Frühjahr 2017 / Spring 2017 Kunst und Fotografie / Art and Photography Fotografie / Photography A Ein poetisches Werk, das Themen wie Liebe, Verlust und kulturelle Identität im Nordwesten Argentiniens behandelt A poetic work, which covers aspects of love, loss and cultural identity in northwestern Argentina Herausgegeben von / Edited by Sarah Cooper, Nina Gorfer Texte von / Texts by Sarah Cooper, Nina Gorfer, Haro Galli, Gonzalo Pardo, Joanna Persman et al. Gestaltet von / Designed by Sarah Cooper, Nina Gorfer Festeinband / Hardcover 24 x 31,5 cm ca. 416 Seiten / pages ca. 80 Farbabb. / color ills. ENGLISCH / SPANISCH ISBN 978-3-86828-778-3 ca. Euro 48,00 März / March 2017 9 783868 287783 Ausstellungen / Exhibitions I Know Not These My Hands Fotografiska, Stockholm 11.03. – 15.06.2017 Selected works gallery Christian Larsen Market Art Fair, Stockholm 24.03. – 26.03.2017 The Weather Diaries American Swedish Institute, Minneapolis April – Juni / June 2017 Interruptions Kvinnohistoriskt museum, Umeå Schweden / Sweden, 24.06. – 30.11.2017 B www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography Sarah Cooper & Nina Gorfer I Know Not These My Hands SEEK Volume 04: Argentina Dieses Buch handelt von den allgegenwärtigen Spuren, die eine krisenhafte Geschichte im menschlichen Geist hinterlässt. Auf der Grundlage einer ausgedehnten Recherchereise in den Nordwesten Argentiniens untersuchen Cooper & Gorfer Fragen der Identität mithilfe von Interviews und Fototerminen mit Menschen aus unterschiedlichen Schichten der argentinischen Gesellschaft und der Nachbarländer. Reflexionen über Wunden der Kolonialzeit und neuere politische Krisen treten immer wieder aus den Anmerkungen und Dialogen des Buches zutage; sie manifestieren sich in den erzählerischen, poetischen Bildwelten, die für das Werk von Cooper & Gorfer so bezeichnend sind. Bruchlos zwischen Bildern und Anekdoten hin- und hergleitend, spricht I Know Not These My Hands über den menschlichen Aspekt von Liebe, Verlust und Identität. Zum Duo Cooper & Gorfer gehören Sarah Cooper (* 1974, USA) und Nina Gorfer (* 1979, Österreich). Die Künstlerinnen sind für ihre eigenständige, hybride Ästhetik bekannt. Thematisch kreist ihr auf Fotografie basierendes Werk oft um Fragen der kulturellen Identität. This book is about the ubiquitous traces a troubled history leaves on the human mind. Based on a comprehensive research travel to northwestern Argentina, Cooper and Gorfer investigate questions of identity and displacement through interviews and photographic meetings with people from different levels within the Argentinian society and adjacent lands. Reflections on colonial wounds, forced migration, and more recent political turmoil surface throughout the book’s notes and dialogs, manifesting in the narrative and poetic imagery so indicative of Cooper and Gorfer’s work. Seamlessly navigating between image and anecdotes, I Know Not These My Hands, speaks of the human aspect of love, loss and identity. Cooper & Gorfer comprises the artists Sarah Cooper (b. 1974, USA) and Nina Gorfer (b. 1979, Austria). The artist duo is known for their distinct hybrid aesthetics. Thematically, their photo-based work often revolves around issues of cultural identity. 1 The Human Cost Pablo E. Piovano Pablo E. Piovano The Human Cost. Agrotoxins in Argentina Die katastrophalen Folgen von 20 Jahren des rücksichtslosen Einsatzes von Monsanto-Agrarchemikalien im ländlichen Nordosten Argentiniens The devastating impact of 20 years of indiscriminate use of Monsanto agrochemicals in the rural northeast of Argentina 1996 genehmigte die argentinische Regierung den Anbau transgener Sojabohnen und den Einsatz von Glyphosat-Herbiziden auf genetisch modifizierten Nutzpflanzen, wobei sie sich ausschließlich auf Studien der Firma Monsanto verließ. Nach fast zwei Jahrzehnten, in denen ein Drittel der Landesbevölkerung direkt oder indirekt von Glyphosat-Spritzmitteln betroffen war, ist Argentinien zu einer Feldstudie für Giftkatastrophen geworden. Hunderte wissenschaftlicher Studien und medizinischer Untersuchungen bestätigen die tödlichen Wirkungen des Unkrautvernichtungsmittels: Die Krebsrate bei Kindern hat sich verdreifacht, die Häufigkeit von Fehlgeburten und Geburtsschäden mit ungeklärter Ursache ist dramatisch angestiegen. Atemwegs- und Hautkrankheiten, geistige Behinderungen sind nur einige der nachgewiesenen gesundheitlichen Auswirkungen auf die Menschen, die im Bereich der Spritzmittel leben. Trotz dieser unbequemen Wahrheit hat es bisher keinerlei systematische Information von offizieller Seite gegeben. The Human Cost (Auf Kosten der Menschen) dokumentiert die Folgen von 20 Jahren des wahllosen Einsatzes von Agrarchemikalien im ländlichen Nordosten Argentiniens und dessen katastrophale Auswirkungen auf die Menschen und ihre Umwelt. Texte von / Texts by Pablo E. Piovano, N.N. Gestaltet von / Designed by Kehrer Design Festeinband / Hardcover ca. 17 x 23 cm ca. 128 Seiten / pages ca. 70 Duplexabb. / duotone ills. ENGLISCH / SPANISCH ISBN 978-3-86828-767-7 ca. Euro 35,00 Juni / June 2017 9 783868 287677 2 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography In 1996 the Argentinian government approved, only relying on studies of the Monsanto Company, the cultivation of transgenic soybeans and the use of glyphosate herbicide spray, which was employed on resistant genetically-modified crops. With nearly two decades of glyphosate spraying affecting directly or indirectly one third of the country’s population, Argentina has become a field study in toxic disaster with hundreds of scientific studies and medical surveys confirming the herbicide’s lethal impact: Pediatric cancer cases have tripled, miscarriages, and unexplained birth defects have dramatically increased. Respiratory and skin disorders, mental disabilities and spontaneous abortions are just a few of the documented health effects on those living directly in the spray’s path. Despite this inconvenient truth, there has not been any official systematized information. The Human Cost / El Costo Humano documents the impact of 20 years of indiscriminate use of agrochemicals in the rural northeast of Argentina, and the devastating impact of the people and their environment. Pablo E. Piovano (b. 1981) is a photojournalist and multi-scholarship winner based in Buenos Aires, Argentina. He has been a staff photographer for the Página / 12 newspaper in Buenos Aires since the age of 18. 3 4 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography 5 Freiheit als Herausforderung im Angesicht revolutionärer Dogmen: Das afrokubanische Erbe zwischen emanzipatorischen Praktiken und kolonialer Erinnerung The challenge of freedom in the face of revolutionary dogma: Afro-Cuban heritage caught between emancipatory practices and colonial memory Nicola Lo Calzo Regla Texte von / Texts by Angela Davis, Nancy Morejon Gestaltet von / Designed by Kehrer Design Festeinband / Hardcover ca. 19 x 24 cm ca. 120 Seiten / pages ca. 70 Farbabb. / color ills. ENGLISCH / FRANZÖSISCH ISBN 978-3-86828-788-2 ca. Euro 35,00 Mai / May 2016 9 783868 287882 Ausstellungen / Exhibitions ICI – Magazzino del Caffè, Venedig / Venice Februar / February – März / March 2017 La Balsa Arte, Bienal Internacional Fotográfica Bogotá 2017, Kolumbien / Columbia 12.05. – 10.06.2017 6 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography Seit fünf Jahren erkundet Nicola Lo Calzo auf verschiedenen Kontinenten die lebendige Erinnerung an Sklaverei und Kolonialismus. Nach Aufenthalten in Westafrika, der Karibik, Südamerika, Louisiana und Mississippi wandte er sich Kuba zu, insbesondere den afrokubanischen Gemeinschaften aus Nachfahren afrikanischer Sklaven und Kreolen. Die hier vorgestellten Bilder entstanden, indem er in marginale Räume eintauchte, die früher geheim waren, aber inzwischen vom Castro-Regime toleriert – und kontrolliert – werden: die Tempel der Regla de Ocha und der Regla del Palo, die Geheimgesellschaft der Abakuá, die Carabalí-Vereinigungen und die Freimaurerlogen. Sie basieren auf Werten wie Solidarität, dem Heiligen, der Erinnerung, der Freiheit des Individuums und seiner Meinung. 130 Jahre nach Abschaffung der Sklaverei sind sie die direkten Erben von Kultur- und Widerstandsformen, die während der spanischen Kolonialzeit von afrikanischen Sklaven und sogenannten »freien Farbigen« entwickelt wurden. Auch die Hip-Hop-Bewegung, in den 1990ern aus den USA importiert, bietet neuen Generationen Freiräume. Regla zeigt, wie die Raperos eine Negra-Identität und -Kultur zurückerobern und die Geschichte ihrer Sklavereivergangenheit zu neuem Leben erwecken. For the last five years Nicola Lo Calzo has been exploring the living memories of slavery and colonialism on various continents. After going to West Africa, the Caribbean and South America, then to Louisiana and Mississippi, he turned to Cuba, in particular the Afro-Cuban communities, the descendants of former African slaves and creoles. The images presented here are the result of immersing himself in marginal spaces, formerly clandestine but now tolerated, albeit controlled by the Castro regime, such as the temples of the Regla de Ocha and the Regla del Palo, the Abakua secret society, the carabali associations and the Masonic lodges. 130 years after the abolition of slavery, these free spaces, based on values such as solidarity, the sacred, memory, the importance of the individual, and freedom of expression, are the direct heirs of forms of culture and resistance developed by African slaves and »free people of color« during the Spanish colonial period. The hip-hop movement that was brought in from the United States in the 1990s also plays a part in creating a space for freedom and anti-power for the new generations. Regla shows how the raperos are reclaiming a negra identity and culture, and are bringing back to life the history of a slave past. 7 Bogarts Rückenbildnisse deuten die Persönlichkeit der porträtierten jungen Frauen nur anhand peripherer Details wie Frisuren oder Tätowierungen an Portraits of young women photographed from behind force the viewer to imagine the personalities based on peripheral details like hairstyles, tattoos, and other visual clues Tara Bogart A Modern Hair Study Texte von / Texts by Heloise Conesa, Caroline Weber Gestaltet von / Designed by Kehrer Design (Martin Lutz) Leineneinband / Cloth hardcover 16,5 x 23,3 cm 120 Seiten / pages 79 Farb- und 7 S / W-Abb. / 79 color and 7 b/w ills. ENGLISCH / FRANZÖSISCH ISBN 978-3-86828-757-8 Euro 35,00 Januar / January 2017 9 783868 287578 Ausstellung / Exhibition Hoffmaster Gallery at Lawrence University, Appleton, Wisconsin März / March – Mai / May 2017 Book Signings Frühjahr / Spring 2017 Elizabeth Houston Gallery, New York HCP Houston Centre of Photography Alice Wilds Gallery, Milwaukee 8 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography Im Jahr 2011 sah Tara Bogart in der Pariser Bibliothèque nationale die Fotografie Marie Laurent (1856) von Nadar und war sofort fasziniert. Das von hinten aufgenommene Foto zeigt eine junge Frau, deren Haar mit einem verzierten Kamm hochgesteckt ist. Fünf Monate später begann sie mit der Serie, aus der A Modern Hair Study entstand. »Ich dachte die ganze Zeit darüber nach, wie dieses Bild heute aussehen würde. A Modern Hair Study besteht aus Porträts junger Frauen, die von hinten fotografiert sind. Durch die Fokussierung auf den Rücken ist der Betrachter gezwungen, sich mit all den peripheren Dingen auseinanderzusetzen, die jede Frau einmalig machen. In diesen intimen Porträts bin ich Voyeur und konzentriere mich auf eine Generation, die nicht die meine ist. Während bestimmte Ideale oft für verschiedene Generationen gelten, zeigt die Art, wie Frauen sich schmücken und verwandeln, oft die Kämpfe junger Erwachsener mit ihrer eigenen Ideologie und Individualität. Seit ich diese Frauen fotografiert habe, kann ich mir vorstellen, dass diese Kämpfe zeitlos sind. Sie existieren heute noch genauso wie damals, als das ursprüngliche Porträt von Nadar aufgenommen wurde.« In 2011, during a visit to Paris’ Bibliothèque nationale, Tara Bogart saw the photograph Marie Laurent (1865) by Nadar and was immediately intrigued. The photograph, taken from behind, was of a young woman whose hair was held up by an ornate clip. Five months later, she began the series that became A Modern Hair Study. »I couldn’t stop thinking about what that same image would look like today. A Modern Hair Study consists of portraits of young women photographed from behind. By focusing on the back, the viewer is forced to contend with all of the peripheral things that make each woman unique. In these intimate portraits I am a voyeur concentrating on a generation that is not mine. While certain ideals are often relevant to different generations, the ways in which women adorn and modify themselves often indicate the struggles of a young adult with their own ideology and individuality. After photographing these women, I can imagine these struggles are timeless. Existing today as well as when the original Nadar portrait was taken.« Tara Bogart has exhibited at Elizabeth Houston Gallery, Hous Projects, Aperture, New York, Catherine Edelman Gallery, Chicago, and other venues. Her work is in the J. Crew Art Collection, collection of the Bibliothèque nationale de France in Paris, among others. 9 Christopher Taylor Steinholt Christopher Taylor Steinholt Eine Familiengeschichte, angesiedelt in der überwältigend schönen, aber auch herausfordernden Lebenswelt des Nordostens von Island Series about the photographer’s wife’s family history set in the stunningly beautiful but also challenging environment of northeast Iceland Texte von / Texts by Monica Dematté, Christopher Taylor Gestaltet von / Designed by Kehrer Design (Martin Lutz) Halbleineneinband / Half-cloth hardcover ca. 22 x 22 cm ca. 160 Seiten / pages ca. 60 Duplexabb. / duotone ills. ENGLISCH / ISLÄNDISCH (FRANZÖSISCH / CHINESISCH in Textbeiheft / in text supplement) ISBN 978-3-86828-766-0 Euro 39,90 Februar / February 2017 9 783868 287660 Ausstellungen / Exhibitions National Museum of Iceland, Reykjavik ab Februar / starting February 2017 Galerie Camera Obscura, Paris, 2017 10 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography »Steinholt ist ein Haus im Fischerdorf Þórshöfn, in der abgelegenen Nordostecke von Island. Erbaut 1929 von den Eltern meines Schwiegervaters, bekam das Haus einen Namen, bevor überhaupt eine Straße existierte. Meine Frau Álfheiður wurde nach ihrer Großmutter benannt. Ihre enge Beziehung und die unerwarteten Umstände, unter denen wir das kleine Haus erwarben, waren der Ausgangspunkt des Fotoprojekts. Anhand der Informationen aus Geschichten und Aufzeichnungen habe ich die Wege der Vorfahren meiner Frau nachgezeichnet, die auf der Suche nach Arbeit oder einem Ort zum Leben die Landschaft durchstreiften. Die im Lauf der letzten fünf Jahre auf diese Weise entstandene Serie analoger Schwarz-Weiß-Fotografien ist ein Versuch, die Vergangenheit zu interpretieren und die Ursprünge von Namen zu untersuchen, als Weg zum Leben in und mit der Landschaft.« (Christopher Taylor) Als studierter Zoologe und fotografischer Autodidakt hat Christopher Taylor (* 1958) ausgedehnte Reisen durch Frankreich, Island, Japan, Indien und China unternommen. Er hatte Einzel- und Gruppenausstellungen in Paris, Madrid, London, Peking, Delhi, Mumbai und Kalkutta und wird von der Galerie Camera Obscura, Paris, und von Tasveer, Indien, vertreten. »Steinholt is a house in the fishing village of Þórshöfn in the remote northeast corner of Iceland. Built in 1929 by my wife’s paternal grandparents, the house was given a name before there was a street. My wife, Álfheiður, was named after her grandmother. The closeness of their relationship and the unexpected circumstances by which we came to acquire this small house, are where the photographic project begins. Informed by stories and written accounts, I have retraced the movements of my wife’s ancestors as they criss-crossed the landscape, in search of work or a place to live. The resulting series of black and white analogue photographs compiled over the last five years are an attempt to interpret the past and investigate the origin of names as a means to inhabiting the landscape.