupt stattfinden,
gibt es nur sehr wenige. Der Liedermacher
Hannes Wader wusste das eben schon 1972, als
er vom gerade Da und prompten Fort sang; die
Interpreten Neuer Musik, wenn sie so gefragt sind
wie das Ensemble Modern, führen ein High-TechNomadenleben für die Sache Kunstklang. Aber auch
andere Zeilen aus Waders Lied, dessen Text er
selbst schrieb, sich die Melodie indes von dem befreundeten amerikanischen Singer-Songwriter
Gary Bolstad borgte, haben einiges mit dem Wesen
der zeit­genössischen Musik gemeinsam. Da heißt
es in der letzten Strophe: »Denn was neu ist wird
alt, und was gestern noch galt, stimmt schon
heut’ oder morgen nicht mehr!« Zugegeben, ganz
so schnelllebig ist die Musikgeschichte der jüngeren Zeit nicht, aber das alte Bonmot von Mauricio
Kagel, dass viele Uraufführungen zugleich Letztaufführungen seien, hat an bissiger Wahrheit wenig
verloren. Für ›Die Dreigroschenoper‹ stimmt das
freilich nicht. Am 15. August, an Maria Himmelfahrt,
in Österreich ein wichtiger Feiertag, spielt das
Ensemble Modern das wahrlich nicht religiöse WeillBrecht-Lehrstück in Salzburgs Felsenreitschule.
Gemeinsam mit dem Salzburger Bachchor, mit HK
Gruber als Dirigenten, der zugleich die Rolle des
Herrn Peachum übernimmt, mit Max Raabe als
Macheath sowie anderen namhaften Solisten.
Anschließend geht es gleich nach Bregenz auf die
dortige Bodensee-Werkstattbühne, um die österreichische Erstaufführung von Peter Eötvös’ Musiktheater ›Der goldene Drache‹ zu realisieren. Der
Komponist und Dirigent Peter Eötvös, der dem Ensemble Modern seit den frühen 1980er Jahren
künstlerisch verbunden ist und der sich selbst als
ein ewig Reisender charakterisiert, hat seine im
Juni 2014 in Frankfurt uraufgeführte, von Publikum
wie Kritik begeistert gefeierte Produktion übrigens als Reise-Stück konzipiert. Auch der Stoff selbst,
das ursprüngliche und mehrfach ausgezeichnete
Theater­stück ›Der goldene Drache‹ von Roland
Schimmelpfennig, handelt vom (unfreiwilligen)
Reisen und der (sozial-)politischen Einschränkung
der Be­wegungsfreiheit: von der Emigration auf
der Suche nach Arbeit, von der Suche des Bruders
nach einer einst ins ferne Ausland gegangenen
Schwester, von zwei Stewardessen nach einem
langen Inter­kontinentalflug, von der letzten Reise
+ 8h
+ 9h
+ 10h
+ 11h
+ 12h
music itself, the music that always takes precedence,
resounding and being taught at the highest level.
Touristic expeditions are few and far between, if they
take place at all. The songwriter Hannes Wader
knew that already in 1972, when he sang »Here today
and gone tomorrow«; performers of New Music –
if they are as much in demand as those of Ensemble
Modern – lead a high-tech nomad life, servants
to the art of sound. There are, however, even more
lines from Wader’s song (the lyrics of which he
wrote himself while borrowing the melody from his
friend, the American singer-songwriter Gary Bolstad)
which have much in common with the nature of
contemporary music. In the last verse, he sings: »For
what is new grows old, and what was true yesterday won’t be true today or tomorrow!« Admittedly,
music history of recent times is not quite as fastlived as that, but Mauricio Kagel’s old bon mot by
which many world premieres are also last performances has lost none of its acerbic truthfulness.
However, it is certainly not true of ›The Three penny
Opera‹. On August 15 – the Assumption of Mary, a
major holiday in Austria – Ensemble Modern will
perform the didactic play by Weill and Brecht,
certainly not religious by any means, at Salzburg’s
Felsenreitschule. The musicians are joined by the
Salzburg Bach Choir, by HK Gruber as conductor who
also plays the role of Mr Peachum, by Max Raabe
as Macheath and other renowned soloists. After that,
they move on to Bregenz and its workshop stage
on Lake Constance, where they present the Austrian
premiere of Peter Eötvös’ musical theatre work
›The Golden Dragon‹. The composer and conductor
Peter Eötvös, who has enjoyed an artistic relationship with Ensemble Modern since the early 1980s
and characterises himself as an eternal trav­eler,
conceived this production as a travelling piece. It had
its world premiere in Frankfurt in June 2014, celebrated by audiences and reviewers alike. The tale
itself, the award-winning play ›The Golden Dragon‹
by Roland Schimmelpfennig, deals with (involuntary)
journeys and the (social and) political limitations
on the freedom of movement: it tells of emigration
in search of work, of a brother’s search for a sister
who went abroad long ago, of two stewardesses
after a long intercontinental flight, of the brother’s
last journey after he dies of a tooth infection
because he could not see a doctor as an illegal immigrant. The (musical) drama, an opus about constant loss, about possible salvation which can never
succeed, is highly current: state controls on migration prevent people from exercising their individual
basic rights. This entirely explosive theme, however,
hier,
- 12h
- 11h
- 10h
- 9h
- 8h
des Bruders, nachdem er an einem Zahninfekt gestorben ist, weil er als Illegaler im neuen Land
keinen Arzt aufsuchen konnte. Das (Musik-)Drama,
ein Opus über fortwährende Verluste, über mögliche, aber stets scheitern müssende Rettungen ist
von größter Aktualität: Staatliche Migrations­
kontrollen verhindern die Wahrnehmung individueller Grundrechte. Das durch und durch brisante
Thema kleiden Schimmelpfennig und Eötvös jedoch
nicht in bitterernste Bilder. ›Der goldene Drache‹,
von eindrucksvoller, auch musikalischer Direktheit,
lebt ganz von einer doppelbödigen Komik, Ironie
und Skurrilität; und gerade so trifft sein Thema mitten in Herz und Hirn. Beweint oder angeklagt
wird hier keiner – oder anders: werden wir alle, die
wir machtlos zuschauen und nicht wissen wollend alles wissen. »Manchmal«, so heißt es wieder
bei Hannes Wader, »träume ich schwer, und dann
denk’ ich, es wär’ Zeit zu bleiben und nun was ganz
And’res zu tun«. Zweifellos wäre das in Bezug auf
die Gräueltaten, die Menschen auch in zivilisatorischen fortgeschrittenen Zeiten begehen, wirklich
ge­boten: etwas ganz Anderes tun als bisher. 1959
bekannte der damals 25-jährige Luigi Nono: »Alle
meine Werke gehen immer von einem menschlichen Anreiz aus: Ein Ereignis, ein Erlebnis, ein Text
unseres Lebens rührt an meinen Instinkt und an
mein Gewissen und will von mir als Musiker wie
als Mensch Zeugnis ablegen.« Für den venezianischen Komponisten galt es zeitlebens, dass er
seine politische Überzeugung mit Mitteln des
Künstlers ausdrücken müsse, und zwar mit den
ästhetisch-technischen der jeweiligen Zeit. Dieses
Zusammenwirken von avanciertem Klang und
klarer Botschaft bildet die Basis seiner kämpferischen Werke bis Ende der 1970er Jahre. Aber
beileibe nicht nur hier. Auch in seinem oft von der
Musikkritik als unpolitisch angesehenem Spätwerk ist diese Kraft der Aufklärung vollends gegenwärtig. Auch dieses ist ein Appell an uns, uns
selbst und die uns umgebenden Zustände nicht als
Unveränderbares willenlos zu akzeptieren. Wir
können uns ändern und so auch die Welt. In seinem
opus maximum, der dreistündigen Hör-Tragödie
›Prometeo‹ (1981 – 85), die das Ensemble Modern
mehrfach bei der diesjährigen Ruhrtriennale im
September aufführt, geht es in jeder der zarten wie
vagen Fasern um Veränderung, um einzigartig
musikalisierte Verunsicherung, um so – über ein
neues Hören, Empfinden und sinnliches Denken –
zu sicheren Erkenntnissen zu gelangen, welchen
Weg wir künftig gehen müssen: den der fortwährenden Selbstreflexion. »Es ist mir längst klar, dass
nichts bleibt, wie es war!«, singt Hannes Wader.
- 7h
- 6h
- 5h
- 4h
- 3h
- 2h
is not clad in dead-serious images by Schimmel­
pfennig and Eötvös. ›The Golden Dragon‹ – a piece
of impressive directness, also musically – is based
entirely on ambiguous humour, on irony and absurdity, and thus it hits home emotionally and
intellectually. Nobody is mourned here or accused –
or else, all of us who look on helplessly and know
everything, while not wanting to know anything.
»Sometimes«, to quote Hannes Wader again, »I
have bad dreams, and then I think it’s time to stay
and do something completely different.« Doubtlessly, this should be the order of the day, in the face
of the horrors people inflict upon each other,
even in these times of progressive civilisation: doing
something completely different. In 1959, the
25-year-old Luigi Nono confessed: »All my works
always start with a human impulse: an event,
an experience, a text of our life stirs my instinct and
my conscience, wanting to be my witness as a
musician and a human being.« Throughout the
Venetian composer’s lifetime, it was true that his
political convictions had to be expressed through
artistic means, by which he meant the aesthetictechnical means of his time. This confluence of advanced sounds and clear messages was the basis
of the works he wrote in a fighting spirit until the
late 1970s. But not only here: even in his late oeuvre,
often considered apolitical by musical criticism, this
power of enlightenment is fully present. This too
is an appeal to us: not to accept ourselves and our
circumstances submissively as unchangeable. We
can change, and we can change the world too. In his
opus maximum, the three-hour listening tragedy
›Prometeo‹ (1981–85), which Ensemble Modern performs several times at this year’s Ruhrtriennale in
September, each of the delicate and vague fibres is
about change, about unique insecurity transformed into music, leading to a new way of listening, feeling and sensual thinking, and thus to
secure insights about the path we must follow: the
path of con­tinuous self-reflection. »I have long
known that nothing remains as it was!« as Hannes
Wader sings. Nono, who died in 1992, always
worked for this truth – change is possible. The future
should not be dominated by images of horror,
nor by cruelty itself. ›Le Spectre du Gardenia / The
Specter of the Gardenia‹ was the title chosen by
the surrealist artist Marcel Jean (1900 – 93) for one
of his sculptures, created in 1936. It consists of a
sculpted black woman’s head, about 30 cm in height,
whose eyes are closed by zippers and whose neck
is tightly wound with a fragment of a roll of film. For
the Austrian composer Johannes Maria Staud,
this provided a creative impulse to write a concert
morgen
- 1h
+ 1h
+ 2h
+ 3h
+ 4h
+ 5h
+ 6h
+ 7h
Für diese Wahrheit hat der 1992 gestorbene Nono
stets gearbeitet – Veränderungen sind möglich.
Die Zukunft sollen weder Bilder von Schrecken beherrschen noch die Grausamkeiten selber. ›Le
Spectre du Gardenia / The Specter of the Gardenia‹
nannte der surrealistische Künstler Marcel Jean
(1900 – 93) eine seiner Skulpturen, die er 1936 fertigte. Sie besteht aus einem modellierten, etwa
30 cm hohen schwarzen Frauenkopf, deren Augen
mit Reisverschlüssen verschlossenen sind und
um deren Hals ein Filmrollenfragment gewickelt ist.
Ein gespenstisches Objekt, das viele Assoziationen
weckt. Für den österreichischen Komponisten
Johannes Maria Staud ein kreativer Impuls, darüber
eine konzertante Installationsperformance zu
schreiben – auf einen Text von Josef Winkler: Ein
Ich-Erzähler steht vor Jeans Skulptur im Museum
of Modern Art in New York, öffnet die Reißverschlüsse der Augen und sieht nun gleichzeitig Bilder
seiner Kindheit und der Gegenwart. Das spannende Vexierspiel von Zeit und Zeiten realisiert das
Ensemble Modern im September als szenische
Uraufführung beim ›steirischen herbst‹ in Graz
(Sprecher: Johannes Silberschneider). Dann geht
es für die Musikerinnen und Musiker des Ensemble
Modern erst einmal zurück nach Frankfurt, für
ein paar Tage, bestenfalls zwei, drei Wochen, um –
nach intensiven Proben, Unterrichts­tätigkeiten,
Organisationsaufgaben, Konzerten vor Ort – erneut
aufzubrechen: in neue Klangregionen sowieso
und stetig, zugleich in andere Länder der Welt. Im
Oktober gastiert das Ensemble Modern beim
Festival Internacional Cervantino im mexikanischen
Guanajuato sowie in Tokio, inklusive Meisterkurs
am TOHO Gakuen College. Und Anfang Dezember
reisen die Musikerinnen und Musiker nach Indonesien, um dort in verschiedenen Städten aktuelle
Werke indonesischer Komponisten aufzuführen.
»Heute hier, morgen dort, bin kaum da, muss ich
fort« –, doch darüber beklagt sich, wie schon
Hannes Wader nicht, keiner im Ensemble Modern.
Ästhetische Bewegung in und mit der Zeit heißt
eben Bewegung im Raum, wenigstens auf Erden.
+ 8h
+ 9h
+ 10h
+ 11h
+ 12h
installation performance, based on a text by Josef
Winkler: a first-person narrator stands before Jean’s
sculpture at the Museum of Modern Art in New
York, opens the zippers covering the eyes and is confronted by simultaneous images of his childhood
and present. Ensemble Modern realises this fascinating puzzle of time and times in September as a
staged world premiere at the festival ›steirischer
herbst‹ in Graz (narrator: Johannes Silberschneider).
After that, Ensemble Modern’s musicians return
to Frankfurt for a few days – or even two or three
weeks – where intensive rehearsals, teaching jobs,
organisational tasks and local concerts await, only
to set out again: for new regions of sound, of course,
but also for other countries of the world. In October,
Ensemble Modern makes a guest appearance at
the Festival Internacional Cervantino in Guanajuato
in Mexico, as well as in Tokyo, including a master
course at the TOHO Gakuen College. And in early
December, the musicians depart for Indonesia,
where they perform current works by Indonesian
composers in various cities. »Here today, gone
tomorrow; no sooner do I arrive than I’m off again« –
but nobody in Ensemble Modern complains, as
little as Hannes Wader did in his song. Moving aesthetically in time and with the times – at least
on this planet, that means movement in space.
dort
Specter /
Uraufführung von Johannes Maria Staud
Ein Gespräch mit Johannes Maria Staud und Sofia Simitzis
World Premiere by Johannes Maria Staud
A Conversation with Johannes Maria Staud and Sofia Simitzis
8
›Le Spectre du Gardenia / The Specter of the Gardenia‹ – die Skulptur des Surrealisten Marcel Jean
inspirierte den österreichischen Schriftsteller Josef
Winkler zu einem eigensinnigen surrealistischen
Monolog. Mit ihm gemeinsam hat der Komponist
Johannes Maria Staud ›Specter of the Gardenia
oder der Tag wird kommen‹ entwickelt, ein Wechselspiel von Musik und Text, das die junge Regisseurin
Sofia Simitzis ins Räumliche übertragen hat. Entstanden ist eine installative Konzertperformance,
die das Ensemble Modern unter Leitung von
Emilio Pomàrico gemeinsam mit Johannes Silberschneider als Sprecher zur Festivaleröffnung des
›steirischen herbstes‹ am 25. und 26. September
2015 in Graz uraufführen wird. Noch während des
Entstehungsprozesses dieses szenischen »Experiments« hatte das Ensemble Modern (EM) im
April 2015 die Möglichkeit mit Johannes Maria
Staud (JMS) und Sofia Simitzis (SoS) über die
Zusammenarbeit als Team und über Konzepte und
Ideen zur Inszenierung des Abends zu sprechen.
Am 2. Mai 2016 kommt ›Specter of the Gardenia
oder der Tag wird kommen‹ dann in einer konzertanten Fassung als deutsche Erstaufführung in die
Alte Oper Frankfurt. Ebenfalls inspiriert von Josef
Winklers Text und gewissermaßen als »Herzstück«
des szenischen Abends, komponierte Johannes
Maria Staud zudem das rein instrumentale Ensemblewerk ›Auf die Stimme der weißen Kreide
(Specter I–III)‹, das am 19. September 2015 beim
Festival Musica in Straßburg mit dem Ensemble
Modern zur Uraufführung kommt.
›Le Spectre du Gardenia / The Specter of the Gardenia‹ – a sculpture by surrealist Marcel Jean inspired the Austrian writer Josef Winkler to compose
an idiosyncratic surrealist monologue. Together
with Winkler, the composer Johannes Maria Staud
developed ›Specter of the Gardenia oder der Tag
wird kommen‹, an interplay between music and text
to which the young director Sofia Simitzis has
added a spatial dimension. The result is an installational concert performance which Ensemble
Modern premieres under Emilio Pomàrico together
with Johannes Silberschneider as narrator for the
opening of the festival ›steirischer herbst‹ in Graz
on September 25 and 26, 2015. In April 2015, during
the creative process for this staged »experiment«,
Ensemble Modern (EM) had the chance to speak
with Johannes Maria Staud (JMS) and Sofia Simitzis
(SoS) about their collaboration as a team and
about concepts and ideas for the staging of the evening. May 2, 2016 will then see a concert performance
of ›Specter of the Gardenia oder der Tag wird
kommen‹ at the Alte Oper in Frankfurt, the work’s
German premiere. Inspired by Josef Winkler’s text
and as the »centrepiece« of the staged evening,
Johannes Maria Staud also composed the purely
instrumental work ›Auf die Stimme der weißen
Kreide (Specter I-III)‹, which will have its world
premiere at the Festival Musica in Strasbourg on
September 19, 2015, also by Ensemble Modern.
EM: Herr Staud, viele Ihrer Werke haben einen Bezug zur Literatur oder
zu anderen Kunstformen. Kann man
sagen, dass Sie da eine spezielle
Affinität haben?
JMS: Die Affinität zum Wort war
eigentlich schon immer in meinem
Schaffen vorhanden. Ich habe mich
mit verschiedensten Literaturformen
beschäftigt und mich immer wieder
im Monodram, der Kombination von
gesprochenem Text mit Musik, versucht. Dies ist natürlich, in Ermangelung eines geeigneteren, ganz bewusst ein Behelfsausdruck. Es gibt
das frühe Werk ›Die Ebene‹ (1997)
nach einem Text von Hans Arp, eine
Beschäftigung mit Charles Baudelaire in ›Le Voyage‹ (2011) und die Zusammenarbeit mit Durs Grünbein
und Bruno Ganz in ›Der Riß durch den
Tag‹ (2012). Dies ist nun meine vierte
Arbeit, in der ein Schauspieler und ein
Ensemble kombiniert werden.
EM: Der Text stammt von dem österreichischen Autor Josef Winkler. Wie
kam die Zusammenarbeit zustande?
JMS: Uns drei – Josef Winkler, Sofia
Simitzis und mich – zusammenzubringen, geht auf die Initiative von
Veronica Kaup-Hasler, der Intendantin des ›steirischen herbst‹ zurück.
Man kennt Josef Winkler in Österreich als politisch sehr exponierte
Person, die ihre Stimme mit großer
Hartnäckigkeit gegen Rechtspopulismus und Korruption erhoben hat.
Sein schonungsloses Abarbeiten an
seiner eigenen Kindheit in einem
kleinen Kärntner Dorf und seine präzisen, zwischen Zorn und Zärtlichkeit
schwankenden poetischen Bilder
faszinierten mich schon lange, und
ich freue mich sehr, dass nun eine
Zusammenarbeit zustande kommt.
EM: Mr. Staud, many of your works are
related to literature or other art forms.
Is it fair to say that this is a special
affinity of yours?