« (Christopher Taylor) A trained zoologist and self taught photographer, Christopher Taylor (b. 1958) has traveled extensively in France, Iceland, Japan, India, and China. He has held critically acclaimed solo and group exhibitions in Paris, Madrid, London, Beijing, Delhi, Mumbai, and Calcutta, and is represented by Galerie Camera Obscura, Paris, and Tasveer, India. 11 Eine aktuelle Betrachtung des sagenumwobenen Walden Pond A contemporary survey of the fabled Walden Pond S. B. Walker Walden Herausgegeben von / Edited by Lori Foley, S.B. Walker Text von / by Alan Trachtenberg Gestaltet von / Designed by S. B. Walker Festeinband / Hardcover 24 x 21 cm 124 Seiten / pages 58 S / W-Abb. / b/w ills. ENGLISCH ISBN 978-3-86828-765-3 ca. Euro 35,00 Januar / January 2017 9 783868 287653 Ausstellungen / Exhibitions Walden Janet Borden Inc., Brooklyn, New York, 2017 Concord Art Association, Concord, Massachusetts, 2017 University of Southern Maine, Portland, Maine, 2017 12 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography Was ist aus dem sagenumwobenen Walden Pond geworden? In seinem Buchdebüt untersucht S. B. Walker die symbolisch aufgeladene Landschaft des großen Literaten Henry David Thoreau. Tief im amerikanischen Kollektivbewusstsein verwurzelt, ist der See zu einem mythischen Ort geworden, der als Wildnis wahrgenommen wird und oft als Geburtsstätte der modernen Umweltbewegung gilt. Heute allerdings lässt sich Walden vielleicht am ehesten als glorifizierter Vorortpark beschreiben, der ins wuchernde Großstadtgebiet von Boston eingebettet ist. Weil unsere Vorstellung von diesem Ort weitgehend Thoreaus sorgfältigen, ungefähr 150 Jahre alten Beschreibungen entstammt – Texten, in denen er oft Vergleiche zu Vergils arkadischen Landschaften zog –, erweist sich der aktuelle Stand der Dinge, den Walkers Bilder porträtieren, als nachdenklich stimmendes Paradox. Der Künstler S. B. Walker lebt und arbeitet in Neuengland. Seine Arbeiten wurden international in Ausstellungen gezeigt und sind in öffentlichen und privaten Sammlungen vertreten, darunter das Museum of Fine Arts Boston, das Smith College Museum of Art, die David Winton Bell Gallery der Brown University sowie der Prentice and Paul Sack Photographic Trust. Er wird vertreten von Janet Borden Inc., Brooklyn, New York. What has become of the fabled Walden Pond? In his debut title, S. B. Walker surveys the symbolically charged landscape of literary giant Henry David Thoreau. Deeply rooted in the American collective conscious, it is a mythical place perceived as wild and often considered to be the birthplace of the modern environmental movement. Contemporary Walden, however, is perhaps best characterized as a glorified suburban park, nestled amongst the sprawl of metropolitan Boston. As our awareness of the place is largely borne out of Thoreau’s diligent description some 150 years ago – writings in which he often drew connections to the Arcadian landscape of Virgil – the current state of affairs portrayed in Walker’s images reveals a thought provoking paradox. S. B. Walker is an artist living and working in New England. His works have been exhibited internationally and can be found in public and private collections including the Museum of Fine Arts Boston, the Smith Museum of Art, the David Winton Bell Gallery at Brown University, and the Prentice and Paul Sack Photographic Trust, among others. He is represented by Janet Borden Inc., Brooklyn, New York. 13 Lars Borges Imperial County Eindrucksvolle Landschaftsbeschreibungen und Porträts zeigen die Auswirkungen eines globalen Kapitalismus für Mensch und Natur Imperial County ist der jüngste und ärmste Landkreis Kaliforniens. Obwohl es in der Colorado Wüste auf der San-Andreas-Verwerfung liegt und dort Höchsttemperaturen von bis zu 50° C und mit Niederschlag von nur 75 Millimeter im Jahr lebensfeindliche Bedingungen herrschen, ist es einer der Hauptproduzenten von Wintergemüse, Salaten, Korn und Alfalfa in den USA. Der Wasserbedarf ist gigantisch – alte Wasserrechte sichern dem Imperial County riesige Mengen des Wassers aus dem Colorado River, das durch ein Netz aus Kanälen und Pipelines in ein Gebiet so groß wie die gesamte Metropolregion Los Angeles gepumpt wird: das größte Bewässerungssystem des nordamerikanischen Kontinents. Die Arbeitslosigkeit ist die zweitgrößte in den USA – die Einkommen sind am unteren Ende im sonst reichen Kalifornien. Hart arbeitende Menschen, vornehmlich Hispanoamerikaner, schuften in der Landwirtschaft bis zur Erschöpfung, und Heimatlose, Vertriebene und Aussteiger leben hier die Anti-These des amerikanischen Traums. In eindrucksvollen Landschaftsbeschreibungen und Porträts widmet der Berliner Fotograf Lars Borges sein Buchprojekt diesen Menschen, um exemplarisch auf die Auswirkungen eines entfesselten globalen Kapitalismus für Mensch und Natur hinzuweisen. Impressive landscapes and portraits point out the effects of unbridled global capitalism on man and nature Texte von / Texts by Enno Kaufhold, N.N. Gestaltet von / Designed by Studio Maven Festeinband / Hardcover ca. 30 x 24 cm ca. 192 Seiten / pages ca. 120 Farbabb. / color ills. DEUTSCH / ENGLISCH ISBN 978-3-86828-781-3 ca. Euro 48,00 April 2017 9 783868 287813 14 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography Imperial is the youngest and poorest county in California. Although located in the Colorado Desert on the San Andreas Fault and, with temperatures of up to 50° C and an average annual precipitation of only 75 milimeters, marked by life-threatening conditions, it is one of the main producers of winter vegetables, salads, grain, and alfalfa in the USA. The demand for water is enormous – old water rights ensure Imperial County vast quantities of water from the Colorado River, which is pumped via a network of channels and pipelines into an area as large as the entire metropolitan region of Los Angeles: the largest irrigation system on the North American continent. The unemployment rate is the second highest in the USA – incomes are at the lower end of the scale in otherwise wealthy California. Here, hard-working people, especially Hispanics, labour in the fields to the point of exhaustion, while the homeless, the displaced, and downshifters live the flip-side of the American Dream. With his impressive landscapes and portraits, the Berlin-based photographer Lars Borges dedicates his book project to these people in an effort to point out the effects of unbridled global capitalism on man and nature. 15 16 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography 17 Fantasie und Wirklichkeit in den beiden klassischen Glücksspielzentren der USA: Las Vegas und Atlantic City Jay Wolke Same Dream Another Time Imagination and reality of the two classic gambling centers in the USA: Las Vegas and Atlantic City Jay Wolke Same Dream Another Time Als Jay Wolke diese Fotos Ende der 1980er- und Anfang der 1990er-Jahre aufnahm, gab es in den Vereinigten Staaten zwei bedeutende Zentren für Glücksspiele: Las Vegas, Nevada, und Atlantic City, New Jersey. Er war fasziniert von den markanten Schichtungen und Überlagerungen von Menschen, Künstlichkeit, Architektur und Landschaft. Wolke suchte nach Situationen, die mit Erwartungen und Ehrgeiz aufgeladen und von Fantasiebildern angeregt waren, die er anschließend in seinen Fotos wieder abschälen konnte, um die Symbole des Begehren ebenso bloßzustellen wie die Realität aus Unsicherheit und Blendwerk. Inzwischen ist das Projekt sowohl zu einer Zeitkapsel als auch zu einem Indikator des Zeitgenössischen geworden; es behandelt Themen, die heute genauso bedeutsam sind wie vor 30 Jahren. Jay Wolke ist Professor für Fotografie am Columbia College Chicago. Er hatte Einzelausstellungen im Art Institute of Chicago, im Saint Louis Art Museum, an der Universität Harvard und im California Museum of Photography. Seine Fotos sind unter anderem in den ständigen Sammlungen des Museum of Modern Art und des Whitney Museum of American Art in New York, des Art Institute of Chicago und des San Francisco Museum of Modern Art vertreten. Texte von / Texts by Jay Wolke, N.N. Gestaltet von / Designed by Kehrer Design Festeinband / Hardcover ca. 30 x 24 cm ca. 160 Seiten / pages ca. 90 Farbabb. / color ills. ENGLISCH ISBN 978-3-86828-784-4 ca. Euro 45,00 Juni / June 2017 9 783868 287844 18 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography When Jay Wolke made these photographs in the late 1980s and early 1990s, there were two major centers for gambling in the United States: Las Vegas, Nevada and Atlantic City, New Jersey. He was fascinated with the accentuated layers and intersections of people, artifice, architecture and landscape. Wolke was searching for circumstances charged with expectation and aspiration; stirred by fantasy, so that, through the photographs, he might then strip away those expectations, exposing the symbols of desire alongside the realities of uncertainty and deception. The project has now become both a time capsule and an index of the contemporary, addressing larger themes that are every bit as meaningful today as they were 30 years ago. Jay Wolke is currently a Professor of Photography at Columbia College Chicago. He has had solo exhibitions at the Art Institute of Chicago, the St. Louis Art Museum, Harvard University and the California Museum of Photography. His photographs are in the permanent collections of the Museum of Modern Art, New York, the Whitney Museum of American Art, New York, the Art Institute of Chicago and the San Francisco Museum of Modern Art, among others. 19 Ein faszinierender Einblick in das verlassene 5-Sterne Carlton Hotel in Johannesburg A fascinating insight into the abandoned five-star Carlton Hotel in Johannesburg Leif Bennett / Yvonne Mueller Inside the Carlton Hotel Johannesburg Herausgegeben von / Edited by Leif Bennett, Yvonne Mueller Texte von / Texts by Leif Bennett, Fiona Siegenthaler Gestaltet von / Designed by Sibylle Ryser Festeinband / Hardcover ca. 24 x 24 cm ca. 144 Seiten / pages ca. 45 Farbabb. / color ills. DEUTSCH / ENGLISCH ISBN 978-3-86828-769-1 ca. Euro 40,00 Juli / July 2017 9 783868 287691 20 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography Einst blühende Metropole, Stadt des Goldes – mit dem Ende der Apartheid veränderte sich Johannesburg grundlegend: Häuser standen plötzlich leer, die Kriminalitätsrate stieg und die Infrastruktur zerfiel. Heute? Eine lebendige, spannende und pulsierende Großstadt. Mittendrin steht ein Hotel, das viele Player dieser politischen und wirtschaftlichen Entwicklungen sowie zahlreiche Stars aus aller Welt beherbergt hat. Das 5-Sterne Carlton Hotel wurde 1997 geschlossen und wird aus Angst vor Besetzung und Vandalismus rund um die Uhr bewacht. Eine leere Hülle mit mehr als 600 Zimmern verteilt auf 31 Stockwerke. Viel hat sich ereignet in den Räumlichkeiten des Hotels, zahlreiche Sitzungen und Kongresse wurden abgehalten und wegweisende Entscheidungen getroffen. Leif Bennett und Yvonne Mueller, zwei Schweizer Künstler aus Basel, bieten durch ihre einzigartige fotografische Dokumentation einen faszinierenden Einblick in das einst beste Hotel der südlichen Hemisphäre. Once a thriving metropolis, a city of gold – with the end of Apartheid, Johannesburg experienced a fundamental change: Houses were suddenly empty, the crime rate rose, and the infrastructure crumbled. Today? A lively, exciting, and pulsating city. At its very center a hotel which hosted many protagonists of these political and economic developments, as well as numerous stars from around the world. The five-star Carlton Hotel was closed in 1997 and is now guarded around the clock for fear of illegal occupation and vandalism. An empty shell with more than six hundred rooms on thirty-one floors. Much has transpired in the various rooms of this hotel – numerous meetings and congresses were held and ground-breaking decisions made. With their unique photographic documentation, Leif Bennett and Yvonne Mueller, two Swiss artists from Basel, provide fascinating insight into the once best hotel in the southern hemisphere. 21 D’Amatos Porträts geben der Dauerkrise der afroamerikanischen Vorstädte ein indiviuelles Gesicht D’Amato’s portraits give individual faces to the ongoing crisis in African-American communities Paul D’Amato HereStillNow Paul D’Amato HereStillNow Die West Side von Chicago hat nichts sonderlich Einzigartiges. Sie ist weder das ärmste noch das älteste, größte oder afroamerikanischste unter den afroamerikanischen US-Stadtvierteln. Sie ist genau wie alle anderen Schneisen der Armut sämtlicher Städte und Vorstädte der USA. Uns wird weisgemacht, dass in diesen Gemeinschaften nur dann Krise herrscht, wenn etwas passiert, das es in die Schlagzeilen schafft. Aber die wahre Krise findet laufend statt und sie ist eine Krise der Akzeptanz – Akzeptanz der Lebensbedingungen, tagein, tagaus. Was Paul D’Amato dort fotografiert, ist mehr als Anteilnahme an Armut. Wenn seine Modelle zustimmen, sich fotografieren zu lassen, stehen sie für das beste und einzige Beispiel der Person, die sie sind. Die Fotos werden diese Stadtviertel nicht verändern. Aber sie vergegenwärtigen uns, dass die Personen auf den Fotos nicht »die« sind, sondern »er« und »sie«, und genauso wichtig sind wie jeder und jede von uns. Paul D’Amato (* 1956) lehrt Fotografie am Columbia College Chicago. Seine Werke sind vielfach ausgestellt worden; sie sind unter anderem in den Sammlungen des Art Institute of Chicago sowie des Metropolitan Museum und des Museum of Modern Art in New York. Er wird vertreten von Stephen Daiter Gallery / Daiter Contemporary, Chicago. Texte von / Texts by Paul D’Amato, N.N. Gestaltet von / Designed by N.N. Festeinband / Hardcover ca. 24 x 30 cm ca. 112 Seiten / pages ca. 50 Farbabb. / color ills. ENGLISCH ISBN 978-3-86828-782-0 ca. Euro 35,00 Juli / July 2017 9 783868 287820 22 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography There is nothing particularly unique about the west side of Chicago. It’s not the poorest, the oldest, the largest, or the most African-American of African-American communities in the U.S. It is just like every other swath of poverty in and around every single city in the U.S. We are led to believe that the only time these communities are in crisis is when something occurs that lands on a front page. The real crisis, however, is on-going and it’s one of acceptance – acceptance of the conditions, day in day out. Yet, when Paul D’Amato is there, visiting someone he knows, or simply stopping someone he has never met, something besides a concern for poverty takes shape. This is what he photographs. When these subjects agree to be photographed, they stand for the best and only example of who they are. The photographs won’t change these neighborhoods. But they remind us that the individuals in the images aren’t »they« or »them«, they are »he« and »she« and are as important as any one of us. Paul D’Amato teaches photography at Columbia College Chicago. His work has been widely exhibited and is in the permanent collections of the Art Institute of Chicago, the Metropolitan Museum and Museum of Modern Art in New York, among others. He is represented by Stephen Daiter Gallery / Daiter Contemporary, Chicago. 