JMS: Actually, an affinity for words has
always been present in my work. I
have studied many different forms of
literature and have often tried to
write monodramas, the combination
of a spoken text and music. Of course,
for want of a better term, I use this one
provisionally. There is the early work
›Die Ebene‹ (1997) based on a text by
Hans Arp, an exploration of Charles
Baudelaire in ›Le Voyage‹ (2011) and the
collaboration with Durs Grünbein
and Bruno Ganz in ›Der Riß durch den
Tag‹ (2012). This is now my fourth work
combining an actor and an ensemble.
EM: The text was written by the Austrian author Josef Winkler. How did
this collaboration come about?
JMS: What brought the three of us together – Josef Winkler, Sofia Simitzis
and me – was an initiative of Veronica
Kaup-Hasler, director of the ›steirischer
herbst‹. Josef Winkler is known in
Austria as a politically exposed person
who has raised his voice with great
tenacity against right-wing populism
and corruption. His unsparing reflection upon his own childhood in a
small village in Carinthia and his precise, poetic images which oscillate
between anger and tenderness have
long fascinated me, and I am very
happy that this collaboration has now
come about.
Schreckbilder
links/rechts oben: ›Specter of the Gardenia oder der Tag wird kommen‹ – Fotos von Heta Multanen
rechts unten: Bühnenbildentwurf von Inga Trimm
9
Johannes Maria Staud
10
EM: Wie entstand der Text? Hat Josef
Winkler ihn im Austausch mit Ihnen
entwickelt?
JMS: Wir haben uns oft getroffen und
uns auch zu dritt unterhalten. Josef
hat seinen Text ja extra für diesen An­lass geschrieben. Er ist in mehreren
Etappen und Versionen entstanden,
stets in engem persönlichem Austausch. Zentral dabei ist Josefs sehr
persönliche Auseinandersetzung
mit dem Surrealismus und die Fortsetzung dieser Gedankenwelt in
die heutige Zeit; etwas, das es so in
seinem Œuvre bisher wohl nicht
gegeben hat. Im Mai werden wir alle
gemeinsam versuchen, den Text
und die Musik kurzzuschließen. Da
werden wir nochmals Dinge pro­
bieren, eine Strichfassung erstellen,
Elemente umgruppieren, und Josef
Winkler wird ein Fein-Tuning am Text
vornehmen.
EM: Ist es möglich, den Inhalt kurz
zu umreißen? Gibt es Aspekte,
die Sie besonders faszinieren und
interessieren?
SoS: Der Arbeitstitel lautet ›Specter of
the Gardenia‹ nach einer Skulptur
des surrealistischen Künstlers Marcel
Jean. »Specter« heißt übersetzt
»Schreckbilder«. Diese Skulptur stellt
einen kleinen schwarzen Kopf mit
geschlossenen Reißverschlussaugen
und einer um den Hals gewickelten
Filmrolle dar. In Josefs Text steht ein
Ich-Erzähler im Museum of Modern
Art in New York vor dieser Skulptur,
öffnet die Reißverschlussaugen
und sieht gleichzeitig Bilder seiner
Kindheit und unserer gegenwärtigen
EM: Could one say that Josef Winkler
also developed his text in cooperation
with you?
JMS: We met frequently and also
talked among the three of us. Josef
wrote his text specifically for this
occasion. It was created in several
stages and versions, always in close
personal exchange. The central element of this text is Josef’s highly
personal exploration of surrealism,
whose thought processes he con­
tinues today – something that had
not occurred in his oeuvre so far. In
May we will all try together to fuse
text and music. We will try things
out again, create an abridged version,
regroup elements, and Josef Winkler
will fine-tune the text.
EM: Is it possible to describe the content briefly? Are there aspects that
have fascinated and interested you
particularly?
SoS: The working title is ›Specter of the
Gardenia‹, inspired by a sculpture
of the surrealist artist Marcel Jean.
»Specter« means an image of horror.
This sculpture is of a small black head
with eyes closed by zippers and a
roll of film wound round its neck. In
Josef’s text, a first-person narrator
stands before this sculpture at the
Museum of Modern Art in New York,
simultaneously seeing images of his
childhood and of our current world.
Both elements for which Josef Winkler
is known – his political reactions to
our present times and the reflection
of his nightmarish childhood in Austria – can thus be found in the text.
There are lyrical passages, for exam­ple »AUF die Welle des Schüttelfrosts
am Fell eines Igels SCHREIB ICH
DEINEN NAMEN« (»ONTO the wave
of shivering on the pelt of a hedge­hog I WRITE YOUR NAME«) – in an
earlier version, this was the first
sentence of the text – a dramatic moment, full of despair but also full
of longing. In their entirety, such lyrically dense images convey an atmosphere. Especially in the beginning,
eschatological words or atmospheres
arise again and again, e.g. crumbs,
split, torn out, underside, sinking, last,
first, depth, ice, night – poetry that
cannot be spelled out, but that has
Welt. Beide Felder, für die Josef
Winkler bekannt ist – seine politischen Reaktionen auf die Gegenwart
und die Rückkehr zu einer alptraumhaften Kindheit in Österreich, sind
also im Text zu finden. Es gibt lyrische Passagen wie zum Beispiel »AUF
die Welle des Schüttelfrosts am Fell
eines Igels SCHREIB ICH DEINEN NAMEN« – in einer frühen Fassung der
erste Satz des Textes –, ein dramatischer Moment, voller Verzweiflung,
aber auch voller Sehnsucht. Solche
stark verdichteten lyrischen Bilder
geben in ihrer Gesamtheit eine Stimmung wieder. Gerade am Anfang
kommen immer wieder endzeitliche
Worte oder Stimmungen vor, z.B.
Brösel, gespalten, ausgerissen, Unterseite, sinkend, letzter, erster, Tiefe,
Eis, Nacht – Lyrik, die sich nicht ausbuchstabieren lässt, sondern die in
sich eine Kraft hat! Daneben gibt es
auch ganz klar erzählte Passagen
mit den ziemlich irren Bildern aus
der Kindheit und einen dritten Textteil, den wir »die Weltklage« nennen;
eine surreale Weltbeschreibung,
ein Blick in die gegenwärtige Welt, z.B.
»Ihr Erdöl-Gesellschaft, Ihr Aufpasser
unserer Tragödie!«.
JMS: Josef Winkler bezieht sich auf
bestimmte Vorbilder aus der sur­
realistischen Literatur und deren Vorläufer wie Paul Éluard, Benjamin
Péret oder Lautréamont, hat dies aber
in einer ganz eigenständigen Art und
Weise weiterentwickelt, amalgamiert.
EM: Wie können wir uns die Zusammenarbeit zwischen Ihnen Dreien als
Team – Komponist, Autor, Regisseurin –
vorstellen? Wann beginnt die Regiearbeit bzw. wie verläuft der Schritt zur
Inszenierung?
SoS: Der aufregendste Teil steht uns
erst noch bevor, wenn wir schauen,
wie das alles zusammenpassen könnte. Die Abfolge ist so: Josef Winkler
hat seinen Text relativ weit entworfen,
dann hat Johannes seine Musik geschrieben und ich reagiere als Letzte
darauf. Andererseits treffen wir uns
immer wieder, tauschen uns über
Ideen aus, damit alles enger verzahnt ist. Gleichzeitig arbeitet aber
jeder autonom. So ähnlich wie die
Instrumentalmusik von dem Text
an inherent power of its own! Then
there are the clearly narrated passages with their pretty crazy images
from his childhood, and a third text
passage that we call »the world lament«, a surreal description of the
world, a view of the world today, e.g.
»You petroleum society, you watchmen of our tragedy!«
JMS: Josef Winkler refers to certain
models of surrealist literature and
their precursors, such as Paul Éluard,
Benjamin Péret or Lautréamont, but
he has developed them further, amalgamating them in his very own, independent way.
EM: How should we imagine the collaboration between the three of you
as a team – composer, author, director?
When does the director’s work begin,
or rather, how do you advance towards
a staging?
SoS: The most exciting part is yet
ahead of us, when we see how it all
might fit together. The sequence is
thus: Josef Winkler has sketched out
his text to a pretty advanced stage,
then Johannes writes his music, and I
react to all that last. On the other
hand we meet frequently, exchanging
ideas, so that everything is more
closely interconnected. At the same
time, each of us works autonomously.
Just as the instrumental music is inspired by the text, the visual level that
my team of directors and I are planning is inspired by the text and forms
a kind of complementary or analogous level.
JMS: In the same way, the music is not
about »setting a text«. My working
method is this: I read all of Josef
Winkler’s text versions again and again,
and then I put them aside, waiting
for a kind of incubation period to pass.
After that, I tried to write instrumental
music which is highly co-inspired by
these linguistic image fields, by these
aphoristic and evocative elements. I
actually wrote two pieces: the pure
ensemble work in three movements
›Auf die Stimme der weißen Kreide
(Specter I-III)‹ for Ensemble Modern
and the stage work ›Specter of the
Gardenia oder der Tag wird kommen‹.
Again and again, I received designs
for stage sets, photographs and
inspiriert ist, ist auch die visuelle
Ebene, die mein Regieteam und ich
planen, inspiriert von dem Text und
bildet eine Art komplementäre oder
analoge Ebene.
JMS: Auch in der Musik ging es nicht
um eine »Vertonung«. Ich bin so vorgegangen: Ich habe alle Textfassungen von Josef Winkler wieder und
wieder gelesen, sie dann weggelegt,
eine Art Inkubationszeit abgewartet.
Dann habe ich versucht, eine Instrumentalmusik zu schreiben, die sehr
mitinspiriert ist von diesen Sprachbildfeldern, von diesen aphoristischevokativen Dingen. Eigentlich habe
ich zwei Stücke geschrieben: das
reine, dreisätzige, etwa halbstündige
Ensemblewerk ›Auf die Stimme der
weißen Kreide (Specter I–III)‹ für das
Ensemble Modern und das Werk für
die Bühne ›Specter of the Gardenia
oder der Tag wird kommen‹. Ich
habe immer wieder Bühnenbildentwürfe, Fotos und Assoziationsbilder
von Sofia Simitzis erhalten und gemerkt, dass sie den Text als Grund­
lage ihrer eigenen Deutung nimmt.
Ich war vielleicht oft nicht sehr
kommunikativ – aber das haben Komponisten während intensiver Arbeitsphasen so an sich –, habe aber alles
aufgenommen, was von Sofias Seite
kam. Uns allen war von Anfang an klar,
dass der gesamte Abend viel mehr
sein sollte als die Addition der Einzelteile. Ich würde sagen, bei so einer
Zusammenarbeit ist der Text die
Grund­lage, da er das Thema des
Abends grundiert und uns alle inspiriert. Als Zweites kommt die Musik,
die darauf Bezug nimmt und die Semantik des Textes in eine andere
Sphäre entführt. Die Szene, das Bild,
die Inszenierung von Sofia eröffnet
dann oft unerwartete Bedeutungsspielräume und verknüpft die Teile
zu einer wild zerklüfteten Einheit, die
wie eine fremde Gebirgslandschaft
in einem unbekannten Licht erstrahlt.
Man ist jedenfalls in einem ziemlich vielfältigen Spannungsfeld
eingewoben.
associative images from Sofia Simitzis,
noticing that she used the text as the
basis of her own interpretation, and I
liked that very much. Perhaps I was
often not very communicative, but
that is often the case for composers
during intensive phases of work; however, I assimilated everything coming
from Sofia. It was clear to all of us
from the very beginning that the entire evening was to be much more
than the sum of its parts. I would say
that in cases of cooperation like ours
the text is the basis, providing the fundamental theme of the evening and
inspiring us all. Music comes second,
making reference to the text and
transporting its semantics into a different sphere. The scene, the image,
Sofia’s staging then often opens unexpected possibilities of meaning,
combining the parts into a wild, disparate unit, resplendent in an unknown light like a foreign mountain
landscape. In any case, we are embedded into a pretty diverse field of
tension.
Sofia Simitzis
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EM: Können Sie denn schon mehr
zur Inszenierung verraten?
SoS: Was wir natürlich schon festgelegt haben, ist der Raum. Genauso
wie ich mich von der schon vorhandenen Musik und dem Text inspirieren lasse, habe ich Bilder gesammelt,
die aber noch variabel sind. Es ist
wie ein kleines Materiallager, aus dem
ich dann meine Karten schneller
spielen kann. Das Ganze ist eine installative Konzertperformance und
wir sehen im weiteren Sinn einen
»Specter«, eine Schreckbildmaschine
oder »Weltmaschine« mit 1000
Augen, aus der Bilder wahnsinnig in
alle Richtungen herausquellen. Das
können Videos sein, aber auch Figuren,
Objekte, Live-Aktionen. Dieser »Specter« hat natürlich auch eine eigene
Dynamik von übervoll bis Schwarzbild oder kein Bild; es gibt kleinteilige
oder große Bilder, Solo- oder TuttiBilder, wimpernschlagkurz oder tagtraumlang. Die Bilder sind strukturell
und inhaltlich getriggert aus dem
Text. Und es gibt eine gewisse Leichtigkeit, Humor, Absurdität in der
Härte und Schwärze, die auf jeden
Fall auch im Text vorhanden ist.
JMS: Der Text wird in seiner Chronologie noch aufgebrochen, auf den
Kopf gestellt. Es gibt Teile, wo die Musik alles an sich reißen wird, und es
gibt Teile, wo der Text dominiert. Alle
drei Teile (die visuelle Ebene, die
Musik, der Text) drängen sich ab und
zu in den Vordergrund und lassen
dann wieder die anderen vor, vergleichbar mit einer Jazz-Combo, wo
alle mal ihr Solo haben und dieses
auch formal ausarten kann. Der
Abend ist keine apollinische Schönheitsstudie, sondern soll eine gewisse Unerwartbarkeit für die Zuhörer mitbringen …
SoS: … und Wahnsinn!
EM: Can you tell us more about the
staging?
SoS: Of course, what we decided upon
long ago was the space. Just as I
am inspired by the music and the text
already written, I have collected images, but these are still variable. It is
like a small arsenal of material from
which I am able to play my cards faster
when the time comes. The whole
thing is an installational concert performance, and we see a »specter«
in the broader sense, a machine of
horrific images, a »world machine«
with 1000 eyes emitting images madly
in all directions. These might be
videos, but also figures, objects, live
actions. Of course this specter has its
own dynamic of overload, all the way
to images of blackness and no images; there are small fragmented and
large images, solo and tutti images,
lasting for the blink of an eye or the
duration of a daydream. In structure
and content, the images are triggered
by the text. And then there is a certain lightness, humour, an absurdity in
rigidity and blackness, all of which
are definitely present in the text as well.
JMS: Furthermore, the text in its chronology is broken up, turned upside
down. There are parts where the music
will dominate everything, and there
are parts where the text does the same.
All three parts (the visual level, the
music, the text) take centre stage occasionally, but then cede to the others
again; this is comparable to a jazz
combo where everyone has solos, and
the solos are allowed to exceed the
formal strictures. The evening is not a
study in Apollonian beauty, but aims
to confront the listeners with a certain
element of the unexpected.
SoS: … and with madness!
EM: Herr Staud, ich würde gerne
nochmals auf die Beziehung zwischen Ihrem Instrumentalstück und
dem Werk für die Bühne zurückkommen. Wie ist der Text bei der
szenischen Aufführung in die Musik
eingebunden?
JMS: Das reine Ensemblewerk wird
nach einer eigenen, musikimmanenten, aber vom Text inspirierten
Dramaturgie entstehen. Für den
szenischen Abend breche ich die Ensemblemusik auf, füge Inseln hinzu,
durchlüfte einzelne Teile und werde
vor allem Kammermusik und Solopassagen dazukomponieren, da ja
auch Bild, Szene und Text dazukommen. Ich möchte nicht, mein
Ensemble-Stück 1:1 abspielen; das
würde auch dem speziellen Geist der
Zusammenarbeit widersprechen.
Ich kenne das Ensemble Modern sehr
gut, d. h. in der abendfüllenden
Bühnenfassung wird die Tür zu mehr
Solomusik aufgemacht: die Mitglieder gesellen sich auch zum Text oder
zum Schauspieler und es wird intimer. Die reine Ensemble-Musik ist
relativ massiv und komplex in ihrer
Textur. Es gibt eigentlich vier Zustände: Text und Musik sind gleichberechtigt, die Musik ist unbegleitet, der
Text ist unbegleitet, aber auch Text
mit Musik im Hintergrund, wie ein
Accompagnato-Rezitativ. Es soll
durchaus eine Multiperspektivik geben, das ist mein Traum eines
Kunstwerks: ein Kunstwerk, das man
mehrmals hören und sehen kann,
um immer wieder auf neue Details
zu achten, die man beim ersten
Mal übergangen hat. Es ist eine echte
Bildermaschine, die einen ein bisschen überfordert, weil sehr viel gleichzeitig passiert. Genau das gefällt mir!
Das Gespräch führte Marie-Luise
Nimsgern.
EM: Mr. Staud, I would like to revert
once more to the relationship between your instrumental piece and
the stage work. How is the text integrated into the music in the staged
performance?
JMS: The pure ensemble work will follow its own dramaturgy, which is
immanent to the music, but inspired
by the text. For the staged evening,
I will break open the music, adding
islands, airing individual parts, and
most importantly, I will compose additional chamber music and solo
passages, since images, scenes and text
will be added. What I don’t want is
to have my ensemble piece performed
en bloc, exactly as it is; that would
also contradict the special spirit of this
cooperation. I know Ensemble Modern
very well; therefore, in the eveninglength staged version the door will be
opened for more solo music, when
the ensemble members will join the
text or the actor and the effect will
be more intimate. The pure ensemble
music is relatively massive and complex in its texture. There are actually
four states: one where text and music
are equal, one of unaccompanied
music, one of unaccompanied text, but
also one where there is text with
music in the background, like a secco
recitative. Multiple perspectives are
desired; that is my dream of a work of
art: a work of art that one can hear
and see multiple times, noticing new
details every time which one missed
the first time. It is a real image machine, which is slightly overwhelming
because so much happens at the
same time. That is exactly what I like!
Marie-Luise Nimsgern led the
conversation.
13
Termine
19.09.2015, 18 Uhr
Straßburg, Auditorium de France 3 Alsace
musica – festival international de musiques d'aujourd'hui
Yann Robin: Arkham für Ensemble (2015) (Uraufführung)
Johannes Maria Staud: Auf die Stimme der weißen Kreide
(Specter I–III) – Musik für großes Ensemble (2014/15)
(Uraufführung)
Emilio Pomàrico, Dirigent
25.09.2015, 19.30 Uhr
26.09.2015, 19.30 Uhr
Graz, Helmut List-Halle
steirischer herbst
Johannes Maria Staud: Specter of the Gardenia oder Der
Tag wird kommen – für Ensemble und Sprecher mit Texten
von Josef Winkler (2015) (Uraufführung)
Emilio Pomàrico, Dirigent
Johannes Silberschneider, Sprecher
Johannes Maria Staud, Musik
Josef Winkler, Text
Sofia Simitzis, Regie
Partiturskizze zu Johannes Maria Stauds
›Auf die Stimme der weißen Kreide (Specter I – III)‹
Inga Timm, Bühne und Kostüme
Heta Multanen, Video
Voxi Bärenklau, Licht
›Musik und Film‹ und
›Helmut Lachenmann 80‹
beim Festival ›cresc…2015‹
›Music and Film‹ and
›Helmut Lachenmann at 80‹
at the Festival ›cresc…2015‹
von Egbert Hiller
by Egbert Hiller
segamI < << of
sound
14
15
Videoproduktion von Simon Steen-Andersen
im Opel-Altwerk Rüsselsheim
Film und Musik sind miteinander verwoben, obwohl die Ausprägung der jeweiligen Ausdrucksform auf sehr unterschiedlichen Voraussetzungen
fußt. War die Tonkunst bei ihrer Entstehung mit
archaischen Dimensionen verbunden und von natürlichen Phänomenen wie dem Zwitschern der
Vögel inspiriert, so ist der Film ein Kind der frühen
»Moderne« und der fortschreitenden technischen
Innovation. Seit der Geburtsstunde des Films nahm
die Musik erheblichen Einfluss auf ihn – im Stummfilm als Begleitmedium und akustisches Pendant
zum Leinwandgeschehen und im Tonfilm zur
akustischen Illustration und emotionalen Verdichtung oder Überhöhung, wobei die Klänge die Gefühle und seelischen Regungen der Protagonisten
sowohl spiegeln als auch kontrapunktieren und
dabei eigenständige schöpferische Qualitäten zu
entfalten vermögen.