23 24 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography 25 Beautiful Berlin Boys ist ein Aufruf für Toleranz und gegenseitigen Respekt Beautiful Berlin Boys is a call for tolerance and mutual respect Ashkan Sahihi Beautiful Berlin Boys Text von / by Ashkan Sahihi Gestaltet von / Designed by Kehrer Design (Loreen Lampe), Ashkan Sahihi, Hilka Dirks Leineneinband / Cloth hardcover 30 x 31,8 cm 48 Seiten / pages 20 Duplexabb. / duotone ills. DEUTSCH / ENGLISCH ISBN 978-3-86828-763-9 Euro 35,00 Lieferbar, noch nicht angekündigt / Available, previously unannounced 9 783868 287639 Ausstellung / Exhibition Beautiful Berlin Boys Kehrer Galerie, Berlin 03.12.2016 – 28.01.2017 26 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography Ashkan Sahihi, 1963 in Teheran geboren, in Deutschland aufgewachsen, zog 1987 nach New York City. Für ihn und viele andere verkörperte das damalige New York Zuflucht und Schutz, Fortschritt und Möglichkeit. Die Community, in der Sahihi sich bewegte, wurde kurz darauf durch HIV und AIDS erschüttert. In nur wenigen Jahren verloren etliche Freunde und Kollegen aus der Kunstszene ihr Leben. 2013 in Berlin, begegnete er jungen schwulen Männern, die ihn an das New York der 1980er-Jahre und an die Suche nach Formen der Identität erinnerten. Es schien ihm, als hätte das Berlin der 2010er-Jahre das alte New York als Sehnsuchtsort ersetzt. Sahihis konzeptionelle Serie ist nicht nur eine Hommage an die Freunde aus vergangenen Tagen, sie setzt auch ein Zeichen für das Privileg eines Lebens in Freiheit und Offenheit, für Zugehörigkeit und Toleranz. Ashkan Sahihi lebt und arbeitet seit 2013 in Berlin. Er fotografierte unter anderem für das ZEITmagazin, The New Yorker und Vogue. Er stellte unter anderem im MoMA / PS1 in New York und in der Akademie der Künste Berlin aus. Seine 2015 veröffentlichte Arbeit Die Berlinerin ist eine fotografisch-soziologische Studie von Frauen in Berlin. Ashkan Sahihi was born in Teheran in 1963, raised in Germany, and moved to New York City in 1987. For him and many others at the time, New York epitomized refuge and protection, progress and opportunity. The community in which Sahihi was active was soon shaken by HIV and AIDS. Within a few short years, numerous friends and colleagues from the art scene lost their lives. In 2013 in Berlin, he encountered young gay men who reminded him of New York in the 1980s, as well as of the search for forms of identity. It appeared to him that Berlin in the 2010s had replaced New York as a place of longing. Sahihi’s conceptual series Beautiful Berlin Boys is not only an homage to his friends of days past; it also makes a plea for the privilege of living a life in freedom and openness, as well as for tolerance and a sense of belonging. Ashkan Sahihi has been living and working in Berlin since 2013. He shoots photographs for, among others, ZEITmagazin, The New Yorker, and Vogue. In the past few years, he has exhibited in, among others, MoMA / PS1 in New York and the Academy of the Arts in Berlin. His work Die Berlinerin (2015) is a photographic, sociological study of women in Berlin. 27 Was hinterlässt ein Mensch, wenn er stirbt? Tina Ruisinger What is left behind when a person dies? Traces Tina Ruisinger Traces Texte von / Texts by Nadine Olonetzky, Petra Zudrell Gestaltet von / Designed by Kehrer Design Festeinband / Hardcover ca. 24 x 30 cm ca. 112 Seiten / pages ca. 50 Farbabb. / color ills. DEUTSCH ISBN 978-3-86828-771-4 ca. Euro 30,00 April 2017 9 783868 287714 28 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography Ein Verstorbener hinterlässt Spuren im Leben seiner Angehörigen, in seiner Umgebung, in der Welt. Gegenstände, Fotos, Kleider oder Orte lassen die Erinnerungen an einen geliebten Menschen wieder aufleben. Das bildliche Einfangen eines Momentes spielt hier ebenfalls eine große Rolle. Schon Walter Benjamin, Siegfried Kracauer, Roland Barthes und Susan Sontag stellten den Zusammenhang von Fotografie und Tod ins Zentrum ihrer Betrachtungen. Tina Ruisinger hat zehn Jahre lang all die Dinge fotografiert, die zurückbleiben, wenn ein Mensch stirbt. Es geht dabei sowohl um das Sterben als auch um das Weiterleben der Hinterbliebenen. Die Objekte werden aus ihrem Kontext herausgelöst dargestellt. Als Künstlerin sieht sie sich einem Thema verpflichtet, das immer noch ein Tabu darstellt. Tina Ruisinger, 1969 in Stuttgart geboren, hat an der Hamburger Fotoschule, am International Center of Photography in New York und an der Zürcher Hochschule der Künste studiert. Seit 1992 arbeitet sie als freischaffende Fotografin in den Bereichen Reportage, Porträt und Tanz. Those who die leave behind traces in the lives of their families and loved ones, in their surroundings, in the world. Objects, pictures, clothing, or places spark memories of loved ones. The capturing of a moment in a photo also plays a significant role here. Walter Benjamin, Siegfried Kracauer, Roland Barthes, and Susan Sontag have all emphasized the connections between photography and death. For ten years, Tina Ruisinger photographed all the things that are left behind when one dies. In doing so, she focused not only on death, but also on the lives of those left behind. The objects are depicted out of their original context. As an artist, she is committed to a topic that remains taboo. Tina Ruisinger (b. 1969 in Stuttgart) studied at the Hamburg School of Photography, the International Center of Photography in New York, and the Zurich University of the Arts. Since 1992, she has been working as a freelance photographer in the fields of reportage, portrait, and dance. 29 David Zimmerman Ein Querschnitt der tibetischen Exilgesellschaft One Voice A cross-section of the Tibetan exile society David Zimmerman One Voice Texte von / Texts by Dhondup Gyal, Tenzin Gyatso (14. Dalai Lama), Robert Hariman, Eric Paddock, Bhuchung D. Sonam Gestaltet von / Designed by Kehrer Design (Martin Lutz) Festeinband / Hardcover 24 x 32 cm 128 Seiten / pages 50 Farbabb. / color ills. ENGLISCH ISBN 978-3-86828-773-8 ca. Euro 48,00 März / March 2017 9 783868 287738 Ausstellungen / Exhibitions One Voice AIPAD, New York City 30.03. – 02.04.2017 Sous Les Etoiles Gallery, New York City Juni / June – August 2017 30 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography One Voice entwickelt eine fesselnde Geschichte über die Entschlossenheit und Tatkraft, die Menschen angesichts des Verlusts ihrer Nation, Familie und Identität entwickeln können. Werden Menschen von ihrem Heimatgebiet definiert oder von der Kultur, die sie in ihrem neuen Leben aufbauen? Fotografiert in Flüchtlingssiedlungen und Nomadengebieten Indiens, zeigen die großformatigen Porträts von One Voice einen Querschnitt der tibetischen Exilgesellschaft: Nomaden und Händler, Schriftsteller und Revolutionäre. Die Fotos – entstanden, während sie ihre Geschichten erzählten – sind Studien zu Ausdruck und Form. Mit der fotografischen Erzählung sind Texte von tibetischen und westlichen Autoren verwoben, deren Gedichte und Essays die Erfahrung des Exils vermitteln. Angesichts einer Flut neuer Flüchtlinge ist die tibetische Exilgeschichte ein warnendes Beispiel für unbeabsichtigte Konsequenzen – und dafür, wie gefährdet Sprache und Kultur sind, wenn sich Vertriebene über die ganze Welt verteilen. Letztendlich ist die tibetische Geschichte eine universelle Geschichte. David Zimmerman lebt und arbeitet in New Mexico (USA) und Indien. One Voice weaves a compelling narrative of man’s resolve and spirit when confronted with the loss of nation, family, and identity. Are people defined by their territory or by the culture they construct in their new lives? Photographed in refugee settlements and nomadic regions of India, the large-format portraits of One Voice represent a cross-section of Tibetan exile society; nomads, tradesman, writers, and revolutionaries. Photographed while recounting their experiences, the images are a study of expression and form. Intertwined with the photographic narrative are insights by Tibetan and Western writers, whose poetry and essays convey the exile experience. Amidst a sea of new refugees, the Tibetan exile history is a cautionary tale of unintended consequences and an example of how language and culture are at risk as exiles scatter around the world. Ultimately, the Tibetan story is a universal story. David Zimmerman lives and works in New Mexico (USA) and India. 31 Hans-Michael Koetzle (Hrsg.) © Marcos Zimmermann Mit dieser umfangreichen Publikation gestattet der Kölner Michael Horbach erstmals einen Blick in seine außergewöhnliche Fotosammlung mit Schwerpunkt Lateinamerika SEHN SUCHT With this comprehensive publication Michael Horbach provides for the first time an in-depth view into his extraordinary photo collection with a focus on Latin America Herausgegeben von / Edited by Hans-Michael Koetzle Text von / by Hans-Michael Koetzle Gestaltet von / Designed by Detlev Pusch Festeinband / Hardcover ca. 24 x 22 cm ca. 204 Seiten / pages ca. 120 Duplexabb. / duotone ills. DEUTSCH / ENGLISCH / SPANISCH ISBN 978-3-86828-783-7 ca. Euro 39,90 Mai / May 2017 9 783868 287837 Ausstellung / Exhibition © Sebastião Salgado Kunsträume der Michael Horbach Stiftung Köln / Cologne 01.05.2017 – 30.07.2017 Weitere Stationen werden angekündigt / Further venues to be announced 32 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography Michael Horbach hat Großes vor. Das Medium Fotografie möchte er nutzen, um die Welt ein Stück weit besser zu machen. Das klingt kühn angesichts globaler Krisen und Konflikte. Michael Horbach hält konkret dagegen – mit seinen großzügigen Kunsträumen in der Kölner Südstadt, einem dichten Ausstellungsprogramm sowie Stipendien für junge Künstler vorzugsweise aus Afrika oder Lateinamerika: Fotografinnen und Fotografen, die sich mit ihrer Arbeit den großen Gegenwartsfragen stellen. Auch in der Rolle als Sammler unterstützt Michael Horbach junge Kamerakunst, wobei sein Interesse auf fotografische Arbeiten zielt, die die Balance zwischen formal-ästhetischer Exzellenz und einer humanistischen Botschaft wahren. Erstmals gewährt der umfangreiche Band Einblick in die mit großem Engagement zusammengetragene Sammlung, deren Qualität nicht zuletzt darin besteht, dass sie auch weniger bekannte Fotokünstler präsentiert. Horbach sammelt konsequent gegen den Strich und öffnet so die Augen für in unseren Breiten häufig übersehene Positionen. Michael Horbach has ambitious plans: With the help of photography, he strives to make the world a better place. This may sound foolhardy in the face of global crises and conflicts, but Michael Horbach remains firm in his convictions – concretely with his spatious Kunsträume (Art Spaces) in Cologne, a dense program of exhibitions, and grants for younger artists, especially from Africa and Latin America, whose works adress critical issues of contemporary society. Michael Horbach also supports contemporary photo art in his role as a collector, whereby his interest is directed towards photographic works that strike a balance between formal and aesthetic excellence and a humanistic statement. The comprehensive volume presents for the first time profound insight into a collection compiled with great commitment and which stands out not least of all by also featuring works by lesser known photo artists. Michael Horbach collects persistently against the grain, opening our eyes to positions often overlooked in our latitudes. Fotografen / Photographers Juan Carlos Alom, Pep Bonet, Raúl Canibaño, Arien Chang Castán, Hernán Díaz, Miquel Frontera Serra, Flor Garduño, Jan Grarup, Lucana, Pierrot Men, Bill Perlmutter, Sebastião Salgado, Alfredo Sarabia, Marcos Zimmermann et al. Cover (Detail) © Flor Garduño © Raúl Canibaño © Sá Bauer Hans-Michael Koetzle (Hrsg. / Ed.) – Sehnsucht Schlüsselwerke aus der Sammlung Michael Horbach 33 © Christina Garcia Rodero 34 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography 35 Zum 250. Jubiläum des berühmten Wiener Vergnügungsparks To the 250th anniversery of the renowned amusement park in Vienna Frank Robert Endstation Sehnsucht. Der Wiener Prater Text von / by Andrea Roedig Gestaltet von / Designed by Kehrer Design (Loreen Lampe), Frank Robert Festeinband / Hardcover 28 x 24 cm 128 Seiten / pages 77 Farbabb. / color ills. DEUTSCH / ENGLISCH ISBN 978-3-86828-753-0 Euro 39,90 Lieferbar, noch nicht angekündigt / Available, previously unannounced 9 783868 287530 36 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography Der Wurstelprater in Wien gilt als einer der ältesten Vergnügungsparks der Welt und feierte 2016 sein 250. Jubiläum. Der Fotograf Frank Robert zeigt in seiner Publikation Endstation Sehnsucht. Der Wiener Prater die vielzähligen Buden und Fahrgeschäfte des Praters als einen sozialen Ort, an dem sich die Besucher in eine Reise durch eine künstliche Welt begeben. Der Prater funktioniert dabei wie eine große Bühne: Die Sonne, das Spiel von Licht und Schatten, wirken wie Spotlights, die für den Fotografen bei jedem Besuch neue Details freilegen. Immer wieder sticht auch beim selben Motiv etwas anderes hervor. »Die Praterparzellen sind wie organische Zellen, sie verändern und verschieben sich ständig«, sagt Robert. Und so gibt es in den 77 Aufnahmen auch einiges zu entdecken: Ein Sammelsurium aus exotischen Plastiktieren, verlassenen Fahrgeschäften und bunten Monstern wird von den Besuchern im Sommer wie im Winter erkundet und zeigt den Prater als einen Vergnügungspark, der gerade nicht durch modernen Hightech definiert ist. Er hat sich seine Einzigartigkeit vor allem dadurch bewahrt, dass hier viele Attraktionen und Buden einfach länger stehen bleiben dürfen als anderswo. Aber das ist nur eine der Erklärungen für die besondere Atmosphäre des Wiener Praters! The Wurstelprater in Vienna is regarded as one of the world’s oldest amusement parks and celebrated its 250th anniversary in 2016. In his publication Endstation Sehnsucht. Der Wiener Prater, photographer Frank Robert shows the Prater’s numerous booths and rides as a social place where visitors set off on a journey into an artificial world. In this context, the Prater operates like a big stage: The sun, the play of light and shade, have the effect of spotlights which, as the photographer sees it, reveal new details on every visit. Even when the motif stays the same, something different about it emerges again and again. »The lots at the Prater are like organic cells, they constantly change and shift,« says Robert. And so there are a number of discoveries to made in the 77 shots: a hodgepodge of exotic plastic animals, abandoned rides, and colorful monsters is explored by visitors in summer and winter alike, and shows the Prater as an amusement park that is not exactly defined by modern hi-tech. One of the main elements that have preserved its uniqueness is the fact that many attractions and booths are simply permitted to remain standing for longer here than elsewhere. But that is just one of many explanations for the special ambience at the Vienna Prater! 