Das Verhältnis zwischen Neuer Musik und Film
spielte, abgesehen von singulären Highlights wie
Stanley Kubricks ›2001: Odyssee im Weltraum‹
mit der Musik von u.a. György Ligeti (live präsentiert
vom hr-Sinfonieorchester im Eröffnungskonzert
von ›cresc…‹ im Großen Saal der Alten Oper Frankfurt) bislang nur eine Nebenrolle. Dies beruht
nicht zuletzt darauf, dass der Film in erster Linie
ein kommerziell ausgerichtetes Medium ist,
Film and music are interwoven, although the specificity of the two forms of expression is based on
very different preconditions. While music as an art
form was bound up in archaic dimensions in its
beginnings, inspired by phenomena of nature such
as the twittering of birds, film is a child of early
»modernism« and growing technical innovation.
Since the birth of film, music has exerted considerable influence over it – as an accompanying medium
and acoustic equivalent when movies were silent,
and as acoustic illustration and emotional intensification or sublimation once sound film arrived.
Sound then reflected the feelings and inner life of
the protagonists or provided a counterpoint, given
its ability to develop its own creative qualities.
However, apart from singular highlights, such as
Stanley Kubrick’s ›2001: A Space Odyssey‹ which
featured music by György Ligeti, among others (presented live by the Frankfurt Radio Symphony Orchestra at the opening concert of ›cresc…‹ at the
Main Hall of Frankfurt’s Alte Oper), the relationship
between New Music and film played a supporting
role at best. This is due not least to the fact that
film is first and foremost a commercially oriented
medium, while New Music has at least a conflicted
relationship with prevalent market mechanisms,
including advertising and mass consumption.
während sich die Neue Musik gegenüber gängigen
Marktmechanismen samt Werbung und Massenkonsum zumindest sperrig verhält. Künstlerisch
können die Beziehungen jedoch extrem reizvoll sein.
›Images of Sound‹ lautet das Motto des Festivals
›cresc…2015‹ vom 26. bis 29. November – und die
Verknüpfung des Themenkomplexes ›Musik und
Film‹ mit ›Helmut Lachenmann 80‹ scheint auf
den ersten Blick gewagt, da sich Lachenmanns Tonsprache funktionalen Kriterien, wie sie für Filmmusik charakteristisch sind, entschieden zu entziehen scheint. Indes, so abstrakt das von ihm
selbst generierte »instrumentalkonkrete Klangkomponieren« (»musique concrète instrumen­
tale«) mit stark ins Geräuschhaft-Experimentelle
vordringender Klanglichkeit auch anmutet, es
hält die Balance mit intensivstem Nachspüren seelischer Tiefendimensionen, was auch »Bilder« vor
das geistige Auge treten lässt. In diesem Kontext
ergeben sich auf höherer Ebene sehr wohl Kor­
respondenzen zwischen Bild und Ton, die dem diesjährigen Festival eindringliche Spannung ver­leihen,
zumal in den Projekten des Ensemble Modern
und des Ensemble Modern Orchestra (EMO), bestehend aus den Ensemble-Modern-Mitgliedern,
sowie aktuellen Teilnehmern und Absolventen der
Internationalen Ensemble Modern Akademie (IEMA).
In artistic terms, however, their relations can be
extremely interesting.
›Images of Sound‹ is the motto of the festival ›cresc…
2015‹, which takes place from November 26 to 29 –
and the combination of the thematic focus on ›Music and Film‹ with ›Helmut Lachenmann at 80‹
may seem daring at first glance, since Lachenmann’s
tonal idiom seems determined to avoid the functional criteria typical for film music. However, as
abstract as his method of »concrete instrumental
sound composition« (»musique concrète instrumentale«), with its sound-world that is wide open
to the realm of noise and experimental sounds,
may seem, it is balanced by extremely intense tracing of deep dimensions of the soul, which allows
»images« to arise before the listener’s inner eye. In
this context, there are indeed higher-level correspondences between image and sound, and they
lend this year’s festival an acute tension, especially
in the projects featuring Ensemble Modern and the
large Ensemble Modern Orchestra, consisting of
the members of Ensemble Modern as well as current participants and graduates of the Interna­
tional Ensemble Modern Academy (IEMA).
Äste brechen, Zweige sausen
Dass der zweite Festivaltag ganz im Zeichen von
Helmut Lachenmann steht, liegt nahe, feiert er
doch just am 27. November seinen 80. Geburtstag.
Die Zusammenarbeit mit Lachenmann reicht bis
in die Anfänge des Ensemble Modern zurück und
hat sich bis heute erhalten. Etliche Ur- und Erstaufführungen von herausragenden Werken sind
daraus erwachsen, und stets gingen gemeinsames Reflektieren über Geist und Gehalt der Musik
und intensive Proben voraus; so auch beim ›cresc…‹Festival 2015, wobei Lachenmann in die Programmierung des ihm gewidmeten Schwerpunkts involviert war. Zwei Leitgedanken lagen der Planung
zugrunde: zum einen die epochale Kooperation
von Komponist und Ensemble Revue passieren zu
lassen, zum anderen neue Akzente zu setzen. Im
gemeinsamen Geburtstagskonzert des EMO und
des hr-Sinfonieorchesters am 27. November im
Kurhaus Wiesbaden, geleitet von Brad Lubman,
kommen das selten gespielte Tubakonzert
›Harmonica‹ (1983) und ›Schwankungen am Rand‹
Breaking Branches, Swishing Twigs
Dedicating the second day of the festival entirely to
Helmut Lachenmann is an obvious choice, for he
celebrates his 80th birthday on November 27. The
cooperation between Ensemble Modern and
Lachenmann goes back to the early days of the group
and has continued strong to this day. Numerous
world and national premieres have resulted from it,
all preceded by joint reflections on the spirit and
content of the music as well as intensive rehearsals;
this is also true of the 2015 festival edition of
›cresc…‹, where Lachenmann was involved in programming the focus dedicated to him. Two ideas
guided the planners: on the one hand, to reflect and
review the epoch-making cooperation between
composer and ensemble, and on the other to set new
accents. During the joint birthday concert of EMO
and the Frankfurt Radio Symphony Orchestra at the
Kurhaus Wiesbaden (November, 27) under the baton of Brad Lubman, the rarely-performed concerto
for tuba ›Harmonica‹ (1983) and ›Schwankungen
am Rand‹ (1974/75) will be performed, in addition
senen Augen dabei sein; denn es lenkt von den
sehr wohl vorhandenen Nuancen oder GeräuschKompositions-Strukturen, ja den entwickelten
Geräusch-Farben ab, wenn man anschaut, wie mit
der Luft oder aus der Luft gewonnene Tonproduktionen entstehen, wenn ein Schlagzeuger an
Schüsseln klimpert, Kuhglocken streichelt, Gongs
mit Bögen bearbeitet, mit einer Pistole schießt, Äste
bricht oder Zweige sausen lässt …«
Der gut gemeinte Rat des Berichterstatters, die
optischen Facetten von ›Air‹ durch das Schließen
der Augen zu negieren, sollte bei der Uraufführung der Neufassung auf keinen Fall beherzigt werden, gerät die Live-Performance doch gerade
durch Ohr und Auge zum theatralischen Erlebnis.
Das gilt ebenso für ›Concertini‹: 2005 zum 70.
Geburtstag des Komponisten entstanden und beim
Lucerne Festival uraufgeführt, wird es nun beim
›cresc…‹-Festival 2015 nebst Mozarts ›Gran Partita‹ –
eine Wunschkombination Lachenmanns – am
28. November vom Ensemble Modern unter Franck
Ollu dargeboten.
structures of noise and composition, even the developed colours of noise, if one observes how notes
are produced by using air, or from air, how a percussionist clinks bowls together, caresses cowbells,
attacks gongs with bows, fires a pistol, breaks branches or swishes twigs through the air …«
The reporter’s well-intended advice to negate the
optical facets of ›Air‹ by closing one’s eyes should
definitely not be followed during the world premiere
of the new version, since it is the ears and eyes
that make the live performance a theatrical event.
This is equally true of ›Concertini‹: written in 2005
for the 70th birthday of the composer and first performed at the Lucerne Festival, it will now be
heard at the 2015 ›cresc…‹ Festival alongside Mozart’s
›Gran Partita‹ – a combination suggested by
Lachenmann himself – during a concert on November 28 by Ensemble Modern under Franck Ollu.
16
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(1974/75) zu Gehör, dazu als Höhepunkt die Uraufführung einer Neufassung von ›Air‹ (1968/69) für
großes Ensemble. Dass Lachenmann diese ›Musik
für großes Orchester und Schlagzeugsolo‹ nun
überarbeitete, verweist auf die Anfänge seines
»instrumentalkonkreten Klangkomponierens«
zurück und eröffnet zugleich eine neue, heutige
Sicht darauf – ein Ansatz, der auch zum Ausdruck
seines künstlerischen Selbstverständnisses gerät,
stets nach vorne zu schauen, ohne die Musik­
geschichte samt seiner eigenen »Geschichte«
auszublenden.
Zu dieser »Geschichte« zählt nicht zuletzt die Rezeption von ›Air‹, auf die die nach der Uraufführung 1969 verfasste Kritik von Wolf-Eberhard von
Lewinski ein markantes Schlaglicht wirft: »Obwohl
bei einigen avantgardistischen Kompositionen
das Zusehen interessanter oder aufschlussreicher
sein kann als das Zuhören, der Show-Gag ja auch
mitkomponiert ist, sollte man bei Helmut Lachenmanns neuester Arbeit ›Air‹ besser mit geschlos-
to the highlight of the evening: the world premiere
of a new version of ›Air‹ (1968/69) for large ensemble. The fact that Lachenmann has recently rewritten this ›music for large orchestra and solo
percussion‹ points to the beginnings of his »concrete
instrumental sound composition« while opening a
new, contemporary perspective on it – an approach
which also expresses his artistic self-definition:
always looking forward while never repressing or
forgetting the history of music, including his own
»history«.
This »history« includes – not least – the reception of
›Air‹, upon which a review by Wolf-Eberhard von
Lewinski after its world premiere in 1969 throws a
powerful spotlight: »Although in the case of some
avant-garde compositions, watching can be more
interesting and insightful than listening, since the
show-gag is composed into the piece, one would be
well-advised to follow Helmut Lachenmann’s latest
work, ›Air‹, with closed eyes; it distracts from the
nuances, which are indeed present, and from the
Bewegte und bewegende Bilder
Ganz anders sieht der Abend des 28. November
im Staatstheater Darmstadt aus. Zwar läuft zu
Friedrich Cerhas ›1. Keintate‹ (1980–82) kein Film
ab; Franz Hubmanns atmosphärische Fotos von
Wien und den Wienern formieren sich in der Projektion aber zu »bewegten« und sehr »bewegenden« Bildern. Der von dem Gattungsbegriff Kantate
abgeleitete Titel ist auf den Wiener Dichter Ernst
Kein bezogen, dessen Sprüche Cerha vertonte und
die – im Zusammenwirken mit den Fotos – das
Wiener Leben und die »Wiener Seele« sinnfällig
inszenieren und kommentieren. Schillernd sind
auch Cerhas Klänge, die virtuos und in jähen Wechseln zwischen Anleihen aus der Unterhaltungsmusik und deren ins Ultramoderne übertragenen
Verzerrungen hin und her schwanken.
Der Chansonnier ist selbst ein berühmter Wiener:
HK Gruber, der das Ensemble Modern auch leitet.
Moving Images
The evening of November 28 at the Darmstadt State
Theatre looks quite different. Friedrich Cerha’s
›1. Keintate‹ (1980-82) may not have a movie playing
alongside, but Franz Hubmann’s atmospheric
photographs of Vienna and the Viennese will form
»moving« and highly emotional images when
projected. The title, derived from the generic name
»Kantate« (cantata), refers to the Viennese poet
Ernst Kein, whose sayings Cerha set to music, sayings which illustrate and comment upon Viennese
life and the »Viennese soul«. Cerha’s sounds too are
colourful, making virtuosic and sudden changes
between snatches of popular music and alienations
of the same material, transformed into ultramodern
sounds. The chansonnier himself is a famous
Viennese: HK Gruber, who also conducts Ensemble
Modern.
Simon Steen-Andersen:
›Black Box Music‹
In ›Die Weber‹ kommt das Medium Film dann zu
voller Ausprägung – in Gestalt von Friedrich
Zelniks gleichnamigem Stummfilm von 1927, dem
Johannes Kalitzke in seinem Musikzyklus (2012)
eine neue »Tonspur« an die Seite stellte. Das heißt
aber nicht, dass der Komponist, der dieses Filmkonzert mit dem Ensemble Modern selbst dirigiert,
sich musikalisch in die Zwischenkriegsjahre zurückversetzt hätte. Er ließ sich vielmehr auf mannigfaltige Weise von dem Film und dessen Subtexten
anregen und schuf daraus eine grelle, teils ans Groteske gemahnende Klangwelt, in der er sich auch
Märsche und Arbeiterlieder anverwandelte, um sie
zu deformieren und ins Abstrakte zu transformieren.
Auch bei der Musik zum 1928 entstandenen Animationsfilm ›Die Wunderuhr – der Zauberwald‹
des Russen Ladislas Starewitch, der als Pionier animierter Puppenfilme gilt, handelt es sich um eine
nachträgliche »Vertonung« von Paul Dessau, die
das IEMA-Ensemble u.a. am 28. November live in
der Caligari Filmbühne in Wiesbaden präsentiert.
18
Gefilde des Brisanten und Unbekannten
Dagegen basieren die »Musikfilme«, die aus dem
7. Internationalen Kompositionsseminar der IEMA
in Zusammenarbeit mit der Filmakademie BadenWürttemberg resultieren, auf unmittelbarer Interaktion oder gar Verschmelzung der Künste. Vier
Teams aus ausgewählten Komponisten und Absolventen der Filmakademie haben sich herausgebildet: Martin Grütter (Musik) und Irina Rubina
(Regie), Jeehoon Seo und Levin Peter, Christopher
Trapani und Leonel Dietsche, Diego Ramos Rodriguez und Timm Kröger. Uraufgeführt werden die
vier Stücke, konzipiert unter der thematischen
Vorgabe ›Musik-FilmBild-Musik‹, am letzten Festival­tag. Welche Antworten finden die Teams auf die
komplexen ästhetischen, stilistischen und technischen Fragestellungen, die sich aus dieser
Konstellation ergeben? Welche Wege schlagen sie
ein, wie weit wagen sie sich vor in Gefilde des
Brisanten und Unbekannten, des Schrillen und
Experimentellen?
Mit Uraufführungen wartet das Ensemble Modern
(unter Franck Ollu) auch im Abschlusskonzert
von ›cresc…‹ am 29. November auf. Der Komponist
Michael Beil, Professor für elektronische Musik in
Köln, schrieb seine neue Komposition in Zusammenarbeit mit dem Regisseur Thierry Bruehl. Es ist
multime­dial angelegt, mit einer ausgefeilten
Choreografie, die in der Partitur festgehalten ist,
und auch das Live-Video »gehorcht einem vorab
fixierten Ablauf«. »Formal und inhaltlich geht es«,
so Beil weiter, »in diesem Stück um die Möglichkeiten und Bedeutungen von Reverse- oder Palindrom-Techniken beim Komponieren und Inszenieren.« Allerdings sind diese Techniken kein
struktureller Selbstzweck, sondern sie dienen dazu,
den ins Obsessive sich steigernden musikalischen
und theatralischen Mitteln ein tragendes Gerüst
In ›The Weavers‹, then, the film medium appears
in full force – in the shape of Friedrich Zelnik’s 1927
silent movie of the same name, for which Johannes
Kalitzke composed a new »soundtrack«, a musical
cycle, in 2012. This, however, does not mean that the
composer, who conducts this Ensemble Modern
concert himself, reverted stylistically to the inter-war
years. Instead, he was inspired in many different
ways by the film and its subtexts, creating a shrill
sound-world that borders on the grotesque at
times, but also incorporates marches and worker’s
songs, only to deform them and transform them
into abstraction.
The music for the 1928 animated film ›The Miracle
Clock – The Magical Forest‹ by the Russian Ladislas
Starevich, considered a pioneer among animated
puppet films today, is another »setting« after the
fact by Paul Dessau, presented live by the IEMA
Ensemble, for example at the Caligari Filmbühne
in Wiesbaden on November 28.
Realms of the Explosive and Unknown
On the other hand, the »music films« produced as
part of the 7th International Composition Seminar,
which IEMA held together with the Film Academy
of Baden-Württemberg, result from direct interaction or even a merging of art forms. Four teams
of selected composers and graduates of the Film
Academy were formed: Martin Grütter (music) and
Irina Rubina (director), Jeehoon Seo and Levin Peter,
Christopher Trapani and Leonel Dietsche, Diego
Ramos Rodriguez and Timm Kröger. Four pieces conceived with the theme ›Music-FilmImage-Music‹
in mind will have their first performance on the last
day of the festival. It will be fascinating to witness
the teams’ answers to the complex aesthetic, stylistic
and technical issues arising from this particular
constellation. Which paths do they take, how far do
they venture into the realms of the explosive and
the unknown, the shrill and the experimental?
Ensemble Modern also offers world premieres under
Franck Ollu’s baton during the final concert of
›cresc…‹ on Sunday, November 29. The composer
Michael Beil, professor of electronic music in Cologne, wrote his latest composition in cooperation
with the director Thierry Bruehl. It has a multimedia design, featuring a sophisticated choreography notated in the score, and the live video also
»conforms to a course of action agreed upon in advance«. »In form and content«, Beil explains,
»this piece is about the possibilities and meanings
of reverse or palindrome techniques in composition
and stage directing.« However, these techniques
are not a structural end in themselves; instead they
serve to insert a stable structure into the musical
and theatrical means as they are augmented obsessively – thereby creating a constructive and ceremonial counterbalance.
einzuziehen und mithin ein konstruktiv-zeremonielles Gegengewicht zu verleihen. Auch der
dänische Komponist und Installationskünstler
Simon Steen-Andersen hat bereits große Erfah­
rungen mit multimedialen Projekten gesammelt:
von frühen Klanginstallati­onen mit Video bis zum
›Piano Concerto‹ (2014), in das als filmisches Element ein lautlos herabstürzender Flügel integriert
ist. Bei ›cresc…2015‹ erklingt zunächst ›Black Box
Music‹ (2012), für die er den renommierten Nordic
Council Music Prize erhielt. Für sich spricht die
Begründung der Preisrichter, die ›Black Box Music‹
als »bestechende, unkontrollierbare Überlagerung
von Verrücktheit, Humor, Charme und außerge­
wöhn­lichem Erfindungsgeist« bezeichnet haben.
Fokussierte Steen-Andersen darin eine Art von
Puppen­spielästhetik, in der er die traditionelle
Konzert­situation genüsslich dekon­struierte und
ad absurdum führte, so hat er sich auch dieses Mal
ein akustisch wie optisch eindrucksvolles Werk
ausgedacht: Einem Video-Game gleich, »jagt« der
Komponist mit dem Publikum virtuell durch das
stillgelegte Opel-Altwerk, vorbei an den Musikern
des Ensemble Modern, die live mit der Szenerie
interagieren. Die Uraufführung beschert ›cresc…
2015‹ in produktiver Wechselwirkung mit der
Novität von Michael Beil ein hoch spannendes, gleichermaßen auf Musik und Film zielendes Finale.
The Danish composer and installation artist Simon
Steen-Andersen has a wide range of experience
with multimedia projects: from early sound installations with video to the ›Piano Concerto‹ (2014),
featuring a silently falling grand piano as a film
element. At ›cresc… 2015‹ the first piece by him is
›Black Box Music‹ (2012), for which he received the
prestigious Nordic Council Music Prize. The jury
called ›Black Box Music‹ a »compelling, uncontrollable superimposition of madness, humour, charm
and extra­ordinary inventiveness«. There, SteenAndersen focused on a kind of marionette theatre
aesthetic, with which he took pleasure in deconstructing the traditional concert situation, exposing
its absurdity. Now he has again crafted an acous­
tically and visually impressive work: as if in a video
game, the composer and audience go on a »chase«
through the former Opel manufacturing plant, moving past the Ensemble Modern musicians who interact live with the scene. In a productive juxtaposition with Michael Beil’s novelty, this world
premiere will give ›cresc…2015‹ a fascinating finale
equally focused on music and film.
19
Termin
26. bis 29. November 2015
cresc…2015 – Biennale für Moderne Musik
Frankfurt Rhein Main
Images of Sound
Musik und Film | Helmut Lachenmann 80
Partiturskizze zu Helmut Lachenmanns ›Air‹
Ein Festival von Ensemble Modern und hr-Sinfonieorchester
in Kooperation mit dem Internationalen Musikinstitut
Darmstadt und der Alten Oper Frankfurt.
In Zusammenarbeit mit Staatstheater Darmstadt, Staatstheater Wiesbaden, Institut für zeitgenössische Musik
der HfMDK Frankfurt am Main, Deutsches Filmmuseum,
Caligari FilmBühne, Museum Wiesbaden, Stadt Rüssels-
ermöglicht durch
in Zusammenarbeit mit
heim, Filmakademie Baden-Württemberg und Internatio-
nale Ensemble Modern Akademie
www.cresc-biennale.de
Thinking about Music
Helmut Lachenmann
20
Über Musik
Es ist der 25. März, Helmut Lachenmann ist um
6 Uhr aufgestanden und mit dem Zug nach Frankfurt gereist, um mit Christian Hommel (CH) und
Roland Diry (RD) das folgende Gespräch zu führen
und mit Rumi Ogawa an der neuen Fassung von
›Air‹ zu proben. Es ist kurz vor 10 Uhr, mit einem
Trekkingrucksack bepackt, nimmt er schnell die
Treppen zu unserem Büro in der Schwedlerstraße.
Die Neufassung ›Air‹ sowie eine Reihe weiterer
Schlüsselwerke von Helmut Lachenmann (HL) wird
das Ensemble Modern in mehreren Konzerten
anlässlich seines 80. Geburtstages beim Festival
›cresc…2015 – Images of Sound‹ vom 26. bis 29.
November 2015 aufführen.
nachdenken
The date is March 25, and Helmut Lachenmann has
risen at six in the morning and travelled to Frankfurt by train in order to have the following conversation with Christian Hommel (CH) and Roland
Diry (RD), and to rehearse the new version of ›Air‹
with Rumi Ogawa. It is shortly before 10 a.m.
when he jogs up the stairs to our office in Schwedlerstraße, weighed down with a trekking backpack.
The new version of ›Air‹ as well as a series of further
key works by Helmut Lachenmann (HL) will be
performed in several concerts by Ensemble Modern
on the occasion of his 80th birthday at the festival
›cresc…2015 – Images of Sound‹ between November
26 and 29, 2015.
21
Ein Gespräch mit Helmut Lachenmann
zum 80. Geburtstag
A Conversation with Helmut Lachenmann
on the Occasion of his 80th Birthday
CH: Über deinen Text zur Sendereihe ›Komponisten
machen Programm‹ von 1979 über Nono, Webern,
Mozart und Boulez habe ich schlaglichtartig begriffen, dass Mozart in der ›Gran Partita‹, die wir
im November mit deinen ›Concertini‹ aufführen,
musikalische Abfallprodukte verwendet, wie z. B.
zu Beginn das Klischee von drei Akkorden, die bei
Händel, Gluck, den Mannheimer Komponisten
bereits tausendfach benutzt wurden. Mit Kontrastverfahren konterkariert er diese Klischees und
gelangt damit in innovative Bereiche. So setzt sich
das die ganzen sieben Sätze fort. Dass du das in
diesem Werk erkannt hast und nicht die Mozartforschung vor dir, finde ich faszinierend. Ähnliche
Verfahren findet man in deiner Musik.
CH: Reading the text you wrote for the broadcast
series ›Composers as Programmers‹ in 1979 about
Nono, Webern, Mozart and Boulez, I suddenly realised that Mozart used musical by-products in the
›Gran Partita‹, which we will perform in November
together with your ›Concertini‹: right at the beginning, for example, the cliché of the three chords
which Handel, Gluck, the Mannheim composers,
had already used 1000 times. Using contrasting procedures, he contravenes these clichés, thus breaking
innovative ground. This continues through the entire
seven movements. I am fascinated by the fact that
you, rather than all the Mozart scholars before you,
recognised this in this work. Similar procedures
can be found in your own music.
HL: Ich glaube, dass die Serenaden für Mozart sein
instrumentaltechnisches Experimentierfeld
waren. Im Variationensatz beispielsweise hält er
im Thema den B-Dur-Dreiklang ewig lang fest
mit pedalisierend gehaltenen Hörnern und völlig
statisch gegeneinander arpeggierenden Klarinetten – das ist der Anfang von ›Rheingold‹! Da
funktioniert B-Dur nicht mehr als die gute alte
Tonika mit den üblichen Nebenstufen, sondern es
wird zum klingenden Naturereignis. Das ist eine
Situation, nicht mehr ein musikalischer Text. Mozart
suchte und fand immer Neues im Dissonanzbereich der tonalen Harmonik. Es gab den TristanAkkord oder Komplexeres längst schon bei ihm;
banal gesagt: Derlei dauerte bei Mozart eben nicht
so lange wie bei Wagner, wirkte weniger exponiert, blieb unauffälliger.
HL: I believe that the Serenades presented Mozart
with his field of experimentation for instrumental
technique. In the variation movement, for example,
he lays down the B-flat major chord for an eternity,
using horns to create a pedal point and clarinets
whose arpeggios clash completely statically –
that is the beginning of ›Rheingold‹! B-flat major
no longer works as the good old tonic with the
usual secondary steps, but becomes a resounding
force of nature. That is a situation, no longer a
musical text. Mozart searched for and invariably
found novelty in the dissonant areas of tonal
harmony. He had long found the Tristan chord and
more complex phenomena. Stated in trivial terms:
such things just didn’t last as long with Mozart as
they did with Wagner, they were less exposed,
remained less conspicuous.
CH: Wie kommt es, dass alle denken, diese Entdeckungen, z.B. stehende Klangflächen in einer Tonart, wären Erfindungen von Beethoven? Viele revolutionäre Leistungen werden fälschlich Beethoven
zugeschrieben.
22
HL: Immerhin, ein Klangraum wie etwa am Beginn
von Beethovens Neunter muss seinerzeit ungeheuer gewirkt haben. Das gab es bei Mozart nicht.
Dass Mozart bewusst innovatorisch sein wollte,
glaube ich nicht. Er war es einfach ganz beiläufig
in einer unglaublich schlüssigen Weise. Was er
in der g-Moll-Sinfonie, in der Jupiter-Sinfonie und
den Streichquartetten harmonisch riskiert hat,
war eben nicht für den »Gaumen der Wiener« geeignet, wie der österreichische Kaiser zutreffend
bemerkte. Damals wurde der Kunstbegriff noch
nicht so emphatisch »gehandelt« wie heute: Es
gab ja auch die Kunst des Kochens, des Fechtens,
des Reitens, bei Ovid schon die Kunst des Liebens,
und Komponisten waren noch Dienstleistende und
Entertainer, die ihren Job beherrschten. Erst Beethoven hat bewusst nicht mehr komponiert, um zu
gefallen, erst in ihm hat sich in der Musik ein
autonomer Kunstbegriff gesellschaftlich durchgesetzt.
CH: Der Mensch erkennt sich selbst als schöpferisch. Adorno erklärt in seiner ›Philosophie der
Neuen Musik‹ Beethovens quasi marxistisches Vorgehen, in dem er Schlichtes (wie das Thema der
5. Sinfonie) benutzt, sich daran abarbeitet und es
in alle expressiven Richtungen auspresst. Auch
darin ist Mozart in der ›Gran Partita‹ der Pionier.
HL: Mit Marx kann ich das nicht verbinden. Wie
auch immer: Nirgendwo hat sich der Musikbegriff
so radikal innerhalb weniger Jahrhunderte gewandelt wie bei uns, in der westlich orientierten
Zivilisation. Im Mittelalter, in der Zeit des Gregorianischen Gesangs, gab es in dem uns vertrauten Sinne kein schöpferisch auftrumpfendes
»Ich«; das menschliche Individuum kannte sich nur
als Teil des Körpers der Kirche. Wenn jemand
seinen eigenen Verstand gebrauchte, hat er sich in
Lebensgefahr begeben. An so etwas wie Freiheit,
Idealismus, »Der Mensch ist frei, und wär’ er in
Ketten geboren« (Schiller), war im wahrsten Sinne
des Wortes nicht zu denken.
CH: Heutzutage dürfen wir alle unsere Freiheiten
individuell ausleben, aber befinden wir uns nicht
eigentlich wieder in Lebensgefahr, wenn wir die
Grenzen der sanktionierten Schutzräume dieser
Freiheiten überschreiten? Wenn jemand diese
Grenzen verletzt, wird er kontrolliert. Ich dachte
immer, deine epochenübergreifenden Programme
(wie ›Mouvement‹/›Gran Partita‹ und ›Staub‹/
9. Symphonie) sind solche Grenzverletzungen?
CH: How come everyone thinks that such discoveries,
e.g. static fields of sound in one key, were invented
by Beethoven? Many revolutionary achievements
are falsely attributed to Beethoven.
HL: And yet a sound field, as for example the one in
the beginning of Beethoven’s Ninth, must have
had an enormous effect at the time. There is nothing
like it in Mozart. I do not believe that Mozart was
consciously trying to be innovative. He simply was,
as a matter of fact, and in an incredibly congruent
manner. The harmonic risks he took in his G minor
Symphony, in the Jupiter Symphony and in his
string quartets was simply »unpalatable to the
Viennese«, as the Austrian Kaiser rightly remarked.
At the time, the concept of art was not defended as
emphatically as today: after all, there was also the
art of cooking, of fencing, of writing; Ovid already
knew the art of love; and composers were still service providers and entertainers, master craftsmen at
their job. It was Beethoven who became the first
to stop composing to please; only in him did an autonomous concept of art become socially acceptable
in music.
CH: Mankind recognises itself as creative. In his ›Philosophy of New Music‹, Adorno explains Beethoven’s
quasi-Marxist modus operandi in which he uses
simple elements (such as the theme of the Fifth
Symphony), works it to the maximum and wrings
all possible expressive directions from it. Mozart
proved himself the pioneer of this in his ›Gran
Partita‹.
HL: I see no connection with Marx there. No matter:
nowhere did the concept of music change so radically within a few centuries as here, within our Western-oriented civilization. During the Middle Ages,
at the time of Gregorian chant, there was no creatively triumphant »ego« in the sense that we would
be familiar with; the human individual new itself
only as part of the body of the church. Anyone
using his own reason risked mortal danger. Anything
resembling freedom, idealism, or »Man is free,
though he be born in chains« (Schiller) was literally
beyond imagination.
CH: Today we are allowed to enjoy all our liberties
individually, but are we not actually back in mortal
danger if we transcend the borders of the sanctioned
zones of protection these liberties grant us? Anyone violating these borders is subject to control. I
always thought your programmes that transcend
epochs (such as ›Mouvement‹/›Gran Partita‹ and
›Staub‹/ Ninth Symphony) were such border
violations?
HL: Die Grenzen öffnen und schließen sich ständig.
Zur Zeit Beethovens, spätestens im Lauf des beginnenden 19. Jahrhunderts entdeckt der aufgeklärte Bürger auch seine Unfreiheit. Wie sagt Woyzeck
in Georg Büchners Drama: »Der Mensch ist ein
Abgrund!« Spätestens seit Nietzsche, Dostojewski,
Marx, Freud wissen wir von der Krise des eben
noch so stolzen, aufgeklärten Subjekts. Die Autorität der Kirche war zerrüttet. Der Begriff des
Magischen hat sich aus seiner religiösen Gebundenheit gelöst und als ästhetisches Faszinosum
verselbstständigt, es gewährleistete »kollektives
Gebannt-Sein«, auf das man nicht verzichten
konnte, anderswo, nicht zuletzt im Konzertsaal. In
Robert Musils ›Der Mann ohne Eigenschaften‹
erkennt sich das »Ich« als eine zufällige »Mulde«,
in der unendlich viele Bächlein aus allen Richtungen zusammenfließen und die sich dann eben
»Ich« nennt.
CH: Inwieweit hat sich das »Ich« auf diese Erfahrung eingerichtet?
HL: In unserer westlich orientierten kulturbeflissenen Demokratie dominieren nach meiner Beobachtung drei Werte, an denen sich die Mehrheit
orientiert: Wachstum, Sicherheit, Spaß. Kunst ist
in unserer Spaßgesellschaft die gute Stube im Unterhaltungsbetrieb. Dabei sollte sie uns eigentlich
über diese Begrenztheit hinweghelfen, sollte uns,
wie ich völlig richtig zu sagen pflege, nicht hörig,
sondern hellhörig machen. Spätestens um die
Wende zum 20. Jahrhundert haben die Komponisten, nicht nur sie, die Sprachlosigkeit des vergesellschafteten Subjekts gespürt, gar erkannt. Nach
zwei furchtbaren Kriegen, welche – nicht als erste
und nicht als einzige – die bürgerliche Maske abgerissen und den Büchner’schen Satz vom Menschen als »Abgrund« eingelöst haben, redeten die
jüngeren Komponisten in Darmstadt nicht mehr
über Ausdruck. Sie spürten, erkannten, dass sie
nichts zu sagen, sondern etwas zu machen, zu
schaffen, zu konstruieren, zu suchen, zu entdecken
haben. Musik, die aus solcher kreativ bewältigten
Sprachlosigkeit heraus gelingt, entzieht sich jeglichem expressiven Repertoire. Als Nachricht von
kreativer Lust und Energie ist sie eher »heiter«.
»Heiterkeit« scheint mir eine Haltung, die jenseits
aller subjektiven Emotionalitäten steht.
CH: In deinem Streichquartett ›Reigen seliger Geister‹ beschwörst du wieder die Geister, die sich
selbst und gegenseitig zitieren. Du lädst die Musik
neu mit Magie. Und auch später in den ›Concertini‹
zitierst du eigenes Material z.B. aus ›Grido‹.
HL: Borders are always opening and closing. At Beethoven’s time, or in the course of the early 19th
century, the enlightened citizen also discovered his
own lack of liberty. As Woyzeck says in Georg
Büchner’s drama: »Man is an abyss!« Since Nietzsche,
Dostoyevsky, Marx and Freud, we have known
about the crisis of the individual, only so recently
proud and enlightened. The church’s authority
had been destroyed. The concept of magic had been
loosened from its religious chains and achieved
independence as an aesthetic fascination; it guaranteed a collective enchantment which remained
essential elsewhere, not least in the concert hall. In
Robert Musil’s ›The Man without Qualities‹, the
ego recognises that »it« is a haphazard »basin« in
which innumerable brooks flow together from all
directions, and which settles for calling itself »ego«.
CH: To what extent has the »ego« adapted to this
experience?
HL: I have observed that our Western-oriented,
culture-conscious democracy is dominated by three
values providing orientation to the majority: growth,
security and fun. In our fun-seeking society, art has
become the »Sunday parlour« of the entertainment
industry. Instead, the original idea was that it would
help us transcend the limitations, to make us, as I
rightfully like to say, not »hörig« (in thrall to something) but »hellhörig« (attentive). Around the turn
into the 20th century at the latest, composers – and
not only they – noticed, even recognized, the voicelessness of the socialised subject. After two horrible
wars, which were neither the first nor the only to
rip the bourgeois mask from society and prove Büchner’s dictum of man as an »abyss«, the younger
composers in Darmstadt no longer talked about
expression. They sensed and recognized that they
had nothing to say, but something to make, to create,
to construct, to seek, to discover. Music written
from such a creatively overcome speechlessness
eludes any expressive repertoire. Bearing witness
to creative lust and energy, it tends to be »cheerful«.
»Cheerfulness« seems to me an attitude beyond
any subjective emotionality.
CH: In your string quartet ›Reigen seliger Geister‹,
once again you invoke the ghosts who quote themselves and each other. You recharge the music with
magic. And later, in the ›Concertini‹, you quote your
own material, e.g. from ›Grido‹.
23
24
HL: Ich habe das nie so empfunden. Unterbewusst
lebe ich immer noch mit dem Begriff der »musique
concrète instrumentale« zusammen, d.h. ich denke
beim Komponieren nicht an Magie, sondern an
das Spiel mit körperlich erfahrenen Energien. Die
ersten unter diesem Aspekt komponierten Stücke,
›Pression‹ oder ›temA‹, deuteten an, womit sich der
darin neu zu bestimmende Musikbegriff artikuliert. Dabei geriet ich ins Verfremden der verfügbaren Klänge, um deren Hervorbringung ins Licht
zu rücken. Ich war weiß Gott weder der Erste, noch
der Einzige, der Instrumentalklänge verfremdet
hat. Allerdings wollte ich hierbei weder surrealistischen Spaß noch expressionistischen Schock,
sondern ich wollte auf meine eher nüchterne Weise
Ernst machen. Es hat mir sozusagen Spaß gemacht,
Ernst zu machen. Ich war glücklich, und bei ›Air‹
und ›Kontrakadenz‹ glaubte ich, für die nächsten
hundert Werke meinen Paradiesgarten zum
künftigen Ernten gefunden zu haben. Doch schon
bei der Arbeit an ›Gran Torso‹ und an ›Fassade‹
erlebte ich mein Paradies zugleich als Gefängnis.
Komponieren heißt für mich »über Musik nachdenken« und »ein Instrument bauen«. Und Denken,
sagt Ernst Bloch, heißt Überschreiten. In welchem Paradies auch immer: der verbotene Apfel
muss gefunden und gefressen werden, mit allen
Konsequenzen.
HL: It never seemed so to me. Subconsciously I still
live with the term »musique concrète instrumentale«, meaning that I do not think of magic when I
compose, but of the game of energies that are
physically perceived. The first pieces I composed with
this aspect in mind were called »Pression« or
»temA« – indicating how the concept of music that
they aimed to define might be articulated. This
led me to alienate the available sounds in order to
shed a light on their production. God knows I was
neither the first nor the only one to alienate instrumental sounds. However, my goal in this endeavour
was neither surrealist fun nor expressionist shock;
instead, I was fully serious, in my rather sober way.
One might say that I had fun being serious. I was
happy, and in ›Air‹ and ›Kontrakadenz‹ I believed
that I had found my garden of paradise in which I
might reap material for my next hundred works.
However, no sooner had I started working on ›Gran
Torso‹ and ›Fassade‹ than I felt my paradise to be
a prison. To me, composing means »thinking about
music« and »building an instrument«. And thinking, says Ernst Bloch, means transgression. Whatever
your paradise may be: the forbidden apple must be
found and must be swallowed, with all consequences.
CH: Wie bekömmlich war der Apfel, den Nono dir
gab?