37 Wahrnehmung von Bildern aus der Sicht der Kunst und der Wissenschaft Perception of pictures from the perspective of art as well as the science Die eine Ansicht Günther Kebeck | Thomas Wrede Fotografische Bilder und ihre Wahrnehmung Herausgegeben von / Edited by Günther Kebeck, Thomas Wrede Fotografien von / Photographs by Thomas Wrede Text von / by Günther Kebeck Gestaltet von / Designed by Sylvia Handschuh Festeinband / Hardcover ca. 17 x 23 cm ca. 104 Seiten / pages ca. 23 Farbabb. / color ills. DEUTSCH ISBN 978-3-86828-776-9 ca. Euro 30,00 März / March 2017 9 783868 287769 Ausstellung / Exhibition Thomas Wrede. Modell Landschaft Museum Sinclair-Haus, Altana-Stiftung, Bad Homburg, 12.03. – 05.06.2017 38 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography Günther Kebeck / Thomas Wrede Die eine Ansicht Fotografische Bilder und ihre Wahrnehmung Fotografische Bilder haben ihren Ausgangspunkt in der Perspektive der Kamera: »der einen Ansicht«. Der Fotograf wählt Ausschnitt und Perspektive, es entsteht eine eigene Realität. Die vorliegende Publikation ist künstlerisches Fotobuch und wissenschaftliches Studienbuch zugleich, bei dem der Betrachter wie auch der Leser gefordert wird. Die Domestic Landscapes von Thomas Wrede sind in Privatwohnungen entstanden. Ablichtungen von Fototapeten – Interieurs, die gleichzeitig Landschaftsbilder sind, komplexe »Bild im Bild« Situationen. Der Text von Günther Kebeck verspricht keine Interpretation der Bilder. Er vermittelt die naturwissenschaftlichen Grundlagen ihrer Betrachtung: Natürlichkeit und Künstlichkeit, Illusion und Wirklichkeit, Ambivalenz und Ambiguität, Innenwelt und Außenwelt – sind einige der Stichworte. Die eine Ansicht richtet sich nicht nur an Künstler und Fotografen, sondern an alle, die an Fragen der Bildwahrnehmung interessiert sind. Photographic images have their origin in the camera’s perspective: »the one view.« The photographer selects detail and perspective, thus creating a distinct reality. The present publication is both an artistic photobook and scientific textbook, which challenges both the viewer and the reader. Thomas Wrede’s Domestic Landscapes were created in private living spaces. Images of photo wallpaper – interiors, which are simultaneously landscape images; complex situations of »pictures within pictures.« The text by Günther Kebeck does not provide any interpretation of the images. Instead, he postulates a scientific basis of their contemplation: naturalness and artificiality, illusion and reality, ambivalence and ambiguity, interior and exterior are several of the keywords. Die eine Ansicht (The One View) is directed not only at artists and photographers, but rather at all those interested in questions related to the perception of pictures. 39 TAMARA JANES Eine humorvolle Auseinandersetzung mit dem Konzept der Traumdeutung A humorous analysis of the methods of dream interpretation Halbschlaf Dackel: Der Eigensinn kommt der Lebensfreude zuvor. Verletzung: Sozialer Aufstieg verdrängt den seelischen Schmerz. Tamara Janes Halbschlaf Texte von / Texts by Lorenzo Bonati, Tamara Janes, Jörg Scheller Ventilator: Aberglaube sperrt den Weg zur Veränderung. Gestaltet von / Designed by Krispin Heé, Katharina Reidy Festeinband / Hardcover 11 x 17 cm 304 Seiten / pages ca. 180 Farbabb. / color ills. DEUTSCH ISBN 978-3-86828-786-8 ca. Euro 25,00 40 www.kehrerverlag.com Juli / July 2017 9 783868 287868 Coca-Cola: Frohe Stunden an der Front kündigen Friede und Freundschaft an. Fotografie / Photography Das Wort »Traum« bedeutet in seinem ursprünglichen Sprachbegriff »Trugbild«. Doch diese Bezeichnung greift zu kurz. Träumen ist ein seelischer Vorgang des Halbschlafs. Je nach kulturellem und religiösem Hintergrund gibt es sehr unterschiedliche und oft auch widersprüchliche Interpretationen und Deutungen von Träumen. Tamara Janes hat ein fiktives Traumdeutungsbuch konzipiert, mit dem sie sich kritisch mit der beobachteten Vielfalt und Beliebigkeit auseinandersetzt. Von ihrem eigenen Bildarchiv ausgehend, nutzt sie die assoziative Methode des Textsamplings. Hierbei setzt sie Aussagen aus Traumdeutungen unterschiedlicher Quellen zusammen und kreiert damit humorvolle, schräge und bizarre Neuschöpfungen. Die Schlagworte findet Sie unter anderem auf den Webseiten »deutung.de«, »traumdeutung.ch« und »symbolonline.de«. Durch die fiktive Interpretation wird die Verfahrensweise der Traumanalyse ad absurdum geführt. Tamara Janes (* 1980) lebt und arbeitet in Bern. Nachdem sie in Zürich und New York Fotografie studierte, absolviert sie ihr Masterstudium an der Hochschule für Gestaltung und Kunst in Basel. The word »dream« originally designated a »deception«. Yet this description falls short. Dreaming is a mental process of half-sleep. Depending on cultural and religious background, there are very different and often contradictory understandings and interpretations of dreams. Tamara Janes has conceived a fictive book on dream interpretation, with which she critically examines this diversity and randomness. Starting with her own photographic archive, she makes use of the associative method of text sampling, with which she combines statements from dream interpretations from various sources and uses these to create humorous, quirky, and bizarre neologisms. She finds the catchwords on the websites »deutung.de«, »traumdeutung.ch«, and »symbolonline. de«. Through this fictive interpretation, the methods of dream analysis are taken ad absurdum. Tamara Janes (b. 1980) lives and works in Bern, Switzerland. Following her undergraduate studies of photography in Zurich and New York, she completed her Masters at the University of Art and Design in Basel. 41 Die Fotoserie, die in der Asservatenkammer des Bundesamtes für Naturschutz entstand, erinnert an die Bedeutung der Artenvielfalt This photographic series, which was taken in the evidence room of the German Federal Agency for Nature Conversation, seeks to remind us how important biodiversity is Oliver Mark Natura Morta Texte von / Texts by Lorenz Becker, Philipp Demandt, Aurelia Frick, Barbara Hendricks, Christian Koberl, Julia M. Nauhaus, Michael Schipper, Rainer Vollkommer Gestaltet von / Designed by Saskia Franz / SCHIPPER COMPANY GmbH, Hamburg Festeinband / Hardcover 30,4 x 37,5 cm 136 Seiten / pages 57 Farbabb. / color ills. DEUTSCH / ENGLISCH ISBN 978-3-86828-759-2 Euro 48,00 Lieferbar, noch nicht angekündigt / Available, previously unannounced 9 783868 287592 42 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography »Bei seinen Fotografien steht die Natur im Vordergrund, die nun aber durch den Menschen vernichtet worden ist, um ihn zu schmücken und hervorzuheben. Der Mensch ist nicht Opfer der Vergänglichkeit, er ist Täter.« (Rainer Vollkommer, Direktor des National Museums Liechtenstein) Natura Morta ist eine Fotoserie des 1963 geborenen Fotografen Oliver Mark. Entstanden in der Asservatenkammer des Bundesamtes für Naturschutz in Bonn von 2015 bis 2016, zeigt sie Produkte, die an der Grenze bei Einreisenden gefunden und beschlagnahmt wurden. Es handelt sich dabei um geschützte Tier- und Pflanzenteile, etwa Kleidung aus Schlangenleder oder Erzeugnisse aus Horn oder Elfenbein. Oliver Marks Ambition besteht darin, diese Gegenstände auf eine Weise darzustellen, die beim Betrachter die Kostbarkeit der exotischen Mitbringsel in den Fokus setzt, ihn aber nach und nach zum Nachdenken anregen soll. Der Bildband enthält Kommentare von namenhaften Autoren wie Barbara Hendricks, Rainer Vollkommer und Philipp Demandt, die das Thema der Artenvielfalt und ihrer Bedrohung in der heutigen Zeit aufgreifen und betonen. Ziel des Projekts ist es, Menschen aufzurütteln und zu zeigen, dass Artenvielfalt lebenserhaltend für unsere Spezies ist. »Nature features in the foreground of his photos, but has now been destroyed by man, in order to adorn and accentuate him. Man is not the victim of transience, he is the perpetrator.« (Rainer Vollkommer, Director of the Liechtenstein National Museum) Natura Morta is a photographic series by the photographer Oliver Mark, who was born in 1963. Taken in the evidence room of the German Federal Agency for Nature Conservation in Bonn in 2015 to 2016, it shows products that have been found on incoming travelers at the border and confiscated. These are components of protected animals and plants, snakeskin clothing, for instance, or items made out of horn or ivory. Oliver Mark’s ambition is to present these objects in a manner that focuses the beholder’s attention on the preciousness of the exotic souvenir but, little by little, prompts him to reflect. The photobook contains commentaries by renowned authors such as Barbara Hendricks, Rainer Vollkommer, and Philipp Demandt, who take up and underline the theme of biodiversity and the threats that it faces today. The project’s aim is to stir people’s consciousness and demonstrate that biodiversity is life-sustaining for our species. 43 Fotografische Hommage an eine der meistbeachteten Blumenenzyklopädien des 19. Jahrhunderts Photographic homage to one of the most well regarded flower encyclopedias of the 19th century K ENJI TOM A The Most Beautiful Flowers Kenji Toma The Most Beautiful Flowers Diese Fotoserie ist eine Hommage an die botanischen Illustrationen in Choix Des Plus Belles Fleurs1 von Pierre-Joseph Redouté, eine der meistbeachteten Blumenenzyklopädien des 19. Jahrhunderts. Vor der Erfindung der Farbfotografie wurden Zeichnungen und Stiche dieser Blumenbilder in der Absicht koloriert, dem natürlichen Aussehen des botanischen Modells möglichst nahezukommen. Kenji Toma hingegen ist eher am gegenteiligen Effekt interessiert und setzt das Medium Fotografie, das seiner Natur nach realistisch abbilden kann, gezielt ein, um sein Sujet zu verfremden und künstlich erscheinen zu lassen. Das Ergebnis ist eine moderne und spannende Neuinszenierung des Konzepts eines botanischen Nachschlagewerks. Der vielfach ausgezeichnete Fotograf Kenji Toma (* in Niigata, Japan) hat seine Karriere in Tokio begonnen und lebt und arbeitet seit 1990 in New York. Er gilt heute als einer der führenden kommerziellen Still-Life-Fotografen, dessen geheimnisvoller Stil und detailverliebte Sichtweise unverwechselbar sind. Daneben arbeitet er an eigenen Projekten wie The Most Beautiful Flowers. Texte von / Texts by N.N. Gestaltet von / Designed by Kehrer Design Festeinband / Hardcover ca. 24 x 31 cm ca. 160 Seiten / pages ca. 70 Farbabb. / color ills. ENGLISCH ISBN 978-3-86828-789-9 ca. Euro 45,00 Juli / July 2017 This photo series is Kenji Toma’s homage to the botanical illustrations in Choix Des Plus Belles Fleurs1 by Pierre-Joseph Redouté, one of the most well regarded flower encyclopedias of the 19th century. Back when color photography did not exist, these images were illustrated with the purpose of replicating the botanic subject as close to reality as possible. Kenji Toma is more interested in doing the exact opposite with the photographic medium which, realistic by nature, can also be used to make a subject look unreal, artificial. The result is a highly contemporary and fascinating revival of the concept of the botanical encyclopedia. Kenji Toma (b. in Niigata, Japan) is an award-winning photographer living in New York. After establishing his photography career in Tokyo, Toma arrived in New York in 1990. Since then, he has been recognized as one of the leading commercial still-life photographers with his unique mysterious style and detail-oriented vision. Concurrently, he is working on personal projects and The Most Beautiful Flowers is his most representative work. 9 783868 287899 1 Choix Des Plus Belles Fleurs: et des plus beaux fruits, 1833, France, by Pierre-Joseph Redouté (1759 – 1840) 44 Fotografie / Photography 45 Christian Mader Christian Mader untersucht die europäische Wahrnehmung der ostasiatischen Alltagswelt in Japan Christian Mader studies the European perception of the east Asian day-to-day world in Japan The Missing Link Christian Mader The Missing Link Text von / by Hansjörg Fröhlich Gestaltet von / Designed by Kehrer Design Festeinband / Hardcover ca. 24 x 30 cm ca. 144 Seiten / pages ca. 90 Farbabb. / color ills. DEUTSCH / ENGLISCH ISBN 978-3-86828-770-7 ca. Euro 39,90 April 2017 9 783868 287707 46 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography Die Fotografien des Stuttgarter Fotografen Christian Mader erzählen von der Unergründlichkeit einer Gesellschaft, die Europäern weitgehend fremd bleibt. Uns fehlt eine offenkundige Verknüpfung zwischen der sichtbaren und der imaginären Welt, der Missing Link. Die Japaner auf den Fotografien wirken wie hineingestellt, in eine Welt, die sie eher hinnehmen als gestalten. Viele Ostasiaten leben ihr Leben in dem Bewusstsein, dass es einen freien Willen westlichen Zuschnitts letztlich nicht gibt, da ein zielgerichtetes Handeln im realen Leben keinen Einfluss auf den immer unwägbaren Gesamtkosmos hätte. Maders Arbeiten sind keinesfalls Reportagen, jedoch sind seine Sujets auch nicht inszeniert. Er arrangiert oder drapiert nicht. Obwohl die Fotografien realsituativen Alltag zeigen, trauen wir dieser Alltäglichkeit nicht. Wir können die Narrative, die in diesen Situationen stecken, nicht weitererzählen, da unsere westlichen Konzepte und Routinen des intuitiven Erkennens und Deutens in diesem östlichen Land nicht greifen. Genau hierin gründet die Faszination von Maders Fotografien. The works of the Stuttgart-based photographer reveal the inscrutability of a society that remains largely foreign to us as Europeans. We lack a clear connection between the visible and the imaginary worlds – the missing link. The Japanese people in the photographs appear as though they have been inserted into a world that they endure more than they shape. Many Eastern Asians live their lives conscious of the fact that there is ultimately no such thing as free will as this is defined in the West, since, in real life, goal-orientated action has no influence on the eternally imponderable cosmos as a whole. Mader’s works are by no means reportage, whereby his images are not staged. He neither composes nor adorns. Although the photographs depict real situations from everyday life, we do not trust their prosaicness. We are incapable of retelling the narratives that lie within these situations, since our Western concepts and routines of intuitive cognition and interpretation do not apply in this Eastern country. Precisely herein lies the fascination of Mader’s photographs. 47 »Meine Fotografien der unsichtbaren Welt bilden einen Bildteppich humanistischer Geografie, der mit bloßem Auge besser sichtbar ist, als ich erwartet hätte.« »My photographs of the invisible world contain messages which form a tapestry of humanistic geography more visible to the naked eye than I expected.« Julia Calfee Messages From Another World Text von / by Julia Calfee Gestaltet von / Designed by Pentagram Design Berlin Festeinband mit Schutzumschlag / Hardcover with dust jacket 30 x 24 cm 112 Seiten / pages 44 Duplexabb. / duotone ills. ENGLISCH ISBN 978-3-86828-762-2 Euro 39,90 Januar / January 2017 9 783868 287622 48 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography Messages From Another World zeigt sechs verschiedene Länder in Asien und Europa, die Calfee nicht nur bereist hat; sie lebte monate- oder gar jahrelang dort, um außergewöhnliche Menschen mit Verbindungen zu außergewöhnlichen Energien zu suchen und zu finden. In vielen Fällen wurden diese Menschen ihre Freunde und erlaubten ihr, auch unter sehr intimen Umständen ungehindert zu fotografieren. Indem sie sich mit dem einfachen Werkzeug der analogen Schwarz-Weißfotografie auf ihre künstlerische Suche begibt, produziert sie ungewöhnliche humanistische Bilder, die den Betrachter dazu bringen, über diese Momente einer anderen Welt nachzudenken. Calfee zeigt, dass an unterschiedlichen Orten ein vergleichbares kulturelles Erbe existiert, heute ebenso wie vor Hunderten von Jahren, und dass es außerdem auf eine Art und Weise verehrt wird, die sich durch bloße geografische Koordinaten nicht hinreichend erklären lässt. DIe Künstlerin Julia Calfee nutzt Fotografie, Video, Tonaufnahmen und Texte als Medien. Sie lebt und arbeitet in Europa und Asien. Zu ihren Büchern gehören A Glacier’s Requiem (Kehrer 2016), Inside: The Chelsea Hotel (2008), Spirits and Ghosts (2003) und Photogeneses /Têtes (1995). Messages From Another World covers six different countries in Asia and Europe to which Calfee did not just travel, but where she actually lived for many months or even years, searching and finding special people connected to special energies. In many cases these people became her friends and permitted her to photograph freely in very intimate circumstances. Pursuing her quest as an artist with the simple tool of black and white analogue photography, she produces unusual humanistic images which lead the reader to reflect on these other worldly moments. Calfee demonstrates that comparable cultural legacies not only prevail today as they did hundreds of years ago but are revered in ways that go beyond the explanation of geographical locations. Julia Calfee, an artist whose media are photography, video, audio recordings, and writings, lives and works in Europe and Asia. Her books include A Glacier’s Requiem (Kehrer 2016), Inside: The Chelsea Hotel (2008), Spirits and Ghosts (2003), and Photogeneses / Têtes (1995). 