HL: During the time I spent in Venice with Nono, from
1958 to 1960, I didn’t hear a single note I had composed – nothing. There was no ensemble far and
wide, no instruments. Nono himself heard nothing
of what he composed. In 1963 I went to Cologne,
spent four months in Stockhausen’s courses tinkering with his ›Plus-Minus‹ and learning a lot, taking
percussion lessons there with Christoph Caskel, performing Schnebel’s ›Glossolalie‹ for Aloys Kontarsky
and Cage’s ›Wintermusic‹ and ›Vexations‹ for
Frederic Rzewski. There, I also met Henri Pousseur,
who came in one morning – we were about twelve
composers, Makoto Shinohara, Johannes Fritsch,
Michael von Biel among them – and said to me:
»Quick, tell me an acoustic event.« My answer:
»Hoof beats.« »And you?« Somebody else said: »The
beginning of Beethoven’s Ninth.« So Pousseur said:
»Each of you will now take the next hour to design
a precise scale which starts at one end with hoof
beats and ends with the beginning of the Ninth Symphony.« That was a real challenge to our sluggish
imagination, a kind of gymnastics for creativity. Ever
since, I have known: any sound can form part of an
infinite number of scales, each time with a different
function and in a different light, a point in which
an infinite number of lines meet. It is not about creating sounds that are somehow new or shocking,
after all – instead, the point is to create and
HL: Während meiner Zeit in Venedig bei Nono, 1958
bis 1960, habe ich keinen von mir komponierten
Ton gehört – nichts, es gab weit und breit kein Ensemble, keine Instrumente. Nono selbst hat dort
nichts von dem gehört, was er komponiert hat. 1963
bin ich nach Köln gegangen, habe vier Monate in
Stockhausens Kursen an seinem ›Plus-Minus‹ gebastelt und viel gelernt, habe dort bei Christoph
Caskel Schlagzeug-Stunden genommen, bei Aloys
Kontarsky die ›Glossolalie‹ von Schnebel und bei
Frederick Rzewski von Cage die ›Wintermusic‹ und
die ›Vexations‹ aufgeführt. Dort habe ich auch
Henri Pousseur erlebt, der einmal morgens hereinkam – wir waren circa 12 Komponisten, darunter
Makoto Shinohara, Johannes Fritsch, Michael von
Biel – und mich aufforderte: »Sag’ mir ganz schnell
ein akustisches Ereignis.« Meine Antwort: »Pferdegetrappel.« »Und Du?« Ein anderer sagte: »Anfang
der Neunten von Beethoven.« Darauf Pousseur:
»Jeder von euch entwirft im Lauf der jetzt nächsten
Stunde eine präzise Skala, beginnend an einem
Ende mit Pferdegetrappel, endend mit dem Anfang
der 9. Sinfonie.« Das war eine echte Herausforderung an unsere träge Fantasie, eine Art Kreativitäts-Gymnastik. Seither weiß ich: Jeder Klang
CH: How salubrious was the apple Nono handed
you?
kann auf unendlich vielen Skalen stehen, immer
wieder mit anderer Funktion und in anderem
Licht, ein Punkt, durch den unendlich viele Linien
laufen. Es geht ja nicht um irgendwie neue, schockierende Klänge, sondern um immer wieder neu
zu schaffende Zusammenhänge, die welchen
Klang auch immer neu beleuchten. Wenn jemand
auf einem Streichinstrument rumkratzt und dabei
von »Lachenmann-Style« oder von »LachenmannSchule« anfängt, kommt mir das Kotzen.
CH: Viele Konzerthörer genießen deine Werke, du
hast viele Fans. Als wir in den 1980er Jahren angetreten sind, war die Neue Musik noch nicht so
verwaltet und verbreitet wie heute und hatte dadurch ohrenöffnende, provozierende Subversion.
HL: Ich werde die Leute nicht daran hindern, meine
Musik zu mögen. Manche finden es halt toll,
weil ich so schön verweigere, aber für andere bin
ich ein feiger Verräter an der eigenen Sache. Egal.
Schon besser, wenn mir ein Musiker oder Musikliebhaber vorwirft: »Was Sie da machen, das ist
doch gar keine Musik.« Das ist wahrlich ein Kompliment! Keine Musik? Was ist es denn? Es ist ein
Zeit-Raum, in dem mein eigensinniger Kopf wirkt,
indem er auf seine, nicht ganz unreflektierte
Weise mit den klingenden Elementen umgeht. Als
ich vor drei Jahren Fellow of the Royal College of
Music wurde, sagte zu mir der Präsident des Colleges, Prinz Charles »Your music is so difficult to
understand.« Aber darauf war ich vorbereitet, und
ich zitierte frei nach Shakespeares ›Hamlet‹:
»There is method in my madness.«
CH: Zum Glück bringt unser Publikum diese Abenteuerbereitschaft mit!
RD: Eine Frage im Zusammenhang der Assoziationen, die du in einem solchen Gespräch so schnell
auch zu Literatur und Kunst darlegst: Bist Du der
Komponist, der – wie Leonardo in ›…zwei Gefühle…‹ –
Neues, noch nie Dagewesenes, hört? Und welche
Bedeutung hat das »zweite Gefühl«, deine Verbindung zum Existierenden?
HL: Als in unserem europäischen Musikleben Beheimateter und Wirkender weiß ich mich nach
wie vor verwiesen auf das, was ich einmal den ästhetischen Apparat genannt habe, also auf das
Gesamt der dem Musikleben dienenden und darin
wirkenden technischen, logistischen, aufführungspraktischen Einrichtungen, einschließlich der
lebendigen Präsenz des musikalisch uns Überlieferten, und natürlich der ihnen zugrunde liegenden
und unserer daraus erwachsenen ästhetischen,
weithin unterirdisch immer noch tonal gepolten
re-create contexts that will re-illuminate whatever
sound there may be. If someone scratches a bow
across a string instrument and starts talking about
the »Lachenmann style« or the »Lachenmann
school«, I want to throw up.
CH: Many concert-goers enjoy your works, you have
many fans. When we started in the 1980s, New
Music was not as well-administered and wide-spread
as today, and therefore it did have ear-opening,
provocative subversion going for it.
HL: I will not stop people from liking my music. Some
people love the fact that I keep denying and refusing, but others consider me a cowardly traitor to
my own cause. No matter. It’s better when a musician or music-lover charges me with the accusation:
»What you are doing is not even music.« Now that
is a true compliment! Not music? Then what is it? It
is a time-space in which my stubborn head is effective, by dealing in its own, not entirely unthinking
manner with the resounding elements. When I
was elected Fellow of the Royal College of Music, the
College President, Prince Charles, said to me: »Your
music is so difficult to understand.« I, however, was
prepared for that, and so I quoted freely from
Shakespeare’s ›Hamlet‹: »There is a method in my
madness.«
CH: Luckily, our audience has this willingness for
adventures!
RD: I have one question about the associations with
literature and art which you access so quickly in
a conversation such as ours: are you the composer
who hears novelty, the unheard-of – like Leonardo
in ›…zwei Gefühle…‹? And what is the meaning of
the »second feeling«, your connection with all
that exists?
HL: As somebody who has grown up and works
within our European musical life, I know that I am
still referenced by what I once called the aesthetic
machinery, i.e. the overall entity of all the technical
and logistical institutions, including those of performance practice, which serve and influence musical life. This includes the living presence of our
musical tradition, and of course its underlying predispositions which influence us aesthetically –
underneath the surface, these are still tonally oriented. There is no sound in the world which does
not subordinate itself to those predispositions, to
our Euro-centrically deformed ear: every sound in
the concert hall is consonant or dissonant. Even if a
cow farts on the podium, that is an aesthetic event.
Everything we perceive as an acoustic message
25
Vorprägungen. Es gibt keinen Klang auf der Welt,
der sich für unser eurozentrisch verformtes Ohr
nicht dem unterstellt: Jeder Klang im Konzertsaal
ist konsonant oder dissonant. Auch wenn eine
Kuh auf dem Podium furzt, ist es ein ästhetisches
Ereignis. Alles, was wir als akustische Nachricht
hören, kriegt im Einzugsbereich der Musik einen
latenten, unfreiwilligen und ganz bestimmt oft
auch unwillkommenen tonalen oder atonalen –
das ist das gleiche – Bezug. Aber es gibt noch
andere Wirkungszusammenhänge, zum Beispiel
das, was ich Aura nenne. Wenn ich eine klassische
Trompete höre, dann drängt sich mir die militärische Aura einer Fanfare auf. Wenn ich Herdenglocken höre, denke ich möglicherweise an die
Berge, an Idyllen jenseits der Zivilisation. Bei Mahler
haben sie eine transzendente Funktion.
CH: Bei Nono wird mit ihr die Idylle gebrochen
und sogar feindselig.
26
HL: Findest du? Nono hat Glocken geliebt. Aber
Nono ist ein ganz anderes Kapitel. Nono war in
den Augen der damaligen Darmstadt-Komponisten
ein Dilettant. Er hat schamlos die unmittelbare
Magie und Aura eines homogenen Instrumentariums kompositorisch genutzt, wohlgemerkt:
nicht benutzt. Er schrieb ein Stück für sechs Soprane
mit einem Solosopran. Eine Sopranstimme signalisierte für ihn zugleich eine Frau, eine weibliche
Stimme mit ihrer ganzen, von ihm idealisierten
mütterlichen, erotischen, poetisch-innigen Aura.
Nono war ein radikaler Strukturalist und hat zugleich den Mitteln, von denen er ausging, ihre ursprüngliche Aura belassen: sie nicht zerbrochen,
sondern im Gegenteil neu expressiv geladen.
RD: Mich interessieren deine Ur-Instinkte als Musiker. Was hast du als aktiver Musiker aufgenommen, was hat dich besonders beeinflusst, wo und
wie strukturierst du und wo lässt du deiner Fantasie freien Lauf?
HL: Ich weiß nicht mehr – ich hab’s vergessen, verdrängt! Ich erfahre mich – so wie meine Mitmenschen – als Teil und Produkt meiner bürgerlichen
Herkunft und zugleich als geistfähige, das heißt
zugleich dem Geist verpflichtete Kreatur auf dem
Weg zwischen Geburt und Tod. Mein Selbstverwirklichungsbedürfnis und meine kreative Neugier
suchen in der Auseinandersetzung mit dem, was
man Musik nennt, ihre innovativen Möglichkeiten
zu entdecken. Das hängt auch mit einer gewissen
Abenteuerlust zusammen, etwas zu schaffen, das
am Ende in sich stimmt und zugleich meinen
Horizont öffnet. Es ist ein intuitiv-intellektuelles,
fast sportliches Spiel. In Anlehnung an Morton
Feldmans wunderbaren Werktitel ›The Viola in My
within the field of music acquires a latent, involuntary and very often certainly unwelcome tonal
or atonal – that is the same thing – reference. However, there are other correlations of cause and effect, for example what I call aura. When I hear a classical trumpet, I am accosted by the military aura
of a fanfare. When I hear the bells of an animal herd,
I might think of the mountains, of idylls beyond
the reach of civilisation. In Mahler’s case, they have
a transcendental function.
Life‹ denke ich an »the music in my life«, will sagen –
ich möchte diesen traditionsbeladenen Musikbegriff, der mir im Nacken sitzt, zu meinem von mir
beherrschten Musikbegriff machen und schauen,
was dabei mit mir passiert. Natürlich möchte ich
mich und andere begeistern, d.h. den Mitmenschen seinerseits ganz beiläufig an unsere Geistfähigkeit, an unsere Öffnungsfähigkeit erinnern.
Andere begeistern heißt auch sich selbst begeistern und umgekehrt, und heißt Glück.
CH: In Nono’s case, they break the idyll, even making
it inimical.
RD: Wir haben ›…zwei Gefühle‹, ›Concertini‹ und
auch die neue Fassung von ›Accanto‹ uraufgeführt, bei der du den Apparat verkleinert, die Substanz des Stückes aber nicht angegriffen hast.
Wie ist das nun bei ›Air‹, dessen Neufassung wir
bei ›cresc…‹ uraufführen werden? An welchen
Punkten erfolgen die Eingriffe?
HL: You think? Nono loved bells. But Nono is another
chapter entirely; Nono was an amateur in the eyes
of the Darmstadt composers of his time. He shamelessly took advantage of the immediate magic and
aura of a homogeneous group of instruments in his
compositions – mind you, I did not say that he
used them. He wrote a piece for six sopranos with
one solo soprano. At the same time, a soprano
voice signified a woman to him, a female voice with
its whole maternal, erotic, poetic-sensual aura
(which he idealised). Nono was a radical structuralist,
and at the same time he allowed the means he
started with to retain their original aura: he didn’t
break it – on the contrary, he recharged it with
new expressivity.
RD: I am interested in your primal instincts as a
musician. What did you absorb as an active musician,
what influenced you especially, what and how do
you structure, and where do you give free reign to
your imagination?
HL: I no longer know – I have forgotten or repressed
it! I experience myself – and my fellow human
beings – as a part and product of my bourgeois upbringing, and at the same time as a creature with a
spiritual capability, i.e. also a responsibility towards
the spirit, on a path between birth and death. My
need to realise my potential and my creative curiosity seek to discover their innovative possibilities
within the exploration of the phenomenon we call
music. That also has to do with a certain appetite
for adventure – creating something which is ultimately in harmony with itself and also expands
my horizon. It is an intuitive and intellectual, almost
a sporting game. Inspired by Morton Feldman’s
wonderful work title ›The Viola in My Life‹, I think
of »the music in my life«, meaning that I want to
turn this tradition-soaked concept of music which
weighs me down into a concept of music that I can
control, and see what happens to me in the process.
Of course I aim for my own enthusiasm and that
of my fellow humans, i.e. I wish to remind them incidentally of our spiritual capability, our ability to
HL: Es gab auch hier keine Veränderung, keinen
substantiellen Eingriff. ›Air‹ war mein erstes der
Idee einer »musique concrète« sich verdankendes
Orchesterstück. Ich habe das Stück ja schon einmal überarbeitet und es dabei mit Erfahrungen angereichert, die ich in der Zwischenzeit gemacht
hatte, nämlich mit dem Begriff des »Schattens«. Die
ganze Thematisierung des körperlichen KlangAspekts erfordert beim Komponieren eine mehr
oder weniger latente Dramaturgie. Klänge erfahren ein Schicksal. In dem Moment, wo ich anfange,
noch einmal einzugreifen, muss ich aufpassen.
Ähnlich wie bei Loriot, wenn er vorsichtig ein Bild
an der Wand geraderücken will und am Ende in
einer Kettenreaktion das ganze Mobiliar als Trümmerhaufen daliegt. Bei ›Accanto‹ habe ich nur
den Streicherpart modifiziert, in ›Air‹ nun auch
die Bläser.
open up. To generate enthusiasm in others also
means to be enthusiastic oneself and vice versa,
and that also means happiness.
RD: We performed the world premieres of ›Zwei
Gefühle‹ and ›Concertini‹ as well as the new version
of ›Accanto‹, in which you reduced the instrumentation without touching the substance of the piece.
What about ›Air‹, the new version of which we
will premiere at »cresc…«? What aspects have been
changed?
HL: Once again, there was no change, no substantial
alteration. ›Air‹ was my first orchestral piece indebted to the concept of »musique concrète«. I have
revised the piece once before, enriching it with experiences I had in the meantime, i.e. the concept of
»shadow«. The entire treatment of the physical
aspect of sound requires a more or less latent dramaturgy during the process of composing. Sounds
have a fate. At the moment where I start interfering again, I have to be careful. It is like the Loriot
sketch where he painstakingly tries to straighten out
one picture on the wall, and the resulting chain
reaction ultimately leaves the entire furniture in
shreds. In the case of ›Accanto‹, I only changed
the string parts, in ›Air‹ I also altered the wind parts.
RD: I imagine you holding up a stronger spotlight
to a body, and this results in more focused images.
HL: Yes, I simply hope that the re-instrumentation of
›Air‹ results in a more transparent sound. I am more
curious about this new version than anything else.
Christian Hommel and Roland Diry asked the
questions.
RD: Ich stelle mir vor, dass du einen stärkeren
Strahler auf einen Körper hältst und dadurch
schärfere Bilder entstehen.
HL: Ja, ich hoffe einfach, die Uminstrumentierung
von ›Air‹ ergibt einen transparenteren Klang.
Ich bin auf nichts so gespannt wie auf diese neue
Fassung.
Das Interview führten Christian Hommel und
Roland Diry.
Helmut Lachenmann: ›Air›, mit Einzeichnungen des Komponisten. Die Einrichtung der Neufassung von ›Air‹ hat Diego
Ramos RodrÍguez in Absprache mit Helmut Lachenmann vorgenommen.
27
Zeitgenössische Musik aus Indonesien
Ein Arbeitsbericht von Diego Ramos Rodríguez
Ruang Suara
Contemporary Music from Indonesia
A Working Report by Diego Ramos Rodríguez
28
Tryout-Phasen gehören zu den spannendsten
Aspekten der Arbeit eines Ensembles für zeit­
genössische Musik. Sie gewähren einen privilegierten Einblick in die Werkstatt eines Komponisten
und somit für die Interpreten die Chance, dessen
Vorstellungen und Motivationen besser zu ver­
stehen. Der Kompositionsprozess wird sichtbar und
hörbar: Musikfragmente werden auseinander­
gebaut und wieder zusammengebastelt, Klänge
sorgfältig entwickelt und dann vielleicht doch
wieder verworfen. Die Teilnahme an der »Geburt«
eines neuen Werkes vereint Komponisten und
Interpreten in einem gemeinsamen kreativen Akt.
›Ruang Suara‹, ein gemeinsames mehrstufiges
Projekt des Ensemble Modern, der KfW Stiftung
und des Goethe-Instituts Indonesien mit Unterstützung der Kulturstiftung des Bundes, verbindet
acht Komponisten aus Indonesien und das Ensemble Modern in einer einjährigen musikalischen
Zu­sammen­arbeit. Die indonesischen Künstler
weisen unterschiedlichste Hintergründe, Erfahrungen und Interessen vor: Die meisten von ihnen
haben einen engen Bezug zur indonesischen Tradition, nur wenige eine westliche Musikausbildung;
für manche bilden Videokunst und elektronische
Musik einen Schwerpunkt ihrer Tätigkeit. Nach
einem ersten Kennenlernen in Jakarta im Oktober
Tryout phases are among the most fascinating
aspects of a contemporary music ensemble. They
allow privileged insights into a composer’s workshop, thus offering the artists a chance of better
understanding his ideas and motivations. The process of composition becomes visible and audible:
musical fragments are dismantled and reassembled, sounds are carefully developed, yet might be
discarded later. Participating in the »birth« of a
new work unites composers and artists in a joint
creative act.
›Ruang Suara‹, a joint project of Ensemble Modern,
the Foundation KfW Stiftung and the Goethe Institute in Indonesia that consists of several phases,
supported by the Federal Cultural Foundation,
brings composers from Indonesia and the Ensemble
Modern together for a one-year musical collaboration. The Indonesian artists have widely divergent
backgrounds, experiences and interests: most of
them have a close relationship with Indonesian tradition; only a few of them have Western music
education; for some of them, video art and electronic
music are a main focus of their activity. After a
first meeting in Jakarta in October 2014, the eight
selected composers were first confronted with
the complete Ensemble in January 2015: as part of
a four-day rehearsal phase in Frankfurt, they were
able to listen to the actual sound of their first ideas.
2014 wurden im Januar 2015 die acht ausgewählten
Komponisten zum ersten Mal mit dem kompletten Ensemble konfrontiert und konnten im Rahmen
einer viertägigen Probenphase in Frankfurt ihre
ersten Ideen zum Klingen bringen.
Am 13. Januar kamen die Komponisten mit ihren
Skizzen und einer ansteckenden Energie, die
den ganzen Arbeitsprozess prägen sollte, in den
Dachsaal des Ensemble Modern. Ihre Entwürfe
bestanden in den wenigsten Fällen aus einem
eigentlichen Notentext; auf den Pulten des Ensembles lagen enigmatische Zahlenreihen, Zeichnungen, Texte und melodische Fragmente, die
sowohl allgemeine Klangvorstellungen als auch
präzise musikalische Vorgänge präsentierten. So
kamen zwei sehr unterschiedliche Musikverständnisse zusammen: Im Westen bildet seit Jahrhunderten das System der Notenschrift die Grundlage
der Kommunikation zwischen Komponist und
Interpret. Die Partitur stellt ein Ideal dar, auf das
man immer zurückgreifen kann. Hingegen fließen
in der traditionellen indonesischen Musikpraxis
Probenarbeit und Kompositionsprozess meistens
ineinander. Notation – wenn überhaupt vorhanden –
dient lediglich als Gedächtnishilfe: Der Komponist
vermittelt den Spielern das Stück mündlich, dieses
wird beim Proben auswendig gelernt und schließlich ohne Noten aufgeführt.