49 50 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography 51 Atemberaubende Bilder von der rauen Schönheit im Atlantik Breath-taking images of the rough beauty in the Atlantic Ocean Ulrike Crespo Iceland Texte von / Texts by Halldór Guðmundsson, Matthias Wagner K Gestaltet von / Designed by Harald Pridgar Festeinband / Hardcover 24 x 30,5 cm ca. 240 Seiten / pages ca. 100 Farbabb. / color ills. DEUTSCH / ENGLISCH ISBN 978-3-86828-777-6 ca. Euro 48,00 März / March 2017 9 783868 287776 52 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography Mit ihrer Serie Iceland nimmt sich Ulrike Crespo einer außergewöhnlichen Landschaft an, die schon seit dem 19. Jahrhundert unzählige Reise- und Kunstfotografen inspiriert hat. Und doch gelingen ihr Bilder, die den atemberaubenden Farben- und Formenreichtum dieser wilden Insel auf ganz neue Weise, häufig in beinahe abstrakten Details zeigen: türkisblaue Eisberge, schwarzer Vulkansand, weiß schäumende Wasserfälle, grün bemooste Felsen, schwefelgelbe Geröllwüsten. Seit den 1990er-Jahren setzt sich Ulrike Crespo intensiv mit Fotografie auseinander. 2011 erschien ihr erster Fotoband Twilight mit Bildern, die von der Dämmerung erzählen, im Kehrer Verlag. Es folgten weitere Bücher, darunter das Blumenbildern gewidmete Ephemere (2012), die mit Infrarotfotografie verfremdeten Landschaftsbilder in Cold Landscape (2013), und schließlich wogende Wälder aus Algen und Tang in Unter der Haut des Wassers (2015). Ulrike Crespos Fotografien wurden in Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt. Sie lebt und arbeitet in Frankfurt / Main, Wien und West Cork, Irland. With her Iceland series, Ulrike Crespo takes on an extraordinary landscape, which has inspired countless travel and art photographers since the 19th century. And yet she succeeds in producing images that depict the breath-taking wealth of colors and forms of this wild island in a completely new way, often in nearly abstract details: turquoise-blue icebergs, black volcanic sand, white foaming waterfalls, mossy green boulders, and sulphur-yellow gravel deserts. Ulrike Crespo has been preoccupied with photography since the 1990s. Her first photobook, Twilight, telling about the zone between light and darkness, was published by Kehrer in 2011. Further books followed, including Ephemere (2012), featuring images of flowers, Cold Landscape (2013), dedicated to distorted landscape images shot with infrared photography, and finally Unter der Haut des Wassers (2015), which focuses on an underwater world with undulating forests of seaweed and kelp. Ulrike Crespo’s photographs have been presented in numerous solo and group exhibitions. She lives and works in Frankfurt / Main, Vienna, and West Cork, Ireland. 53 Joachim Richaus Aufnahmen oszillieren an der Grenze zwischen Figuration und Abstraktion und entfalten eine malerische Wirkung Richau’s photos oscillate between figuration and abstraction and are characterised by a painterly effect Joachim Richau FRAGMENT oder die Gegenwart des Zweifels Joachim Richau FRAGMENT oder die Gegenwart des Zweifels Texte von / Texts by Peter Kruska, Christiane Stahl Gestaltet von / Designed by Michael de Maizière Festeinband / Hardcover ca. 24 x 30 cm ca. 80 Seiten / pages ca. 50 Farb- und S / W-Abb. / color and b/w ills. DEUTSCH / ENGLISCH ISBN 978-3-86828-780-6 ca. Euro 35,00 Juni / June 2017 9 783868 287806 From the series STENBROTT I – 2010 Ausstellungen / Exhibitions Stadtgalerie Kiel 10.06. – 03.09.2017 Alfred Ehrhardt Stiftung, Berlin 16.09. – 23.12.2017 Kunstmuseum Dieselkraftwerk, Cottbus 02.12.2017 – 28.01.2018 54 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography Unmittelbar nach dem Fall der Mauer im Herbst 1989 begann Joachim Richau seine regelmäßigen Arbeitsaufenthalte in Skandinavien. Nachdem er sich ab Mitte der 1990er-Jahre verstärkt mit dem landschaftlichen Raum und seiner Struktur auseinander gesetzt hatte, realisierte er seine fotografischen Serien und Einzelbilder ab Anfang der 2000er-Jahre nur noch dort. Mehr als zehn Jahre lang hatte Richau in Dalarna / Schweden ein Atelier im Waldhaus von Freunden, weit entfernt von bewohnter Gegend, wohin er sich jedes Jahr zu mehrmonatigen Aufenthalten zurückzog – vornehmlich auch im Winter. Zum Werkkomplex FRAGMENT oder die Gegenwart des Zweifels gehören auch Aufnahmen, für die der Fotograf immer wieder den gleichen Steinbruch aufsuchte. Bestimmend in diesen Bildkompositionen der jüngsten Schaffensphase ist die Dualität zwischen einer annähernd opaken Oberfläche einer mehrschichtigen Schneedecke und dem darunter liegenden rotbraunem Gestein. Dabei ist das Ziel nicht die Dokumentation konkreter Orte. Vielmehr erreichen die zum Teil extremen Nahaufnahmen von Eisoberflächen oder Steinwänden eine Abstraktion, die das jeweilige Bildsujet jeglichem zeitlichen und räumlichen Kontext entheben. Joachim Richau (* 1952) präsentierte seine mehrfach ausgezeichneten Arbeiten in mehreren Künstlerbüchern und zahlreichen Ausstellungen im In- und Ausland. Immediately following the fall of the Berlin Wall in the autumn of 1989, Joachim Richau began making regular work stays in Scandinavia. After, in the mid-1990s, he increasingly delved into the landscape and its inherent structure, from 2000 onwards he focused exclusively on this theme for his photographic series and individual images. For more than ten years, Richau had access to a studio in the forest house of friends in Dalarna / Sweden, but nevertheless far away from human inhabitation, to where he retreated for several months each year – also in winter. Included in the group of works titled FRAGMENT oder die Gegenwart des Zweifels (FRAGMENT or the Presence of Doubt) are photos for which the artist repeatedly visited the same stone quarry. Of central importance to these most recent works is the duality between the nearly opaque surface of a multi-layered blanket of snow and the underlying red-brown rock. Nevertheless, the goal here is not the documentation of concrete locations. Instead, the extreme close-ups of ice surfaces or walls of stone reach a level of abstraction which remove the respective motif from any temporal and spatial context. 55 GRE Y CR AWFORD FINDING BONES In Grey Crawfords Werk verschmelzen Liebe zur Architektur, abstrakte Malerei und Fotografie Grey Crawford’s works blend a love of architecture, abstract painting, and photography Grey Crawford Finding Bones Herausgegeben von / Edited by Timothy Persons Texte von / Texts by Lyle Lexar, Timothy Persons Gestaltet von / Designed by Asia Zak Persons Festeinband / Hardcover ca. 34 x 28 cm ca. 72 Seiten / pages ca. 30 Duplexabb. / duotone ills. Das Buch Finding Bones stellt eine kürzlich wiederentdeckte Werkgruppe von Grey Crawford vor. Diese Fotoanthologie verkörpert den kreativen Geist, der seinerzeit in der Kunstszene von Los Angeles vorherrschte. Südkalifornien war in den frühen 1970er-Jahren eine selbsterschaffene Insel. Eine Mischung aus Wellen und Meer, in der BetonHighways ein kulturelles Klima umkurvten, das unsere Annahmen über das, was Kunst ist, infrage stellte. Crawford wählt seine Hintergründe mit einem Gespür für Strenge aus, als Mittel zur Präsentation jener scharfkantigen Formen, die er als Bausteine seiner eigenen Sprache verwendet. Die dreißig Fotografien sind Vintage-Silbergelatineabzüge, die in der Dunkelkammer von Hand mit Crawfords Maskiertechnik bearbeitet wurden, um eine neue Synthese von Bildlichkeit und Abstraktion zu erschaffen. (Aus dem Vorwort von Timothy Persons) ENGLISCH ISBN 978-3-86828-779-0 ca. Euro 39,90 April 2017 9 783868 287790 Ausstellung / Exhibition Gallery Taik Persons, Berlin 28.04. – 01.05.2017 56 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography Finding Bones is a book introducing a newly rediscovered body of work by Grey Crawford. It’s an anthology of photographs that embody the creative spirit that was prevalent throughout the Los Angeles art scene at the time. Southern California in the early 1970’s was an island of its own creation. A mixture of surf and sea, concrete highways winding around an ever-changing cultural climate that was challenging our assumptions of what art is. Crawford chooses his selected backgrounds with a sense of austerity as a means for introducing these hard edge shapes and using them as the building blocks for his own language. The thirty photographs are silver vintage prints, using Crawford’s hand masking technique in the darkroom to create a new synthesis of imagery and the abstract. (From the forword by Timothy Persons) 57 Peter Braunholz Fotografische Wirklichkeiten Text von / by Gérard A. Goodrow Gestaltet von / Designed by Kehrer Design Festeinband / Hardcover ca. 30 x 24 cm ca. 144 Seiten / pages ca. 100 Farb- und S / W-Abb. / color and b/w ills. DEUTSCH / ENGLISCH ISBN 978-3-86828-768-4 Euro 39,90 April 2017 9 783868 287684 Ausstellungen / Exhibitions Galerie Anja Knoess, Köln / Cologne 10.12.2016 – 28.01.2017 Format Photography Festival, Derby 24.03. – 23.04.2017 Circulations Festival, Paris März / March – Juni / June 2017 Krakow Photomonth, Krakau / Krakow Mai / May – Juni / June, 2017 Braunholz macht Ebenen der Wirklichkeit sichtbar, die mit bloßem Auge nicht wahrnehmbar sind Braunholz visualizes layers of reality, which are unvisual for the naked eye Photomed 2017, Sanary-sur-Mer Mai / May – Juni / June, 2017 Copenhagen Photo Festival, Kopenhagen / Copenhagen, 01.06. – 11.06.2017 Kunst 17 Zurich 22nd International Contemporary Art Fair, Zürich / Zurich Oktober / October 2017 Athens Photo Festival, Athens Juni / June – Juli / July 2017 58 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography Peter Braunholz Fotografische Wirklichkeiten Peter Braunholz ist ein Reisender in die vielfältigen Ebenen der Wirklichkeit, die wir mit bloßem Auge nicht wahrnehmen können. Von dort liefert er faszinierend-irritierende Bilder und setzt uns als Betrachter auf die Spur von Schein und Sein, Realität und Illusion. Was auf den ersten Blick inszeniert oder manipuliert scheint, ist bei Braunholz reine Fotografie: er ist den Irritationen auf der Spur, die die Wirklichkeit selbst ausbrütet. Dabei geht es ihm weniger um das »Was«, sondern vor allem um das »Wie« – die kontinuierliche Weiterentwicklung eines fotografischen Blicks, der in das Wesen von Objekten und Räumen eindringt und ihre geheimen Zusammenhänge und Verbindungen enthüllt. Peter Braunholz (* 1963) studierte Musik in Los Angeles sowie Germanistik und Film in Frankfurt/Main. Er arbeitete als Musiker, Autor, Gestalter und Fotograf, bevor er sich 1999 der Fotokunst zuwandte. Von 2010 bis 2014 war er Mitglied des Kuratoriums und der Jury des Abisag-Tüllmann-Preises, 2013 Stipendiat des Huantie Museums in Peking. Seine Arbeiten wurden mehrfach international ausgezeichnet, werden weltweit gezeigt, unter anderem im Arsenale di Venezia und im Musée du Louvre, und befinden sich in renommierten Sammlungen. Peter Braunholz explores the manifold layers of reality which are not perceptible to the naked eye. From this standpoint, he creates fascinating and yet irritating images and provides us as viewers with traces of appearance and reality, truth and illusion. What at first glance appears to be staged or manipulated is pure photography: Braunholz searches for moments of irritation, born of reality itself. He is less interested in the »what« than he is in the »how« – the continuous development of a photographic perspective, which penetrates into the very essence of objects and spaces and reveals their secret relationships and connections. Peter Braunholz (b. 1963) studied Music in Los Angeles, as well as German Philology and Film in Frankfurt/Main. He worked as a musician, author, designer, and commercial photographer before turning to photo art in 1999. From 2010 to 2014, he was a member of the advisory board and jury of the Abisag Tüllmann Award and, in 2013 a grantee of the Huantie Museum in Beijing. His works have received numerous international awards. They have been exhibited worldwide in, among others, the Arsenale di Venezia and the Musée du Louvre, and are included in various renowned collections. 59 Gregor Sailer, Magyar Tégla 06, 2012 INSIGHTS Erstmalige Veröffentlichung einer Sammlung international renommierter Fotografen Martin Kollar, Ukraine, 2016 First publication of a collection of internationally well-known photographers Wienerberger Contemporary Photography Collection Charles Fréger, Novosedly 07, 2013 Charles Fréger, Narvik Tegelen 25, 2014 Insights – Wienerberger Contemporary Photography Collection Herausgegeben von / Edited by Wienerberger AG Texte von / Texts by Valerie Loudon, Moritz Stipsicz Gestaltet von / Designed by Kehrer Design Hubert Blanz, Industrial Scan - Rhizom 01, 2013 Festeinband mit Schutzumschlag / Hardcover with dust jacket ca. 22 x 28 cm ca. 110 Seiten / pages ca. 84 Farbabb. / color ills. ISBN 978-3-86828-772-1 ca. Euro 45,00 Mai / May 2017 9 783868 287721 60 DEUTSCH / ENGLISCH www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography Mit Insights – Wienerberger Contemporary Photography Collection hat die Wienerberger AG – weltweit führender Anbieter von Baustoff- und Infrastrukturlösungen mit Hauptsitz in Wien – 2012 ein einzigartiges Kunstprojekt ins Leben gerufen. Jedes Jahr werden herausragende, junge europäische Fotografen/-innen beauftragt, sich mit der Wienerberger Gruppe und ihrem Umfeld zu beschäftigen. Anders als bei herkömmlichen Unternehmenssammlungen, die sich zumeist aus Ankäufen zusammensetzen, stehen bei dieser Sammlung die Entstehung neuer Arbeiten sowie die Auseinandersetzung mit der industriellen Tätigkeit und deren Auswirkung auf die Gesellschaft im Vordergrund. Bis heute sind weit über 100 Werke von 13 Künstlern/-innen in 20 Ländern entstanden. Insights – The Wienerberger Contemporary Photography Collection is a unique art project initiated in 2012 by the Vienna-based Wienerberger AG, a global provider of building materials and infrastructure solutions. Each year, exceptional young European photographers are commissioned to make creative statements about the Wienerberger Group and its work environment. Unlike conventional corporate collections, which are generally comprised of acquisitions, the focus here is on the processes behind the creation of new works, as well as the artists’ perspectives on industrial activity and its effects on society. Since its inception, far more than one hundred works by thirteen artists have been created in twenty countries. Beteiligte Fotografen / Contributing photographers Hubert Blanz (D), Charles Fréger (F), Miklos Gaál (Fin), Martin Kollar (Svk), Markus Krottendorfer (A), Gábor Arion Kudász (Hu), Claudia Larcher (A), Janne Lehtinen (Fin), Ana Opalić (Hr), Andrew Phelps (US), Peter Puklus (Hu), Friederike von Rauch (D), Gregor Sailer (A) 61 Die Gewinnerin des Nordic Dummy Award porträtiert die alltägliche Sehnsucht nach Normalität und Zwischenmenschlichkeit in einem Krisengebiet The winner of the Nordic Dummy Award presents the everyday need for normality and relationships in a conflict area Katarina Skjønsberg Be Good To Yourself Herausgegeben von / Edited by Katarina Skjønsberg, Stephanie von Spreter Text von / by Katarina Skjønsberg Gestaltet von / Designed by Kehrer Design, Katarina Skjønsberg Festeinband / Hardcover ca. 20 x 24 cm ca. 200 Seiten / pages ca. 150 Farbabb. / color ills. ENGLISCH ISBN 978-3-86828-775-2 ca. Euro 39,90 Juni / June 2017 9 783868 287752 62 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography Be Good To Yourself ist das Ergebnis von Katarina Skjønsbergs Aufenthalt im Westjordanland. Während sie aktiv am Leben der Einheimischen teilnahm, fing Skjønsberg an, menschliche Begegnungen und ihre Umgebung zu fotografieren. Ziel dieses Buches ist es, unser angeborenes Bedürfnis nach Normalität, nach physischen Kontakten, nach Tanzen und Leben zu zeigen – selbst in extremen und komplexen Situationen. Be Good To Yourself reflektiert ständig darüber, wie man auf einen solchen Ort reagiert, wie man Zugang zu den Menschen findet, die man kennenlernt. Es hinterfragt Skjønsbergs Rolle als westliche junge Frau, Vermittlerin, Fotografin und Mitmensch, versetzt in Situationen und an Orte, die von ihrer heimischen Realität weit entfernt sind. Die Fotografien sind persönlich, intim und beziehungsorientiert, sie zeigen universelle Bedürfnisse und Träume, die menschliche Neigung zu Eskapismus und das Alltagsleben. Be Good To Yourself hat den Nordic Dummy Award 2016 gewonnen. Dieser Preis wird jährlich von Fotogalleriet, Oslo, vergeben; 2016 wurde er zusätzlich vom Norwegian Photographic Fund, The Freedom of Expression Foundation Oslo und dem Norwegian Arts Council unterstützt. Be Good To Yourself is the result of Katarina Skjønsberg’s residence in the West Bank. While actively participating in the local residents’ life, Skjønsberg started photographing human encounters and surroundings. The book aims to present our innate need for normality, physical contact, dancing and living – despite extreme and complex situations. Be Good To Yourself continuously reflects on how to respond to such a place, how to relate to the people met. It questions Skjønsberg’s role as a young Western woman, mediator, photographer, and fellow human placed in situations and places distant from her reality back home. The photographs are personal, intimate and relational presenting universal needs, dreams, human escapist nature, and everyday lives. Be Good To Yourself is the winning book of the Nordic Dummy Award 2016. The prize is awarded annually by Fotogalleriet, Oslo. The 2016 edition receives additional support by the Norwegian Photographic Fund, The Freedom of Expression Foundation Oslo, and the Norwegian Arts Council. 63 Nonkomformistische Aktionen im öffentlichen Raum, die fast beiläufig die Monotonie vertrauter Wahrnehmungsweisen stören Noncomformist actions in public spaces, which almost casually disturb the monotony of familiar modes of perception Herausgegeben von / Edited by C/O Berlin Texte von / Texts by Ann-Christin Bertrand, Svea Bräunert Gestaltet von / Designed by Naroska Design Festeinband mit Schweizer Bindung / Hardcover with Swiss binding 17 x 23 cm 92 Seiten / pages 65 Farbabb. / color ills. DEUTSCH / ENGLISCH ISBN 978-3-86828-708-0 Euro 24,90 Lieferbar, noch nicht angekündigt / Available, previously unannounced 9 783868 287080 Ausstellung / Exhibition C/O Berlin, 16.07. – 25.09.2016 64 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography C/O Berlin Talents 38 Sasha Kurmaz / Svea Bräunert Method Regeln aushebeln, Irritation erzeugen. Sichtbar machen, was im Alltag permanent untergeht. Völlig unerwartet. Right in the face! Die nonkonformistischen Aktionen von Sasha Kurmaz finden immer im öffentlichen Raum statt und unterbrechen fast beiläufig die Monotonie vertrauter Wahrnehmungsweisen. Die fotografischen Situationen und illegalen Interventionen des ukrainischen Künstlers sind der Sand im Getriebe. Sie hinterfragen Gewohnheiten und eröffnen neue kulturelle und soziale Freiräume. Seine Haltung ist Guerilla oder Punk – autonom, spielerisch, grenzverletzend, radikal. Fotografie ist für ihn nicht nur ein Instrument, um das Leben wiederzugeben und zu erklären, sondern um das transgressive Potenzial von Kunst auszuschöpfen und so das Verständnis von Gesellschaft zu verändern. Welche künstlerische Methoden wendet Sasha Kurmaz hierfür an? Welche Konstellationen erzeugt er? Und was lösen seine Strategien aus? Doing away with rules, causing irritations. Making everyday occurrences visible. Completely unexpected. Right in the face! The nonconformist actions of Sasha Kurmaz always take place in public spaces and almost casually break up the monotony of familiar modes of perception. The photographic situations and illegal interventions of the Ukrainian artist throw a spanner into the works. They question habits and open new cultural and social spaces. His attitude is guerrilla or punk – autonomous, playful, disruptive, radical. For him, photography is not just an instrument for echoing and explaining life, but rather for exhausting art’s potential and by doing so changing our understanding of society. Which artistic methods does Sasha Kurmaz apply to accomplish this? What kinds of constellations does he create? And what initiates his strategies? 65 Collagen, Skulpturen und Schatten sind Teil dieser Erkundungsreise zwischen Architektur und Fotografie Collages, sculptures and shadows are part of this course between architecture and photography Herausgegeben von / Edited by C/O Berlin Text von / by Ann-Christin Bertrand, Jule Schaffer Gestaltet von / Designed by Naroska Design Festeinband mit Schweizer Bindung / Hardcover with Swiss binding 17 x 23 cm 96 Seiten / pages 17 Farb- und 13 S / W-Abb. / 17 color and 13 b/w ills. DEUTSCH / ENGLISCH ISBN 978-3-86828-709-7 Euro 24,90 Lieferbar, noch nicht angekündigt / Available, previously unannounced 9 783868 287097 Ausstellung / Exhibition C/O Berlin, 30.09. – 04.12.2016 66 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography C/O Berlin Talents 39 Maja Wirkus / Jule Schaffer Praesens II Präsens Komplexe Schatten zeichnen Muster auf den Boden. Gebogenes Messing verstrahlt goldenen Glanz. Zartweiße Betonblöcke ruhen auf dunklen Holzsockeln. An der Wand dazwischen: fotografische Collagen. Die Formen und Materialien der Arbeiten von Maja Wirkus gehen weit über das hinaus, was gemeinhin unter Fotografie verstanden wird. Was zunächst rein skulptural anmutet, ist jedoch das Ergebnis einer vielschichtigen fotografischen Erkundungsreise, in deren Verlauf Maja Wirkus Architektur mittels Fotografie und Fotografie mittels Architektur erforscht. Wie nähert man sich einem Raum? Welche Eindrücke hinterlässt er? Wie kann die Vielfalt der Wahrnehmung abstrahiert, verdichtet, weitergegeben werden? Wie ein weiterer Erfahrungsraum produziert werden? Complex shadows create patterns on the floor. A sheet of curved brass casts a golden sheen. Delicate white concrete blocks rest on dark wooden pedestals. On the wall in between: photographic collages. The shapes and materials used in Maja Wirkus’s work extend far beyond what is conventionally understood as photography. What at first appears to be purely sculptural is in fact the result of a complex photographic investigation, in the course of which Wirkus explores architecture through photography, and photography through architecture. How does one approach a space? What impressions does a space make? How can individual perceptions be abstracted, compressed, and disseminated? How can one recreate the experience of a space? 67 68 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography 69 Kunstmuseum Liechtenstein, Bertrand Lavier – Ausstellungsansicht / Exhibition view Bertrand Lavier, Composition N°105, 1989, Acrylfarbe auf Verkehrsschild, Courtesy of the artist Bertrand Lavier, La Vénus d’Amiens, 2015, Courtesy of the artist Bertrand Lavier, La Bocca/Bosch, 2005, Sofa auf Kühlschrank, Kewenig Galerie, Berlin Bertrand Lavier, Intervoile, 1989, Acrylfarbe auf Segel, Sammlung Colette und Michel Poitevin Die Publikation präsentiert erstmals die gesamte Bandbreite des künstlerischen Schaffens und deckt Strukturen des stetig komplexer werdenden Œuvres auf This publication presents the whole spectrum of works for the first time and reveals structures of the ever more complex oeuvre Kunstmuseum Liechtenstein Bertrand Lavier Herausgegeben von / Edited by Friedemann Malsch Texte von / Texts by Bice Curiger, Fabian Flückiger, Lóránd Hegyi, Friedemann Malsch, Thorsten Schneider 70 www.kehrerverlag.com Festeinband / Hardcover 21,5 x 27,5 cm 180 Seiten / pages 103 Farbabb. / color ills. DEUTSCH ISBN 978-3-86828-764-6 Euro 39,90 Januar / January 2017 9 783868 287646 Kunstmuseum Liechtenstein, Bertrand Lavier – Ausstellungsansicht / Exhibition view Gestaltet von / Designed by Sylvia Fröhlich Ausstellung / Exhibition Kunstmuseum Liechtenstein 23.09.2016 – 22.01.2017 Kunst / Art Bertrand Lavier (* 1949) gehört seit den späten 1970er-Jahren zu den prägenden Figuren der französischen Kunstentwicklung. Im Spannungsfeld zwischen Hoch- und Populärkultur findet er den Gegenstand seiner Arbeit. Intelligent und originell, visuell attraktiv und zugleich mit sensiblem Witz präsentiert sich sein Werk. International bekannt wurde Lavier durch seine Bemalungen von Bildern und Objekten sowie durch die »Superpositions«, die durch das Aufeinanderstellen von Gegenständen aus der Warenwelt entstehen. Im Laufe der Jahre hat Lavier weitere Werkgruppen begonnen, die er kontinuierlich nebeneinander weiterentwickelt. Ein breites Spektrum verwendeter Materialien und Techniken steht dabei im Dienste einer fein austarierten Verschränkung der künstlerischen Gattungen: Malerei mit Fotografie, Malerei mit Objekt, Bildhauerei mit Objekt, Objekt mit Fotografie, Objekt mit Skulptur, Design mit Skulptur. Auch wenn häufig Bezüge zu wichtigen Werken der Kunstgeschichte existieren, so arbeitet Lavier im breiteren Feld einer visuellen und gedanklichen Kulturanthropologie. Sein Werk ist damit für die Kunstentwicklung der vergangenen 40 Jahre von besonderer Bedeutung und von hoher Aktualität. Die Publikation stellt Detailaufnahmen mit den die Ausstellung im Kunstmuseum Liechtenstein dokumentierenden Raumaufnahmen gegenüber und bereichert diese durch einen neuen Blickwinkel. Bertrand Lavier (b. 1949) counts among the most formative figures in the development of French art since the late 1970s. He finds the subject of his work in the dynamic context between high culture and pop culture. His oeuvre is intelligent and original, visually attractive and possessed of subtle wit. Lavier gained international fame with his paintings on pictures and objects and with his »Superpositions,« works created by setting objects from the world of commodities on top of each other. Over the years Lavier has begun a number of other groups of works, that he develops in parallel on an ongoing basis. He refers to these projects as »construction sites«, thus emphasizing their nature as works in progress. By deploying a wide range of materials and techniques, the aim is to achieve a finely balanced combination of various genres of art: painting with photography, painting with object, sculpture with object, object with photography, object with sculpture, design with sculpture. Despite frequent references to key works from the history of art, Lavier works in a broader field of visual and intellectual cultural anthropology. His work is hence of particular significance for the development of art over the past forty years and highly relevant. 71 ilk.erg.egg.volo ut sis subject 0017. Willy viscid yellow biscuit vinyl milky liquid, © Catharina van Eetvelde, VG Bild-Kunst, Bonn, 2016, © Foto: Charles Duprat, Courtesy die Künstlerin und Galerie Greta Meert, Brüssel Umfassende Publikation zur ersten Einzelausstellung der innovativen Zeichnerin im musealen Kontext ilk.egg.erg.volo ut sis subject 0011, © Catharina van Eetvelde, VG Bild-Kunst, Bonn, 2016 © Foto: Charles Duprat, Courtesy die Künstlerin und Galerie Greta Meert, Brüssel Comprehensive publication accompanying the first solo exhibition of this innovative draughtswoman ilk.egg._erg.LBYD/SOI, © Catharina van Eetvelde, VG Bild-Kunst, Bonn, 2016, © Foto: Charles Duprat, Courtesy die Künstlerin und Galerie Greta Meert, Brüssel ilk, i prefer not to, © Catharina van Eetvelde, VG Bild-Kunst, Bonn, 2016, © Foto: Charles Duprat, Courtesy die Künstlerin und Galerie Greta Meert, Brüssel Catharina van Eetvelde ILK Texte von / Texts by Tobias Burg, Anita Haldemann, Olivier Sécardin Gestaltet von / Designed by Istvan Dohar / Nanopublications Klappenbroschur / Softcover 21,6 x 27,9 cm 224 Seiten / pages 144 Farbabb. / color ills. DEUTSCH / ENGLISCH ISBN 978-3-86828-758-5 Euro 38,00 Lieferbar, noch nicht angekündigt / Available, previously unannounced 9 783868 287585 72 Herausgegeben von / Edited by Kunstmuseum Basel, Museum Folkwang Ausstellungen / Exhibitions Kunstmuseum Basel 26.11.2016 – 12.03.2017 Museum Folkwang, Essen 29.09.2017 – 14.01.2018 www.kehrerverlag.com Kunst / Art Seit 2004 entwickelt Catharina van Eetvelde (* 1967 in Gent) eine herausragende und zukunftsweisende zeichnerische Position. Zeichnen bildet für die Künstlerin seit jeher die Grundlage ihrer Tätigkeit, doch versteht sie Zeichnen nicht als eine allein dem Medium Papier verpflichtete Aktivität. Vielmehr ist Zeichnen für sie eine Grundeinstellung oder gar ein Bewusstseinszustand, der die Art und Weise definiert, mit der sie sich in Beziehung setzt zur Welt, im Speziellen zu den Naturwissenschaften. Mit einem geradezu anthropologischen Ansatz analysiert und hinterfragt van Eetvelde, wie diese unser Leben und unsere Vorstellungen prägen. Catharina van Eetvelde zeichnet im Wissen um die Fragilität ihrer Arbeiten. Sie schafft nicht Werke für die Ewigkeit, auch wenn sie äußerst sorgfältig mit dem Material umgeht. Vielmehr sind ihre Zeichnungen und Collagen sehr empfindliche Werke. Die Künstlerin schafft Linien in allen erdenkbaren Formen: als Spuren, die sie auf Papier zieht; als Worte, die mit Faden auf Papier oder Filz gestickt sind; als lineare Aneinanderreihung von Materialien im Raum oder als geisterhafte, »digitale« Linien, die kurz als Animation auf einem Bildschirm auftreten und gleich wieder verschwinden. Since 2004, Catharina van Eetvelde (b. 1967, Ghent) has been developing an exceptional and pathbreaking stance on drawing. For the artist drawing has always constituted the foundation of her work, but she does not understand drawing as an activity bound exclusively by the medium of paper. Rather, drawing is the way in which she relates to the world, and in particular to the natural sciences. Using an approach that is downright anthropological, the artist analyzes and investigates how the natural sciences shape our lives and our conceptions. Against the seemingly unimpeachable authority of science, van Eetvelde sets her art – a chaotic system that cannot be predicted or steered. Catharina van Eetvelde draws in full awareness of the fragility of her works. She does not produce works for eternity, even when she handles the material with extreme care. Rather, her drawings and collages are very delicate works. The data comprising her vector-based drawings and animations are equally limited in lifespan, since their readability depends on computer software. The artist creates lines in all their imaginable forms: as traces that she leaves on the paper; as words embroidered with thread on paper or felt; as linear arrangements of material in space; or as ghostly »digital« lines that briefly appear on a screen as animation and disappear again. 