Ich bin am zweiten Tag dieser Tryout-Phase ins
Projekt eingestiegen. Meine Aufgabe besteht darin,
zwischen den Musikern dieser beiden so unterschiedlichen Traditionen einen effektiven, fruchtbaren Ideenaustausch zu ermöglichen. Dies
bedeutet bei einigen Stücken, die Entwürfe der
Komponisten in westliche Notation zu »über­
setzen« und in eine Form zu bringen, die es den
Musikern ermöglicht, die Ideen der Komponisten
adäquat zu realisieren. Damit rücken der direkte
Dialog und die Begeisterung für interpretato­
rische Details in den Mittelpunkt: Über den eigentlichen Notentext hinaus werden spannende
Diskussionen über Rhythmus, melodische Verzierungen oder Gamelanstimmung zum eigentlichen
Kern der Probenarbeit. Ich befinde mich in der
Situation eines »musikalischen Dolmetschers« und
habe erfreulicherweise die Chance, die vielfälti­­gen künstlerischen Ansätze der Komponisten näher
kennenzulernen:
On January 13, the composers arrived at the space
on the top floor of the Ensemble Modern, armed
with their sketches and an infectious energy which
was to characterise the entire working process.
Only in a very few cases did their sketches consist of
an actual score; the ensemble’s music stands held
enigmatic rows of numbers, drawings, texts and melodic fragments, presenting both general ideas of
sound as well as precise musical processes. Thus, two
very different ways of understanding music met: In
the West, the system of musical notation has formed
the basis of communication between composer
and artist for centuries. The score posits an ideal
which one can always fall back on. In traditional
Indonesian musical practice, on the other hand, rehearsals and composition process usually merge.
If present at all, notation only serves as an aidememoire: the composer conveys the piece to
the players orally, it is then learned by heart during
rehearsals and finally performed without written
parts.
I joined the project on the second day of this tryout
phase. My job is to enable an effective, fruitful exchange of ideas between the musicians from these
two very different traditions. For some pieces, this
means »translating« the composers’ sketches into
Western notation, giving them a shape that enables the musicians to realise the composers’ ideas
adequately. Thus, direct dialogue and an enthusiasm for interpretational details become the focus:
beyond the actual text of the notation, intriguing
discussions about rhythm, melodic ornamentation
or gamelan tuning become the true core of the
rehearsal process. I find myself in the situation of a
»musical interpreter«; to my delight, this gives me
the chance of getting to know the diverse artistic
approaches of the composers more closely:
Dewa Ketut Alit speculates with harmonies and
rhythms based on a sophisticated development of
Balinese gamelan, transferring these experiments
to a Western instrumentation. In their pieces,
Muhammad Arham Aryadi and Stevie Jonathan
Sutanto expand the instrumental playing of a
mixed ensemble of Western and Indonesian instruments by using electronics and video.
Workshop im Rahmen des Projekts ›Ruang Suara‹, Januar 2015
Partiturskizzen von Risydul Malik
29
Dewa Ketut Alit spekuliert mit Harmonien und
Rhythmen, die auf einer raffinierten Entwicklung
des balinesischen Gamelans basieren, und überträgt diese Experimente auf das westliche Instrumentarium. Muhammad Arham Aryadi und Stevie
Jonathan Sutanto erweitern in ihren Stücken das
Instrumentalspiel eines gemischten Ensembles
aus westlichen und indonesischen Instrumenten
mit dem Einsatz von Elektronik und Video.
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Theater, Tanz, Instrumentalmusik und Gesang
bilden in Indonesien eine Einheit. Die Musiker kultivieren all diese Aspekte selbst und integrieren
sie in ihren Werken auf eine organische Weise, so
zum Beispiel Joko Winarko, der szenische Aktionen
mit Rhythmen und Melodien aus der GamelanTradition kombiniert. In Risydul Maliks Komposition
wird das Ensemblespiel mit Gesängen, Tänzen
und Instrumentalmelodien der anderen teilnehmenden Komponisten bereichert. Bei Muhamad
Taufik, Gatot Danar Sulistiyanto und Gema Swaratyagita spielt das Interesse an neuen Klängen
und der Körpersprache der Musiker eine große Rolle,
ergänzt z.B. durch Textvorlagen wie Kurt Schwitters’
›Ursonate‹ bei Swaratyagitas ›Sound of Poetry‹.
Momentan arbeiten die Komponisten an den
Stücken in engem Kontakt mit den Musikern des
Ensemble Modern weiter. Diese erste künstlerische Begegnung war ein entscheidender Schritt
innerhalb der fortlaufenden Zusammenarbeit.
Kommunikationsbereitschaft, künstlerische Offenheit und gegenseitige Neugier sind nicht nur
allgemeine Voraussetzungen für ein anregendes
Tryout, sondern zeichnen das Projekt in seiner
Gesamtheit aus: Sie eröffnen die Möglichkeit, einen
musikalischen Abend zu gestalten, an dem ein
lebendiges Komponisten-Interpreten-Verhältnis
neue und interessante Zusammenhänge über
kulturelle und künstlerische Grenzen hinaus entstehen lässt. Ein multikultureller Dialog der
Kunstformen, bei dem die Musik der Gastgeber ist.
In Indonesia, theatre, dance, instrumental music and
singing form a unit. The musicians cultivate all
these aspects themselves and integrate them organically into their works, for example Joko
Winarko, who combines staged action with rhythms
and melodies of the gamelan tradition. In Risydul
Malik's composition, ensemble playing is enriched
by singing, dancing and instrumental melodies
written by the other participating composers. In the
cases of Muhamad Taufik, Gatot Danar Sulistiyanto
and Gema Swaratyagita, their interest in new
sounds and the body language of the musicians
plays an important role, complemented, for example,
by their use of texts such as Kurt Schwitters’ ›Ursonate‹, which Swaratyagita’s ›Sound of Poetry‹ sets
to music.
At the moment, the composers continue to work
on their pieces, keeping close contact with the
Ensemble Modern musicians. This first artistic encounter was a decisive step within the ongoing
collaboration. A willingness to communicate, artistic
openness and mutual curiosity are not only general
prerequisites for a stimulating tryout, but characterise this project in its entirety: they open up the
possibility of creating a musical evening during
which a lively relationship between composers and
musicians allows new and interesting connections
to arise, beyond cultural and artistic borders. It is a
multicultural dialogue of art forms in which music
is the host.
Termine
06.10.2015, 20 Uhr
07.10.2015, 20 Uhr
Frankfurt am Main, Frankfurt LAB
RUANG SUARA – Zeitgenössische Musik aus Indonesien
im Rahmen von INDONESIA LAB
Zu Beginn: Videodokumentation von Theo Eshetu
Neue Werke von Dewa Ketut Alit, Muhammad Arham
Aryadi, Risydul Malik, Gatot Danar Sulistiyanto, Stevie
Jonathan Sutanto, Gema Swaratyagita, Muhamad Taufik,
Joko Winarko (Uraufführungen)
Franck Ollu, Dirigent
Vom 02.–06.12.2015 ist das Ensemble Modern mit ›RUANG
SUARA‹ zu Gast in Jakarta, Bandung und Yogyakarta
(Indonesien).
›RUANG SUARA‹ ist ein gemeinsames Projekt des Ensemble
Modern, der KfW Stiftung und des Goethe-Instituts Indonesien
mit Unterstützung der Kulturstiftung des Bundes. Im Rahmen
von INDONESIA LAB, einem Kooperationsprojekt des Frankfurt
LAB mit Künstlerhaus Mousonturm, Ensemble Modern,
Staatliche Hochschule für Bildende Künste – Städelschule und
Portikus, Hochschule für Musik und Darstellende Kunst
Frankfurt am Main, Hessische Theaterakademie und The
Forsythe Company in Zusammenarbeit mit dem GoetheInstitut Indonesien.
Gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes und die KfW
Stiftung.
Partiturskizzen zu Keiko Haradas
›Concerto for Piano and Orchestra‹
Den Synergien nachspüren
Zum Komponieren Keiko Haradas
von Stefan Drees
Der Grund, warum sie Musik schreibe, so die 1968
geborene japanische Komponistin Keiko Harada,
sei der Wunsch, »die wunderbaren Möglichkeiten
des Menschen« zu erkunden, nämlich »Geist,
Körper und Seele in ihrer Synergie«; diesem Gefüge
und seinen komplexen Wechselwirkungen immer
wieder von Neuem nachzuspüren, rege sie zum
Komponieren an. Die mit solchen Überlegungen
verbundene Spurensuche nutzt Harada als Kristallisationspunkt für künstlerische Entwürfe, deren
ausgeprägtem Personalstil zugleich ein gewisser
Grad von Unberechenbarkeit innewohnt. Dies
führt dazu, dass man in Haradas Werken fortwährend dem Unerwarteten begegnet – ein Umstand,
der den Cellisten François Deppe dazu bewogen hat,
in Bezug auf ihre Arbeit von einer Ȁsthetik der
ewigen Verschiebung« zu sprechen. Diese besondere Eigenart von Haradas Musik steht im Mittelpunkt eines von der Suntory Music Foundation veranstalteten Porträtkonzerts, das im Oktober 2015
unter Mitwirkung von Mitgliedern des Ensemble
Modern und des TOHO Gakuen School of Music
Orchestra in Tokio stattfindet. Gemäß Idee der Stiftung, mit solchen Konzerten dem Publikum alljährlich die Arbeit zeitgenössischer japanischer
Komponistenpersönlichkeiten anhand einer
repräsentativen Auswahl von Orchesterwerken
näherzubringen, kommen in diesem Jahr vier
Kompositionen Haradas zur Aufführung, darunter
auch ein neues Werk. So unterschiedlich die während der vergangenen eineinhalb Jahrzehnte entstandenen Stücke auch sind, so unterstreichen
sie doch, welche Vielfalt an klanglichen Situationen
die Komponistin aus den jeweiligen Besetzungen
gewinnt. Maßgeblich hierfür ist Haradas Hang zur
unaufhörlichen Umformung des einmal Etablierten, denn er sorgt dafür, dass die Musik in Bewegung bleibt und den Hörer mit wechselnden
Perspektiven konfrontiert. Hiervon kündet beispielsweise der Beginn des ›Concerto for Piano and
Orchestra‹ (2013), bei dem Harada akzentreiche Entladungen voller Energie in die leisen, sorgfältig
ausbalancierten Klang- und Geräuschfelder setzt
und die hiermit verknüpften gestischen Aspekte
Exploring Keiko Harada’s Composition Style
by Stefan Drees
One reason why she writes music, says the Japanese
composer Keiko Harada (b. 1968), is her desire to
explore »the wonderful possibilities of mankind«,
meaning »the synergy of spirit, body and soul«.
To trace this constellation and its complex interrelations again and again is what inspires her to compose. Harada uses the search for traces implied by
such considerations as a crystallisation point for
artistic concepts; her highly developed personal style
also contains a certain degree of unpredictability.
Therefore, we are constantly faced with the unexpected in Harada’s works – a fact that has led the
cellist François Deppe to describe hers as an »aesthetic of eternal shifting«. This special characteristic of Harada’s music is the focus of a portrait
concert presented by the Suntory Music Foundation,
featuring members of Ensemble Modern and the
TOHO Gakuen School of Music Orchestra in Tokyo
in October 2015. In keeping with the Foundation’s
idea of introducing the audience to the work of contemporary Japanese composer-personalities
through annual concerts featuring a selection of
orchestral works, this year the programme includes
four compositions by Harada, a new work among
them. As different as the pieces created during the
past decade and a half may be, they all emphasise
the diversity of sound situations which the composer draws from specific instrumentations. The
common thread is Harada’s urge to constantly
transform what has once been established, keeping
the music in motion, confronting the listener with
changing perspectives.
Tracing Synergies
31
32
allmählich auch in die Orchestertexturen eindringen lässt. Im Orchesterstück ›Third Ear Deaf III‹
(2003) dagegen lassen sich immer wieder fein gearbeitete mikrointervallische Verläufe ausmachen,
die einander zu überlagern beginnen und zu flexiblen, von rhythmischen Ereignissen angeregten
Klangbändern zusammenwachsen. In ihrem räumlich konzipierten Werk ›Sonora Distancia III‹
(2000/01) wiederum begegnet die Komponistin
den Aktionen der Solistengruppe mit variablen
Resonanzen im Orchester und verleiht damit den
musikalischen Impulsen neben einer differenzierten harmonischen Hülle auch zeitliche Ausdehnung und räumlich erfahrbare Tiefe. Viele
dieser Ereignisse verweisen aufgrund ihrer spezifischen Hervorbringung darauf, dass die körperliche
Dimension der Klangerzeugung für die Arbeit der
Komponistin eine zentrale Bedeutung hat. Die
dahinter stehende Idee wird deutlicher, wenn man
sich ein Ereignis aus Haradas früher Kindheit vor
Augen führt. Mit vier Jahren, so berichtet die Komponistin, habe sie mit solch großem Interesse die
Hände des Lehrers betrachtet, der die singenden
Kinder im Kindergarten auf dem Klavier begleitete, dass sie darüber ganz das Singen vergessen
habe: »Ich bin so verzaubert und erstaunt darüber
gewesen, dass die Bewegung der Finger auf dem
Instrument einen kontinuierlichen Klang erzeugen konnten; diese Beziehung zwischen Aktion und
Klang blieb seither der wesentliche Kern meiner
Beziehung zur Musik.«
Nicht nur dort, wo Interpret und Instrument aufgrund gemeinsam geteilter Atemzüge zu einer
Einheit verschmelzen und die Musik voller gleichsam »atmender Klänge« steckt – beispielsweise
in Haradas Akkordeonstück ›Bone +‹ (1999) –, spielt
dieser Gedanke eine zentrale Rolle; er ist auch
dort bedeutsam, wo es darum geht, die Aufeinanderfolge von Klangereignissen als eine Art energetisches Prinzip zu erfassen, aus dem sich erst die
Kontinuität der Musik ergibt. In dem Augenblick
nämlich, »wenn ein Klang endet, um dem nächsten
Platz zu machen«, sei es im Grunde nicht möglich,
den Interpreten von seinem Instrument zu trennen;
im Verständnis der Komponistin verkörpert beides
vielmehr eine Einheit, aus der heraus eine spezifische Expressivität entsteht – eine bestimmte
Art von musikalischer Intensität, die sich im Idealfall auch auf den Hörer überträgt. Dass es sich
hierbei um Aspekte von Haradas Musik handelt, die
eines intensiven Studiums bedürfen, wird im Vorfeld des Porträtkonzertes Gegenstand einer mehrtägigen, von sieben Mitgliedern des Ensemble
Modern geleiteten Master-Class sein. Die Idee, das
Projekt am TOHO Gakuen College durchzuführen,
wo die Komponistin selbst zu Beginn der 1990er
Jahre ihre musikalischen Studien absolviert hat,
entspringt dem Wunsch Haradas, der Beschäftigung mit ihrer Musik eine gewisse Nachhaltigkeit zu verleihen. Von Anfang an hat sie sich daher
One example of this is the beginning of the ›Concerto for Piano and Orchestra‹ (2013), in which
Harada creates accentuated discharges of energy
within soft, carefully balanced fields of sound
and noise, thereby allowing the associated gestural
aspects to infiltrate the orchestral textures. In the
orchestral piece ›Third Ear Deaf III‹ (2003), on
the other hand, we recognize repeated, delicately
wrought sequences of micro-intervals superimposed upon each other, ultimately merging into
flexible ribbons of sound inspired by rhythmical
events. In her work ›Sonora Distancia III‹ (2000/01),
the composer countermands the activities of the
group of soloists with variable resonances in the orchestra, thereby giving the musical impulses not
only a differentiated harmonic framework, but also
chronological expansiveness and a depth that
can be perceived spatially.
Due to their specific mode of production, many of
these events point to the fact that the physical
dimension of sound production is of central importance for the composer’s work. The idea behind
this becomes clearer when one reflects upon an event
from Harada’s early childhood. At the age of four,
the composer recounts, she was so intrigued by the
hands of the teacher accompanying the children
singing in kindergarten on the piano that she completely forgot to sing: »I was so enchanted and
astonished by the fact that the movement of the
fingers could create a continuous sound on the
instrument; ever since, this relationship between
action and sound has remained the essential core
of my relationship with music.«
This thought plays a central role not only where artist and instrument merge into one unit through
shared breaths and the music is full of »breathing
sounds« – for example in Harada’s piece for accordion ›Bone +‹ (1999). It is also relevant when it comes
to registering the sequence of sound events as a
kind of energetic principle from which the continuity
of the music arises. After all, at the very moment
»when a sound ends in order to make way for the
next«, it is basically impossible to separate the
musician from his instrument; in the composer’s understanding, both constitute a unit from which a
specific expressivity arises – a certain kind of musical
intensity, ideally transmitted to the listener as
well. The fact that these are aspects of Harada’s music which require intense study will be the subject
of a master class of several days preceding the portrait concert, led by members of Ensemble Modern.
The idea of offering this project at the TOHO Gakuen
College, where the composer herself received her
musical education in the early 1990s, corresponds
with Harada’s wish to lend a certain sustainability
to the studies of her music. From the beginning, she
requested a collaboration of students and professional musicians for her portrait concert, even if this
is unprecedented in the 34-year history of the
concert series: »For a composer«, says Harada, »an
Keiko Harada
für das Porträtkonzert eine Zusammenarbeit von
Studierenden und professionellen Musikern
gewünscht, auch wenn dies in der 34-jährigen
Geschichte der Konzertreihe bislang noch nie
vorgekommen ist: »Für einen Komponisten«, so
Harada, »mag ein Orchester-Porträtkonzert, das
von einer großen Stiftung organisiert wird, eine
einzigartige Gelegenheit sein. Ich möchte jedoch, dass es dabei nicht nur um meine Musik,
sondern dass es dabei auch um die Zukunft junger Musiker geht.«
Die gemeinsame Erarbeitung und Präsentation der
Werke unter Anleitung der Ensemblemitglieder
könnte, so die Hoffnung der Komponistin, zugleich
Impulse für eine neue Art des Umgangs mit dem
Lehrer-Schüler-Verhältnis geben, da sich sowohl
Studierende als auch Profis denselben Problemstellungen gegenübersehen: Denn die Auseinandersetzung mit den Partituren verlangt nicht nur
technisches Können, sondern auch ein nach allen
Seiten gerichtetes, konzentriertes Hörvermögen,
das sich immer wieder auf die eigene Situation
besinnt und dabei den körperlichen Reaktionen auf
den Klang nachspürt. Und damit rückt letzten
Endes auch jene von Harada beschriebene Synergie
von »Geist, Körper und Seele» ins Blickfeld gemeinsamen Musizierens.
orchestral portrait concert organised by a large foundation may be a unique opportunity. However, I
would like it to be not only about my music, but
about the future of young musicians.«
The joint rehearsals and presentation of the works
under the tutelage of the Ensemble members,
thus the composer hopes, could also provide new
impulses for a new model of the teacher-student
relationship, since both students and professionals
are faced with the same problems: the study of
the scores demands not only technical abilities, but
also concentrated listening capacities that are focused equally all around, that revert over and over
to one’s own situation and trace the physical reactions to the sound. And thus, the focus is ultimately
on the synergy of »spirit, body and soul« which
Harada describes.
Termine
24.10.2015
Tokio, Nihon University, College of Art
Kammermusik-Konzert mit Mitgliedern des
Ensemble Modern
27.10.2015, 19 Uhr
Tokio, Suntory Hall
Suntory Foundation for Arts' Concert | Profile of the
Composer Keiko Harada
Keiko Harada: Sonora Distancia III (2001)
Keiko Harada: Third Ear Deaf III (2003)
Keiko Harada: Concerto for Piano and Orchestra (2013–15)
Keiko Harada: Neues Werk (2015) (Uraufführung)
Ken’ichi Nakagawa, Dirigent
Mitglieder des Ensemble Modern und TOHO Gakuen
School of Music Orchestra
33
01.07.