73 Eine Galerie prägnanter, kurioser Charaktere, ein nostalgischer Bildroman in skurillen Kugelschreiberzeichnungen Jan Schmelcher The Duarte Files A gallery of striking, curious characters, a fragmentary Graphic Novel in nostalgic and quirky ballpoint-pen drawings Herausgegeben von / Edited by Andreas Greulich Texte von / Texts by Andreas Greulich Brendan Embser Wattenberg Gestaltet von / Designed by Claudia Behm Kehrer Design (Martin Lutz) Leineneinband mit Siebdruck / Cloth hardcover with silk-screen print 22 x 32 cm 96 Seiten / pages 42 Farbabb. / color ills. DEUTSCH / ENGLISCH ISBN 978-3-86828-754-7 Euro 39,90 Lieferbar, noch nicht angekündigt / Available, previously unannounced 9 783868 287547 74 www.kehrerverlag.com Kunst / Art In den lakonischen, eigenwilligen Zeichnungen und den begleitenden fragmentarischen Kurztexten tut sich eine von Schattenwirtschaft, Exotismus und Geheimnis bestimmte Welt auf. In Andeutungen ist die Rede von zwielichtigen Deals, absurden Biografien, wechselnden Identitäten. Es treten auf: obskure Poeten, Alligatorfarmer, Journalisten im Exil, windsurfende Mafiosi, Geschäftsfrauen im Dienst der Vatikanbank, elegante Männer, die das Tageslicht meiden. Und das ist nur der Anfang der Geschichte. Jan Schmelcher treibt in seinen Zeichnungen ein cooles, komisches Spiel mit unserer Faszination am Outsider, am Skandal, am unaufgedeckten Verbrechen. Dass die einzelnen Figuren dabei wie Prototypen einer Milieustudie der Halbwelt wirken und an Filme der 1960er- und 1970er-Jahre erinnern, macht den Charme und den nostalgischen Zauber dieses Buchs aus. Den Zeichnungen steht in diesem Buch eine Kurzgeschichte von Brendan Embser Wattenberg zur Seite. In ironischer, elliptischer Erzählweise spinnt der Autor einen Erzählstrang der Duarte Files weiter und verbindet ihn mit einer grotesken, fiktiven Künstlerbiografie. A world defined by shadow economy, exoticism, and mystery opens up in the laconic, unconventional drawings and the accompanying fragmentary short texts. Shady deals, absurd life stories, changing identities are hinted at. The protagonists: obscure poets, alligator famers, journalists in exile, wind-surfing mafiosi, businesswomen in the service of the Vatican Bank, elegant men who avoid daylight. And that is just the start of the story. In his drawings, Jan Schmelcher plays a cool, comical game with our fascination with the outsider, with scandal, with unexposed crimes. At the same time, the fact that the individual characters have the effect of prototypes of a milieu study of the demimonde and recall Sixties and Seventies movies constitutes this book’s charm and nostalgic magic. The drawings are accompanied in this book by a short story by Brendan Embser Wattenberg. Applying an ironic, elliptical narrative technique, the author further draws out a narrative thread from The Duarte Files and combines it with a grotesque, fictional artist’s biography. 75 Neueste Serie von Zeichnungen des international bedeutenden Künstlers Recent series of drawings of the international renown artist Abraham David Christian Silva Nigra Der schwarze Wald Herausgegeben von / Edited by Kulturamt der Stadt Pforzheim Kein / no Text Gestaltet von / Designed by Kehrer Design (Katharina Stumpf) Festeinband / Hardcover 21 x 26,5 cm 168 Seiten / pages 81 Duplexabb. / duotone ills. ISBN 978-3-86828-755-4 Euro 39,90 Lieferbar, noch nicht angekündigt / Available, previously unannounced 9 783868 287554 Ausstellung / Exhibition Kunstmuseum Pforzheim, 23.10.2016 – 19.03.2017 76 www.kehrerverlag.com Kunst / Art Der international bedeutende Zeichner und Bildhauer Abraham David Christian (* 1952) hat 2013 die 81-teilige Zeichnungsgruppe Silva Nigra. Der schwarze Wald geschaffen. Nach einer erfolgreichen Ausstellung in Japan werden die Zeichnungen nun erstmals in Deutschland präsentiert. Abraham David Christian fuhr auf gut Glück im Schwarzwald umher, erwanderte dieses große Gebiet intuitiv und ließ dabei bekannte und große Orte aus. An den für ihn bedeutenden Orten hielt er die Zeit im Zeichnen an. Seine Zeichnungen haben die eminente Aufgabe das Wahrgenommene sichtbar zu machen, den Lauf der Zeit zu unterbrechen, die Realität ohne Worte zu reflektieren. Abraham David Christian nahm 1972 und 1982 an der Documenta teil. Seine Zeichnungen und Skulpturen sind in zahlreichen wichtigen Privatsammlungen und Museen im In- und Ausland vertreten. Skulpturen von ihm befinden sich im öffentlichen Raum zum Beispiel in Den Haag, im Nationalmuseum für moderne Kunst in Tokio, im Museum Ludwig in Köln und in der Nationalgalerie Berlin. In 2013, the internationally renowned draughtsman and sculptor Abraham David Christian (b. 1952) created the 81-part series of drawings Silva Nigra. Der schwarze Wald Following a well-received exhibition in Japan, the drawings are now being presented for the first time in Germany. Christian travelled around randomly in the Black Forest, hiking through this large territory intuitively, neglecting well-known and larger towns. At sites intuitively significant for him, he stopped time by drawing. His drawings have the eminent task of making what he perceived visible, interrupting the flow of time, and reflecting upon reality without words. Abraham David Christian participated in the documenta in 1972 and 1982. His drawings and sculptures are represented in numerous private collections and museums in Germany and abroad. Sculptures by him can also be found in public spaces in, among others, The Hague, The National Museum of Modern Art in Tokyo, the Museum Ludwig in Cologne, and the Nationalgalerie in Berlin. 77 Dieses Buch stellt erstmals Ramirez’ einzigartige Technik der Projektion von bewegten Bildern auf eine mit Gold präparierte Oberfläche vor This book presents for the first time Ramirez’ unique technique of projecting moving images on a surface prepared with gold Joe Ramirez Gold Projections Texts von / by Jim Rakete, Wim Wenders et al. Gestaltet von / Designed by Hannah Feldmeier Festeinband / Hardcover ca. 20 x 24 cm ca. 200 Seiten / pages ca. 110 Farbabb. / color ills. ENGLISCH ISBN 978-3-86828-785-1 ca. Euro 40,00 Februar/ February 2017 9 783868 287851 Ausstellung / Exhibition Ausstellungshallen am Kulturforum, Berlin, Februar / February 2017 78 www.kehrerverlag.com Kunst / Art Joe Ramirez ist ein visueller Poet, der Malerei und Film in einer neuen Sprache vereint: den Gold Projections. Über zwölf Jahre Entwicklungsarbeit an Prozess und Prototyp gipfelten in einer Technik, die inzwischen durch ein internationales Patent anerkannt ist: der Projektion von Bildern auf eine mit Gold präparierte Fläche. In diesem Künstlerbuch-Debüt wird eine ganze Lebensspanne an Träumen aus Licht kondensiert, um den einzigartigen Prozess des in Kalifornien geborenen Künstlers zu präsentieren, den Wim Wenders als »Renaissance-Künstler des 21. Jahrhunderts« bezeichnete. Vom Möbeldesigner über den klösterlichen Freskenmaler zum Erfinder und Filmemacher – Ramirez vereint Welten, die nur scheinbar zusammenhanglos sind. Indem er die exquisiten wasservergoldeten Oberflächen selbst baut, die goyaeske Bewegtbilder aus hochmodernen Projektoren empfangen, erschafft Ramirez auf meisterliche Weise eine Aufhebung der Zeit, die an Andrej Tarkowski erinnert. Das Buch zeigt Fotos von Gemälden, runde Silberstiftzeichnungen, wasservergoldete Platten und Standbilder aus Gold Projections, aus denen die zeitlose Sprache von Träumen und Erinnerungen spricht. Joe Ramirez is a visual poet, synthetizing painting and film in a new language: the Gold Projections. Over twelve years of process and prototype development finally culminated in what is now a technique recognized by international patent, the projection of images on a surface prepared with gold. In this debut artist book, an entire lifetime of dreaming in light is condensed to display a process unique to the California-born artist, who Wim Wenders considers »a XXI century Renaissance artist«. From furniture designer to monastic fresco painter, and inventor-filmmaker, Ramirez unites worlds that are only apparently disjointed. Personally building exquisite, waterguilded surfaces receiving Goyaesque moving images from state-of-the-art projectors, Ramirez is a master in creating a suspension of time evocative of Andrei Tarkovsky. The book includes pictures of paintings, round silverpoints, water-guilded panels and stills from the Gold Projections, which speak the timeless language of dreams and memories. 79 Mischa Kuball betreibt mit den Mitteln des Films und der Fotografie eine Schattenmalerei mit den Werken von Ernst Ludwig Kirchner With the means of film and photography Mischa Kuball engages in a form of shadow painting with the works of Ernst Ludwig Kirchner Kirchner Museum Davos Mischa Kuball. Licht auf Kirchner Herausgegeben von / Edited by Thorsten Sadowsky Texte von / Texts by Thorsten Sadowsky, Reinhard Spieler, Silke Walther Gestaltet von / Designed by Susanne Bax Festeinband / Hardcover ca. 21,5 x 27,5 cm ca. 120 Seiten / pages ca. 45 Farbabb. / color ills. DEUTSCH / ENGLISCH ISBN 978-3-86828-761-5 ca. Euro 39,90 Februar / February 2017 9 783868 287615 Ausstellung / Exhibition Mischa Kuball. Licht auf Kirchner Kirchner Museum, Davos 20.11.2016 – 30.04.2017 80 www.kehrerverlag.com Kunst / Art Der Konzeptkünstler Mischa Kuball (*1959) arbeitet seit 1984 im öffentlichen und institutionellen Raum. 2016 wurde er mit dem Deutschen Lichtkunstpreis ausgezeichnet. Künstliches Licht ist eines der wandlungsfähigsten Medien, überall einsatzfähig, beliebig form- und schaltbar und zugleich voller Symbolkraft, Suggestion und Emotion. Mischa Kuball setzt Monitore, Videoprojektionen, Scheinwerfer und Diaapparate ein, um festgefugte Raumstrukturen und Wahrnehmungstopoi medial aufzubrechen, zu hinterfragen oder neu zu besetzen. In der Ausstellung Licht auf Kirchner wird von Mischa Kuball die Idee des Ablichtens und Projizierens von Werken Ernst Ludwig Kirchners in einer komplexen Installation umgesetzt. Mischa Kuball verknüpft die zentralen Aspekte der Malerei Kirchners, Bewegung und Farbe, in seiner Installation und ergänzt diese mit eigenen Schattenbildern und Schattenprojektionen. Mischa Kuball antwortet auf die bunte Kirchner-Welt mit Schwarz-Weiß-Kontrasten und unterstreicht damit, dass der Schatten neben dem Spiegel der Prototyp der Bilderproduktion ist. The conceptual artist Mischa Kuball (b. 1959) has been making installations involving light in public and institutional spaces since 1984. In 2016 he received the German Light Art Award. Artificial light is one of the most adaptable media that can be used anywhere and moulded and controlled any way you want, and at the same time it is powerfully symbolic, suggestive, and emotive. Mischa Kuball uses monitors, video projections, spot lights, and slide projectors to medially break up, question or re-interpret fixed spatial structures and perceptual topoi. In his exhibition Light on Kirchner Mischa Kuball translates the idea of photographing and projecting works Ernst Ludwig Kirchner into a complex installation. Mischa Kuball combines the central aspects of Kirchner’s painting, movement, and color, in his installation and adds his own shadow images and projections to them. Mischa Kuball responds to the colorful world of Kirchner with black-and-white contrasts, thereby underscoring that the shadow, along with the mirror, is the prototype of image production. 81 Skizziert die Möglichkeiten von Malerei, die wahren Wünsche und Konflikte der gesellschaftlichen Wirklichkeit widerzuspiegeln Sketches the possibilities for painting to reflect the true desires and conflicts of social realities Ivan Grubanov Unnation. A Conversation Herausgegeben von / Edited by Peter Vermeersch Texte von / Texts by Ivan Grubanov, Peter Vermeersch Gestaltet von / Designed by Zeljko Rajacic / Studio Arhe Festeinband / Hardcover 24,2 x30,4 cm 128 Seiten / pages 56 Farb- und S / W-Abb. / color and b/w. ills. ENGLISCH ISBN 978-3-86828-756-1 Euro 39,90 Lieferbar, noch nicht angekündigt / Available, previously unannounced 9 783868 287561 82 www.kehrerverlag.com Kunst / Art »Unnation«, ein englischer Begriff aus dem 17. Jahrhundert, wird seit über 100 Jahren nicht mehr verwendet. Dennoch ist er entscheidend, um zu verstehen, wie tiefgreifend die gegenwärtigen sozialen und politischen Umwälzungen sind, vor allem die europäischen »Migrantenkrisen« der letzten Zeit. Ivan Grubanov, Maler und Philosoph, macht sich mithilfe des Politikwissenschaftlers Peter Vermeersch auf die Suche nach neuen Bezügen für einen uralten Begriff, der zwei seiner erschütternden persönlichen Erfahrungen umfasst: den Bürgerkrieg in seinem Heimatland, dem ehemaligen Jugoslawien, und in jüngerer Zeit ein paar dort verbrachte Jahre, in denen er Kontakte zu illegalen Migranten auf dem Weg nach Europa unterhielt. Grubanov definiert diese Migranten als »unnationed« und etabliert diese Definition durch ein Geflecht von lebendigen Beschreibungen seiner Begegnungen mit ihnen, aber auch durch philosophische Spekulation und seine eigenen Gemälde. Grubanov will mehr als nur einen alten Begriff wiederbeleben – er sucht nach Wegen malerischer Praxis als Methode zur Definition sozialer Phänomene. Ivan Grubanovs (* 1976 in Belgrad) Arbeiten wurden in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt, unter anderem im serbischen Pavillon bei der 56. Biennale von Venedig. Peter Vermeersch (* 1972) ist Professor für Sozialwissenschaften und Politik sowie Autor literarischer Sachbücher. »Unnation« is a 17th century term that hasn’t been in use for over a hundred years. However, its meaning is crucial for understanding the depth of contemporary social and political turmoil, especially the recent »migrant crises« in Europe. Ivan Grubanov, a painter and philosopher, with the aid of a political scientist, Peter Vermeersch, embarks on seeking new references for an ancient term that incorporates two of his own troubling experiences: the civil war in his native former Yugoslavia and more recently a few years spent there with illegal migrants on their passage to Europe. Grubanov defines the migrants as being unnationed and establishes his definition through a network of vivid descriptions of encounters with them, but also through philosophical speculation and his own paintings. Grubanov seeks for more than to re-establish an ancient term, he seeks for the ways of painterly practice to be the method of defining social phenomena. Ivan Grubanov’s (b. 1976 in Belgrade) work has been shown in numerous solo and group exhibtions, e. g. the Serbian Pavilion at the 56th Venice Biennial. Peter Vermeersch (b. 1972) is a professor of social science and politics and a writer of literary non-fiction. 