Tourplan 2015/2
23.07.
22 Uhr, Viitasaari, Parish Hall
15.08.
Hanspeter Kyburz und Helmut Lachenmann
Nina Janßen-Deinzer, Klarinette | Saar Berger, Horn | Valentín Garvie, Trompete |
Konzertante Version mit Zwischentexten von Bertolt Brecht, zusammengestellt von Stephen
Mit finanzieller Unterstützung des Auswärtigen Amtes und des Goethe-Instituts
Hinton
HK Gruber, Dirigent, Herr Peachum
18.30 Uhr / 20.30 Uhr, Paris, 104 - cent quatre
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Internationale Ensemble Modern Akademie – IEMA-Ensemble
IRCAM Manifeste 2015
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Salzburger Bachchor
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Hanna Schwarz, Frau Peachum | Max Raabe, Macheath | Ute Gfrerer, Polly |
Winnie Böwe, Lucy | Sona MacDonald, Jenny | Hannes Hellmann, Tiger Brown |
Werke von u.a. Sergej Maingardt (Uraufführung), Ivan Fedele, Sascha Janko Dragicevic,
Sven-Eric Bechtolf, Sprecher | Norbert Ommer, Klangregie
Emmanuel Nunes, Unsuk Chin, Michael Jarrel
Emilio Pomàrico und Gregor A. Mayrhofer, Dirigenten | Raquel Camarinha, Sopran
Im Rahmen des Ulysses Netzwerks. Dieses Projekt wird mit Unterstützung der Europäischen
16.08.
Kommission finanziert.
20.30 Uhr, Viitasaari, Viitasaari Areena
Time of Music
Werke von Harrison Birtwistle, Mark Andre und Brian Ferneyhough Er s t a
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Peter Eötvös: Two poems to Polly für eine sprechende Cellistin (1998)
Peter Eötvös: Korrespondenz für Streichquartett (1992)
Jagdish Mistry, Violine | Giorgos Panagiotidis, Violine | Megumi Kasakawa, Viola |
Michael M. Kasper, Violoncello | Eva Böcker, Violoncello | Ueli Wiget, Klavier
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for a woman to sing – Die Stimmperformerin Cathy Berberian
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Werke von Sylvano Bussotti, Luciano Berio, Andreas Sorg (Uraufführung) und Tona Scherchen
19.08.
21.08.
Nicolai Bernstein, Dirigent | Carola Schlüter und Maren A. Schwier, Sopran
Ensemble Modern und Teilnehmer des Meisterkurses
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Er s t a
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Internationale Ensemble Modern Akademie – Education
junger Asiate, Kellnerin, Großvater, die Grille, chinesische Tante | Hans-Jürgen Lazar, Der Mann
über sechzig, alter Asiate, Eva die dunkelbraune Stewardess, Der Freund der Enkeltochter,
chinesischer Vater | Holger Falk, Der Mann, ein Asiate, Inga die blonde Stewardess, chine-
sischer Onkel | Elisabeth Stöppler, Regie | Hermann Feuchter, Bühnenbild | Nicole Pleuler,
Kostüme | Jan Hartmann, Licht | Norbert Ommer, Klangregie
Koproduktion von Ensemble Modern und Oper Frankfurt
02.09.
John Adams: Shaker Loops (1978)
Nina Janßen-Deinzer, Alexandar Hadjiev, Uwe Dierksen und Daniel Lorenzo, Dozenten
Steve Reich: Tehillim (1981)
Das KulturTagJahr an der IGS Nordend ist ein Kooperationsprojekt der ALTANA Kulturstiftung
Brad Lubman, Dirigent
gGmbH in Zusammenarbeit mit der Stiftung Polytechnische Gesellschaft Frankfurt am Main,
Synergy Vocals
dem Hessischen Kultusministerium und zahlreichen künstlerischen Partnern.
19.30 Uhr, Ingolstadt, Theater Ingolstadt, Festsaal
Ensemble Modern Orchestra
20 Uhr, Berlin, Kammermusiksaal der Philharmonie
Musikfest Berlin / Berliner Festspiele
John Adams: Chamber Symphony (1992)
Abschlusspräsentation des Educationprojekts des 8. Jahrgangs der IGS Nordend
Norbert Ommer, Klangregie
10.09.
20 Uhr, Utrecht, TivoliVredenburg, Hertz
Internationale Ensemble Modern Akademie – IEMA-Ensemble
Audi Sommerkonzerte
Gaudeamus Muziekweek
Orchester von Ichiro Nodaira (2002)
Christiaan Richter: We Get Requests (2015) (Uraufführung)
Ludwig van Beethoven: Konzert für Violine und Orchester D-Dur, op. 61 (1806)
(Uraufführung)
Dietmar Wiesner, Flöte | Thomas Zehetmair, Violine
Lucas Vis, Dirigent
Johann Sebastian Bach / Ichiro Nodaira: Die Kunst der Fuge, BWV 1080 – transkribiert für
Kent Nagano, Dirigent | Clemens Heil, Einstudierung
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Köchin, Enkeltochter, Die Ameise, Hans, chinesische Mutter | Simon Bode, Der junge Mann,
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19.30 Uhr, Frankfurt am Main, Frankfurt LAB
11 Uhr, Frankfurt am Main, Frankfurt LAB
Pierre Boulez: Mémoriale – (...explosante - fixe ... Originel) (1985/93)
u f füh
Kateryna Kasper, Die junge Frau, der Kleine | Hedwig Fassbender, Die Frau über sechzig, alte
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ATEM.STRÖMUNG.WIRBEL.KLANG
15.07.
Peter Eötvös: Der goldene Drache
Er s t a
eingerichtet von Peter Eötvös (2013/14) (Österreichische Erstaufführung) Mit finanzieller Unterstützung des Auswärtigen Amtes und des Goethe-Instituts
10./11.07.
12.07.
Bregenzer Festspiele
Hartmut Keil, Dirigent
20 Uhr, Viitasaari, Viitasaari Areena
Franck Ollu und Steven Schick, Dirigenten
20 Uhr, Bregenz, Werkstattbühne
Libretto von Roland Schimmelpfennig nach dem gleichnamigen Theaterstück,
Eine Veranstaltung des Instituts für Musikwissenschaft der Goethe-Universität
Harrison Birtwistle: Theseus Game (2002) (Finnische Erstaufführung)
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Norbert Ommer, Klangregie
Internationale Ensemble Modern Akademie – IEMA-Ensemble
Lauri Supponen: fix for large ensemble (2015) (Uraufführung) u f füh
Peter Eötvös: ›Now, Miss!‹ – (based on Samuel Beckett's ›Embers‹) (1972)
20.30 Uhr, Frankfurt, Haus am Dom
Time of Music
Bregenzer Festspiele
Er s t a
(Österreichische Erstaufführung)
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Mit finanzieller Unterstützung des Auswärtigen Amtes und des Goethe-Instituts
04.07.
19.30 Uhr, Bregenz, Seestudio
Musik & Poesie: Peter Eötvös im Gespräch
Franck Ollu, Dirigent
04.07.
20 Uhr, Salzburg, Felsenreitschule
Salzburger Festspiele
Kurt Weill / Bertolt Brecht: Die Dreigroschenoper (1928)
Sava Stoianov, Trompete | Michael M. Kasper, Violoncello | David Haller, Schlagzeug
02.07.
Internationale Ensemble Modern Akademie – IEMA-Ensemble
Abschlusskonzert des 5. Landeswettbewerbs Jugend komponiert Hessen & Thüringen 2015
In Trägerschaft des Landesmusikrats Hessen und des Landesmusikrats Thüringen.
Time of Music
Kammermusikwerke von Harrison Birtwistle, Bernhard Gander, Márton Illés,
02.07.
15 Uhr, Schlitz, Landesmusikakademie Hessen
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Stylianos Dimou: Dualities for flute, cello, large ensemble and electronics (2015) (Uraufführung)
Sergej Maingardt: Kurzschluss für verstärktes Ensemble, Elektronik und Video (2015)
František Chaloupka: Stockhausen On Sirius (2015) (Uraufführung)
Im Rahmen des Ulysses Netzwerks. Dieses Projekt wird mit Unterstützung der Europäischen
Kommission finanziert.
08./11./12.09.19.30 Uhr, Duisburg, Kraftzentrale, Landschaftspark Duisburg Nord
13.09.
16 Uhr, Duisburg, Kraftzentrale, Landschaftspark Duisburg Nord
19.09.
Ensemble Modern Orchestra
Yann Robin: Arkham für Ensemble (2015) (Uraufführung) Ruhrtriennale 2015
Luigi Nono: Prometeo – Tragedia dell'ascolto für Vokal- und Instrumentalsolisten, gemischten
Ensemble (2014/15) (Uraufführung) Emilio Pomàrico, Dirigent
SCHOLA HEIDELBERG (Einstudierung: Walter Nußbaum)
20.09.
19.30 Uhr, Frankfurt am Main, Hochschule für Musik und Darstellende Kunst, Kleiner Saal
Noa Frenkel, Sopran | Markus Francke, Tenor | Caroline Chaniolleau, Sprecherin | Mathias Jung,
Internationale Ensemble Modern Akademie – IEMA-Ensemble
Mauricio Kagel: Match für 3 Spieler (1964)
Posaune, Tuba | Rumi Ogawa, Glas | David Haller, Glas | Boris Müller, Glas | Megumi Kasakawa,
Orm Finnendahl: Rekurs (1997/98)
Johan Simons, Regie | André Richard, Raumklangkonzeption/Leitung Klangregie
(Deutsche Erstaufführung)
Die Mitwirkung von Stipendiaten und Absolventen der Internationalen Ensemble Modern
Sascha Janko Dragicevic: druga noc – Nachtmusik für 11 Instrumentalisten (2011/15)
Viola | Michael M. Kasper, Violoncello | Paul Cannon, Kontrabass
Sergej Maingardt: Kurzschluss für verstärktes Ensemble, Elektronik und Video (2015)
Experimentalstudio des SWR Freiburg, Elektronische Realisation
Jacques Zafra: Locigal interference (2014)
Akademie (IEMA) am Ensemble Modern Orchestra (EMO) wird ermöglicht durch die Kulturstiftung des Bundes.
24.09.
17 Uhr, Innsbruck, Vier und Einzig
Klangspuren Schwaz Tirol
20 Uhr, Karlsruhe, Zentrum für Kunst und Medientechnologie, ZKM_Kubus
Internationale Ensemble Modern Akademie – IEMA-Ensemble
Begehbare Konzertinstallation mit augmented Reality, Tanz, 15 Instrumenten und Elektronik,
mit Werken von Ludger Brümmer, Luc Döbereiner, Luca Danieli, Constantin Popp, Hanns
Gérard Grisey: Partiels für 18 Musiker (1975)
Holger Rutz und David Pirrò
Luigi Nono: Incontri (1955)
25.09.
Kasper de Roo, Dirigent | Petra Hoffmann, Sopran
Mit freundlicher Unterstützung der Ernst von Siemens Musikstiftung.
20 Uhr, Karlsruhe, Zentrum für Kunst und Medientechnologie, ZKM_Kubus
Internationale Ensemble Modern Akademie – IEMA-Ensemble
Globale
20 Uhr, Innsbruck, Vier und Einzig
Tangible Sound – Der berührbare Klang
Abschlusskonzert II des Meisterkurses Klangspuren IEMA vom 01.–12.09.2015
Günter Steinke: Arcade (1991/92)
Klangspuren Schwaz Tirol
Emmanuel Nunes: Sonata a Tre – Passacaglia aus ›Wandlungen‹ (1986)
Mark Andre: riss (2014) York Höller: Fluchtpunkte (2006)
Philippe Manoury: Strange Ritual (2005)
Orm Finnendahl: Rekurs (1997/98)
Beat Furrer: XENOS (2008)
Ivan Fedele: Pulse and Light per due pianoforti e live electronics (2014)
Beat Furrer: La bianca notte für Sopran, Bariton und Ensemble (2013)
26.09.
Beat Furrer und Kasper de Roo, Dirigenten | Tony Arnold, Sopran | Minsoo Ahn, Bariton
Mit freundlicher Unterstützung der Ernst von Siemens Musikstiftung.
20 Uhr, Karlsruhe, Zentrum für Kunst und Medientechnologie, ZKM_Kubus
Internationale Ensemble Modern Akademie – IEMA-Ensemble
Globale
19.30 Uhr, Frankfurt am Main, Hochschule für Musik und Darstellende Kunst, Kleiner Saal
Tangible Sound – Der berührbare Klang
Christiaan Richter: We Get Requests (2015) (Deutsche Erstaufführung)
Jacques Zafra: Locigal interference (2014)
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Mauricio Kagel: Match für 3 Spieler (1964)
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Sergej Maingardt: Kurzschluss für verstärktes Ensemble, Elektronik und Video (2015)
Stylianos Dimou: Dualities for flute, cello, large ensemble and electronics (2015)
Sascha Janko Dragicevic: druga noc – Nachtmusik für 11 Instrumentalisten (2011/15)
(Deutsche Erstaufführung)
Pierre Boulez: Anthèmes 2 (1997)
František Chaloupka: Stockhausen On Sirius (2015) (Deutsche Erstaufführung)
Robert HP Platz: Wunderblock (2007/08)
Luca Francesconi: Encore/Da capo für neun Instrumente (1985 – 95)
Lucas Vis, Dirigent
Im Rahmen des Ulysses Netzwerks. Dieses Projekt wird mit Unterstützung der Europäischen
Kommission finanziert.
19.30 Uhr, Frankfurt am Main, Hochschule für Musik und Darstellende Kunst, Kleiner Saal
Internationale Ensemble Modern Akademie – IEMA-Ensemble
Emmanuel Nunes: Sonata a Tre – Passacaglia aus ›Wandlungen‹ (1986)
Luciano Berio: Naturale – Über sizilianische Melodien für Viola, Schlagzeug und Zuspielband
Sylvano Bussotti: Il Nudo – quattro frammenti da Torso (lettura di Braibanti) (1963)
York Höller: Fluchtpunkte (2006)
Ivan Fedele: Pulse and Light per due pianoforti e live electronics (2014)
Maren A. Schwier, Sopran
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Globale
Beat Furrer: Aria für Sopran und Ensemble (1998/99)
(1985)
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Tangible Sound – Der berührbare Klang
Heinz Holliger: Ma'mounia (2002)
Internationale Ensemble Modern Akademie – IEMA-Ensemble
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Pablo Druker, Dirigent
Abschlusskonzert I des Meisterkurses Klangspuren IEMA vom 01.–12.09.2015
17.09.
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Johannes Maria Staud: Auf die Stimme der weißen Kreide (Specter I – III) – Musik für großes
Sprecher | Dietmar Wiesner, Flöten | Nina Janßen-Deinzer, Klarinetten | Uwe Dierksen,
16.09.
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Susanna Andersson, Sopran | Els Janssens-Vanmuster, Sopran | Christina Daletska, Sopran |
13.09.
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Chor, vier Instrumentalgruppen und Live-Elektronik (1981–84, 1985)
Ingo Metzmacher und Matilda Hofman, Dirigenten
12.09.
18 Uhr, Straßburg, Auditorium de France 3 Alsace
Eröffnung von musica – festival international de musiques d'aujourd'hui
Pablo Druker, Dirigent
25.09.
26.09.
19.30 Uhr, Graz, Helmut List-Halle
steirischer herbst
Johannes Maria Staud: Specter of the Gardenia oder Der Tag wird kommen
für Ensemble und Sprecher mit Texten von Josef Winkler (2015) (Uraufführung) Emilio Pomàrico, Dirigent
Johannes Silberschneider, Sprecher
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Johannes Maria Staud, Musik
Josef Winkler, Text
Sofia Simitzis, Regie | Inga Timm, Bühne und Kostüme | Heta Multanen, Video |
Voxi Bärenklau, Licht
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29.09.
19 Uhr, Berlin, Plenarsaal des Bundesrates
13.10.
Geschlossene Veranstaltung
Grenzen überwinden – 25 Jahre Wiedervereinigung
Mark Andre: ...zu staub... (2005) (Mexikanische Erstaufführung)
Steve Reich: Clapping Music (1972)
Hanspeter Kyburz: anceps (2014/15) (Mexikanische Erstaufführung) Joseph Haydn: Quartett C-Dur, op. 76, 3 (›Kaiserquartett‹) (1797) (Auswahl)
Wolfgang Rihm: Chiffre II – Silence to be beaten (Mexikanische Erstaufführung) (1983)
Conlon Nancarrow: Study No. 7 (1989) (Mexikanische Erstaufführung)
Franck Ollu, Dirigent
20 Uhr, Frankfurt am Main, Alte Oper Frankfurt, Mozart Saal
1. Abonnementkonzert der Saison 2015/16, 19 Uhr Konzerteinführung/Albert Mangelsdorff Foyer
Anton Webern: Symphonie op. 21 (1928)
Heinz Holliger: Dunkle Spiegel für Vokalquintett, Bariton solo und 5 Instrumentalgruppen (1996)
Yann Robin: Arkham für Ensemble (2015) (Deutsche Erstaufführung) Emilio Pomàrico, Dirigent
Neue Vocalsolisten Stuttgart | Robert Koller, Bariton
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16.10.
17.10.
Based on a poem by Goenawan Mohamad (2014) (Deutsche Erstaufführung)
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Batavia Madrigal Singers | Katrin Baerts, Sopran | Landung Simatupang, Sprecher
24.10.
20 Uhr, Frankfurt am Main, Frankfurt LAB
im Rahmen von INDONESIA LAB
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27.10.
Goethe-Instituts Indonesien mit Unterstützung der Kulturstiftung des Bundes.
Im Rahmen von INDONESIA LAB, einem Kooperationsprojekt des Frankfurt LAB mit Künstlerhaus Mousonturm, Ensemble Modern, Staatliche Hochschule für Bildende Künste – Städelschule
Indonesien. Gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes und die KfW Stiftung.
Ken ichi Nakagawa, Dirigent
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03.11.
20 Uhr, Frankfurt am Main, Oper Frankfurt, Holzfoyer
Happy New Ears
Musik und Film II – Frankfurter Ereignisse II
06.11.
20 Uhr, Weingarten, Basilika Weingarten
Internationale Weingartener Tage für Neue Musik
Wolfgang Rihm: Vigilia für sechs Stimmen und Ensemble (2006)
Friedrich Cerha Day
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Friedrich Cerha: Gedankensplitter für Oboe solo (2015) (Auszüge) (Uraufführung)
Friedrich Cerha: Musik für Posaune und Streichquartett (2004/05)
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Jonathan Stockhammer, Dirigent
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Singer Pur
06.11.
Friedrich Cerha: Neun Bagatellen für Streichtrio (2008)
Uwe Dierksen, Posaune | Christian Hommel, Oboe
19 Uhr,Wolfenbüttel, Landesmusikakademie Niedersachsen
Internationale Ensemble Modern Akademie – Meisterkurs
Abschlusskonzert epoche f – Meisterkurs für zeitgenössische Musik mit den Kursteilnehmern
19.30 Uhr, London, Wigmore Hall
Werke aus dem Kursprogramm, die zu einem späteren Zeitpunkt bekannt gegeben werden.
Friedrich Cerha Day
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Franck Ollu, Dirigent
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Der Meisterkurs epoche f wird durchgeführt von der Internationalen Ensemble Modern Akademie
(IEMA) gemeinsam mit der Stiftung Niedersachsen, der Stiftung Jugend musiziert Niedersachsen,
Friedrich Cerha: 1. Keintate für mittlere Stimme (Chansonnier) und Instrumente,
mit Wiener Sprüchen von Ernst Kein und Fotos von Franz Hubmann (1980/1982)
HK Gruber, Dirigent und Chansonnier
13.10.
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Mitglieder des Ensemble Modern und TOHO Gakuen School of Music Orchestra
11.30 Uhr, London, Wigmore Hall
Friedrich Cerha: Piccola comedia (2013) (Uraufführung)
Suntory Foundation for Arts' Concert | Profile of the Composer Keiko Harada
Orchestra (2013–15), Neues Werk (2015) (Uraufführung)
und Portikus, Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt am Main, Hessische
Theaterakademie und The Forsythe Company in Zusammenarbeit mit dem Goethe-Institut
19 Uhr, Tokio, Suntory Hall
Keiko Harada: Sonora Distancia III (2001), Third Ear Deaf III (2003), Concerto for Piano and
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›RUANG SUARA‹ ist ein gemeinsames Projekt des Ensemble Modern, der KfW Stiftung und des
Friedrich Cerha: Konzertante Tafelmusik für vier Bläser (1947/1948)
Kammermusik-Konzert mit Mitgliedern des Ensemble Modern
Schlagzeug | Ueli Wiget, Klavier, Harfe | Jagdish Mistry, Violine | Michael M. Kasper, Violoncello
Sulistiyanto, Stevie Jonathan Sutanto, Gema Swaratyagita, Muhamad Taufik, Joko Winarko
10.10.
Tokio, Nihon University, College of Art
Dietmar Wiesner, Flöte | Ib Hausmann, Klarinette | Valentín Garvie, Trompete | Rumi Ogawa,
RUANG SUARA – Zeitgenössische Musik aus Indonesien
Neue Werke von Dewa Ketut Alit, Muhammad Arham Aryadi, Risydul Malik, Gatot Danar
10.10.
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Eine Veranstaltung des Indonesien-Komitees in Kooperation mit dem Mousonturm
In Kooperation mit dem Kulturamt Frankfurt am Main
Zu Beginn: Videodokumentation von Theo Eshetu
Frankfurter Buchmesse
GANDARI DANCE OPERA
Bas Wiegers, Dirigent
Lesungskonzert im Rahmen der Kulturwoche in der Paulskirche
Franck Ollu, Dirigent
19.30 Uhr, Frankfurt am Main, Frankfurt LAB
Internationale Ensemble Modern Akademie – IEMA-Ensemble
Tony Prabowo: Gandari – Dance Opera for Soprano, Narrator, Choir and Mixed Ensemble.
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20 Uhr, Frankfurt am Main, Paulskirche
(Uraufführungen)
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Vito Žuraj: Runaround (2014) (Mexikanische Erstaufführung)
Musikfest Goldberg-Variationen
06.10.
07.10.
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György Ligeti: Konzert für Violoncello und Orchester (1966)
Uli Pleßmann, Sprecher
01.10. Er s t a
Thierry de Mey: Musique de Tables (1987)
Louis Spohr: Nonett F-Dur, op. 31 (1813) (Auswahl)
30.09.
21 Uhr, Guanajuato, Teatro Juarez
Festival Internacional Cervantino
der Landesmusikakademie und dem Musikland Niedersachsen.
07.11.
17 Uhr, Frankfurt am Main, Max-Planck-Institut, ArtLab
18 Uhr, Hannover, Galerie Herrenhausen
Internationale Ensemble Modern Akademie – Meisterkurs
Abschlusskonzert epoche f – Meisterkurs für zeitgenössische Musik mit den Kursteilnehmern
Eröffnung Max-Planck-Institut für empirische Ästhetik Frankfurt am Main
und dem Ensemble Modern
Geschlossene Veranstaltung mit musikalischen Beiträgen des Ensemble Modern
Uroš Rojko: SPOJ II (2014/15) (Uraufführung der Concerto grosso Version) André Werner: BlackNoise II für Countertenor, Kammerensemble & Live-Elektronik (2015)
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(Uraufführung)
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Mikhail Glinka: Trio Pathétique in d-Moll für Klarinette, Fagott und Klavier (1832)
Elliott Carter: Asko Concerto (1999/2000) (Ensemble Modern)
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und weitere Werke aus dem Kursprogramm (Kursteilnehmer)
Franck Ollu, Dirigent
Bas Wiegers, Dirigent
Der Meisterkurs epoche f wird durchgeführt von der Internationalen Ensemble Modern Akademie
Ib Hausmann, Klarinette | Johannes Schwarz, Fagott | Frank Gutschmidt, Klavier |
(IEMA) gemeinsam mit der Stiftung Niedersachsen, der Stiftung Jugend musiziert Niedersachsen,
Robin Bös, Klangregie
der Landesmusikakademie und dem Musikland Niedersachsen.
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26.11.
19.30 Uhr, Frankfurt,
Alte Oper Frankfurt, Großer Saal
26.–29.11. Stanley Kubrick: 2001: A Space Odyssey
Images of Sound
Musik und Film | Helmut Lachenmann 80
(USA, 1968)
Ein Festival von Ensemble Modern und hr-Sinfonieorchester
Frank Strobel, Leitung
26.11.
cresc... 2015 – Biennale für Moderne Musik Frankfurt Rhein Main
In Kooperation mit dem Internationalen Musikinstitut Darmstadt und der
28.11.
11 Uhr, Darmstadt, Ort N.N.
Mit Fachreferenten, Leitung und Konzeption: Institut für zeitgenössische Musik der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt am Main
28.11.
16 Uhr, Darmstadt, Staatstheater Darmstadt, Kleines Haus
SYMPOSIUM, 2. Teil
hr-Sinfonieorchester | SWR-Vokalensemble
Alten Oper Frankfurt
22.30 Uhr, Frankfurt,
Alte Oper Frankfurt, Mozart Saal
zeitgenössische Musik der HfMDK Frankfurt am Main, Deutsches Filmmuseum, Caligari
Christine Wodraszka, Klavier | Susana
und Internationale Ensemble Modern Akademie
Saxofon | Okkyung Lee, Violoncello |
In Zusammenarbeit mit Staatstheater Darmstadt, Staatstheater Wiesbaden, Institut für
und mit Thomas Wenk
Franck Ollu, Dirigent
Ensemble Modern
28.11.
Mitinitiiert und ermöglicht durch den Kulturfonds Frankfurt RheinMain
Musiker der hr-Bigband
IEMA-Ensemble 2014/15
Mit freundlicher Unterstützung durch ›eXperimente‹ – eine Kulturinitiative der Aventis Foundation.
28.11.
Mit Fachreferenten, Leitung und Konzeption: Institut für zeitgenössische Musik der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt am Main
27.11.
27.11.
SYMPOSIUM, 1. Teil
IEMA-Ensemble 2014/15
15 Uhr, Frankfurt am Main,
Holzhausenschlösschen
16.30 Uhr, Frankfurt am Main, Holzhausenschlösschen
Helmut Lachenmann: Gran Torso
(1971/1976/1988), Reigen seeliger Geister
(1989), Grido (2001)
Arditti Quartet | Daphnis Quartet
Ensemble Modern
18 Uhr, Wiesbaden, Staatstheater Wiesbaden, Großes Haus
Friedrich Cerha: 1. Keintate für mittlere Stimme (Chansonnier) und Instrumente mit Wiener
Sprüchen von Ernst Kein und Fotos von Franz Hubmann (1980/1982)
Mit freundlicher Unterstützung durch ›eXperimente‹ – eine Kulturinitiative der Aventis Foundation.
Helmut Lachenmann: Air – Musik für Orchester und Schlagzeug-Solo. Fassung für großes
Ensemble (1969/2015) (Uraufführung) 1
Ensemble Modern
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Norbert Ommer und Felix Dreher, Klangregie
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(1972)
Ermöglicht durch die Allianz Kulturstiftung
Brad Lubman, Leitung
Kooperation mit der Filmakademie Baden-Württemberg
29.11.
20 Uhr, Frankfurt am Main, Frankfurt LAB, Halle 1
Simon Steen-Andersen: Black Box Music for percussion solo, amplified box, 15 players and
video (2012)
Simon Steen-Andersen: Neues Werk (2015) (Uraufführung)
Michael Beil: Neues Werk (2015) (Uraufführung)
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Ensemble Modern | Håkon Stene, Darsteller
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Gérard Buquet, Tuba | Rumi Ogawa, Schlagzeug
Mit freundlicher Unterstützung der Ernst von Siemens Musikstiftung.
Die Mitwirkung von Stipendiaten und Absolventen der Internationalen Ensemble Modern
Akademie (IEMA) am Ensemble Modern Orchestra (EMO) wird ermöglicht durch die Kulturstiftung des Bundes.
Diego Ramos RodrÍguez (Musik) / Timm Kröger (Film): DAS JECH (2015) (Uraufführung)
Johannes Kalitzke, Dirigent
Franck Ollu, Leitung
Helmut Lachenmann: Schwankungen am Rand – Musik für Blech und Saiten (1974/75) 1
hr-Sinfonieorchester
Christopher Trapani (Musik) / Leonel Ditsche (Film): Neues Werk (2015) (Uraufführung)
7. Internationales Kompositionsseminar der Internationalen Ensemble Modern Akademie in
Schumacher
Helmut Lachenmann: Harmonica – Musik für großes Orchester mit Tuba (1981–83) 2
Martin Grütter (Musik) / Irina Rubina (Film): Neues Werk (2015) (Uraufführung)
Helmut Lachenmann: Klangschatten. Mein
Yukiko Sugawara & Klavierduo Grau-
Helmut Lachenmann zum 80. Geburtstag
2
Lichtspielszene, op. 34 (1930)
hr-Sinfonieorchester | SWR Vokalensemble |
21 Uhr, Wiesbaden, Kurhaus Wiesbaden, Friedrich-von-Thiersch-Saal
13 Uhr, Hanau, Ort wird rechtzeitig bekannt gegeben
Jeehoon Seo (Musik) / Levin Peter (Film): Neues Werk (2015) (Uraufführung)
Saitenspiel für 48 Streicher und drei Klaviere
IEMA-Ensemble 2014/15
Ensemble Modern Orchestra
Arnold Schönberg: Begleitmusik zu einer
op. 16 (1909)
›10‹ – Ein Filmpoem von Telemach Wiesinger mit der Musik von Cornelius Schwehr
1
29.11.
Arnold Schönberg: Fünf Orchesterstücke
20 Uhr, Ort wird rechtzeitig bekannt gegeben
Brad Lubman, Dirigent
16 Uhr, Frankfurt am Main,
hr-Sendesaal
György Ligeti: Clocks and Clouds (1972)
Ensemble Modern
27.11.
29.11.
György Ligeti: Lux aeterna (1966)
HK Gruber, Chansonnier und Leitung
Johannes Kalitzke: Die Weber – Musikzyklus zum gleichnamigen Stummfilm von Friedrich
Johannes Kalitzke, Dirigent
Mit freundlicher Unterstützung durch ›eXperimente‹ – eine Kulturinitiative der Aventis Foundation.
27.11.
20 Uhr, Darmstadt, Staatstheater Darmstadt, Großes Haus
Zelnik (DE 1927) (2012) IEMA-Ensemble 2014/15
Helmut Lachenmann | Oliver Wille | Arditti
27.11.
Ladislav Starevitch: Die Wunderuhr – der Zauberwald (F, 1928)
Franck Ollu, Leitung
Streichquartette von Helmut Lachenmann
Quartet
28.11.
15 Uhr, Ort wird rechtzeitig bekannt gegeben
Animationsfilm mit Live-Musik von Paul Dessau
27.11.
19 Uhr, Wiesbaden, Caligari FilmBühne
›10‹ – Ein Filmpoem von Telemach Wiesinger mit der Musik von Cornelius Schwehr
Mit freundlicher Unterstützung durch ›eXperimente‹ – eine Kulturinitiative der Aventis Foundation.
links die Veranstaltungen weiterer Interpreten.
14 Uhr, Wiesbaden,
Museum Wiesbaden
Ladislav Starevitch: Die Wunderuhr – der Zauberwald (F, 1928)
Franck Ollu, Leitung
Rechts finden Sie die Veranstaltungen von Ensemble Modern und IEMA,
27.11.
15 Uhr, Wiesbaden, Caligari FilmBühne
Animationsfilm mit Live-Musik von Paul Dessau
Fred Frith – TATATA
Santos Silva, Trompete | Lotte Anker,
13 Uhr, Frankfurt am Main, hr-Sendesaal
Wolfgang Amadeus Mozart: Serenade in B KV 361 (370a) ›Gran Partita‹ (1781)
Helmut Lachenmann: Concertini – Musik für Ensemble (2005)
Fred Frith, E-Gitarre | Heike Liss, Video |
FilmBühne, Museum Wiesbaden, Stadt Rüsselsheim, Filmakademie Baden-Württemberg
Multikassettenrekorder-Performance von
28.11.
Das komplette Programm des Festivals cresc…2015 finden Sie unter www.cresc-biennale.de
02.12.
04.12.
06.12.
20 Uhr, Jakarta, Salihara
20 Uhr, Bandung, Taman Budaya Bandung
20 Uhr, Yogyakarta, Institut Seni Indonesia (ISI)
RUANG SUARA – Zeitgenössische Musik aus Indonesien
Er s t a
u f fü
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Neue Werke von Dewa Ketut Alit, Muhammad Arham Aryadi, Risydul Malik, Gatot Danar
Sulistiyanto, Stevie Jonathan Sutanto, Gema Swaratyagita, Muhamad Taufik, Joko Winarko
(Indonesische Erstaufführungen)
Franck Ollu, Dirigent
›RUANG SUARA‹ ist ein gemeinsames Projekt des Ensemble Modern, der KfW Stiftung und
des Goethe-Instituts Indonesien mit Unterstützung der Kulturstiftung des Bundes.
11.12.
20 Uhr, Frankfurt am Main, Alte Oper Frankfurt
2. Abonnementkonzert der Saison 2015/16, 19 Uhr Konzerteinführung
Wolfgang Rihm: Sound As Will für Trompete und Ensemble (20011/14)
Wolfgang Rihm: Vigilia für sechs Stimmen und Ensemble (2006)
Jonathan Stockhammer, Dirigent
Sava Stoianov, Trompete
20.30 Uhr, Rom, Auditorium Parco della Musica, Sala Santa Cecilia
Abschlusskonzert 2015 der Villa Massimo
Ennio Morricone: Suite aus: Spiel mir das Lied vom Tod (1968)
Ennio Morricone: Specchi (1989)
Hauptgeschäftsführung: Roland Diry
Redaktion: Marie-Luise Nimsgern
Gestaltung: Jäger & Jäger
Druck: Druckerei Imbescheidt, Frankfurt am Main
Bildnachweise picture credits:
Alte Oper Frankfurt (38, 42), Thomas Berns (36), Harald Eisenberger (37), Fondazione
Musica per Rom (42), Nick Guttridge (38), Andreas Hussong (33), Priska Ketterer
(10), Frank Möllenberg (14), Heta Multanen (Umschlag, 8, 9, 13), Emilio Pomàrico,
2013, Paris (20, 21), Andreas Praefcke (35), Privat (3–7), Katrin Schilling (28–30),
Gebhard Sengmüller (35), Martin Sigmund (16, 17), Johannes Weiss (36), Walter
Vorjohann (34, 39), Zentrum für Kunst und Medientechnologie, Foto ONUK (37)
Singer Pur
Vassos Nicolaou: Neues Werk (2015) (Uraufführung)
Herausgeber editor:
Ensemble Modern GbR
Schwedlerstraße 2–4
D-60314 Frankfurt am Main
T: +49 (0) 69-943 430 20
[email protected]
www.ensemble-modern.com
Textnachweis text credits:
Die Texte sind Originalbeiträge für diese Ausgabe. Abdruck nur mit Genehmigung
des Ensemble Modern. Übersetzungen von Alexa Nieschlag.
Vigilia
17.12.
Impressum imprint
U r au
f f ühr
ung
Saskia Bladt: Neues Werk (2015) (Uraufführung)
Helmut Lachenmann: Mouvement (-vor der Erstarrung) (1983/84)
Mit freundlicher Unterstützung der Ernst von Siemens Musikstiftung
Skizzenmaterial mit freundlicher Genehmigung der Komponistinnen
und Komponisten.
Wir haben uns bemüht, alle Urheberrechte zu ermitteln. Sollten darüber hinaus
Ansprüche bestehen, bitten wir, uns diese mitzuteilen.
Das Ensemble Modern wird gefördert durch die Stadt Frankfurt, die Kulturstiftung
des Bundes und über die Deutsche Ensemble Akademie e.V. durch das Hessische
Ministerium für Wissenschaft und Kunst sowie die GVL. Die Musikerinnen und
Musiker des Ensemble Modern danken der Aventis Foundation für die Finanzierung eines Sitzes in ihrem Ensemble.
Die Abonnementkonzerte in der Alten Oper Frankfurt werden unterstützt durch
die Deutsche Bank Stiftung. Ausgewählte Projekte werden ermöglicht durch
den Kulturfonds Frankfurt RheinMain und die Ernst von Siemens Musikstiftung.
hr2-kultur ist Kulturpartner des Ensemble Modern.
Die Stipendien der Internationalen Ensemble Modern Akademie (IEMA) werden
gefördert durch die Kunststiftung NRW für Künstler aus Nordrhein-Westfalen.
Der Masterstudiengang ›Zeitgenössische Musik‹ ist eine Kooperation der IEMA
und der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Frankfurt am Main.
The Ensemble Modern receives funds by the City of Frankfurt, the German Federal
Cultural Foundation and through the Deutsche Ensemble Akademie by the Hessian
Ministry for Science and Art and the GVL. The musicians of the Ensemble Modern
would like to thank the Aventis Foundation for financing a seat in the Ensemble.
The subscription concerts at Alte Oper Frankfurt are supported by the Deutsche Bank
Foundation. Special projects are enabled by Kulturfonds Frankfurt RheinMain and
Ernst von Siemens Music Foundation. hr2-kultur is cultural affairs partner of the
Ensemble Modern.
The International Ensemble Modern Academy scholarships are supported by the
Kunststiftung NRW for artists from North Rhine-Westphalia. The contemporary
music masters program ›Zeitgenössische Musik‹ is a cooperation of the IEMA and
Frankfurt University of Music and Performing Arts.
Sendetermine 2015­/2
17.09. 20.05 Uhr, hr2-kultur
Ausstrahlung des Abonnementkonzerts vom 22.01.2015 bei den ›Frankfurter Positionen‹ mit
Werken von Steve Reich, Frederic D’haene gemeinsam mit dem Reigakusha Gagaku Ensemble.
10.12. 20.05 Uhr, hr2-kultur
Ausstrahlung des Abonnementkonzerts vom 30.09.2015 mit Werken von Anton Webern,
Heinz Holliger und Yann Robin.
Offene Ohren 2015/2
27.08.
20 Uhr, Frankfurt am Main, Haus der Deutschen Ensemble Akademie
Das Programm wird zu einem späteren Zeitpunkt bekannt gegeben.
September Reise der Freunde nach Graz zum Festival ›steirischer herbst 2015‹ und Besuch des EM-Konzerts am 26.09.2015
28.10.
20 Uhr, Frankfurt am Main, Haus der Deutschen Ensemble Akademie
Das Programm wird zu einem späteren Zeitpunkt bekannt gegeben.
November Wir verweisen auf das Festival ›cresc…2015‹ vom 26. bis 29. November 2015 mit Konzerten, einem Symposium und Konzerteinführungen (siehe Tourplan und www.cresc-biennale.de)
Eine Veranstaltungsreihe der Freunde des Ensemble Modern e.V.
Änderungen vorbehalten, Redaktionsschluss 01.07.2015.
Aktuelle Informationen unter www.ensemble-modern.com
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15. März 2016 HAPPY NEW EARS

Adriaan Held alles im Glas

Wind-Ensemble Aachen - GZM Klangbrücke | Music

Presseinformation Mit.Sing.Lesung

KONZERTEINFÜHRUNG Jeweils eine Stunde vor Konzertbeginn

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Georg Schroefl, MD - Viola Geboren 1965 in Wien begann Georg

Mame Loshn - IKG Straubing

Renaissance & Romantik 24.04.16 | 17 Uhr

Konzert der Streicherensembles Bülach Leitung: Esther Egli und