83 Willi Gutmann mit der Aluminium-Skulptur Die Vielfältige, 1965 © Archiv Gutmann The first comprehensive publication of Gutmann’s sculptural work Symbol, 1969 / 72, Forschungszentrum von Philip Morris, Inc. in Richmond / Virginia © Archiv Gutmann The Big One (Die Grosse – aus zwei Scheiben), 1967, © Oliver Berlin (Atlanta/ Georgia) Erste umfassende Publikation über Gutmanns bildhauerisches Schaffen Willi Gutmann Form – Bewegung – Skulptur Herausgegeben von / Edited by Axel Wendelberger Texte von / Texts by Pit Gutmann, Haig Khachatoorian, Axel Wendelberger Gestaltet von / Designed by Axel Wendelberger Ausstellung in Zürich, 1969, © Archiv Gutmann Festeinband mit Schutzumschlag / Hardcover with dust jacket 24 x 30 cm 176 Seiten / pages 200 Farb- und S / W-Abb. / color and b/w ills. ISBN 978-3-86828-760-8 Euro 39,90 Lieferbar, noch nicht angekündigt / Available, previously unannounced 9 783868 287608 84 DEUTSCH www.kehrerverlag.com Kunst / Art Der Schweizer Künstler Willi Gutmann hat zeitlose Werke von bestechender Schönheit geschaffen. Sein größtes Werk, eine 24,50 Meter hohe Skulpturengruppe, steht in San Francisco. Das kleinste Werk ist ein zerlegbarer Würfel mit einer Kantenlänge von einem Zentimeter. Solche Gegensätze – Monumental / Miniatur, Zerteilen / Zusammenfügen, Positiv / Negativ, Konstruktiv / Organisch – kennzeichnen Willi Gutmanns Kunst. Das Einbeziehen des Betrachters in das Endresultat eines Kunstwerkes war ihm ein zentrales Anliegen. Willi Gutmanns variable Skulpturen stellen einen einzigartigen Beitrag zur kinetischen Kunst dar, dessen angemessene Würdigung bis heute aussteht. Dieses Buch ist die erste umfassende Publikation über das bildhauerische Schaffen des Ausnahmekünstlers. Willi Gutmann (*1927 in Dielsdorf / Schweiz – 2013 in Oberhasli / Schweiz) eröffnete nach abgeschlossenem Studium an der Kunstgewerbeschule Zürich ein Büro für Innenarchitektur, war jedoch immer auch künstlerisch tätig. Seit 1965 arbeitete er ausschließlich als freischaffender Bildhauer. Bereits drei Jahre später wurden Monumentalskulpturen von ihm in den USA und in Mexiko aufgestellt. The Swiss artist Willi Gutmann created timeless works of outstanding beauty. His largest work, a 24.5-meter-tall sculptural group, stands in in San Francisco. The smallest work is a dismountable cube, the sides of which measure only one centimeter. Such contrasts – monumental / miniature, taking apart / putting together, positive / negative, constructivist / organic – are characteristic of Willi Gutmann’s artistic work. The inclusion of the viewer in the final result of a work of art was one of his primary concerns. Although Willi Gutmann’s variable sculptures represent a unique contribution to kinetic art, they have yet to be appropriately appreciated. This book is the first comprehensive publication of the sculptural work of this extraordinary artist. After completing his studies at the School of Arts and Crafts in Zurich, Willi Gutmann (1927 in Dielsdorf – 2013 in Oberhasli) set up an office for interior design, whereby he was also always active as an artist. In 1965, he began working exclusively as an independent sculptor. As early as three years later, he installed monumental sculptures in both the USA and Mexico. 85 VOL. 03 ABSTRACT MUSIC sound, art, media & architecture Beiträge zur künstlerischen Abstraktion in Kontext akustischer Formen Ulrich Eller / Christoph Metzger VOL. 03 Abstract Music. sound, art, media & architecture Contributions to artistic abstraction in the context of acoustic forms Herausgegeben von / Edited by Wolfgang Ellenrieder, Ulrich Eller, Christoph Metzger Gestaltet von / Designed by Kehrer Design 86 www.kehrerverlag.com DEUTSCH ISBN 978-3-86828-774-5 Euro 29,90 Juni / June 2017 9 783868 287745 Mit Beiträgen von / Contributions by Peter Ablinger, Eckart Altenmüller, Sam Auinger, Thomas Becker, Laura Breede, Ulrich Eller, Michael Glasmeier, Gerhard Glatzel, Hauke Harder, Katharina Henkel, Ann Kristin Krahn, Heike Klippel, Ulrike Kregel, Burkhard Krüger, Karlheinz Lüdeking, Christoph Metzger, Jutta Moster-Hoos, Helga de la Motte-Haber, Claudia Ohmert, Sabine Sanio, Matthias Schulz, Annette Tietenberg Broschur / Softcover ca. 17 x 24 cm ca. 256 Seiten / pages ca. 60 Farb- und S / W-Abb. / color and b/w ills. Klangkunst / Sound Art Intermediale Formen mit Klang, technischen Medien und raumbildenden Maßnahmen verbinden heute viele Verfahren einzelner Künste. Was um 1900 entwickelt wurde und seit Jahrzehnten zusammenwirkt, fordert eine Beschreibung vergleichbarer Verfahren heraus. Während sich eine gängige künstlerische Praxis mit Teilbereichen etabliert hat, entzieht sich diese bislang erfolgreich ihrer systematischen Beschreibung. Erkenntnisse aktueller Forschung fließen aus den Bereichen der Neurowissenschaften, der Philosophie sowie Gestalttheorie in die klassischen Disziplinen wie Kunst-, Medienund Musikwissenschaft ein, um den Anteil kognitiver Leistungen innerhalb der Rezeption, der Ästhetik und Kritik zu bewerten. Die Beiträge in der Publikation entstanden im Rahmen der Tagung der Hochschule der Bildenden Künste in Braunschweig, die im Dezember 2016 durchgeführt wurde. Ziel der Tagung war eine künstlerische und theoretische Bestandsaufnahme eines aktuellen Begriffs der Abstraktion und wie dieser in unterschiedlichen Disziplinen der Künste verwendet wird, um musikterminologische Anteile, die als eine Konstante in der Beschreibung dynamischer Prozesse angenommen wird, herauszustellen. Today, many processes of the individual artistic genres merge intermedial forms with sound, technical media, and space-defining measures. What was developed around 1900 and has been developing for many decades challenges a description of comparable processes. Whereas conventional artistic practice with subdomains has become established, this successfully evades any systematic description. Findings from recent research flow from the fields of the neurosciences, philosophy, and gestalt theory into the classical disciplines of art history, media studies, and musicology to determine the role of cognitive faculties within reception, aesthetics, and criticism. The contributions in this publication are derived from a symposium held at the Braunschweig University of Art in December 2016. The goal of the symposium was an artistic and theoretical stocktaking of a contemporary concept of abstraction, as this is used in various disciplines of the arts, in order to assess the role of musical terminology, which we accept as a constant when describing dynamic processes. 87 Special Prices NEUE Webseite Mitte Januar Julio Bittencourt Andrea Hoyer In a Window of Prestes Maia ReCollections 911 Building Die Fotografien von Andrea Hoyer sind Zwei leerstehende Hochhäuser an der Avenida Prestes Maia, einer der größten Straßen São Paulos, wurden 2002 von 460 obdachlosen Familien besetzt. In streng formalem Aufbau porträtiert Julio Bittencourt die Bewohner an jeweils einem Fenster und erzählt so eine Geschichte über die Sehnsucht des Menschen nach einem Ort, der sich Zuhause nennt und sei er auch noch so ärmlich. The vacant high-rises on the Avenida Prestes Maia, one of São Paulo’s main thoroughfares were occupied in 2002 by 460 homeless families. In a strict formal composition Julio Bittencourt portrays the inhabitants looking out of windows of the building. In this way he tells a story about the unconquerable longing people feel for a place they can call home, no matter how squalid and precarious. Festeinband / Hardcover 27,5 x 27,5 cm 80 Seiten / pages 50 Farbabb. / color ills. die Quintessenz einer sechs Jahre langen Reise quer durch die frühere Sowjetunion. An die Filmeinstellungen des Regisseurs Andrei Tarkowski und die literarische Fantasie W. G. Sebalds erinnernd, porträtieren sie zwei ineinandergreifende Traumwelten: Moskau und die Provinz. Distilling six years of travel across the former Soviet Union, these images, reminiscent of Tarkovsky and the vision of W. G.Sebald, portray two intertwining dreamtimes: Moscow and the provinces. Glanz der Kaiser von China Kunst und Leben in der Verbotenen Stadt Insgesamt 90 Objektgruppen aus der Verbotenen Stadt in Peking geben Einblick in den universellen Herrschaftsanspruch der Kaiser von China und beleuchten das traditionelle Ideal des harmonisch geordneten Staates aus der Sicht des Kaiserhofs. A total of 90 groups of objects from the Forbidden City in Beijing provide insights into the claim to universal power made by the emperors of China and illuminate the traditional ideal of the harmoniously ordered state from the point of view of the imperial court. Leineneinband / Cloth hardcover 21 x 21 cm 144 Seiten / pages 29 Farb- und 29 Duplexabb. / 29 color and 29 duotone ills. Broschur / Softcover 24 x 30 cm 208 Seiten / pages 192 Farbabb. / color ills. ENGLISCH DEUTSCH ISBN 978-3-86828-237-5 Euro 14,00 (bisher / previously Euro 36,00) ISBN 978-3-86828-368-6 Euro 9,90 (bisher / previously Euro 34,90) DEUTSCH 9 783868 282375 9 783868 280111 88 9 783868 283686 ISBN 978-3-86828-011-1 Euro 9,90 (bisher / previously Euro 28,00) Special Prices www.kehrerverlag.com New Website with Shop Es ist geschafft – unsere neue Webseite ist online! Alle Informationen zu unseren Büchern, Künstlern und Autoren sind ab sofort schnell auffindbar, übersichtlicher und vielfältiger als bisher. Sie können sich eine Merkliste Ihrer Lieblingstitel anlegen und sie auch direkt in unserem Shop bestellen. Im neuen Pressebereich stehen Presseinformationen und -bilder zu unseren Neuerscheinungen zur Verfügung. Ein Newsblog hält Sie über Veranstaltungen und andere Neuigkeiten rund um unsere Bücher auf dem Laufenden. Wir wünschen Ihnen viel Spaß beim Stöbern. Fotografie / Photography We did it – our new website is now online! Complete information on our books, as well as relevant artists and authors, can now be swiftly accessed, more well organized and on a broader scale than ever before. You can create a watch list of your favorite titles and order them directly from our shop. On the press page, you will find press releases and images relating to our recent publications. A news blog keeps you informed of events and other news relating to our books. We wish you loads of fun while browsing. 89 Visit Kehrer Gallery Berlin Come and join us! FAIRS AND FESTIVALS 2017 art KARLSRUHE 16. – 19. Februar / February 16 – 19, 2017 The Photography Show (AIPAD), New York City 30. März – 2. April / March 30 – April 2, 2017 Photo London 18. – 21. Mai / May 18 – 21, 2017 BOOK TALKS ViennaPhotobookFestival 10. – 11. Juni / June 10 – 11, 2017 Rencontres d’Arles Eröffnungswoche 3. – 9. Juli / Opening week July 3 – 9, 2017 Künftig stellt Klaus Kehrer regelmäßig und gemeinsam mit den Autoren eine Auswahl an Neuerscheinungen vor. Fotografie- und Kunstbuchfreunde sind zu unseren nächsten Terminen herzlich willkommen. On a regular basis Klaus Kehrer will introduce a selection of new publications together with the authors. Photography and art book lovers are very welcome. The next book talks are scheduled for: Unseen Amsterdam 22. – 24. September / September 22 – 24, 2017 Buchmesse Frankfurt / Frankfurt Book Fair 11. – 15. Oktober / October 11 – 15, 2017 Paris Photo 9.– 12. November / November 9 – 12, 2017 JAN 27, 2017 MAR 3, 2017 APR 28, 2017 90 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography Öffnungszeiten Mittwoch bis Samstag | 12 – 19 Uhr und nach Vereinbarung Opening hours Wednesday to Saturday | 12 am – 7 pm and by appointment Potsdamer Straße 100 10785 Berlin, Germany + 49. 30. 688 16 949 www.kehrergalerie.com [email protected] 91 Kontakt und Vertrieb / Contact and Distribution Kehrer Verlag Heidelberg Berlin Vertretungen / Sales Representatives Hauptsitz / Head Office Heidelberg Heinsteinwerk Wieblinger Weg 21 69123 Heidelberg Deutschland / Germany [email protected] www.kehrerverlag.com www.artbooksheidelberg.com Pressekontakt / Press: Barbara Karpf Fon:+ 49 (0) 6221 6492018 [email protected] Vertrieb / Distribution: Kathrin Szymikowski Fon:+ 49 (0) 6221 6492025 kathrin.szymikowski@kehrerverlag. com Kehrer Galerie Potsdamer Str. 100 10785 Berlin Deutschland / Germany [email protected] www.kehrergalerie.com Vertriebskooperation mit / Sales Cooperation with avedition und / and Arnoldsche Verlagsanstalt (D, A, CH) Auslieferungen / Distribution Centers Auslieferung Deutschland und Österreich / Distributor Germany and Austria Stuttgarter Verlagskontor SVK GmbH Rotebühlstraße 77 70178 Stuttgart Deutschland / Germany Fon:+ 49 (0) 711 66721216 Fax: + 49 (0) 711 66721974 [email protected] www.svk.de Auslieferung Schweiz / Distributor Switzerland AVA Verlagsauslieferung Centralweg 16 8910 Affoltern am Albis Schweiz / Switzerland Fon:+ 41 (0) 44 7624200 Fax: + 41 (0) 44 7624210 [email protected] www.ava.ch Deutschland Nord / Northern Germany (Berlin, Brandenburg, Bremen, Hamburg, Mecklenburg-Vorpommern, Niedersachsen, Sachsen, Sachsen-Anhalt, Schleswig-Holstein, Thüringen) buchart Verlagsvertretungen Jastrow+Seifert+Reuter Büro: Cotheniusstr. 4 10407 Berlin Deutschland / Germany Fon:+ 49 (0) 30 44732180 Fax: + 49 (0) 30 44732181 [email protected] Showroom: Greifenhagener Str. 15 10437 Berlin Deutschland Süd, Luxemburg und Österreich / Southern Germany, Luxembourg and Austria (Baden-Württemberg, Bayern, Hessen, Nordrhein-Westfalen, Rheinland-Pfalz, Saarland) Michael Klein c/o Vertreterbüro Würzburg Huebergasse 1 97070 Würzburg Deutschland / Germany Fon:+ 49 (0) 931 17405 Fax: + 49 (0) 931 17410 [email protected] Stefan Schempp Verlagsvertretungen Wilhelmstraße 32 80801 München Deutschland / Germany Fon:+ 49 (0) 89 23077737 [email protected] Niederlande / The Netherlands Jan Smit Boeken Eikbosserweg 258 1213 SE Hilversum Niederlande / The Netherlands Fon + 31 (0) 35 6219267 [email protected] Belgien / Belgium Exhibitions International Art & Illustrated Books Kol. Begaultlaan 17 3012 Leuven Belgien / Belgium Fon:+ 32 (0) 16 296900 Fax: + 32 (0) 16 296129 [email protected] www.exhibitionsinternational.org Frankreich, Italien, Spanien, Portugal, Griechenland, Malta / France, Italy, Spain, Portugal, Greece, Malta Flavio Marcello Publishers’ Representative Via Belzoni, 12 35121 Padua Italien / Italy Fon:+ 39 (0) 49 8360671 Fax: + 39 (0) 49 8774051 [email protected] Schweiz / Switzerland Sebastian Graf Uetlibergstraße 84 8045 Zürich Schweiz / Switzerland Fon:+ 41 (0) 44 4634228 [email protected] Skandinavien / Scandinavia Elisabeth Harder-Kreimann Joachim-Mähl-Str. 28 22459 Hamburg Deutschland / Germany Fon:+ 49 (0) 40 55540446 Fax: + 49 (0) 40 55540444 [email protected] Kroatien, Tschechische Republik, Ungarn, Polen, Slovakei, Slowenien / Croatia, Czech Republic, Hungary, Poland, Slovakia, Slovenia Michael Geoghegan Fon:+ 44 (0) 20 74351662 Fax: + 44 (0) 20 74350180 [email protected] USA, Kanada / USA, Canada Consortium Book Sales & Distribution 34 13th Avenue NE, Suite 101 Minneapolis, MN 55413-1007, USA Fon:+ 1 800 2833572 Fax: + 1 800 3515073 [email protected] Electronic ordering via PUBNET (SAN 631760X) www.cbsd.com Großbritannien, Irland / Great Britain, Ireland Turnaround Publisher Services Ltd Unit 3, Olympia Trading Estate Coburg Road London N22 6TZ Großbritannien / Great Britain Fon:+ 44 (0) 20 88293000 Fax: + 44 (0) 20 88815088 [email protected] www.turnaround-uk.com Ferner Osten / Far East Ashton International Marketing Services Julian Ashton PO Box 298, Sevenoaks Kent TN13 1WU Großbritannien / Great Britain Fon:+ 44 (0) 1732 746093 Fax: + 44 (0) 1732 745096 [email protected] Japan Kana Kawanishi Art Office 3-9-11 Minami Azabu, Minato-ku Tokyo 106-0047 Japan Fon:+ 81 (0) 3 58439128 [email protected] www.kanakawanishi.com China (außer / excluding Hong Kong, Macao) Sino Publishers Services Limited Rance Fu 3-303 Building 1 Tianjiaojunyuan Fengtai District Beijing China 100160 Fon:+ 86 10 63016398 Mobile: + 86 135 21555031 [email protected] Südamerika / South America IMA / Intermediaamericana David Williams PO Box 8734 London SE21 7ZF Großbritannien / Great Britain Fon: + 44 (0) 20 72747113 Fax: + 44 (0) 20 72747103 [email protected] Südafrika, Swasiland, Lesotho, Namibia und Botswana / South Africa, Swaziland, Lesotho, Namibia and Botswana Peter Hyde Associates 5 + 7 Speke Street (Corner Nelson Street) Cape Town 8000 Südafrika / South Africa Fon: +27 (0) 21 4475300 Fax: +27 (0) 21 4471430 [email protected] Cover: Cooper & Gorfer Girls Sewn to Trees, 2014 Aus / from I Know Not These My Hands (The Seek Volumes) Seite / page 1 www.kehrerverlag.com Fotografie / Photography 93
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